samedi 30 juin 2018

Willem Kalf (1619-1693) - Intérieur de cuisine


Willem Kalf (1619-1693) 
Nature morte dans un Intérieur de cuisine 
Fondation Custodia (Collection Frits Lugt)

Que voit on ? Une magnifique (et assez complexe) nature morte très différente des somptueuses compositions à base  de porcelaines, de Nautiles et de cristaux précieux dont  Willem Kalf se fit l'initiateur et qui sont connues sous le nom de pronkstillevansnatures mortes d'apparat » ou « ostentatoires »). 
La composition est le contraire de  ses natures mortes ostentatoires habituelles !
L'espace élargi à la taille d'une piece et non plus d'une table) set coupée en deux.
Dans sa partie droite, sous un éclairage opportunément tombé d'une lucarne en hauteur, plusieurs éléments du quotidien d'une cuisine paysanne vont constituer la nature morte elle-même :  divers chaudrons en cuivre et baquets en bois, plats en céramique vernissée, pots, écumoires et ustensiles, torchons et linges de service (pas moins de quatre  différents dans cet espace), balais, bougeoir et fagot de bois mais aussi bouteille d'huile (en forme d'ampoule !), petite bouteille de vins et verre à moitié rempli prêt à être servi ; dans sa partie gauche dans l'ombre du fond de la cuisine : deux personnages ( une femme et un veil homme) à peine révélés par le feu de la cheminée, se réchauffent et s'agitent devant un chaudron où mijote le plat du jour ! 

Rappel biographique : le peintre néerlandais Willem Kalf est l'un des plus grands peintres de nature morte de son époque. Il travaille à Paris entre 1642 et 1646. Il retourne aux Pays-Bas et vit d'abord à Hoorn, puis s'installe en 1653 à Amsterdam.  Ces toiles où l'on remarque les influences flamandes, se composent habituellement de pièces d'argenterie, de porcelaine chinoise, de tapis d'orient,  de verres précieux et de denrées exotiques. Ces éléments sont étalés pour évoquer la richesse de la Hollande du 17e siècle,  la puissance de sa flotte et l'efficacité de son réseau marchand.  Mais il a beaucoup peint aussi les intérieurs paysans  de son temps  ce  qui constitue un témoignage sociologique irremplaçable et toujours surprenant pour qui se donne la peine de regarder le détail. 
Utilisant une pâte nourrie, appliquée généreusement, Kalf parvient à rendre à merveille les différentes textures. La qualité de ses œuvres l'a fait comparé à Johannes Vermeer (1632-1675) surtout pour le velouté des rendus de matière où il était passé maître.

vendredi 29 juin 2018

Jean Fautrier (1898-1964) - Nature morte aux poissons I



Jean Fautrier (1898-1964)
Nature morte aux poissons I
Collection particulière

Que voit on ?  Cinq ou six poissons sur un papier journal, façon dont les commerçants emballaient les poisson jusqu'à la fin du 20e siècle, l'encre d'imprimerie étant supposée avoir des pouvoirs antiseptiques. Dans cette composition Fautrier semble délaisser ses poissons " bleus" favoris (sardines et maquereaux) pour leur préférer des dorades plus chatoyantes.

Rappel biographique : le peintre, sculpteur et graveur  français Jean Léon Fautrier est, avec Jean Dubuffet, le plus important représentant du courant de  " l'Art Informel "  appelé aussi " Art Brut " ou   " Tachisme ". L’Art Informel regroupe à la fois le courant de l’abstraction lyrique avec ses techniques d’expressions essentiellement gestuelles, le matiérisme dont l’objet est de travailler les matières sur les surfaces de la toile, et par rapprochement, le spatialisme dont les recherches portent sur les dimensions de l’espace et du temps et sur la lumière. D’autres courants, comme le mouvement CoBrA, le Groupe Gutail’expressionnisme abstrait en Allemagnel’Action Painting de Jacskon Pollock aux Etats-Unis peuvent être rapprochés aussi de l'Art Informel.
Fautrier est aussi un pionnier de la technique des hautes pâtes.  Dès l'âge de 14 ans, il étudie l’art à la Royal Academy de Londres et  découvre les peintures de Turner qui l'impressionnent beaucoup. De retour en France, il est mobilisé en 1917. Gazé à Montdidier, il est définitivement réformé en 1921. Il expose dès 1921 des natures mortes et des portraits. En 1923, il rencontre Jeanne Castel, avec laquelle il vivra un certain temps. En 1924, première exposition personnelle et premières ventes ; l’année suivante, le marchand d’art Paul Guillaume lui achète quelques tableaux. C’est avec ce même Paul Guillaume que Fautrier passe un contrat d’exclusivité en 1927. Jusqu'en 1933 il se partage entre sculpture, peinture et gravures. Il réalise notamment des gravures pour l'édition illustrée de l'Enfer de Dante préparée par Gallimard, projet qui n'aboutira pas. Quelques unes de ses peintures sont exposées en 1945 à la Galerie Drouin, suscitant une vive admiration de l'intelligentsia parisienne. Le catalogue de l'exposition était préfacé par André Malraux. Dans les années qui suivent, Fautrier travaille à l'illustration de plusieurs ouvrages, parmi lesquels L'Alleluiah de Georges Bataille et enchaîne sur une série consacrée aux petits objets familiers. En 1950, il invente avec sa compagne,  Jeanine Aeply, un procédé complexe mêlant reproduction chalcographique et peinture, qui permet de tirer ses œuvres à plusieurs exemplaires, pour obtenir ce qu’ils appelleront des « originaux multiples ».
Jean Fautrier reste, au delà des modes et des mouvements, un très grand peintre français, injustement oublié dans ce début de 21e siècle.

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jeudi 28 juin 2018

Pablo Picasso (1881-1973) - Nature morte avec chat et homard




Pablo Picasso (1881-1973)
Nature morte avec chat et homard, 1962.
Collection Particulière

 Que voit on ? une composition très cassante, très Goyesque, de cet amoureux passionné des natures mortes que fut Picasso. Ici  sur éclatant fond jaune, un chat en vedette intrigué par la pince ouverte du homard prêt à fuir hors du cadre, s'il n 'avait été immobilisé dans une cuisson fatale qui lui donne cette belle couleur rouge. Par contre près du poisson blanc qui occupe le bas du cadre, semblent s'agiter encore  quelques écrevisses bien vivantes !  Mais bien sûr qu'il les a vues !

Rappel biographique : lUtilisant tous les supports pour son travail, il est considéré comme le fondateur du cubisme avec Georges Braque auquel son nom est lié surtout dans le domaine des natures mortes. Il est considéré comme l'un des plus importants artistes du 20e siècle tant par ses apports techniques et formels que par ses prises de positions politiques et que par l'immensité de son production tous genre confondus, que l'on chiffre à près de 50 000 œuvres.
Les premiers collages et assemblages sont réalisés pendant l'hiver 1912, Nature morte à la chaise cannée (Paris, Musée Picasso), Guitare(s) en carton (Paris, Musée Picasso). A partir des années 20 ses natures mortes seront très proches, sur la même ligne de conception " cubiste analytique " que celles de George Braque, dont il devient un temps l'intime avant de s'en séparer définitivement.  Il y eut une connivence d'inspiration très rare entre ces deux peintres pendant une certaine période de leur vie et en particulier dans le domaine particulier du traitement de la nature morte. 
Picasso peint  beaucoup d'autres natures mortes après la Seconde guerre mondiale et hors de la période cubiste, mais ce n'est pas un genre qui tient une place aussi essentielle dans son oeuvre que dans l'oeuvre de Georges Braque.

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mercredi 27 juin 2018

Marie Laurencin (1883-1956) - Nature morte au livre, au citron et aux perles



Marie Laurencin (1883-1956)
Nature morte au livre, au citron et aux perles
Collection particulière

Que voit on ? Sur un fond traité en celadon et rose que Marie Laurencin a souvent utilisé pour mettre en scène le jaune des citron, un livre blanc occupe le centre de la composition alors qu'au fond un collier de perles déborde d'une coupe. La touche est rapide et sans beaucoup de nuances et pourtant il en émane une poésie rare.

Rappel biographique  :  Marie Laurencin est une peintre française étroitement associée à la naissance de l'art moderne. Portraitiste, illustratrice et graveuse, elle fut également une épistolière  et a composé des poèmes en vers libres, indissociables, dans le cours de son processus de création, de l'expression picturale des scènes fantasmatiques qu'elle représente.
Co-disciple de Braque, créature de Roché, muse d'Apollinaire, disciple de Matisse soutenue par Derain, amie de Picasso jusqu'à leur rupture et amante de Nicole Groult, Marie Laurencin a fait de son style un dépassement du fauvisme que du cubisme. Sa vie entière apparait comme une œuvre emblématique, tant du point de vue artistique que de la libération de la femme. Si sa gloire internationale de l'entre-deux-guerres a été ternie durant l'Occupation par ses mondanités déplacées et sa collaboration muette, sa vie comme sa peinture ont fasciné de nouveau, après une longue période de purgatoire. Très peu exposée en France, il faut attendre 2011 pour qu'une biographie explore sa part d'ombre et le printemps 2013 pour qu'une exposition parisienne la fasse redécouvrir au grand public. Antithèses des cauchemars de Goya, qui fut son seul idéal, ses aquarelles vives et glacis pastel répètent indéfiniment le mystère ambigu et hallucinant de « princesses » et de bêtes féeriques, de fleurs et d'adolescentes à la pâleur irréelle. En une réminiscence des fêtes galantes de Watteau, le trait fluide saisit l'instant extatique d'une pose dansante par leurs regards muets comme ceux d'un masque. Ses natures mortes, qui ne sont pas très nombreuses, sont toutes très fluides et pour certaines même presque diaphanes, entraînant les sujets qu’elle traite vers une abstraction douce assez étrange...

mardi 26 juin 2018

William Merritt-Chase (1849-1916) - Still Life With Watermelon

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William Merritt-Chase (1849-1916)
Still Life With Watermelon, 1869
Private collection 

Que voit on ? pêches, oranges, raisin et vin pétillant pour accompagner  dans une atmosphère très estivale, cette demi pastèque coupée à l'ancienne c'est à dire non pas tranchée comme aujourd'hui mais cassée  au poing puis en ôtant au couteau de large fragments.

Rappel biographique : Le peintre américain William Merritt-Chase était très connu outre Atlantique, pour ses talents de pédagogue et pour le rôle qu'il a joué dans l'introduction de l'impressionnisme aux Etats Unis.  Il installa sa propre école à New York,  la « Chase school » (aujourd'hui  Parsons), après avoir enseigné quelques années à l'Art Students League. Il a travaillé sur toutes sortes de supports : huile, pastel, encre et aborder de nombreux genre, paysages, natures mortes, portraits. Ce sont d'ailleurs surtout ses portraits de grandes personnalités de son temps qui le rendirent célèbre, au point que toute la bonne société de la Nouvelle Angleterre et de New York se pressait à la porte de son atelier  pour se faire peindre.  Les quelques natures mortes qu'il a peintes mettent généralement en scène des poissons ou des casseroles !

2016 - A Still Life Collection 
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lundi 25 juin 2018

Immanuel Ibsen (1887-1944) - Opstilling


Immanuel Ibsen (1887-1944) 
Opstilling, ca.-1940
 Private collection

Que voit-on ? La composition semble abstraite mais l'oeil ne  tarde pas a identifier deux oranges   dont l'une dans un plat rond et blanc. Le tout est posé sur une table devant une fenêtre à travers laquelle au loin on aperçoit le bleu de la mer sous un ciel chargé. On peut, à juste titre, admirer en les mettant en perspective la précision du trait, l'économie extrême des moyens graphiques et de la palette  et l'intense emotion qui se dégage de cette émouvante nature morte

Rappel biographique : Le peintre danois Immanuel Ibsen (1887-1944) - dont il n'existe pas de biographie en français en ligne hormis celle-ci-  est pourtant un peintre extrêmement important dans l'histoire de la peinture danoise du 20e siècle, dont l' oeuvre a inspiré des artistes contemporains comme Asger Jorn, Erik Hoppe, Ejler Bille ou Jesper Christiansen.
La vie d'Immanuel Ibsen ne fut guère facile et il paya au prix fort sa première place dans le mouvement moderniste danois. Bien qu'icône des milieux artistes nordiques, surnommé volontiers le "peintre des peintres"  par ses contemporains, ses oeuvres qu'il commença à peindre à partir de 1930, ne se vendirent quasiment pas de son vivant. Pour assurer son quotidien, il exerça toute sa vie durant le métier de peintre des carrosserie dans un garage où il travaillait tous les jours, reléguant son activité artistique, la nuit à la lumière d'ampoules électriques. Cette contrainte de lumière artificielle le força à un travail extrêmement précis et sophistiqué sur des couleurs qu'ils devaient imaginer plus que copier.  Il ne peignit pas les arbres, les paysages, la mer ou le  soleil de la nature, mais les minuscules formes qu'il voyait s'agiter dans le monde autour de lui, comme un aveugle peindrait les ombres perçues dans un brouillard. C'est l'usage de ces couleurs imaginées que certains qualifieront de "couleurs silencieuses" ou de "couleurs mal assorties" qui, présicement, le rendront si célèbre après sa mort...

2018 - A Still Life Collection 
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dimanche 24 juin 2018

Luis Egidio Melendez (1716-1780) - Bodegón con plato de ciruelas, brevas y rosca de pan

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Luis  Egidio Meléndez (1716-1780)
Bodegón con plato de ciruelas, brevas y rosca de pan
Museo nacional del Prado

Que voit on ? Le merveilleux, le délicat, l'irremplaçable Luis Egidio Melendez, dont ce blog ne se lasse pas de publier la profusion de natures mortes qu'il a généreusement laissé à la postérité. Melendez  jamais aussi somptueux que dans les sujets les plus simples : un morceau de pain posé sur un linge blanc plié, deux figues et quelques prunes chatoyantes et soyeuses encore accrochées à leur branche. Un parfait repas d 'été dans les champs.

Rappel biographique : Le peintre espagnol d'origine napolitaine, Luis Egidio Melendez  a fait carrière presque exclusivement à Madrid. Contemporain de Goya, il  est considéré aujourd'hui comme l’un des meilleurs peintres de natures mortes du 18e siècle, réputation qu'il n'avait pas de son vivant qu'il a passé dans une misère noire. C'est son père, Francisco Meléndez et Louis Michel van Loo (dont il est l'assistant de 1742 à 1748) qui assurent sa formation de peintre.
Le futur  Charles IV d'Espagne lui commanda une grande série de natures mortes, dont une partie importante est conservée au musée du Prado  à Madrid.
Ses toiles peintes dans de petits formats, dans la grande tradition de l'austérité espagnole, n'en foisonnent pas moins d'une minutie des détails. toujours peints avec une absolue perfection. La composition simple et le contraste clair-obscur, s’inscrivent dans la tradition des natures mortes baroques de Zurbaran et de CotanComme eux, Meléndez étudia les effets de lumière, la texture et la couleur des fruits et des légumes, ainsi que celles des récipients en céramique, verre et cuivre ou pailles. À la différence des maîtres du 17e siècle, il présente le sujet plus près du spectateur, en légère plongée. Ce sont des objets disposés sur une table, ce qui donne à ses formes une certaine monumentalité. Le genre permet au spectateur d’étudier l’objet par lui-même. Les fonds sont neutres, et c'est un puissant éclairage qui mettent valeur les contours de l’objet. C’est ainsi qu’il représente le duvet des fruits, les transparences des peaux des raisins, les intérieurs brillants des pastèques et quelquefois les  accidents  présents à la surface des  fruits (comme ici avec les figues vertes). 
Chaque toile de Meléndez est minutieusement composée et fait l'objet d'un mise en scène précise afin de créer  le plus grand réalisme possible. Les « grands thèmes » n’intéressèrent jamais Meléndez qui portent surtout son attention sur les choses de la vie quotidienne,  sur l’observation et l’étude de la nature. Il fut souvent comparé à Chardin, jusqu'à être même parfois surnommé  le « Chardin Espagnol » ce qui est assez stupide eut égard au caractère unique de son style et à tout ce qui différencie ces  deux grands peintres. 

2018 - A Still Life Collection 
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samedi 23 juin 2018

Alberto Morrocco (1917-1998) - Still life with violin



Alberto Morrocco (1917-1998)
Still life with violin, 1975
Private collection

 Que voit on ? Une nature morte très classique au violon et la guitare dans un entremêlement de drapés mais dont on retient surtout les fruits et le pichet dans la peinture desquels l'influence de Picasso est tellement présente...

Rappel Biographique : Alberto Morrocco était un artiste et enseignant écossais, surtout connu pour  ses scènes de plage et ses vues de Venise bien qu'il ait aussi peint de très beaux paysages d'Écosse, des natures mortes, des portraits et des intérieurs. Il a étudié à l'école d'art de Gray sous la direction de Robert Sivell entre 1932 et 1938.
Dans les années 1920 et 1930, Braque et Picasso ont eu une immense influence sur son oeuvre, une influence qui se prolongera tout au long de sa vie. Prisonnier pendant la Seconde Guerre mondiale,
Morrocco fut extraordinairement  productif et surtout à la fin de sa vie, produisant certains de ses oeuvres les plus fortes entre1982 à sa mort. Même tard dans sa vie et gravement malade, il s'engagerait à exposer 30 à  40 nouvelles œuvres en un an !

vendredi 22 juin 2018

Pompei - Nature morte aux poissons (mosaïque)



Pompei - Nature morte aux poissons (mosaïque)
Casa del fauno
Napoli Museo Archeologico

Que voit on ? Trouvées à Pompéi entre 1830 et 1832, les mosaïques de la Maison du Faune font parmi des plus complexes, des plus importantes mais aussi des plus célèbres de l'antiquité. Elles ont été retirées du site d'origine dès 1840 pour répondre aux exigences de la conservation et ont été exposées dans les salles où elles sont encore, spécialement érigées pour elles l'occasion à l'intérieur du Musée royal aujourd'hui Musée Archéologique de Naples. La Maison du Faune à Pompéi était une grande maison aristocratique, de la seconde moitié du II siècle. Les scènes dites marines ou représentant des poissons comme celle-ci étaient placés dans les chambres situées autour de l'atrium. On peut y voir une abondance de poissons et crustacés d'un réalisme saisissant, groupés autour d'un poulpe central très imposant. Quelques unes des espèces représentées ici, il y a plus de 20 siècles, ont aujourd'hui disparues.

Rappel historique : Pline l'Ancien raconte que dans la Grèce antique, le peintre Piraikos qui vivait au 3e siècle avant notre ère, vendait déjà fort cher ses " Provisions de cuisine ", des tableaux de chevalets représentant des victuailles ou des instantanés d'échoppes de cordonniers et de barbiers. Dans la hiérarchie des genres picturaux d'alors, ces représentations de provisions de cuisine sont déjà considérées comme un genre mineur... et elles le resteront pendant de longs siècles... au moins jusqu'à Chardin, si ce n'est jusqu'à Cézanne. Genre mineur donc, loin derrière les sujets religieux, les portraits et les paysages, mais genre que les commanditaires s'arrachent pourtant !
Le grec Piraikos reste le plus célèbre des peintres de ce genre. Hélas, aucun exemple n'est parvenu jusqu'à nous de ces peintures des menus objets du quotidien par Piraikos, peinture que l'on nommait à cette époque Rhyparographie
A la même époque, un autre peintre grec, Zeuxis rivalisait avec la nature au point que des oiseaux voulaient picorer les raisins qu'il peignait et qu'il passe être l'inventeur du réalisme et de l'illusionnisme, pour ne pas dire du premier trompe-l'oeil. Il faut là encore faire confiance au récit de Pline l'Ancien, car aucun exemple de cet art ne nous est parvenu.
Les premières natures mortes connues du monde occidental sont des fresques et des mosaïques du 1er siècle de l'ère chrétienne, provenant de Campanie (Herculanum et Pompéi) ou de Rome. Elles sont exécutées dans un style réaliste et illusionniste : fruits veloutés, poissons et volailles posés sur une marche de pierre ou sur deux étagères d'un garde manger, généralement en trompe l'œil avec des ombres portées, ou quelquefois dans des coupes en verre avec des transparences subtiles.
Ces peintures évoquent le xenion antique, un cadeau fait de denrées qu'un hôte doit offrir à ses invités. Pourtant la nature morte de l'Antiquité possède une autre ambition que celle du seul plaisir mimétique. Comme le précise Charles Sterling : « Il est clair que les natures mortes hellénistiques et romaines qui représentaient des mets prêts à être consommés comportaient une allusion épicurienne ». On trouve ainsi assez fréquemment des mosaïques de natures mortes et des vanités dans les atriums d'été romains, où les convives invités aux repas étaient ainsi encouragés à cueillir le jour qui passe, Carpe diem selon la célèbre formule d'Epicure, à profiter de la vie tant qu'il était encore temps de le faire. Une déclinaison plus sophistiquée de la tradition égyptienne pharaonique qui voulait que l'on fît passer un cadavre devant les convives avant de commencer un repas pour leur rappeler l'impermanence de la vie ! Les natures mortes garderont tout au long des siècles jusqu'à nos jours, cette signification épicurienne.


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jeudi 21 juin 2018

Herman Maril (1908–1986) - The Telephone


Herman Maril (1908–1986)
The Telephone, 1982 
Private collection 

 Que voit on ? Les natures mortes ont toujours aimé se saisir des éléments les plus utilisés du quotidien de leur époque.    Celle intègre un élément majeur de la modernité : le téléphone, objet usuel s' il en est  qui  a connu, depuis sa création, des formes bien diverses, du combiné en deux parties des débuts,  jusqu'au téléphone mobile et/ou smartphone du 21e siècle. Ici, il s'agit d'une forme relativement archaïque de l'objet, le combiné mural, qui obligeait le correspondant à se tenir debout devant l'appareil pendant la conversation.  Ce choix,  bien qu'archaïque,  est une des caractéristiques de cet artiste, connu pour intégrer toujours en bonne place dans ses compositions  (assez classiques) des éléments très repérables de la modernité.  

Rappel biographique : Herman Maril est un peintre américain qui fut professeur émérite de peinture à l'université du Maryland. Maril était un peintre moderniste qui réduisait les figures et les objets à leur essence. Ses sujets vont de paysages urbains à des  paysages marins côtiers et comprennent quelques natures mortes.  L'artiste et critique Olin Dows a écrit à propos de cet artiste : « La peinture de Herman Maril est réservée, et, comme la plupart des bonnes peintures, elle est simple, elle s'intéresse à l'essentiel. Chaque élément  est magnifiquement conçu et organisé, et revêtu d'une certaine poésie ". Les oeuvres de Maril sont conservées dans les collections de la Smithsonian Institution et de la Phillips Collection, à Washington DC, ainsi que dans de nombreux musées nationaux et internationaux, dont le Museum of Modern Art de New York. Une importante rétrospective de ses peintures a été réalisée au Baltimore Museum of Art au milieu des années 1960 et une deuxième grande rétrospective a eut lieu en 2008. 

mercredi 20 juin 2018

Jean-Baptiste Olive (1848-1936) - Nature morte aux pêches


Jean-Baptiste Olive (1848-1936)
Nature morte aux pêches
Collection particulière

Que voit on ? Six pêches blanches dont une ouverte en deux au premier plan et un noyau isolé qui n'est pas extrait de la pêche ouverte . Un verre d'eau vide aussi, accusant le jeu sur les textures de cette magnifique oeuvre au coup de pinceau brillant.

Rappel biographique : Jean-Baptiste Olive  est un peintre français d'origine provençale à distinguer  de son homonyme Henri Olive-Tamari dit Olive des Martigues. Jean-Baptiste Olive laissa perplexes aussi bien les critiques et les galeristes de son temps que ses amis et mécènes, fascinés par le contraste entre sa peinture éblouissante de clarté et sa personnalité complexe et introvertie à l'extrême... pour ne pas dire asociale !  Il a su cependant se faire une place d’honneur dans la vie et le cœur des personnes rencontrées au cours de sa carrière et de nombreux mécènes l’ont soutenu. En 1948, dix ans après sa disparition, le musée Cantini à Marseille lui consacra l’exposition du centenaire de sa naissance en présentant 82 œuvres.  Il a peint quelques natures mortes, toutes somptueuses.



mardi 19 juin 2018

Norbert Schwontkowski (1949-2013) - Black Onions


Norbert Schwontkowski (1949-2013) 
Black onions, 2009
Private collection 


Rappel biographique : Norbert Schwontkowski défie les catégorisations artistiques avec un travail qui oscille sans arrêt entre l'abstraction,  la représentation réaliste et le dessin animé.  Exactement comme le célèbre Giorgio Morandi, il crée lui-même ses propres pigments, qu'il écrase à la main avant de les  mélanger à divers matériaux, pour leur donner toutes sortes de textures. A ces pigments fabriqués comme ceux des peintres de l'Antiquité et de la Renaissance, Schwontkowski ajoute des oxydes métalliques pour créer des surfaces chatoyantes qui continuent à évoluer au fil des années. Sa palette de tons de terre pâle, de noirs et de gris installe une atmosphère sourde et tamisée  sur des surfaces soigneusement travaillées où une exceptionnelle économie du geste pictural  fait le reste. Le travail de Schwontkowski est souvent décrit comme ludique sans pour autant être naïf avec une mélancolie sous jacente omniprésente.
Norbert Schwontkowski est né en 1949 à Brême (Allemagne). Il a fréquenté la Hochschule für Gestaltung de cette même ville ; il  est ensuite devenu professeur de peinture à la Hochschule für Bildende Künst de Hambourg. Dès la fin des années 1970, il  a exposé régulièrement dans les  plus grandes galeries et les institutions publiques à travers l'Europe.
Ses oeuvres ont été présentées à la Biennale de Berlin 2005, avant d'entrer dans les collections du Solomon R. Guggenheim Museum à New York et du Museum of Fine Arts de Boston.
Il est décédé en 2013 à Brême, en Allemagne.




lundi 18 juin 2018

Alexandre-François Desportes (1661-1743) - Nature morte aux fruits et au gibier, 1706



Alexandre-François Desportes  (1661–1743) 
Nature morte aux fruits et au gibier, 1706
MuMa,  Musée André Malraux, Le Havre 

Que voit on ? Sur une magnifique desserte à gibier en marbre, elle même partie d'une alcove en marbre : une coupe en porcelaine contenant des pêches entourées de raisin blanc et de prunes disséminées à même le marbre, à côté d'un lièvre pendu par les pattes dont le corps et la tête repose sur  un coin de l'entablement. Deux perdrix pendues par un ruban en haut de la desserte parachèvent la composition. 

Rappel biographique : Issu d’une famille modeste, Alexandre-François Desportes à ne pas confondre avec Nicolas Desportes ou Jean Desportes, deux autres peintres de nature mortes ayant vécu à la meme époque)  était destiné à être paysan mais, à la suite d’une longue période de convalescence, il s’initia au dessin et acquit peu à peu une grande maitrise de cette technique. Il devint l’élève de Nicasius Bernaerts d'origine flamande, alors membre de l’Académie royale et spécialisé dans la peinture animalière et de Frans Snydersil s’est largement imprégné de la tradition flamande. Au cours de ses premières années, il découvrit ainsi la peinture flamande dont il va subir l’influence tout au long de sa carrière.  A la mort de Bernaerts, Desportes ne se fia plus qu’à la nature. En 1695-1696, il fut nommé portraitiste à la cour de Pologne avant d’être rappelé en France où il abandonna le genre du portrait pour se consacrer presque exclusivement à la peinture animalière. Reçu à l’Académie royale en 1699, il participa à la décoration de la ménagerie de Versailles. Outre la peinture animalière, Alexandre-François Desportes se distingua aussi par ses natures mortes où il excella véritablement. On y perçoit l’approche réaliste flamande qui se traduit aussi bien dans les fonds de paysage que dans le rendu riche et méticuleux des matières alliée à une délicatesse alors réputée être très française.

dimanche 17 juin 2018

Jane Wilson (1924 - 2015)


Jane Wilson (1924 - 2015)
Still Life with apples and a lemon
Whitney Museum of American Art, New York

Que voit on  ? C 'est la couleur qui frappe toujours en premier dans les paysages et les portraits de  Jane Wilson et cette nature morte ne fait pas exception à cette règle intangible de la peintre. Ce ne sont que cinq pommes et un citron mais cinq pommes d'un rouge grenat étrange qui hypnotise littéralement le spectateur.

Rappel biographique  : Jane Wilson était une peintre américaine plutôt attirée par la peinture de  paysage qui attendit les années 1960 avant de peindre des natures mortes.  Elle a vécu et travaillé à New York et Watermill  (Long Island) dont elle fut une habitante très honorée.
En 1957, le magazine Life la considérait déjà  comme l'une des cinq grandes femmes peintres américaines contemporaines avec Joan Mitchell et Helen Frankenthaler, éloges aussitôt relayés par les magazines Time, Glamour et Coronet  qui contribuèrent largement à augmenter sa visibilité et sa réputation.
En 1963, le critique du New York Times, John Canaday, écrivit : « De temps en temps, il arrive un artiste qui met à rude épreuve les ressources adjectivales de la critique rendant tout d'un coup  la moitié des adjectifs habituellement appropriés désobligeants alors même qu'ils sont censés être élogieux. C'est ce qui se passe avec les oeuvres de Miss Wilson exposées en ce moment à la galerie Tibor de Nagy ». 
Depuis les années 1950 jusqu'a son décès à l'âge de 91 ans, Jane Wilson n' a jamais cessé d'exposer. Elle a reçu de nombreux honneurs et une large reconnaissance pour son travail, y compris l'élection à l' Académie américaine des Arts et des Lettres  de New York. Ses oeuvres sont présentes dans la plupart des musées dont le  MOMA. Son oeuvre est aujourd'hui  représenté par DC Moore Gallery à New York.

samedi 16 juin 2018

José Ferrer (1746-1815) - Bodegón de frutas y florero de cristal


José Ferrer  (1746-1815) 
Bodegón de frutas y florero de cristal, 1781 
Museo del Prado, Madrid

Que voit on ? Le thème de cette nature morte, son mélange de fruits et de fleurs, son utilisation de récipients en verre, en terre cuite et en osier et sa composition en escalier sont des caractéristiques communes aux natures mortes du 18e siècle en Espagne. Selon la notice du Musée du Prado concernant cette oeuvre, certains détails lui permettent de s'affranchir cependant des canons du genre.  C'est le cas du type de panier contenant les pommes et les poires, du ton bleuâtre de l'arrière-plan, ou de la manière dont le fruit est représenté, avec une texture de porcelaine en partie due au fait que le travail est realisé sur un panneau de bois, mais surtout due aux goûts de la fin du XVIIIe siècle. Cette texture  - qui porte le nom assez explicite de aporcelanada - rappelle également que Ferrer était étroitement lié à la manufacture de céramique d'Alcora. 

Rappel biographique :  José Ferrer  est un peintre espagnol, fils de Vicente Ferrer, peintre en céramique de la Real Fábrica de Alcora. En 1767, il entra comme étudiant à la nouvelle Académie Royale des Beaux-Arts de San Carlos de Valencia. En 1780, il obtient le prix "Estudio de Flores", décerné par l'académie. Plus tard, il  retourne dans sa ville natale et en 1795, il est universitaire à San Carlos. Quatre ans plus tard, il est nommé directeur de la Real Fábrica de Alcora. Il est notamment  l'auteur de vases peints de petits formats et de paniers de fleurs réalisés en porcelaine avec une technique simplifiée et une délicatesse rococo. IL peint aussi de nombreuses nature mortes  dont  le musée du Prado conserve deux natures exemplaires ( dont un ci dessus)  entrés en 2006 avec  la collection Naseiro. 


vendredi 15 juin 2018

Pierre Tal Coat (1905-1985) - Aquarium


Pierre Tal Coat (1905-1985) 
 Aquarium 1946
Collection particulière 

 Que voit on ? Voilà de beaux poissons bleus et rouges qui ne finiront pas à la casserole puisqu'ils sont dans un aquarium... Beaucoup de mouvement dans cette composition presque abstraite et très maitrisée... pas seulement des mouvements circulaires d'ailleurs comme on pourrait le penser à première vue.


Rappel biographique : Le peintre, graveur et illustrateur français Pierre Tal Coat (pseudonyme de Pierre Jacob pour éviter l'homonymie avec Max Jacob quimpérois comme lui), apparenté au mouvement de l'École de Paris Avec les artistes de ce mouvement, il exposa régulièrement à  la Galerie de France (de 1943 а 1965), dans les  galeries Maeght (de 1954 а 1974), Benador (de 1970 à 1980) puis à  la galerie H-Met , la galerie Clivages. En 1956, seize de ses peintures furent présentées à la Biennale de Venise. Aux côtés de Joan Miro et de Raoul Ubac, il collabore en 1963 aux réalisations pour la Fondation Maeght de Saint-Paul de Vence d'une mosaïque pour le mur d'entrée.
En 1968 le Grand Prix national des arts.
Une grande exposition rétrospective lui fut consacrée au Grand Palais à Paris en 1976.
А partir de 1961, Tal Coat s'installа  à la Chartreuse de Dormont  près de Vernon (Eure), où il finira sa vie. Tal Coat a illustré de nombreux livres d'art avec des gouaches, dessins, pointes sèches ou aquatintes, notamment de nombreux ouvrages d'André du Bouchet, Pierre Schneider, Pierre Torreilles, Philippe Jaccottet, Claude Esteban, Maurice Blanchot, Pierre Lecuire, Jacques Chessex...
Tal Coat a peint une série importante de natures mortes, toutes réalisées en 1942, en pleine guerre, alors qu'il se trouvait réfugié à Aix-en-Provence. De toutes ces peintures très dépouillées et exécutées avec une grande économie de moyens, il se dégage une grande force.

jeudi 14 juin 2018

Claude Monet (1840-1926) - Faisans, bécasses et perdrix, 1879


Claude Monet (1840-1926)
Faisans bécasses et perdrix, 1879
Collection particulière 

 Que voit on ? Encore du pas très politiquement correct ! ou, en tout cas, du pas végétarien, c'est sûr,  pour cette belle nature morte, tout à fait dans l'esprit des étales de boucher que peignit Gustave Caillebotte  ! Sur une table à gibier recouverte d'un linge blanc plissé : deux faisans au plumage bleu chatoyant et une perdrix. Suspendues par les pattes, occupant tout le centre de la toile dans une explosion de couleurs et de formes qui pourraient les rendre difficilement identifiables : trois bécasses reconnaissables à leurs trois becs très pointus. 

Rappel biographique : le peintre français Claude Monet, l'un des fondateurs de l'impressionnisme, est surtout connu pour ses paysages et ses portraits.  " La couleur, disait-il " est mon obsession quotidienne, ma joie et mon tourment ".   Claude Monet est l’un des fondateurs de l'impressionnisme. En 1859, il part à Paris tenter sa chance sur le conseil d'Eugène Boudin. Après des cours à l'académie Suisse puis chez Charles Gleyre et la rencontre de Johan Barthold Jongkind, le tout entrecoupé par le service militaire en Algérie, Monet se fait remarquer pour ses peintures de la baie d'Honfleur. En 1866, il connait le succès au Salon de la peinture. Toute cette période est cependant marquée par une grande précarité. Il fuit ensuite la  guerre de 1870  à Londres puis aux Pays-Bas. Dans la capitale anglaise, il fait la rencontre du marchand d'art Paul Durand-Ruel qui lui assurera sa principale source de revenu pendant le reste de sa carrière. Revenu en France, la première exposition des futurs impressionnistes a lieu en 1874. À partir de 1890, Monet se consacre à des séries de peintures, c'est-à-dire qu'il peint le même motif à différentes heures de la journée, à diverses saisons. Il peint alors parfois des dizaines de toiles en parallèle, changeant en fonction de l'effet présent. La fin de sa vie est marquée  par une maladie, la  cataracte, qui affecte son travail.
Monet peint devant le modèle sur l'intégralité de sa toile dès les premières ébauches, il retouche ensuite de nombreuses fois jusqu'à ce que le résultat le satisfasse. Contrairement à ce qu'il affirme, il termine la plupart de ses toiles en atelier, prenant modèle sur les premières peintures d'une série pour peindre les autres. D'un caractère parfois difficile, prompt à la colère comme au découragement, Claude Monet était un grand travailleur qui n'hésitait pas à défier la météo pour pratiquer sa passion. Monet résume sa vie ainsi de la meilleure manière : « Qu'y a-t-il à dire de moi ? Que peut-il y avoir à dire, je vous le demande, d'un homme que rien au monde n'intéresse que sa peinture - et aussi son jardin et ses fleurs ».


mercredi 13 juin 2018

Dick Ket (1902-1940) - Stillifeeggs



Dick Ket (1902-1940)
Stillifeeggs

Que voit on ?  Des oeufs cassés et des oeufs pas cassés, posés sur des fragments de carton et de papiers reposant eux-mêmes sur un établi. Un thème recurrent dans les natures mortes de ce peintre.

Rappel biographique : Dick Ket était un peintre connu pour ses natures mortes et ses autoportraits.
Ses natures mortes méticuleusement composées tournent toujours autour des mêmes thèmes et représentent souvent les mêmes objets à savoir des bouteilles, un bol vide, des œufs, des instruments de musique, des journaux... Ket a juxtaposé ces objets dans des arrangements angulaires, vus d'un point de vue élevé, dans un cadrage "en plongée",  les ombres portées des objets créant toujours d'intéressantes diagonales.  Dick Ket a réalisé environ 140 peintures, dont une quarantaine d'autoportraits. Ses expérimentations techniques de différents additifs dans la composition de ses pigments, medium  et vernis, ont eut pour effet de provoquer un résultat étonnant et difficilement gérable par les conservateurs, puisque certaines  de ses peintures ne sont pas complètement sèches après quatre vingt ans !!!Le Rijksmuseum d'Amsterdam, le musée Arnhem et le musée Boijmans Van Beuningen de Rotterdam figurent parmi les musées présentant des œuvres de Dick Ket.

mardi 12 juin 2018

Olaf Rude (1886-1957)



Olaf Rude (1886-1957)
Still life with vases and books on a table

Que voit-on ?  Une accumulation de vases, de livres et de contenants disparates apparement sans liens entre eux...

Rappel biographique : Olaf Rude est un peintre danois qui a étudié à Copenhague puis fréquente la Kunstnernes Frie Studieskoler, ayant notamment pour professeurs Johan Rohde et Kristian Zahrtmann. En 1908, il fonde De Tretten, un groupe de jeunes artistes danois qui s'inspire du Salon des refusés pour monter sa propre exposition à Copenhague. En 1911, il se rend  à Paris et apprécie les travaux de Paul Cézanne. De retour au Danemark, il participe à la première exposition réalise par le mouvement Grшnningen en 1915. En 1919, il s'installe sur l'île de Bornholm et rejoint la Bornholm school of painters), un regroupement d'artistes dont le thème principal est l'île et ses paysages. Il côtoie également le collectif Fynboerne.
De 1953 et 1956, il enseigne à l'Académie royale des beaux-arts du Danemark.
Ces œuvres sont visibles dans plusieurs grands musées danois et notamment au ARoS Aarhus Kunstmuseum, au Statens Museum for Kunst, au Randers Museum of Art, au Funen's Art Museum, au Bornholm Art Museum, au Sorш Art Museum,  au Ribe Kunstmuseum ainsi que dans plusieurs collections privées à travers le monde.


lundi 11 juin 2018

Jan Davidszoon de Heem (1606-1684) - Nature morte de Carême


Jan Davidszoon de Heem (1606-1684)
Nature morte de Carême

Que voit-on ?  Sur un entablement recouvert d'une pièce de tissu vert sombre, des crustacés, des oranges et un citron pelé thème de l'amertume de la vie pour cette nature morte dite   de "carême".

Rappel biographique : Le peintre hollandais Jan Davidszoon de Heem est un des membres d'une véritable dynastie de peintres, dont quelques uns spécialisés exclusivement dans les nature mortes.  Ses premières œuvres sont dans le style de Balthasar van der Ast (1593/94-1657), son maître. Il travaille ensuite à Leyde et montre un style proche des toiles de Pieter Claesz (1595/97-1661) et de Willem Claesz Heda (1594-1680). En 1636 , il s'installe à Anvers dont il  devient citoyen de la ville, ce qui signifie qu'il y a acquiert respectabilité pour son métier et fortune relative.  Il est le fils du peintre David de Heem le vieux (1570 ?-1632 ?) et le père des peintres Cornelis de Heem (1631-1695) et Jan Jansz de Heem (1650-après 1695). On ne lui connait pas d'autres oeuvres que des natures mortes, le plus souvent florales et dans la grande tradition de la nature morte hollandaise.

dimanche 10 juin 2018

William-Henry Hunt (1790-1864) - Still Life with Sea Shells on a Mossy Bank


William Henry Hunt  (1790-1864)
Still Life with Sea Shells on a Mossy Bank
Private collection

 Que voit on ? " Des coquillages sur un support moussu " pour reprendre la traduction exacte du titre de cette curieuse nature morte, le support moussu étant une constante que l'on retrouve dans un grand nombre de natures mortes de ce peintre. Pourquoi curieuse ? non pas tant parce qu'elle présente des coquillages que parce ceux-ci n'ont rien de particulièrement précieux ou d'extraordinaire... il s'agit en réalité d'un écosystème particulier connu sous le nom de générique "  laisse de mer " qui définit une  accumulation de débris naturels drossés à la limite supérieure du flot au gré des vagues, de la houle ou des tempêtes par la mer.  Ces debris sont constitués d'organismes morts : coquillages vides, restes d'oursins, algues arrachées, éponges, os de seiche ou de calmar, œufs d'animaux marins, mues de crustacés, tubes calcaires de vers marins, méduses échouées, bois mort, etc.

Rappel biographique : Le peintre anglais William-Henry Hunt est surtout connu pour ses natures mortes sur aquarelles grâce auxquelles il fut admis à la Society of Painters in Water Colours en tant que membre membre associé dès 1824 puis membre permanent à partir de 1827. Jusqu'à sa mort, il en sera l'un des contributeurs les plus prolifiques et multipliera les expositions de ses oeuvres toutes peintes .à Hastings. William-Henry Hunt Hunt a été l'un des créateurs de l'école anglaise de peinture à l'aquarelle. Ses sujets, en particulier ceux qu'il peint à la fin de sa vie, sont  toujours extrêmement simples, s'agissant souvent d'un ou deux fruits, souvent saisis dans leur environnement naturel, au pieds d'un arbre moussu ou abandonnés sur un sol rugueux. Cela permet à son talent de s'exercer   pleinement dans le contraste des couleurs et des textures toujours traités avec délicatesse, intelligence et humour. Ses œuvres parviennent à obtenir des textures étonnantes à partir de la technique de l'aquarelle, en employant toutes les ressources particulières de la peinture à l'eau et de son rendu sur différentes qualités de papiers. John Ruskin le considérait comme le meilleur peintre anglais de natures mortes qui ait jamais existé jusque là. Plusieurs exemples caractéristiques de l'œuvre de Hunt, comme Boy and Goat ou bien Brown Study and Plums ou Primroses and Birds' Nests sont  conservés dans les collections du Victoria and Albert Museum.

samedi 9 juin 2018

Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779) - Instruments de musique et panier de fruits

http://astilllifecollection.blogspot.com

Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779)
Instruments de musique et panier de fruits 
Collection particulière 

Que voit on ?   Sur un entablement de pierre autour duquel court la végétation généreuse d'un jardin tout proche : plusieurs instruments de musique, une partition et une panier de fruits ou plutôt la moitié d'un panier de fruits.  Parmi les instruments de musique on reconnait un tambourin, une vielle a roue , une mandoline avec son beau ruban bleu et une flûte à bec. Un quatuor  prêt à égayer quelques noces de campagne, par un belle soirée d'été...

Rappel biographique : D'après les frères Goncourt, c'est Coypel qui en faisant appel à Chardin pour peindre un fusil dans un tableau de chasse, lui aurait donné le goût pour les natures mortes. A partir du Salon de 1748, Chardin expose de moins en moins de scène de genre, il multiplie désormais les natures mortes. Ce retour à ce type de peinture va durer une vingtaine d'années. Il est difficile de donner des raisons à ce changement de cap. On sait que pendant cette période la vie de Chardin est en pleine mutation. Il se remarie, il reçoit une pension du roi. Il est désormais à l'abri du besoin. Ces deux tableaux de réception à l'Académie Royale de peinture sont tous deux des natures mortes, La Raie et Le Buffet qui se trouvent aujourd'hui au Musée du Louvre (salle 39). Chardin devient ainsi peintre académicien « dans le talent des animaux et des fruits », c'est-à-dire au niveau inférieur de la hiérarchie des genres alors reconnus. Et c'est sans aucun doute Chardin qui va lui donner ses lettres de noblesse et en faire un genre pictural égal, voire même supérieur à bien des égards, aux autres.
Les natures mortes qu'il peindra à partir de 1760 sont assez différentes des premières. Les sujets en sont très variés : gibier, fruits, bouquets de fleurs, pots, bocaux, verres...  Chardin semble s'intéresser davantage aux volumes et à la composition qu'à un vérisme soucieux du détail, ou aux effets de trompe-l'œil. Les couleurs sont moins empâtées. Il est plus attentif aux reflets, à la lumière : il travaille parfois à trois tableaux à la fois devant les mêmes objets, pour capter la lumière du matin, du milieu de journée et de l'après-midi. On peut souvent parler d'impressionnisme avant la lettre.
Chardin cherchait à reproduire la matière, ces fruits semblent aussi vrais que nature, Diderot s'extasiait devant ce réalisme dans son compte-rendu du Salon de 1759 : " Vous prendriez les bouteilles par le goulot si vous aviez soif ". ou encore en 1763, " C'est la nature même; les objets sont hors de la toile et d'une vérité à tromper les yeux. (...)
 Pour regarder les tableaux des autres, il semble que j'ai besoin de me faire les yeux ; pour voir ceux de Chardin, je n'ai qu'à regarder ce que la nature m'a donné et   m'en bien servir ".

2018 - A Still Life Collection 


Un blog de Francis Rousseau, #AStillLifeCollection, #NaturesMortes 




vendredi 8 juin 2018

Pierre Bonnard (1867-1947) - Poisson sur une assiette


Pierre Bonnard (1867-1947)
Poisson sur une assiette, 1921 
Musée des beaux-arts de Lyon
(Don de Jacqueline Delubac en 1995)

Que voit on?  Un poisson certes...  mais tout en sachant que Pierre Bonnard a peint très peu pour ne pas dire pas du tout de poisson dans ses natures mortes. Comme pour exorciser la rareté de ce motif dans son oeuvre, le peintre le place  ici dans un plat sur une nappe à carreaux, motif qu'il a par contre très souvent utilisé pour élaborer ses compositions.

Rappel biographique : le peintre français Pierre Bonnard est connu pour ses peintures de personnages, ses nus, ses portraits, ses paysages animés, ses intérieurs et ses natures mortes de fleurs et fruits. Bonnard est un artiste post-impressionniste, membre du groupe des Nabis, par lesquels il fut surnommé le Nabi japonard. En réaction à l'impressionnisme, les Nabis veulent libérer leur peinture des exigences du réalisme : « Ensemble, nous avons méprisé l'école et les écoles, les rapins, leurs traditions, leurs farces et leurs bals inutilement nudistes. Ensemble nous nous sommes sérieusement amusés ». Les artistes nabis cherchent des voies plus spirituelles au contact de philosophies et de doctrines nouvelles teintées d'Orient, d'orphisme, d'ésotérisme, et de théosophie. Ils s'appliquent à retrouver le caractère « sacré » de la peinture et à provoquer un nouvel élan spirituel par le seul moyen de l'art.

Une fois devenu célèbre, Pierre Bonnard fut connu pour ne pouvoir s’empêcher de retoucher ses toiles une fois celles-ci achetées et exposées dans un musée. Ses amis appelaient ça « bonnarder » ou « bonnardiser ». Un journaliste relate cette attitude devenue visiblement coutumière. « Au  musée de Grenoble et au Musée du Luxembourg, il  arriva à Bonnard de guetter le passage d'un gardien d'une salle à l'autre, de sortir d'une poche une minuscule boîte garnie de deux ou trois tubes et, d'un bout de pinceau, d'améliorer furtivement de quelques touches un détail qui le préoccupait. Et, son coup fait, de disparaître, radieux, comme un collégien après une inscription vengeresse au tableau noir. »

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2018 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau 

jeudi 7 juin 2018

Felix Vallotton (1865-1925) - Nature morte aux pommes, 1914


Felix-Vallotton (1865-1925) 
Nature morte aux pommes, 1914
 Collection privée

Rappel biographique : Félix Vallotton, peintre d'origine suisse naturalisé français en 1900, est un artiste à cheval sur deux siècles, deux pays et plusieurs tendances esthétiques, des Nabis à la Neue Sachlichkeit [Nouvelle Objectivité]. S'il est aujourd'hui moins connu en France qu'en Suisse, c'est pourtant à Paris, dans les années 1890, que ses gravures sur bois novatrices lui ont valu une renommée qui s'est rapidement étendue à l'Europe entière. Tout au long de sa vie le " Nabi étranger ", comme il était surnommé, s'est intéressé à une gamme étendue de sujets récurrents - intérieurs, toilettes, nus féminins, paysages, natures morte, rendus étranges par son style lisse et froid, aux couleurs raffinées, aux découpages et aux cadrages audacieux. Et bien qu'il ne fût pas toujours compris par la critique de son temps, Vallotton a su s'imposer comme une figure en vue de la scène artistique parisienne et trouver sa place dans le courant moderne, notamment en participant à de nombreuses manifestations internationales d'avant-garde devenues mythiques. C'est surtout à  partir de 1910, que Félix Vallotton s’intéresse au genre de la nature morte et le transforme dans chacune de ces toiles.

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2018 - A Still Life Collection 
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mercredi 6 juin 2018

Sarah Miriam Peal (1800-1885)


Sarah Miriam Peal (1800-1885)
 Still Life with watermelon 

Que voit on ? Peinte avec la grande précision qui caractérise cette artiste, une appétissante tranche de pastèque  posée sur un plat en argent. Mûre à souhait, une partie du fruit s'est détachée avant de choir  sur l'entablement  en bois, également parsemé de quelques pépins noirs et brillants tombés du fruit.

Rappel biographique :  Sarah Miriam Peale était une peintre portraitiste américaine (la première femme peintre professionnelle aux Etats-Unis) dont la famille comptait une nombre important d'artistes miniaturistes et de peintres de natures mortes, notamment James Peale, son père.
Miriam Peale fut connue principalement comme peintre de portrait de personnalités politiques et de personnalités militaires de son temps.  Lafayette a posé pour elle pas moins de quatre fois !
Sarah fut formée à la fois par son père James Peale et son oncle moins célèbre que son père, Charles Willson Peale. D'abord assistante dans l'atelier de son père, elle commença à livrer ses propres toiles en 1816, des toiles à sujets de fleurs et des natures mortes. En 1818, après trois mois passés chez son cousin  - qui se prénommait modestement Rembrandt - à Baltimore, elle décide de se tourner vers le portrait. Rembrandt Peale eut une grande influence aussi bien sur sa peinture que sur le choix de ses sujets. Pendant 25 ans, elle peint à Baltimore (1822-1847) et, par intermittence, à Washington, DC. Elle assiste à de nombreuses sessions du Congrès et peint les portraits des personnalités publiques de son temps. En 1824, elle fait son entrée à la Pennsylvania Academy of Fine Arts. Avec sa sœur Anna Claypoole Peale, elles furent les premières femmes à obtenir cette distinction. Plus d'une centaine de portraits de commande de la bonne société de Baltimore et de Washington sont répertoriés la concernant, lui forgeant une solide réputation d'artiste "la plus prolifique de Nouvelle Angleterre".
En 1847, des problèmes de santé l'oblige à déménager à Saint-Louis (Missouri) où, en tant première femme artiste professionnelle des Etats Unis, elle est parfaitement en mesure de gagner sa vie par son travail. Vers 1860, elle délaisse peu à peu le portrait pour revenir à la nature morte, mais avec plus de spontanéité que dans ses premières années.  En 1878, elle retourna vivre dans sa ville natale avec ses sœurs Anna Claypoole  et Margaretta Angelica.  Comme ses sœurs, elle ne se maria jamais.  Elle est morte en 1885,  à l'âge de 85 ans.


mardi 5 juin 2018

Roger de La Fresnaye (1885-1925)



Roger de La Fresnaye (1885-1925) 
Table,1920
Collection particulière 

Que voit on ? Posés sur un guéridon qui devrait être rond avant d'avoir été déformé sous le prisme du cubisme : un verre et une bouteille à moitié pleine, clairement identifiables devant d'autres formes colorées et géométriques, plus abstraites,  barrant la perspective d'une fenêtre qui ouvre sur un aimable paysage de cumulus. 

Rappel biographique : Le peintre français Roger de la Fresnaye, décédé à l'âge de 40 ans, est connu pour avoir jouer un rôle important dans l'histoire du cubisme français. Élève du peintre nabi Maurice Denis, dont l'influence est évidente sur ses œuvres de jeunesse, La Fresnaye s'essaye aussi à la sculpture en compagnie de Maillol. Si le paysage l'inspire (vues de Meudon), ce sont surtout les natures mortes qui lui permettent de poursuivre ses recherches dans le sens de l'abstraction (La Cafetière, Museum of Art, Toledo). Pendant la Première Guerre mondiale, sa santé s'altère gravement, et cela modifiera son orientation picturale : jusqu'à sa mort à Grasse, La Fresnaye se consacre essentiellement au dessin (Les Malades) et à des toiles de dimensions réduites qui s'éloignent de plus en plus du cubisme pour approcher d'une sorte de surréalisme (Les Palefreniers, Kunstmuseum, Berne). La pâte est moins transparente, plus sensuelle. Le classicisme de La Fresnaye a pris définitivement le pas sur son cubisme tempéré.

lundi 4 juin 2018

John Stewart (1919-2017)


John Stewart (1919-2017)
Oil and Bell,  1994

Rappel biographique : John Stewart est né à Londres en 1919 puis a été élevé à Paris. En 1951, sa rencontre avec Henri Cartier-Bresson, lors de l’inauguration de la Chapelle de Matisse à Vence marque  «l’instant décisif» de sa vie de photographe. Il se remettait alors de six années de guerre dans l’armée britannique, dont trois ans et demi dans des camps de prisonniers japonais en Thaïlande sur la Rivière Kwai.  II devait sa survie à l’apprentissage de la langue japonaise, qui lui permit d'acquérir le statut de prisonnier-interprète, moins pénible que celui de manœuvre. Son endurance morale, sa résilience, même se résume dans ce conseil :  " Quoique qu’il se passe, ne jamais perdre l’émerveillement d’être en vie et toujours rester en mesure de se dire, aujourd’hui j’ai vu ou senti ceci, que je n’aurais jamais pu connaître auparavant ".  Avant le milieu des années 50, fort de sa passion pour la photographie, il part s'installer à New York où il devient rapidement, aux côtés de Richard Avedon et d’Irving Penn, l’un des collaborateurs d’Alexey Brodovitch pour le prestigieux magazine de mode Harper’s Bazaar. Puis c'est la revue Fortune qui fait appel à lui et lui permet de photographier des personnalités aussi diverses qu'Andy Warhol ou Muhammnad Ali. Dans les années 50 toujours, à la demande de Diana Vreeland et d’Alex Liberman,  il travaille plusieurs années pour un autre grand magazine de mode, celui de de Condé Nast cette fois ci, Vogue, dont c'est véritablement dans ces années là, la période d'or.
Une deuxième aventure asiatique s'offre à lui quand on lui propose le poste de conseiller technique pour le film Le Pont sur la Rivière Kwai tourné au Sri Lanka. C’était le début de nombreux voyages en Asie – une année entière au Ladakh, la remontée de la Rivière Kwai et l’entrée en Birmanie avec les « guerilleros », deux mois dans une province du Tibet interdite aux étrangers, et en 1996 l’établissement d’une organisation caritative (ONG) avec Michèle Claudel au Cambodge.
En 1976, après 20 années de photographie de reportage, de mode et de publicité aux Etats-Unis et en France, John Stewart change de braquet et décide de développer un travail plus personnel.
De retour en France, tournant résolument le dos à la photographie en couleur qui fit sa réputation dans les magazines, il se passionne pour la nature morte et devient un maître du noir et blanc et des tirages d’art avec l’aide de la famille Fresson, dont la technique de tirage au charbon contribue largement au rendu unique de ses natures mortes. Le tirage au Charbon a été élaboré en 1890 par Michel Fresson. qui  utilisait, comme pigment, le pied de vigne calciné plutôt que les sels d’argent, base de toute la photographie jusqu’à l’arrivée du numérique.  Sa pratique requiert un long travail (trois jours pour sortir un tirage 60x80 cm), et une étroite collaboration entre le photographe et  le tireur pour arriver à un résultat d’une résonance et d’une richesse caractéristiques du “charbon”. Ces tirages qui ne sont pas sensibles aux rayons ultra-violets et qui sont stables en dépit de leur exposition au soleil, dépendent en revanche énormément du “coup de main” et des conditions météorologiques, si bien il est impossible d’obtenir une constance absolue. C'est ce qui rend chacun de ces tirages unique. A partir de ce moment là, pour John Stewart, les expositions se succèdent rapidement : la première à NewYork, la deuxième à la Bibliothèque Nationale de France à Paris, en 1976,  puis son travail est montré à Genève, Shanghai, Hong Kong, Londres...  Le Metropolitan Museum de New York à été le premier musée à lui acheter des tirages. Les oeuvres de John Stewart sont désormais exposées dans plus de 60 musées et galeries dans le monde. En 2004, Jan Krugier a présenté ses images à la FIAC et la Galerie Acte 2 a organisé une rétrospective de son œuvre en 2008. Il a également été exposé en 2009 à la Galerie Pia Pierre à Shanghaï, à la Galerie Binôme, au Art Fair de San Francisco, à Art Basel Miami et à Genève en 2010. La même année, la Gallery Tristan Hoare de Londres lui a organisé une rétrospective. Il a également exposé en 2014 à la Galerie Anne Clergue une série de " Véroniques" qui sont une référence directe à l'œuvre de Zurbaran.


dimanche 3 juin 2018

Adrian Stokes (1902-1972) - Still Life 1959


Adrian Stokes (1902-1972) 
Still Life 1959 
Tate  London 

 Que voit on ? Comme souvent chez ce peintre, des contenants repartis dans l'espace comme autant d'éléments d'un paysage imprécis ou de personnages distants les uns des autres, stationnant chacun dans leur solitude...

Rappel biographique :  Adrian Stokes - à ne pas confondre avec son homonyme l'architecte Victorien Adrian Scott Strokes (1854-1935) - fut surtout célèbre comme auteur de livres et d'articles sur  Henry Moore (1898-1986), Ben Nicholson (1894-1982) et Barbara Hepworth (1903-1975), de même que pour son érudition concernant la Renaissance italienne. Mais Adrian Strokes peignit aussi des paysages, des nus et des natures mortes se caractérisant par une monochromie qui rend toujours les sujets indistincts les uns des autres. Un style qui rend ses toiles immédiatement identifiables. 
Stokes a appris à peindre de façon autodidacte dans les années 1930, ne voulant pas se contenter d'être un critique d'art qui ne savait comment les peintres peignaient.  Il exposa ensuite à Londres dans les années 1950 et 1960, mais resta un artiste très confidentiel, seulement apprécié de l'intelligentsia britannique, sans jamais être célèbre hors des frontières du Royaume-Uni. Ayant suffisamment de moyens financiers pour ne pas avoir besoin de vendre son travail, il ne chercha jamais à le promouvoir auprès du grand public. Son écriture pictural est réputée " abstraite et psychanalytique ", plus en  rapport avec la perception de la forme qu'avec la description elle-même de la forme. Il fut un grand admirateur de la psychanalyste américaine Melanie Klein (1882-1960) dont la pensée influença beaucoup l'écriture de Stokes. A la fin de sa vie, voici ce que Stokes écrivait sur Turner, et qui d'un certaine manière pourrait s'appliquer à sa propre peinture qui en est - à bien des égards - très proche : " Il y a une longue histoire  "d'indistinction" des formes dans l'art de Turner, liée à ce que j'ai appelé une  "qualité enveloppante " qui ne concerne pas seulement le tableau lui-même mais aussi le rapport enveloppant du spectateur au tableau  ". Et en effet les peintures de Stokes s'appliquent à représenter des objets dont la substance est rendue indistincte et ce par l'usage de pinceaux cassés qui transmettent une lumière légère, dissolvant littéralement la distinction entre les formes et leur support. En 2001, la Tate de Londres a reçu le legs de huit peintures de Stokes (des natures mortes principalement) données par son ami et admirateur, le critique d'art David Sylvester (1924-2001).

samedi 2 juin 2018

Renato Guttuso (1911- 1987) - Angurie 2


Renato Guttuso (1911- 1987)
Angurie 

Que voit on ? Une tranche de pastèque fraîchement coupée et, sur le côté  droit, une autre tranche de pastèque fraichement dégustée dont il ne reste que l'écorce  !  Guttuso qui  a énormément peint ce sujet sous tous les angles, donne dans cette toile une de ses approches à la fois les plus dépouillées et les plus sensibles.

Rappel biographique : Renato Guttuso est une figure extrêmement importante de la peinture italienne contemporaine, représentant du réalisme pendant les périodes fasciste et communiste de l'histoire italienne. Résistant, antifasciste, très tôt engagé aux côtés des communistes,  l'art de Guttuso transcende toute considération politique et bien que faisant constamment référence à une identité sicilienne, se situe aux antipodes du régionalisme.

vendredi 1 juin 2018

Jan van Kessel (1627-1679)


Jan van Kessel (1627-1679)
Nature morte de poissons au bord d'un rivage
(huile sur cuivre) 
 Rijksmuseum, Amsterdam

 Que voit on ? Un étalage de poissons qui s'étend d'une dune reculée ou sont accumulés ces poissons  jusqu'à la lisière de la mer, comme si l'ocean avait voulu présenter un catalogue de ce qu'il contient !  Très peu conventionnelle au regard des règles de composition de époque, cette nature morte tient à la fois de l'étude scientifique, zoologique et de l'oeuvre d'art. Abandonnant la dimension symbolique religieuse prêtée aux  poissons,Jan van Kessel les décrit avec un très grand réalisme, reproduisant même les ombres des coquillages sur le sable, à l'aide d'une technique d'une extrême précision, imposée par les dimensions généralement réduites de ses œuvres, souvent réalisées comme ici, sur cuivre.

Rappel biographique : Jan van Kessel est un peintre flamand, né et mort à Anvers. Descendant par les femmes de la dynastie des Bruegel, Jan van Kessel est fils du peintre Hieronymus van Kessel, petit-fils de Jan Brueghel l'Ancien, neveu à la fois de Jan Brueghel le Jeune et de David Teniers le Jeune. Il commence son apprentissage chez Simon de Vos en 1634. Il effectue toute sa carrière à Anvers. Il est influencé par Daniel Seghers (1590-1661). Vers 1645 il entre à la Guilde de Saint-Luc. Il se fait une réputation dans les tableaux d'oiseaux, dont plusieurs sont gravés par Dossier et Filloeul. Il aura treize enfants dont deux seront peintres, notamment Jan van Kessel le Jeune (1654-1708).
Jan van Kessel, au-delà de la nature morte flamande traditionnelle qu'il pratique d'ailleurs dans des compositions de fleurs ou des buffets d'apparat, oriente sa peinture entre étude scientifique, zoologique et botanique, et œuvre d'art. Abandonnant la dimension symbolique religieuse prêtée aux êtres naturels, il les décrit avec un très grand réalisme, reproduisant même les ombres des insectes ou des coquillages sur leurs fonds blancs, à l'aide d'une technique d'une extrême précision, imposée par les dimensions généralement réduites de ses œuvres, la plupart du temps  réalisées sur un support de cuivre.