Henri Matisse (1869-1954) - La Table au café

Henri Matisse (1869-1954) 

La Table au café, c. 1899 

Huile sur toile, 40.6 x 32.7 cm. 

The San Francisco Museum of Modern Art (SF MOMA)

(Harriet Lane Levy Bequest).

Que voit on ? Une tasse à café sur une table de café (élément qui donne son nom à la toile).

 Une peinture de jeunesse  de Matisse  ce qui n'enlève rien a la beauté de cette composition et cette pate, d'autant que Matisse  a rarement peint des détails comme ceux-ci par la suite ...

Rappel Biographique : Henri Matisse, peint son premier tableau, Nature morte avec livres et chandelle en juin 1890. Peu après, il se rend à Paris. En 1892, il rencontre Albert Marquet à l'École des Arts déco puis s'inscrit en 1895, à l'École des beaux-arts, dans l'atelier de Gustave Moreau. L'enseignement du maître encourage ses élèves à penser leur peinture, à la rêver, au-delà de la virtuosité technique. Matisse, comme ses condisciples, Georges Rouault, Léon Lehmann, Simon Bussy, Eugène Martel, Albert Huyot ou Henri Evenepoel, est stimulé par cette conception de la peinture et entend développer la sienne selon son individualité. Gustave Moreau, lors d'une correction, lui dit : « Vous allez simplifier la peinture. »
Cette prophétie peut être considérée comme le programme esthétique de l'œuvre d'Henri Matisse.
En 1896, Matisse expose pour la première fois au Salon des Cent et au Salon de la Société nationale des beaux-arts, dont il devient membre associé sur proposition de Pierre Puvis de Chavannes. Cette fonction lui permet notamment d'exposer sans passer par un jury. Il passe l'été à Belle-Île-en-Mer et rencontre l'Australien John Peter Russell, qui l'introduit auprès d'Auguste Rodin et Camille Pissarro. Il commence à s'intéresser à la peinture impressionniste qu'il découvre en 1897 au musée du Luxembourg. Il est alors un peintre classique de natures mortes réalistes aux textures amples. Pour gagner sa vie, Matisse et Marquet travaillent comme peintre décorateurs à la journée, pour les décorateurs de théâtre.
En voyage à Londres, sur les conseils de Pissarro, Matisse découvre la peinture de Joseph Mallord William Turner, puis il part s'installer en Corse où il habite dans la Villa Rocca. A Ajaccio, il peint une cinquantaine de toiles dont Le Mur rose qui représente l'arrière de l'hospice Eugénie vu depuis la Villa de la Rocca. Matisse s'inspire alors de Turner.
En 1899, il découvre le traité de Paul Signac, D’Eugène Delacroix au néo-impressionnisme.
À partir de 1900, Matisse travaille la sculpture et le modelage, à l'Académie de la Grande Chaumière, sous la direction d'Antoine Bourdelle et fréquente également l'atelier d'Eugène Carrière. Il y fait la connaissance d'André Derain et de Jean Puy. Derain lui présente Maurice de Vlaminck. Il expose au Salon des indépendants (1901) et participe à la première édition du Salon d'automne (1903)
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Felix Vallotton (1865-1925) - Pommes, pichet, verre d'eau et casserole

Felix Vallotton (1865-1925)

Pommes, pichet, verre d'eau et casserole 

Collection privée 

Rappel biographique : Félix Vallotton, peintre d'origine suisse naturalisé français en 1900, est un artiste à cheval sur deux siècles, deux pays et plusieurs tendances esthétiques, des Nabis à la Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité). S'il est aujourd'hui moins connu en France qu'en Suisse, c'est pourtant à Paris, dans les années 1890, que ses gravures sur bois novatrices lui ont valu une renommée qui s'est rapidement étendue à l'Europe entière. Tout au long de sa vie le " Nabi étranger ", comme il était surnommé, s'est intéressé à une gamme étendue de sujets récurrents - intérieurs, toilettes, nus féminins, paysages, natures morte, rendus étranges par son style lisse et froid, aux couleurs raffinées, aux découpages et aux cadrages audacieux. Et bien qu'il ne fût pas toujours compris par la critique de son temps, Vallotton a su s'imposer comme une figure en vue de la scène artistique parisienne et trouver sa place dans le courant moderne, notamment en participant à de nombreuses manifestations internationales d'avant-garde devenues mythiques. C'est surtout à  partir de 1910, que Félix Vallotton s’intéresse au genre de la nature morte et le transforme dans chacune de ces toiles.

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Bernard Buffet (1928-1999) - Nature morte aux poissons

Bernard Buffet (1928-1999)
Nature morte aux poissons, 1950
Musée Bernard Buffet de Surugadaira, Japon

Que voit on ? Posés sur une entablement géométrique blanc : deux poissons dont un espadon, une saucière blanche, une lampe à pétrole et une bouteille d'huile. Le style est encore celui des premières natures mortes très dépouillés du peintre mais commence à évoluer vers cette manière plus baroque que l'intelligentsia parisienne lui reprochera tant par la suite...

Rappel biographique : Bernard Buffet est un peintre français expressionniste, qui a peint aussi bien des personnages que des figures, animaux, nus, paysages, intérieurs, natures mortes, fleurs. Aquarelliste, c'est également un peintre de décors de théâtre et un illustrateur. Il remporte le concours d’entrée de l'École nationale supérieure des beaux-arts en décembre 1943 à quinze ans, passant deux ans dans l'atelier du peintre Eugène Narbonne où il est déjà considéré comme très doué. Il s'y lie notamment d'amitié avec les peintres Maurice Boitel et Louis Vuillermoz.
En 1947, il expose L'Homme accoudé au Salon des indépendants et en décembre a lieu sa première exposition particulière présentée par Pierre Descargues, à la Librairie des impressions d'art. On y reconnait déjà un graphisme très caractéristique qui sera tout au long de sa vie, la marque du peintre. L'État, par l'intermédiaire de Raymond Cogniat, lui fait son premier achat pour le Musée national d'art moderne de Paris avec la peinture Nature morte au poulet. En 1955, il obtient la première place au référendum organisé par la revue Connaissance des arts désignant les dix meilleurs peintres de l'après-guerre. Il peint les maquettes des décors et des costumes pour La Chambre argument de Georges Simenon qui devient son ami. Élu à l’Académie des beaux-arts au fauteuil de Paul Jouve, Bernard Buffet est alors le plus jeune académicien jamais élu sous la coupole.
En 1978, à la demande de l’administration des postes, Bernard Buffet réalise une maquette pour un timbre de trois francs L’Institut et le Pont des arts. À cette occasion le musée postal à Paris présente une exposition rétrospective de ses œuvres. Dans les années 1970-80, Bernard Buffet est un artiste au sommet de sa gloire que les critiques n'épargnent pas, comme tout artiste qui connait un grand succès de son vivant. Ils lui reprochent principalement le " statisme " de sa touche dans laquelle ils décèlent peu d'évolutions au cours des années, le traitant volontiers de " peintre académique ".
Au début des années 1980 son œuvre immense, est plus appréciée à l'étranger qu'en France, et principalement en Extrême Orient, aux Etats-Unis, en Amérique du sud et au surtout Japon où elle connait un succès considérable et où lun musée est spécifiquement construit pour lui à Surugadaira, ce qui, à cette époque, est inédit pour un peintre vivant.
En 1986, sa femme et modèle favori, Annabel, publie D’amour et d’eau fraîche ; la même année sortent les deux premiers volumes de la monographie de Yann Le Pichon, Bernard Buffet, couvrant la période 1947-1982, qui obtiennent immédiatement le Prix Élie Faure.
Bernard Buffet, diminué par la maladie de Parkinson, se suicide par asphyxie, le 4 octobre 1999, dans son atelier du Domaine de la Baume près de Tourtour (Var), étouffé dans un sac en plastique noir sur la surface duquel son nom était dessiné avec sa calligraphie si caractéristique ; dernière mise en scène un rien macabre d'un très grand artiste du 20e siècle, qui toute sa vie avait adoré mettre en scène sa propre existence. En novembre 2007, paraît le troisième et dernier volume de la monographie de Yann Le Pichon, couvrant la période de 1982 à 1999.
En 2016- 2017, le MAM (Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris), rend hommage au peintre à travers une exposition où sont présentées toutes les acquisitions du musée faites dans les années 47- 55 et quelques chef d'oeuvres prêtées par le Musée Bernard Buffet de Surugadaira.

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Maurice de Vlaminck (1876-1958) - Nature morte au panier de pommes vertes

Maurice de Vlaminck (1876-1958)
Nature morte au panier de pommes vertes, 1905
Collection privée

Que voit on ? Un panier de pomme vertes que décrit le titre posé sur un entablement sobre d'où se détache aussi une théière en métal émaillé bleu sombre, comme celles qui étaient fréquemment produites au début du siècle dans l'est de l'Europe. On est surpris par la vivacité des verts et des bleus dans cette composition qui demeure somme toute assez sombre.

Rappel biographique : Le peintre français Maurice de Vlaminck s'est illustré dans les courants Fauviste et Cubiste. Peintre de figures, portraits, nus, paysages, paysages animés, paysages urbains, intérieurs, natures mortes, fleurs et fruits, peintre à la gouache, aquarelliste, graveur, dessinateur et illustrateur, il fut aussi écrivain et publia vingt-six livres, romans, essais et recueil de poèmes. Ses natures mortes quelquefois très inspirées de celles de Cézanne sont des explosions de couleurs et de formes qui font assez souvent de lui, un peintre abstrait avant la lettre.

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Josef Sudek (1896-1976) - Bread, Egg and Glass

Josef Sudek (1896-1976) 

Bread, Egg and Glass, 1950-1954 

Private collection 

Josef Sudek est un photographe tchèque. Son père (peintre en bâtiment) meurt alors que le futur photographe a trois ans. À l'âge de quatorze ans, il part à Prague pour un apprentissage où il apprend la reliure. Il photographie en amateur dès 1913. Il accomplit son service militaire à Kadaň en 1915 et part ensuite pour le front italien armé de son appareil photographique.

Il revient amputé du bras droit à cause d'une grenade, il devient alors photographe après avoir étudié la photographie pendant deux ans à Prague à l'école des arts graphiques de 1922 à 1923 avec Jaromir Funke. 

Sa pension d'invalidité lui laisse la possibilité de se consacrer à la photographie d'art et dans les années 1920 il travaille dans un style pictorialiste. En 1924, poussé par un club de photographie local, il devient le cocréateur de la Société Photographique de Prague (Pražskou fotografickou společnost). En 1927 il lance son propre studio1. Il photographie les mutilés de guerre, la restauration de la cathédrale Saint-Guy de Prague et voyage deux mois en Italie.
De 1927 à 1936, il réalise des portraits, des reportages et des paysages pour la maison d'édition dp (Družstevní práce) dans les locaux de laquelle il organise sa première exposition personnelle en 1932. Il expose ensuite à plusieurs reprises à Prague.

 En 1933, il prend part à l'exposition La photographie sociale.
À partir de 1940, il adopte l'appareil grand format (30x40 cm), utilise la caméra panoramique Kodak (1894, 10 x 30 cm).
Durant la Seconde Guerre mondiale et après, Sudek créa des paysages de nuit de Prague, photographia les paysages boisés de Bohème et la fenêtre en verre qui menait à son jardin (les fameuses séries La fenêtre de mon atelier). 

Il poursuivit en photographiant l'intérieur encombré de son studio (les séries Labyrinths).
En 1954, il obtient le Prix de la ville de Prague et en 1961, le titre d'artiste émérite par le gouvernement tchèque.
Il sera exposé à l'Ouest, pour la première fois, en 1974, à la George Eastman House, et publiera seize ouvrages au cours de sa vie. Appelé le "poète de Prague", Sudek resta célibataire et fut une personne timide et solitaire : il n'apparut jamais aux vernissages de ses expositions et peu de gens figurent dans ses photos. 

D'autre part, en dépit des privations de la guerre et du communisme, il constitua une discothèque privé très renommée d'enregistrements de musique classique.

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Man Ray (1890-1976) - Nature Morte

Man Ray (1890-1976)
Nature Morte
Aquarelle sur papier, 1953
Collection privée

Que voit on ? Posées sur une assiette deux poivrons rouges, une aubergine et deux poires. Les couleurs très primaires et le dessin très minimaliste laisse cependant deviner le regard sûr et synthétique de cet artiste plus connu pour ses talents de  photographe que pour ceux de peintre.

Rappel biographique :  Emmanuel Radinsky plus connu sous le pseudonyme de Man Ray fut un  peintre, photographe et réalisateur de cinéma, acteur du mouvement Dada à New York, puis du  surréalisme à Paris. Son pseudonyme emprunte trois lettres à son prénom et trois à son nom, et signifie littéralement homme rayon (de lumière), ce qui doit être entendu comme l'homme qui écrit avec la lumière, c'est-à-dire la signification du mot photographe. 

À Montparnasse, durant trente ans, Man Ray révolutionne l'art photographique. Les grands artistes de son temps posent sous son objectif, comme James Joyce, Gertrude Stein ou Jean Cocteau. Il contribue à valoriser l'œuvre d'Eugène Atget qu'il fait découvrir aux  surréalistes  En 1934, Meret Oppenheim pose pour Man Ray, cette série de photos de nus devient l'une de ses séries les plus célèbres. En 1940, après la défaite de la France, Man Ray s'embarque pour les Etats-Unis en compagnie de Salvador Dali, de sa femme Gala et du cinéaste René Clair.  Il a photographié peu de natures mortes. Quand Man Ray, photographe surréaliste, choisit en toute liberté le vocabulaire de sa nature morte, il n'en reste pas moins fidèle au souci générique de rendre la complexité subtile des formes et les effets de reflets.
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Paul Gauguin (1848-1903) - Tomates et pichet en étain sur une table

Paul Gauguin (1848-1903)
Tomates et pichet en étain sur une table, 1883
Collection privée

Que voit on ? Le plus curieux dans cette étonnante et rare nature morte de Gauguin est qu'elle semble être posée devant un tableau de Van Gogh dont Gauguin ne fera la rencontre que 5 ans plus tard en 1888 , lors du fameux episode arléseien où il passera deux mois intenses et tragiques avec Van Gogh. 

 On remarque aussi l'éclat des rouges de ces tomates qui se détachent sur le linge blanc plissé posé sur la table , plus une table d'atelier que de cuisine.

Rappel biographique : le peintre français Paul Gauguin est un peintre post impressionniste, chef de file bien connu de l'École de Pont-Aven et inspirateur des Nabis. Il est considéré comme l'un des peintres français majeurs du 19e siècle. En 1874, la connaissance qu'il fait de Camille Pissaro et la première exposition du courant impressionniste, l'inclinent à devenir amateur d'art et à s'essayer alors à la peinture. En 1882, il abandonne son emploi de courtier en bourse pour se consacrer uniquement à sa nouvelle passion, la peinture. De janvier à novembre 1884, il s'établit à Rouen où Pissaro vivait également. Pendant ces 10 mois passés à Rouen, il réalise près de quarante tableaux, principalement des vues de la ville et de ses alentours et quelques natures mortes très classiques. Cela ne suffit pas pour vivre et il part avec sa femme et ses enfants dans la famille de celle-ci à Copenhague.
Ses affaires ne vont pas bien et il revient à Paris en 1885 pour peindre à plein temps, laissant femme et enfants au Danemark, n'ayant pas les moyens d'assurer leur subsistance. Il est déchiré par cette situation. Il expose avec les impressionnistes régulièrement de 1876 à 1886.
C'est en juillet 1886 que Paul Gauguin effectue un premier séjour en Bretagne. Il s'installe pour 3 mois à la pension Le Gloanec, à Pont-Aven où vit une colonie d'artistes. Il y rencontre le très jeune peintre (et écrivain) Emile Bernard adepte du " Cloisonnisme ", une technique picturale cernant chaque plan de couleur d'une fine cloison, un peu à la manière de la technique du vitrail ou des estampes japonaises.
Influencé par Emile Bernard et par le courant symboliste, Paul Gauguin renonce à l'impressionnisme pour élaborer, une nouvelle théorie picturale, le " Synthétisme ". Sa recherche va alors dans le sens d'une simplification des formes, il élimine les détails pour ne garder que la forme essentielle, simplification obtenue par l'usage du cerne et de l'aplat de couleur.
Nabis et Synthétistes, inspirés également par Stéphane Mallarmé et les symbolistes littéraires, partageront pendant quelques temps des convictions communes sur la nécessité de libérer la peinture de sa sujétion au réel et de laisser davantage de place à l'idée ou à la symbolique. Maurice Denis, Paul Sérusier, Édouard Vuillard, Pierre Bonnard, Odilon Redon font partie de ce mouvement.
Gauguin retournera en Bretagne en 1889 et 1890, au Pouldu, tout proche de Pont-Aven, deux lieux où chaque été une importante colonie d'artistes tentera d'élaborer une nouvelle peinture. Il y loge à " la Buvette de la Plage " de Marie Henry, en compagnie des peintres Meyer de Haan, Sérusier et Filiger.
En 1891, ruiné, il s'embarque pour la Polynésie, grâce à une vente de ses œuvres dont le succès a été assuré par deux articles enthousiastes d'Octave Mirbeau. Il s'installe à Tahiti où il espère pouvoir fuir la civilisation, tout ce qui est artificiel et conventionnel.

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Gustave Courbet (819-1877) - Pipe

Gustave Courbet (1819-1877) 

Pipe (1858) 

Huile sur toile 

Collection privée

Que voit on ? Ce que décrit le titre, et qui fait immanquablement penser au tableau de Magritte " Ceci n'est pas une pipe " ou "La Trahison des images " peint à plusieurs reprises en 1927, 1928, 1935 et 1952. Quoi qu'il en soit, il s 'agit bien d'une nature morte !


Rappel biographique :   Le  peintre et sculpteur français, Gustave Courbet est principalement reconnu pour le réalisme de ses œuvres opposées aux critères de l'académisme et transgressant la hiérarchie des genres, comme Un enterrement à Ornans (1850), qui provoqua le scandale chez ses contemporains. Anticlérical, ami de Proudhon et proche des anarchistes, il fut l'un des élus de la Commune de Paris de 1871. Accusé d'avoir fait renverser la colonne Vendôme, il fut emprisonné et est condamné à la faire relever à ses propres frais. Réfugié en Suisse, il meurt avant d'avoir commencé à rembourser.
Gustave Courbet enduisait sa toile d’un fond sombre, presque noir, à partir duquel il remontait vers la clarté. Cette technique est, peut-être, en train de condamner les œuvres de Courbet. En effet, ce goudron tend, avec le temps, à remonter à travers la peinture et à assombrir dangereusement les tableaux.
Courbet a eut parfois recours à la photographie, en particulier dans la représentation du nu féminin : comme Eugène Delacroix avant lui, il utilise des clichés à la place des traditionnelles séances de pose assurées par des modèles vivants. Ainsi, la figure centrale des Baigneuses (1853) s'inspire d'un cliché du photographe Julien Vallou de Villeneuve. De même, l'Origine du monde, tableau  qui fit récemment encore parlé de lui pour avoir été censuré par Facebook, rappelle, par son cadrage serré, les stéréophotographies pornographiques d'Auguste Belloc.
En 2013, un dossier plaidant pour le transfert de la dépouille de Gustave Courbet (conservée dans le cimetière d’Ornans depuis 1919) vers le Panthéon est déposé par le psychiatre Yves Sarfati auprès du président des Centre des monuments nationaux Philippe Bélaval. La proposition d’hommage posthume à l’artiste apparaît lors du colloque Transferts de Courbet à Besançon en 2011. Il est appuyé par une tribune de Thomas Schlesser dans le Quotidien de l’art du 25 septembre 2013 (numéro 250), où il est affirmé que « la République a une dette envers sa mémoire » ; puis par une tribune dans la rubrique « idées » du Monde d’Yves Sarfati et de Thomas Schlesser, où il est dit qu’ « en honorant Courbet, c'est l'engagement républicain et la justice, que l'on honorerait », qu’ « en honorant Courbet, c'est le monde d'aujourd'hui et celui des Beaux-arts, que l'on honorerait » et qu’ « en honorant Courbet, c'est la Femme, avec un grand F, que l'on honorerait. » 

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Lyubov Popova (1889-1924)
Coupe sur une table, 1915
Tretyakov Gallery, Moscou


Lioubov Sergueïevna Popova ( Любо́вь Серге́евна Попо́ва), née à Ivanovskoïe, non loin de Moscou est une pintre constructiviste, suprématiste et cubo-futuriste russe. Membre de l'avant-garde russe, elle se distingue par ses compositions futuristes et architectoniques, dans le sillage des Malevich, et quelques autres artistes femmes, Natalia Gontcharova, Olga Rozanova, Varvara Stepanova et Alexandra Exter.
Ses premières œuvres sont des paysages et des dessins d'hommes et de femmes (1908-1912). À partir de 1913, elle peint des nus et des portraits cubo-futuristes (Nu cubiste, 1913), réalise une série de natures mortes en relief avec des collages (cf. ci-dessus), des lettres peintes et des matériaux divers (1914-1915). En 1915 elle participe avec Malevitch, Jean Pougny (Ivan Puny) , Ivan Kliun, et dix autres artistes à l'Exposition 0.10 qui présente des œuvres futuristes, suprématistes.
En 1916, elle entame une réflexion sur la présence ou plutôt l'absence de l'objet menant tout droit et logiquement vers la non-objectivité.
Elle compose des toiles suprématistes où elle mêle la couleur, les volumes et la ligne (série des « Architectoniques picturales », 1916, 1921), où des formes géométriques s'imbriquent les unes dans les autres et créent une organisation des éléments, non comme moyen de figuration, mais comme constructions autonomes.

En 1921, elle signe une proclamation pour l'abandon de la peinture de chevalet et déclare que « L'organisation des éléments de la production artistique doit se tourner vers la mise en forme des éléments matériels de la vie, c’est-à-dire vers l'industrie, vers ce qu'on appelle la production ». À ce titre, elle a participé à l'exposition 5x5=25 à Moscou, en compagnie notamment d'Alexandre Rodtchenko.

Paolo Porpora (1617 - 1673) Natura morta con fiori, frutta e piatto di pesce

Paolo Porpora (1617 - 1673)
Natura morta con fiori, frutta e piatto di pesce, 1656
oil on canvas, 45.5 x 52.5 cm.
Private Collection

Que voit-on ?  Des poissons qui exhalent leur dernier soupir dans des contorsions similaires à celles des tulipes coupées. Un sujet suffisamment fort et étrange pour qu'il se passe de commentaires.

Rappel biographique : Paolo Porpora est un peintre italien de la fin de la période baroque, se rattachant à l'Ecole napolitaine, spécialisé dans les natures mortes. Peu d'informations sur cet artiste assez mystérieux dont on sait cependant qu'il fut l'élève de Giacomo Recco, qui l'employa dans son atelier pour réaliser la partie florale de ses natures mortes.
Comme beaucoup de ses contemporains qui voulaient vivre de leur peinture, Paolo Porpora  fut contraint de peindre des natures mortes à  sujet de gibier ou de poissons, celles qui se vendaient le mieux à son époque.  Porpora ne se contenta cependant pas de ces sujets et s'aventura hors des frontières habituelles du genre en peignant des reptiles, des tortues, des champignons, des oiseaux vivants...
Ce qui rend l'appréciation de l'oeuvre de Porpora difficile n'est pas tant le manque de renseignements biographiques (sa biographie est parfaitement documentée) que le peu de toiles qui soient signées de sa main. En réalité il n'y a qu'une seule !!! C'est le biographe du peintre qui en fournissant du vivant même du peintre, la liste de ses sujets préférés  (« poissons, huîtres, escargots, bulots et coquillages et même des lézards, pigeons et autres créatures de cuisine... "), les lieux où ils ont été entreposés et les commanditaires qui ont permis aux experts d'attribuer les tableaux à Porpora.

On s'aperçoit que cet artiste était vite devenu un  expert reconnu de la représentation des formes de vie animale les plus insolites qu'il mettait presque toujours en scène dans des atmosphères de sous-bois directement inspirées des peintres du nord de l'Europe. C'est le cas du tableau de la collection du Musée Pignatelli de Naples et de ceux qui sont exposés au Musée National du Pays de Galles à Cardiff, ou encore des natures mortes du Musée de Capodimonte, de celles de la collection Chigi à Rome, mais de celles identifiées à Stockholm, à Valence ou même de celle du Louvre à Paris (qui présente des oiseaux vivants dans un sous-bois où poussent des champignons).  

Dans toutes ses peintures, Paolo Porpora s'applique  à décrire les animaux avec une exigence de naturaliste tout en soignant particulièrement le rendu lumineux des détails, faisant preuve d'une grande imagination et d'une délicatesse que les experts n'hésitent pas rapprocher d'une inspiration caravagesque. Les effets chromatiques y sont très appuyés et très caractéristiques de la peinture napolitaine de cette époque. Porpora privilégie la lumière contrastée et le clair-obscur typique  qui caractérise là encore beaucoup de peintres du nord de l'Europe. Dans les peintures de Paolo Porpora, les fleurs occupent presque tout l'espace disponible, anticipant le style baroque typique du siècle suivant.

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Pierre Tal Coat (1905-1985) - Nature morte sur Isorel

Pierre Tal Coat (1905-1985) 

Nature morte sur Isorel

Collection privée

Que voit on ? Le résultat  assez dévastateur du passage du temps sur ce panneau d'Isorel, un matériau très apprécié des artistes du 20e siècle, entièrement naturel qui se présente sous forme de panneaux de fibres dures de bois transformées sous haute pression (dont l'unique producteur français est la Tarnaise des Panneaux SAS, fondée en 1904) n'aurait sans doute pas déplu à Pierre Tal Coat enfonçant ainsi le sujet même de cette nature morte (sans doute aux tomates et au petits pois) dans un incertitude formelle voir même une abstraction par laquelle il fut toujours tenté.

Rappel biographique : Le peintre, graveur et illustrateur français Pierre Tal Coat (pseudonyme de Pierre Jacob pour éviter l'homonymie avec Max Jacob quimpérois comme lui), apparenté au mouvement de l'École de Paris. Avec les artistes de ce mouvement, il exposa régulièrement à  la Galerie de France (de 1943 а 1965), dans les  galeries Maeght (de 1954 а 1974), Benador (de 1970 à 1980) puis à  la galerie H-Met, la galerie Clivages. En 1956, seize de ses peintures furent présentées à la Biennale de Venise. Aux côtés de Joan Miro et de Raoul Ubac, il collabore en 1963 aux réalisations pour la Fondation Maeght de Saint-Paul de Vence d'une mosaïque pour le mur d'entrée.

En 1968 le Grand Prix national des arts.

Une grande exposition rétrospective lui fut consacrée au Grand Palais à Paris en 1976.

А partir de 1961, Tal-Coat s'installа  à la Chartreuse de Dormont  près de Vernon (Eure), où il finira sa vie. Tal-Coat a illustré de nombreux livres d'art avec des gouaches, dessins, pointes sèches ou aquatintes, notamment de nombreux ouvrages d'André du Bouchet, Pierre Schneider, Pierre Torreilles, Philippe Jaccottet, Claude Esteban, Maurice Blanchot, Pierre Lecuire, Jacques Chessex...

Tal Coat a peint une série importante de natures mortes, toutes réalisées en 1942, en pleine guerre, alors qu'il se trouvait réfugié à Aix-en-Provence. De toutes ces peintures très dépouillées et exécutées avec une grande économie de moyens, il se dégage une grande force.

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Egon Schiele (1890-1918) - Still Life with Flowers and Colored Cloths

Egon Schiele (1890-1918)

Still Life with Flowers and Colored Cloths, 1911 

Oil on wood 

Private collection

Que voit-on  ? Un bouquet de fleurs posés sur une pile de livres. A droite du bouquet :  un cendrier avec deux cigarettes et un coin de lettre dont on peut apercevoir le timbre. Devant le bouquet de fleurs au premier plan :  ce qui est décrit par le peintre comme des  "vêtements colorés ". 

Rappel biographique  : Egon Schiele est un peintre,  poète et un dessinateur autrichien qui a laissé 300 peintures, 17 gravures et lithographies, 2 gravures sur bois, de nombreuses sculptures et 3 000 dessins, aquarelles ou gouaches, parmi lesquelles très peu de n'autres mortes.  Tout au long de son oeuvre le dessin se caractérise toujours par sa netteté,  avec un trait marqué, énergique et sûr, parfois même violent.  Il est surtout connu pour ses portraits, autoportraits et nus  saisis dans des poses insolites, voire caricaturales, qu'il avait étudié sur certains déments dans un asile psychiatrique, ainsi que sur des positions des marionnettes manipulées.

Il faut préciser enfin la part allégorique très importante de l'oeuvre de Schiele. Les titres de certains tableaux (Agonie, Résurrection…) et certains de ses propos abondent dans ce sens. Le célèbre tableau, La Famille (1918), affirme cette part allégorique : Schiele se représente avec sa femme et son enfant, alors même qu'il n'est pas encore père et ne le sera jamais, car lui, tout comme sa femme enceinte, meurent de la grippe espagnole avant de voir  naitre l'enfant;  ce tableau non achevé sera d'ailleurs son dernier.

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Firmin Baes (1874-1943) - Nature morte aux champignons et pichet de céramique noire

Firmin Baes (1874-1943)

Nature morte aux champignons et pichet de céramique noire

Collection particulière 

Que voit on ? Le contraste entre la blancheur des champignons et de l'assiette sur laquelle ils sont posées et le pichets noir est saisissant. Sur la surface métallique luisante de l'entablement se reflètent les champignons tombés de l'assiette alors que le pichet renvoie l'image de la fenêtre de la cuisine ou de l'atelier dans la meilleure tradition des natures mortes de l'âge d'or hollandais.

Rappel biographique : Firmin Baes est un artiste peintre impressionniste belge, le fils du peintre décorateur Henri Baes, professeur à l'Académie royale des beaux-arts de Bruxelles.
Il est l'élève de Léon Frédéric à l'Académie royale des beaux-arts de Bruxelles. Il peint des scènes de genre et fut aussi un talentueux portraitiste  qui  utilisa principalement le pastel. Alex Salkin écrit « on est souvent confondu par son habileté dans la composition et par la mise en page » et Eugène De Seyn « Firmin Baes est un virtuose du pastel, abusant parfois de cette virtuosité ».
Diverses œuvres sont exposées dans les musées de Bruxelles, d'Anvers de Bruges et de Courtrai.

Ses natures mortes ont souvent traité le thème, assez exploré par les peintres du 20e siècle, des champignons.

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Philip Guston (1913-1980) - Cherries

Philip Guston (1913-1980)

Cherries 1980

Morgan Library & Museum  

Que voit on ? Un tas de cerises, queues tournées vers l'extérieur, ce qui ajoute à l'ensemble une trame de traits noirs dont l'artiste tire une parti graphique interessant. L'amoncellement est précieusement rangé en pyramide.

Rappel biographique : Philip Guston, né Phillip Goldstein est un peintre américain. Il est rattaché à la New York School parmi laquelle figurent de nombreux membres de l'expressionnisme abstrait tels que Jackson Pollock ou Willem De Kooning.
En 1970, alors très reconnu comme un grand peintre de l'expressionnisme abstrait, Guston fait scandale en présentant, à la Marlborough Gallery à New York, de nouvelles peintures figuratives, peintes dans un style enfantin, proches de la bande dessinée et représentant de simples objets, livres, chaussures, immeubles, paysages urbains inquiétants, peuplés de la figure récurrente du Klansman (membre du Ku Klux Klan). Inspiré par le dessin des comics de Robert Crumb et le désir de « raconter des histoires », il renoue avec les thèmes sociaux de ses premières années. La figure du Ku Klux Klan revient comme symbole des violences sociales. Beaucoup ne lui pardonneront pas d'avoir rompu avec la tradition moderniste. Ainsi, Hilton Kramer, le critique d'art du New York Times, le qualifie de « mandarin qui fait semblant d'être un abruti » dans un célèbre article sur l'exposition de la Marlborough Gallery. Robert Hughes ; le critique de Time Magazine qualifie ces nouvelles peintures de « Ku Klux Komix ». Seul De Kooning qui lui écrit : « Tu sais quel est ton sujet : c'est la liberté ! », et un cercle de proches le soutiendront dans cette évolution. Vers la fin de sa vie, Guston s'installe alors à Woodstock où il fait la rencontre de Philip Roth avec qui il se liera d'une longue amitié. Demeuré un temps sans galerie, il rejoint David McKee, un ancien de la Marlborough qui vient d'ouvrir sa propre petite galerie au Barbizon Hotel, auquel il restera fidèle jusqu'à la fin de sa vie.
Depuis sa mort, l'influence de Philip Guston au sein de la jeune peinture new-yorkaise et américaine n'a cessé de grandir.
De nombreuses rétrospectives lui ont été consacrées depuis les années 1990, entre autres à Paris au Centre Pompidou, à Londres à la Royal Academy, au SFMOMA à San Francisco, à l'IVAM à Valencia, ou encore au MASS MoCA à North Adams.
Il est significatif que la grande exposition consacrée à l'expressionnisme abstrait new-yorkais par le Museum of Modern Art de New York, en 2010-2011, se soit clôt avec une grande peinture figurative de Philip Guston réalisée du début des années 1970, comme pour annoncer l'avènement d'une nouvelle ère dont Guston serait l'origine.

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Balthasar van der Ast (1593-1657) - Still life with fruit on a Delft plate, seashells, insects, flowers in a Wanli vase and two parrots

Balthasar van der Ast (1593-1657),
Still life with fruit on a Delft plate, seashells, insects, flowers in a Wanli vase and two parrots, 1620
Private collection

Que voit on ? Une composition très classique représentative  des commandes qui étaient faites souvent en nombre et sur le même modèle mêlant fleurs, fruits et coquillages,  pour orner des intérieurs de notables. Dans celle-ci,  deux perroquets et un précieux vase chinois font la différence...

Rappel biographique : Balthasar van der Ast est un peintre néerlandais qui est un des maîtres de l'âge d'or de la peinture hollandaise et notamment dans le domaine des natures mortes. Les collections publiques françaises conservent plusieurs œuvres de de Balthasar van der Ast, les musées du Nord de la France (Lille, Arras Calais, Douai) étant, dans ce domaine, mieux dotés que les autres à l'exception du musée du Louvre. A propos de Balthasar van der Ast, on peut lire dans le Petit Larousse de la peinture (tome 1, p. 84, Paris 1979) : « Curieux de perspective, exécutant raffiné, sensible à l'éclat des tons comme aux nuances de la lumière, préoccupé de recherches décoratives parfois très proches de celles des Flamands Snyders et Adriaen Van Utrecht, il a joué un rôle déterminant dans l'évolution de la nature morte néerlandaise en accordant la même importance aux considérations picturales et au simple naturalisme. J. D. de Heem, son disciple, et plus tard J. Van Huysum lui devront beaucoup. »

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Antoine Vollon (1833-1900) - Nature Morte aux Oeufs

Antoine Vollon (1833-1900)

Nature Morte aux Oeufs

Collection particulière

Que voit-on ? Deux oeufs posés en équilibre au bas d'un chaudron en cuivre sur une entablement au en bois. L'opportunité pour cet immense peintre qu'est Vollon de déployer tout son talent en opposant les reflets brillants posés sur les blanches coquilles d'oeufs et les somptueux reflets cuivrés du chaudron  de cuivre.  

Rappel biographique : le peintre français Antoine Vollon est considéré comme appartenant au mouvement réaliste, bien que son style s'adapte toujours en fonction du sujet traité. Artiste productif, fougueux et extrêmement doué, Antoine Vollon affichait une préférence marquée pour les effets de lumière. Il a peint des ports, des marines aux grands cieux tourmentés et des pêcheurs mais c'est surtout comme peintre de natures mortes qu'il aimait se présenter lui-même.
Il débute sa carrière à Lyon, où il apprend la gravure sur métaux et fréquente l 'Ecole des beaux-arts de la ville où il est l'élève de Théodule Ribot. Il développe rapidement une attention particulière surtout pour les natures mortes qui relèvent d’un défi technique et artistique. Ce défi couvre un champs très large qui va de la représentation d'une motte de beurre, à la peinture de fruits et de fleurs isolés (poires, prunes, cerises, pêches, tomates, courges, violettes...) en passant par le rendu des reflets du métal des ustensiles de cuisines jusqu'à la représentation des matières vivantes quotidiennes de la cuisine (plateau d'huîtres, œufs, carcasse de cochon pendu et vidé, poissons de mer en attente de cuisson...). Ses œuvres sont aujourd’hui conservées dans les plus grands musées du monde (Amsterdam, Londres, New York...) et chez quelques chanceux collectionneurs privés principalement aux Etats-Unis où Vollon est beaucoup plus connu qu'en Europe (Washington, New York, Boston, Philadelphie…). En France, le musée d'Orsay à Paris conserve une de ses toiles (Autoportrait), de même que les musées de Lyon (sa ville natale), Amiens et Rouen. Le Musée des beaux arts de Dieppe quant à lui conserve deux toiles : Femmes du Pollet à Dieppe et Poissons de mer.
Alexandre Dumas fils était le grand collectionneur français de l'œuvre de Vollon, ainsi que de riches américains, comme Henry Frick (Frick Collection) ou le peintre William Merritt Chase qui l'admirait beaucoup et s'inspira, dans la plupart de ses propres natures mortes de celles d'Antoine Vollon.
Le MET à New York conserve l'une des plus belles toiles de Vollon. de meme que le Musée Pushkin de Moscou (ci-dessus)
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Milton Avery (1885-1965) - Shells and Fishermen

Milton Avery (1885-1965)

Shells and Fishermen

The Phillips collection

Que voit-on ? Une nature morte d'un genre particulier puisque traitée par Milton Avery en y incorporant un élément humain (deux silhouettes de pêcheur dans le lointain). Les coquillages sont disposés au premier plan  sur le sable sans que le peintre ne se préoccupe trop d'exactitude des perspective , ce qui est aussi souvent sa marque.

Rappel biographique :  Milton Clark Avery est un artiste peintre américain de figures, portraits, animaux, intérieurs, paysages et quelques rares natures mortes. S'il existe un lien entre le monde de la peinture traditionnelle américaine du début du 20e siècle et de celui de l'expressionnisme abstrait autour de 1945, c'est bien Milton Avery qui l'a créé. On ne lui connait aucune formation particulière, sinon en 1913 un cours de dessin d'après nature donné par Charles Noël Flagg à la Connecticut League of Art à Hartford. En 1925, il épouse Sally Michel, également peintre, dont on retrouve l'image dans les nombreux portraits exécutés par son époux. Sa première exposition personnelle a lieu en 1928, elle est suivie d'autres à partir de 1940.

Après la période Fauve de ses débuts, qui lui a permis de jouer avec de riches couleurs, il atténue sa palette et simplifie ses compositions qui tendent vers un dépouillement de plus en plus grand. Ses sujets restent simples tels que Rothko les définit. C'est dans un style presque Intimiste - Avery peignant son atelier, sa femme Sally, sa fille March, Central Park, les plages et montagnes où il passait l'été, des vaches, des poissons, des vols d'oiseaux, ses amis réunis dans son atelier...- qu'il peint des œuvres aux formes simplifiées, aux plans colorés, découpés, dans un espace à deux dimensions, évoquant l'art de Matisse. Toutefois, ses peintures ne sont jamais brillantes quoique très riches. Il maîtrise fort bien ses rapports de couleurs dont les contours peuvent être parfois fluides, créant une sorte d'osmose entre elles. L'art de Milton Avery rejoint ainsi, peu à peu l'abstraction expressionniste de Rothko et de Adolph Gottlieb. Ensemble, ils ont participé à de longues conversations hebdomadaires qui ont facilité la naissance de la peinture abstraite américaine d'après guerre et plus particulièrement de l'Ecole de New York.

Une grande rétrospective lui a été consacrée en 1952 au Baltimore Museum, puis à la Fondation Ford et au Whitney Museum en 1960. Une autre rétrospective posthume fut présentée à Lincoln puis à Little Rock en 1966, puis deux autres encore en 1983, à la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo et au Minneapolis Institute of Arts.

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Gustave Caillebotte (1848-1894) - Capucines

Gustave Caillebotte (1848-1894) 

Capucines  1892 

Huile sur toile 

Collection particulière 

Que voit on ? Une illustration parfaite de l'influence de la peinture japonaise sur Caillebotte.  Ce Japonisme qui atteint bon nombre d'artiste français de la fin du 19e siècle s'exprime plus dans la composition  (inhabituelle en Occident) de cette nature morte (une  branche isolée)  que  dans son traitement pictural, très caractéristique dans la fluidité de la matière et le choix des couleurs  de ce très grand peintre impressionniste qu'est Gustave Caillebotte.

Rappel Biographique : le peintre français Gustave Caillebotte fut aussi mécène, collectionneur  et organisateur des expositions impressionnistes de 1877, 1879, 1880 et 1882. Le talent de Caillebotte fut longtemps méconnu (sauf aux États-Unis) au profit de son rôle de « mécène éclairé ». Le peintre fut redécouvert dans les années 1970 à l'initiative de collectionneurs américains. Les rétrospectives de ses œuvres sont désormais fréquentes. Certains de ses tableaux se trouvent maintenant au musée d'Orsay à Paris. Caillebotte est l'un des premiers grands peintres français à exposer régulièrement aux États-Unis, où il rencontre un vif succès, et où se trouvent aujourd'hui nombre de ses toiles. Il est l'un des fondateurs du courant « réaliste », qu'illustrera par exemple au 20e siècle l'américain  Edward Hopper. Fortuné, il n'a pas besoin de vendre ses toiles pour vivre, si bien que ses descendants possèdent encore près de 70 % de ses œuvres. À sa mort, Martial et Auguste Renoir son exécuteur testamentaire, prennent les dispositions pour que l’État accepte le legs de ses tableaux impressionnistes. Les historiens d'art qualifient volontiers cet artiste « d’original et audacieux ». Sa technique ne l'est pas moins assez proche de l'art photographique, mais, par de puissants effets de perspectives tronquées, les distances et les premiers plans sont écrasés et l'horizon absent, d'où la perception instable et plongeante (Caillebotte invente la vue en plongée dans la peinture). Les effets de vue plongeante s'imposent dans son art à travers les personnages au balcon et ses vues en surplomb des rues et des boulevards. 

Dans ses natures mortes saisies souvent dans des cadrages et sous des angles inhabituels, il s'intéresse surtout à l'aspect préparé et alimentaire. Il affectionne les natures mortes à l'étalage dont il croque le plan sur les marchés, dans les restaurants, ou dans les boutiques et qu'il retravaille entièrement dans son atelier, car contrairement aux impressionnistes qui peignent en plein air, Caillebotte retravaille toutes ses esquisses à l'atelier. 

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Childe Hassam (1859-1935) - Still Life with Colonial Quilt

Childe Hassam (1859-1935)
Still Life with Colonial Quilt
Private owner

Que voit-on ? Sur un guéridon en bois verni qui reflète comme un miroir l'atmosphère chaleureuse de la piece : une nappe en patchwork (Quilt en anglais) dans la tradition de ces ouvrages américains du 19e siècle, véritables oeuvres d'art, peut -tre  inspirés des "boutis" provençaux des 17e et 18e siècles.  Sur cette oeuvre est posée une assiette avec un grappe de raisins. A l'extérieur par la fenêtre à guillotines entr'ouverte toute la splendeur des coloris d'été de la Nouvelle Angleterre...

Rappel biographique :  le peintre, graveur, dessinateur, illustrateur et lithographe américain Frederick Childe Hassam est un impressionniste, membre du groupe des Ten American Painters. Peintre de scènes de genre, figures, nus, intérieurs, paysages, paysages urbains, marines, il a aussi bien utilisé  l'huile, la gouache, l'aquarelle ou  le pastel. De 1886 à 1889, il séjourne à Paris  où il étudie l'art à  l'Académie Julian. Ses professeurs sont Gustave Boulanger et Jules Joseph Lefebvre. L'impressionnisme français et l'art de Claude Monet ont une forte influence sur lui. Parmi ses œuvres les plus connues, réalisées à la fin de sa vie, figure la Flag series. Il s'agit d'une trentaine de tableaux qu'il commença en 1916, inspirés par la parade de préparation des engagés volontaires américains pour la Première Guerre mondiale sur la Cinquième avenue. Le tableau le plus célèbre de la série, The Avenue in the Rain (1917), représentant des drapeaux américains et leur reflets sous la pluie, fait partie de la collection de la Maison Blanche. Le président Barack Obama l'avait  fait installer dans le bureau ovale dès le début de sa  présidence. 
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René Magritte (1898–1967) - La force des choses

René Magritte (1898–1967) 

La force des choses, 1958 

Huile Sur Toile  49.5 × 59.7 cm. 

The Menil Collection, Houston TX 

(Gift of Alexander Iolas).

Que voit on ?  Une nature morte à la  baguette de pain et au verre d'eau flottant dans un ciel serein au- dessus d'u paysage mi-urbain mi-champêtre, le tout tout saisi dans un cadre qui n'est pas sans rappeler  (très fortement ) les dispositifs des compositions de Juan Sanchez Cotan (1561-1521) .. Sinon la question se pose toujours de savoir qui une nature de René Magritte est bien une nature morte? 

Rappel Biographique :  René-François-Ghislain Magritte, est un peintre surréaliste belge.  La peinture de Magritte s’interroge sur sa propre nature, et sur l’action du peintre sur l’image. La peinture n’est jamais une représentation d’un objet réel, mais l’action de la pensée du peintre sur cet objet. Magritte réduisait la réalité à une pensée abstraite rendue en des formules que lui dictait son penchant pour le mystère : « je veille, dans la mesure du possible, à ne faire que des peintures qui suscitent le mystère avec la précision et l’enchantement nécessaire à la vie des idées », déclara-t-il. Son mode de représentation, qui apparaît volontairement neutre, académique, voire scolaire, met en évidence un puissant travail de déconstruction des rapports que les choses entretiennent dans la réalité. Magritte excelle dans la représentation des images mentales.  L’élément essentiel chez Magritte, c’est son dégoût inné de la peinture plastique, lyrique, picturale. Magritte souhaitait liquider tout ce qui était conventionnel. « L’art de la peinture ne peut vraiment se borner qu’à décrire une idée qui montre une certaine ressemblance avec le visible que nous offre le monde » déclara-t-il. La réalité ne doit certainement pas être approchée sous l’angle du symbole.
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Spyros Papaloukas (1892-1957) - Nature morte dans une cellule monastique au Mont Athos

Spyros Papaloukas (1892-1957)
Nature morte dans une cellule monastique au Mont Athos (Agion Oros), 1924
Musée municipal d'Athènes

Que voit on ? Posé sur la table d'une cellule de moine qui rappele la chambre de Van Gogh à Arles mais qui est celle d'une cellule type du célèbre monastère du Mont Athos en Grèce  : un oignon dans une assiette,  un demi verre de vin et une carafe d'eau pour diluer éventuellement le vin. C'est le "repas" légendaire et habituel des moines de ce monastère dont la règle très stricte a cependant été quelque peu assouplie depuis 2010. A l'origine, les premiers ermites chrétiens se retirent sur la péninsule peut-être dès le IVe siècle et de manière certaine à partir du VIIe siècle. Athanase l'Athonite fonde en 963 le premier monastère de la péninsule, celui de la Grande Laure de l'Athos, au pied du mont Athos, à l'est de la montagne. Dix-neuf autres suivront  qui jouissent  tous d'un certain degré d'autonomie interne au sein de la République hellénique. L'île n'est accessible que sous conditions .

Rappel biographique : Spyros Papaloukas est né dans le village de Desfina sur le mont Parnasse, près de Delphes. Il est diplômé de l'École des beaux-arts de l'Université technique nationale d'Athènes et a remporté six prix au cours de ses années d'études. Il a poursuivi ses études à Paris à l’Académie Julian, à la a Grande Chaumière et d’autres écoles d'art indépendantes. Au cours de son séjour à Paris, il a participé à quelques expositions et a été chargé d’élaborer diverses œuvres d'architecture d'intérieur. Il a été rappelé en Grèce et recruté pour participer à la Campagne Asie mineure. Artiste de guerre, il a exposé ses œuvres lors de la grande exposition de guerre du Zappeion Hall à Athènes en 1922. Ses thèmes principaux portent sur les paysages grecs de l'Attique, les îles d'Égine et de Lesbos, le mont Parnasse et le mont Athos. Après 1924, il poursuit ses travaux en Attique et sur l'île de Salamine et participe aux expositions collectives de l'Association des artistes grecs, Omada Tehnis et à de nombreuses expositions à l’étranger (France, Londres, Suède, Rome, Yougoslavie, Égypte, Canada, etc.)..
Pendant son séjour en Grèce, il a créé de grandes œuvres pour des espaces publics tels que l'église de l'Annonciation dans la ville d'Amfissa, le musée archéologique d'Héraklion en Crète, la chapelle de la faculté de droit, le monastère Mega Spileo, des écoles et d'autres bâtiments publics.
Il a été aussi conçu des décors de scène pour le Théâtre national grec (sous la direction de Fotos Politis) et pour le théâtre Kotopouli. Il a été enseignant dans diverses institutions grecques comme l’Ecole industrielle, à l’Ecole Sivitanideion et à l’Ecole d’architecture de l’Université technique nationale. A partir de 1939, il fut directeur de la Galerie d'art unicipale d'Athènes.

Jopie Huisman (1922-2000) - Bak met gummilaarzen

Jopie Huisman (1922-2000)

 Bak met gummilaarzen, 1975

(Boîte avec bottes en caoutchouc)

Jopie Huisman Museum

 Que voit on ?  Ce que décrit exactement le titre et qui peut paraitre un sujet surprenant de natures mortes pour qui aurait oublié que Vincent Van Gogh  avait déjà traité ce sujet, notamment sans son très célèbre tableau Les souliers.

Rappel biographique : Jotje (Jopie) Huisman était un peintre et dessinateur néerlandais autodidacte.
Il conservait des chaussures, des chiffons, des chapeaux, des vieux imperméables, des poupées... bref tout ce qui attirait son attention et qu'il peignait méticuleusement.

Avant qu'il ne soit connu, il échangeait ses tableaux contre un paquet d’anguilles ou de harengs.  Une partie de ce travail a fini par arriver sur le marché de l'art et ses tableaux  ont commencé à ses vendre.  Plus tard, dans sa carrière,  il s'appliqua à surtout ne pas vendre de tableaux, mais  à les donner à des amis et à des personnes qui, selon lui, le méritaient. Ses peintures sont exposées au musée Jopie Huisman depuis 1986.

À partir des années 90, en partie à cause  de ses problèmes cardiaques, le travail méticuleux est devenu trop ardu et il est passé aux dessins à la plume et à l'aquarelle. Huisman a peint sa dernière toile en mars 2000. Cette petite aquarelle a été trouvée en 2010 dans sa maison natale sur le Trekweg.

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Anne Vallayer-Coster (1744-1818) - Vase, Homard, Fruits et gibier

Anne Vallayer-Coster (1744–1818)  

Vase, Homard, Fruits et gibier, 1817 

Huile sur toile 45,6 x 70 cm.

Musée du Louvre, Paris

Que voit on ?  Ce que décrit exactement le titre à l'exception des pièces de vaisselle et ustensiles de cuisine qui ne sont pas mentionnées et des légumes comme les cardons séchés  dans la pénombre à droite du tableau, la magnifique botte de radis au premier plan et quelques quignons de pain... 

Rappel biographique :  Peintre officielle de Marie-Antoinette, Anne Vallayer-Coster fut aussi douée pour les natures mortes que Jean-Baptiste-Siméon Chardin. Fille d’orfèvre de la cour, elle passe son enfance dans la manufacture de tapisserie des Gobelins où résident ses parents. Elève de Madeleine Basseporte et de Joseph Vernet, Anne Vallayer entre à l’académie royale de peinture en 1770 qui comptent alors 12 femmes. Inspirées par les natures mortes et les « vanités » des maîtres flamands du XVIIe siècle, ces compositions sont souvent riches de symbole, les fruits par exemple ont des valeurs symboliques, les cerises évoquent les fruits du Paradis, les pommes et les pêches le fruit défendu, les raisins la rédemption et l’intérieur de la noix la Croix du Christ. Son travail semble scruter et traduire « À l’infini » le monde visible de la beauté des choses et leur précarité,….
Elle poursuivit sa carrière avec succès jusqu’à sa mort.
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Vincent van Gogh (1853-1890) - Nature morte à la paire de chaussures

Vincent van Gogh (1853-1890)
Nature morte à la paire de chaussures, 1888
Collection privée

Que voit-on ? Van Gogh a peint à de nombreuses reprises ce sujet des chaussures, sabots, bottines...(toujours très usées), sujet qui semblait le fascinait  (cf. Les souliers).
Dans cette composition, on sera sensible aux traits bleus disposés à droite de la chaussure de droite et que l' on peut diversement interpréter : soit comme une tentative de rendu d'un mouvement (la chaussure vient d'être jetée ou déposée à terre et tremble encore) ; soit comme une tentative de restitution visuelle d'une odeur désagréable, moyen qui sera largement utilisé plus tard au 20e siècle, de façon très codifiée, dans la bande dessinée.

Rappel biographique : Le peintre franco-hollandaisVincent van Gogh a peint énormément de natures mortes dont les plus célèbres sont sans doute constituées par la série des sept tableaux "Les tournesols " qu'il peignit à Arles entre Août 1888 et Janvier 1889. D'autres natures mortes moins célèbres permettant de passer en revue a peu près tous les styles du peintre, ont été exécutées à diverses époques de sa vie. Van Gogh peignait sur des toiles souvent déjà apprêtées, qu'il pouvait réutiliser, soit en grattant l'œuvre précédente, soit en la recouvrant d'une nouvelle couche. Il employait certains pigments instables, entraînant une modification des couleurs sous l'effet de la lumière, dont la laque géranium qui perd sa teinte rouge avec le temps. Les couleurs originelles sont donc souvent perdues, entraînant des difficultés de restauration. Pour certains tableaux les restaurateurs ont décidé de ne pas « recoloriser » le tableau, mais se sont contenté de stopper les dégradations et de proposer un éclairage avec des filtres colorés pour restituer les teintes d'origine.
Pour les historiens de l’art, Van Gogh est un précurseur qui a ouvert à la peinture de nouvelles voies. Par exemple, Derain et Vlaminck sont directement rattachés à l'art de Van Gogh « par l'emploi de couleurs pures en larges touches ». Pour les amateurs d'art, il reste un maître à l’égal de Leonard de Vinci ou de Rembrandt avec une production très importante et une trajectoire artistique fulgurante en durée et par ses styles. Pour d'autres par contre comme Salvador Dali, dont les avis à l'emporte pièce étaient connus, Van Gogh était " tout sauf un peintre ". Pour le grand public, l'œuvre de Van Gogh est aujourd'hui accessible dans les plus grands musées du monde.
Dans sa dernière lettre, trouvée dans sa poche le jour de son suicide, Vincent van Gogh écrit : « Eh bien vraiment nous ne pouvons faire parler que nos tableaux »
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Francis Cadell (1883-1937) - Still life with green bowl

Francis Cadell (1883-1937)
Still life with green bowl
Private owner

Que voit on ? A ne pas confondre avec une autre composition du même auteur, publiée dans ce blog,  au titre et au sujet similaire mais peint dans un style résolument différent.  Dans celle-ci : un bol vert contenant un citron ; un verre évasé vide et un portrait découpé en ombre chinoise comme on les aimait au 18 et 19e siècle.

Rappel biographique : Francis Cadell  (de son nom complet Francis Campbell Boileau Cadell)  est un peintre coloriste écossais, célèbre pour ses représentations d'intérieurs écossais élégants ainsi que pour ses paysages de l’оle de Iona et pour ses portraits d' hommes.
Encouragé par le peintre Arthur Melville à partir dès l'âge de 16 ans, il part  étudier à Paris à l'Académie Julian où il entre rapidement en contact avec l'avant-garde française et découvre Matisse. Ce dernier exerça sur lui une  influence durable, bien qu’il se soit  aussi intéressé à la technique  de James Abbott McNeill Whistler et  d’Édouard Manet. Après son retour en Écosse, il a régulièrement exposé à Édimbourg et à Glasgow — notamment au Royal Glasgow Institute of the Fine Arts — ainsi qu'à Londres. Cadell était un peintre gaucher. Lorsqu’il était étudiant à l'Académie royale écossaise, le président avait  tenté de l'empêcher de peindre avec sa main gauche sous prétexte qu' « aucun artiste gaucher n'est devenu génial ». Cadell répliqua « Monsieur et n'y a-t-il pas la grande peinture de Michel-Ange ? » Le président ne  répondit pas et quitta la salle. Un camarade  demanda alors à Cadell  comment il savait que Michel-Ange était gaucher. Et Cadell d' avouer « Je ne savais pas, mais le président non plus ».
Entre octobre 2011 à mars 2012, la Galerie nationale écossaise d'art moderne a réalisé une rétrospective  majeure du travail de Cadell, la première depuis celle tenue à la Galerie nationale d'Écosse en 1942.
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