Maruyama Ōkyo (1733 – 1795), Ink and color sketches on two handscrolls

Maruyama Ōkyo (1733-1795),
Ink and color sketches on two handscrolls (1771-72)
Chiso Compagny collection

Rappel biographique : Maruyama Ōkyo  / 円山 応挙, de son vrai nom Maruyama Masataka, noms de pinceau Sensai, Isshō, Kaun, Untei, Senrei, Rakuyō-Sanjin et Seishūkan), est un peintre japonais du 18e siècle, fondateur de l'école Maruyama, devenue, ensuite, Maruyama-Shijō. Dès l'âge de six-sept ans, à Kyoto, il entre dans l'atelier d'Ishida Yūtei (1721-1786), peintre de l'École Kanō. Il acquiert une grande maitrise dans le maniement du pinceau, tout en poursuivant parallèlement une bonne formation classique, comme le prouvent ses multiples copies d'anciens. Selon Christine Guth, « il apprit la perspective et le clair-obscur -dans les estampes coloriées à la main- que l'on produisait dans la ville chinoise de Suzhou et qui arrivaient au Japon via Nagasaki »1. Il les adopta pour réaliser des estampes utilisées comme "images de lunettes". Tôt amené à gagner sa vie, il réalise, en effet, ces megane-e : des vues plus ou moins "stéréoscopiques" permettant à plusieurs images de se fondre en une seule vue par un jeu d'optiques. C'est pendant l'ère Hōreki (1751-1764) que les Hollandais importent ce dispositif qui fait fureur. Il s'agit de dessins (pour les Hollandais ou d'estampes comme celles réalisées par Maruyama) qu'on place dans une boîte en bois munie d'une lentille convexe et d'un miroir incliné à 45°. Ce dispositif permet, à la fois, d'agrandir l'image et de créer un effet de profondeur. Ōkyo est appelé à en accroître le répertoire pour le compte d'un marchand de curiosités de Kyoto, vers 1760, et il en subsiste encore aujourd'hui un nombre considérable. C'est le genre du megane-e. On se met à fabriquer ces instruments, au Japon, de proportions réduites par rapport aux boîtes des Hollandais, ce qui rend leur manipulation aisée. Maruyama réalise ainsi un grand nombre de gravures dans lesquelles il a recours à la perspective occidentale, comme cette vue devant le Théâtre de Kabuki, dans le quartier de Sijō, vers 1759, ou l'Ishiyama-dera, avant 1795.L'esthétisme décoratif est déjà à l'œuvre chez les peintres de l'École Kanō, il triomphe avec Sotatsu et Kōrin et suscite encore l'engouement d'Ōkyo et de ses partisans, dans certaines de leurs œuvres en tout cas. Ses caractéristiques : un dessin très travaillé, pas pour autant forcément « réaliste » car souvent stylisé, un certain goût du faste, le recours systématique aux formats monumentaux, à l'or, aux couleurs éclatantes pour certains.

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Olof Fridsberg (1728-1795) - Une grosse courge

Olof Fridsberg (1728-1795)
Une grosse courge, 1757
Huile sur toile, 89 cm x 104 cm
Collection privée

Que voit on ? Ce que le titre décrit c'est à dire une grosse courge verte appartenant à la variété
Cucurbita ficifolia ou Courge du Siam, une variété ancienne mexicaine produisant de gros fruits ovales de 2 à 6 kg, de couleur vert tacheté de blanc. La chair blanche est filamenteuse (''cheveux d’ange'') et la saveur est douce. La courge un peu sèche et ridée sur ce tableau est posée sur un entablement recouvert d'un linge blanc.

Rappel biographique : Olof Fridsberg est un peintre de cour suédois sur lequel il n'existe pratiquement aucun renseignement biographique. Si nos fidèles lecueurs en trouvent, qu'ils n'hésitent pas à nous les communiquer.

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Haïm Steinbach (1944) - Untitled (cabbage, pumpkin, pitchers) #1

Haim Steinbach (1944)
Untitled (cabbage, pumpkin, pitchers) #1, 1986,
Plastic laminated-wood shelf, ceramic tureen, foam-stuffed polyester pumpkin, three ceramic teapots
(137,6 x 213,4 x 69,8 cm)
Museum of Contemporary Art Chicago

 

 Que voit on ? Dans cette simulation de nature morte", on trouve : une étagère en bois laminé et plastique, une soupière en céramique, une citrouille masquée en Zorro qui fait la grimace en polyester rembourrée de mousse, trois théières en céramique ernissée. 

Rappel biographique : Haim Steinbach  (1944) est un artiste américain attaché au mouvement simulationniste qui vit à New York et à San Diego, en Californie, avec son partenaire et son fils.. Depuis la fin des années 1970, l'art de Steinbach est axé sur la sélection et l'agencement d'objets, en particulier d'objets de tous les jours. Afin de les mettre en lumière, il conçoit des structures et des dispositifs d'encadrement pour leur présentation. Steinbach présente des objets, allant du naturel à l'ordinaire, en passant par l'artistique et l'ethnographique, donnant forme à des œuvres d'art qui soulignent leur identité et leur sens inhérent. En explorant les aspects psychologiques, esthétiques, culturels et rituels des objets ainsi que leur contexte, Steinbach a redéfini le statut de l'objet dans l'art.

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Eugène Delacroix (1798-1863) - Nature morte de fleurs et de fruits

Eugène Delacroix (1798-1863)
Nature morte de fleurs et de fruits (ca.1834)
Huile sur toile, 79 x 92,8 cm
Galerie du Belvedere, Vienne

Que voit on ?  Une des très nombreuses  natures mottes de fleurs que  Delacroix peignit  au c hâteau de Nohant, chez George Sand, ou avant d'acquérir sa propre maison de Champrosay. 

Rappel biographique : Le grand peintre romantique français Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix n'est a priori pas vraiment connu pour ses natures mortes et c'est un tort car il en peignit quelques unes de très remarquables ! On lui connait Nature morte aux homards (1826-27) conservée aussi au Louvre à l"époque où il il copiait les maîtres anciens dans les galeries du Louvre. Il peignit aussi plusieurs natures mortes florales dont quelques unes très spectaculaires à partir de 1844, quand il loue à Draveil au lieu-dit Champrosay, une « bicoque » où il se fait installer un atelier de 10 m2. En pleine campagne accessible par le train directement Delacroix vient s'y reposer à l'écart de Paris, où sévit le choléra. Là il peut, accompagné de sa gouvernante Jenny, faire de longues promenades dans la campagne pour soigner sa tuberculose. Il travaille de nombreux paysages, plusieurs vues de Champrosay tant au pastel (musée du Louvre) qu'à la peinture à l'huile (musée du Havre). Il réalise de nombreux tableaux de mémoire suivant ses notes et carnets du Maroc, interprétant des scènes antiques à la mode orientale. Son travail se fait plus intimiste, les tableaux de petite taille sont vendus par les marchands parisiens. Il peint également ses natures mortes florales, souvent composées de fleurs imaginaires, (comme ci dessus) affectionnant particulièrement les lys jaune à cinq pétales. Les relations avec George Sand quoique suivies, se distendent. Après avoir réalisé le portrait de l'écrivain en 1834, Delacroix vient régulièrement à Nohant-Vic où il peint pour l'église de Nohant une Éducation de la Vierge138. Il offre un Bouquet de fleurs dans un vase139 à l'écrivain, qui l'accroche140 au-dessus de son lit, mais quand celle-ci tombe amoureuse du graveur et élève de Delacroix, Alexandre Manceau, Delacroix en prend ombrage d'autant qu'il est opposé à la révolution de 1848 dont Sand a été une des figures. La rupture est consommée. Restent les natures mortes florales qui datant de cette idylle, ont traversé les temps.
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Bernard Buffet (1928-1999) - Nature morte à la lampe et aux jeux de cartes

Bernard Buffet (1928-1999)
Nature morte à la lampe et aux jeux de cartes,1982
Huile sur toile, 65 x 81cm
Collection particulière

Que voit on? Posés sur un guéridon ovale recouvert d'un napperon blanc, une lampe à pétrole rouge, un vase contenant deux fleurs de lys en cours à peine écloses et au centre de la composition, une pyramide de cartes dont seuls sont apparents l'as de cœur et l'as de carreau.

Rappel biographique : Bernard Buffet est un peintre français expressionniste, qui a peint aussi bien des personnages que des figures, animaux, nus, paysages, intérieurs, natures mortes, fleurs. Aquarelliste, c'est également un peintre de décors de théâtre et un illustrateur. Il remporte le concours d’entrée de l'École nationale supérieure des beaux-arts en décembre 1943 à quinze ans, passant deux ans dans l'atelier du peintre Eugène Narbonne où il est déjà considéré comme très doué. Il s'y lie notamment d'amitié avec les peintres Maurice Boitel et Louis Vuillermoz.
En 1947, il expose L'Homme accoudé au Salon des indépendants et en décembre a lieu sa première exposition particulière présentée par Pierre Descargues, à la Librairie des impressions d'art. On y reconnait déjà un graphisme très caractéristique qui sera tout au long de sa vie, la marque du peintre. L'État, par l'intermédiaire de Raymond Cogniat, lui fait son premier achat pour le Musée national d'art moderne de Paris avec la peinture Nature morte au poulet. En 1955, il obtient la première place au référendum organisé par la revue Connaissance des arts désignant les dix meilleurs peintres de l'après-guerre. Il peint les maquettes des décors et des costumes pour La Chambre argument de Georges Simenon qui devient son ami. Élu à l’Académie des beaux-arts au fauteuil de Paul Jouve, Bernard Buffet est alors le plus jeune académicien jamais élu sous la coupole.
En 1978, à la demande de l’administration des postes, Bernard Buffet réalise une maquette pour un timbre de trois francs L’Institut et le Pont des arts. À cette occasion le musée postal à Paris présente une exposition rétrospective de ses œuvres. Dans les années 1970-80, Bernard Buffet est un artiste au sommet de sa gloire que les critiques n'épargnent pas, comme tout artiste qui connait un grand succès de son vivant. Ils lui reprochent principalement le " statisme " de sa touche dans laquelle ils décèlent peu d'évolutions au cours des années, le traitant volontiers de " peintre académique ".
Au début des années 1980 son œuvre immense, est plus appréciée à l'étranger qu'en France, et principalement en Extrême Orient, aux Etats-Unis, en Amérique du sud et au surtout Japon où elle connait un succès considérable et où un musée est spécifiquement construit pour lui à Surugadaira, ce qui, à cette époque, est inédit pour un peintre vivant.
En 1986, sa femme et modèle favori, Annabel, publie D’amour et d’eau fraîche ; la même année sortent les deux premiers volumes de la monographie de Yann Le Pichon, Bernard Buffet, couvrant la période 1947-1982, qui obtiennent immédiatement le Prix Élie Faure.
Bernard Buffet, diminué par la maladie de Parkinson, se suicide par asphyxie, le 4 octobre 1999, dans son atelier du Domaine de la Baume près de Tourtour (Var), étouffé dans un sac en plastique noir sur la surface duquel son nom était dessiné avec sa calligraphie si caractéristique ; dernière mise en scène un rien macabre d'un très grand artiste du 20e siècle, qui toute sa vie avait adoré mettre en scène sa propre existence. En novembre 2007, paraît le troisième et dernier volume de la monographie de Yann Le Pichon, couvrant la période de 1982 à 1999.
En 2016- 2017, le MAM (Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris), rend hommage au peintre à travers une exposition où sont présentées toutes les acquisitions du musée faites dans les années 47- 55 et quelques chef d'œuvres prêtées par le Musée Bernard Buffet de Surugadaira (Japon).

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David Petrovich Chterenberg (1881–1948) - Still Life with a Lamp and Herring

David Petrovich Chterenberg (1881–1948)
Nature morte à la lampe et aux harengs,1920
Huile sur contreplaqué, 89,5 x 62,5 cm
Collection particulière.

Rappel biographique : David Petrovitch Chterenberg (Давид Петрович Штеренберг) est un peintre, graphiste et photographe russe d'origine ukrainienne.
Profondément conscient de ses racines juives, il a écrit à sa femme Nadejda : « J'ai du sang oriental dans les veines, le sang de mes ancêtres qui ont écrit le « Cantique des cantiques », - et il n'y a pas de meilleure chanson». D'ailleurs, en 1936, il publie avec son frère Abram Šterenberg un livre de photographies « V evrejskich kolchozach (В еврейских колхозах) » (littéralement, Dans les Kholkozes juifs). Aujourd'hui, ses œuvres sont exposées dans les grands musées publics à Moscou (Galerie Tretiakov et Musée Pouchkine), à Saint-Pétersbourg (Musée russe) et à Ekaterinbourg. Une grande partie de son œuvre est encore détenue dans des collections privées en Russie. En 2019, les œuvres de David Chterenberg figurent, avec celles — entre autres — de Vassily Kandinsky, Kasimir Malevitch, Vladimir Tatline, Mikhaïl Larionov, et Lyubov Popova, dans la grande exposition collective L'Avant-garde : Liste no 1, présentée à la Galerie Tretiakov, réunissant plus de 250 œuvres issues de dix-huit collections russes et cinq collections étrangères de l'avant-garde russe du début du xxe siècle en l'honneur du centième anniversaire de la création du Musée de la culture pittoresque, premier musée d'État d'art moderne au monde, qui exista de 1919 à 1929.

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Carolyn Wyeth (1909 - 1994)- Betsy's Pumpkin

Carolyn Wyeth (1909 - 1994)
Betsy's Pumpkin, 1935
Brandywine River Museum.

Rappel biogrphique : Carolyn Wyeth est la fille de N.C. Wyeth et sœur d' Andrew Wyeth, une  vériable dysnastie d'artistes aussi talentueux les uns que les autres, comme  il peut en exister quelquefois dans l'histoire de l'art. Sa ville natale était Chadds Ford  Pennsylvanie.  Elle a travaillé et enseigné à NC Wyeth House and Studio  Son neveu, Jamie Wyeth était l'un de ses élèves. Elle trouva l'inspiration pour son travail dans la solitude de Chadds Ford. Pour elle, la peinture était apaisante. Elle a suivi son propre chemin, mais comme son père et son frère Andrew, elle s'est inspirée de sa vie et de l'environnement de Chadd Ford. Son travail de Wyeth reflète un design fort, des couleurs audacieuses et une émotion nuancée. Elle a principalement peint des natures mortes  d'objets qui faisaient partie de sa vie quotidienne, comme une chaise, une citrouille, des objets dans l'atelier. Elle a dessiné aussi des paysages des bois et des champs vus autour de sa maison. Elle peignait environ quatre tableaux par an et exposa rarement. À propos de son travail, le Brandywine Museum a écrit: "Ses peintures reconstituent des moments privés du passé et ont ouvent un air de romance, de souvenir et de perte."

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Achille Laugé (1861-1944) - Pommes et Oranges

Achille Laugé (1861-1944)
Pommes et Oranges,1910
Huile sur panneau 47.5 x 58.8 cm.
Collection particulière

 Que voit on ? Ce que le titre décrit, Les oranges étant au nomdre de deux: l'une ouverte et l'autre fermée.

Rappel biographique : Achille Laugé, est un peintre et lithographe post-impressionniste français né dans une famille de paysans de l'Aude qui le destinait au métier de pharmacien. De 1876 à 188, il fréquente l'école des beaux-arts de Toulouse, en même temps qu'il fait un stage dans une pharmacie de cette ville. Il y fait la connaissance d'Antoine Bourdelle, Henri Martin et Henri Marre. En 1882, il s'installe au no13 rue Radziwill à Paris et il entre à l'École nationale supérieure des beaux-arts. Il y est successivement l'élève d'Alexandre Cabanel et de Jean-Paul Laurens jusqu'en 1886. Il y retrouve Bourdelle et rencontre Aristide Maillol qui a pu dire : « C'est Laugé qui m'a appris à mettre un homme debout ». Il entretient une relation amicale toute sa vie avec eux.
Laugé étant pauvre et Bourdelle aussi, ce dernier accepte avec reconnaissance de partager sa mansarde du no 24 rue Bonaparte à Paris. Il partage l'atelier de Maillol, au no 79 rue de Sèvres, et demeure dans la capitale jusqu'en 1888. Pendant cette période de formation, il subit l'influence de Georges Seurat, de Paul Signac et de Camille Pissarro.
Quand il revient dans sa famille, il ne pratique pas la technique apprise aux Beaux-Arts mais adopte la division du ton.
« Laugé aurait pu se contenter de faire partie de ces petits maîtres régionaux aux toiles pittoresques, attachantes parce que caractéristiques de leur terroir natal. Mais il n'est pas passé а côté du grand mouvement qui, dans la suite de l'impressionnisme, bouleverse la peinture à partir de la décennie 1880. L'emploi d'un nombre très restreint de couleurs pures et la touche divisée qui apparaissent dans l'essentiel de son oeuvre évoquent une communauté de recherche picturale avec le néo-impressionnisme. Son orientation vers une nouvelle manière de peindre, associée à une poésie qui lui est propre, fait de lui mieux que le félibre qui chante son Languedoc natal et lui donne la dimension d'un artiste national. » (Nicole Tanburin)
Vers 1905, constatant l'insuccès de la technique qu'il pratique depuis près de vingt ans et pressé par le besoin, il adopte une manière moins stricte ; avec une pâte plus riche et une touche plus large, il peint avec plus de liberté.

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Eliot Hodgkin (1905-1987) - Seven Brussel sprouts

Eliot Hodgkin (1905-1987)
Seven Brussel sprouts
Gouache sur papier,11,5 x 15 cm
Collection privée

Que voit on ? Ce que le titre décrit c'est à dire, sept choux de Bruxelles sous tous les angles possibles dans l 'esprit d'une planche de botanique.

Rappel biographique : Le peintre britannique Eliot Hodgkin a réalisé de nombreuses natures mortes de plantes, de fruits, de légumes et d'autres objets inanimés avec une précision digne des grands illustrateurs botaniques des siècles passés. Cette grande précision et le luxe de détails de ces planches l'ont rendu grandement apprécié des botanistes et des scientifiques agissant dans le domaine environnemental. Hodgkin occupe une place réellement à part dans l'histoire de la nature morte au 20e siècle. La Royal Academy of Arts conserve, et aussi plusieurs dessins et tableaux de ce peintre dont l'oeuvre est hommage frontal, obstiné et très figuratif à l'environnement dans un siècle qui a grandement participé à sa destruction. Après sa mort, plusieurs œuvres de sa collection furent vendues chez Christie's.

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Andrew Wyeth (1917-2009) - Pumpkins

Andrew Wyeth (1917-2009)
Pumpkins
Watercolor on paper, 1969
Private Collection

Que voit on ? Le titre focalise l'attention sur la courges au détriment de la grange (presqu'en ruines) et des arbres (très décharnés pour un début d'automne) qui se trouvent à l'arrière plan.

Rappel biographique : Le peintre aquarelliste américain Andrew Newell Wyeth, classé parmi les peintres « régionalistes » et réalistes américains est issu d'une dynastie d'artistes dont son propre père Newell Convers Wyeth (1882-1945), illustrateur connu qui fréquenta des célébrités de son temps comme Francis Scott Fitzgerald et Mary Pickford. Décidant de ne pas confronter son fils aux systèmes de l'éducation nationale ou privée, c'est lui même qui se charge de son éducation à la maison, l’initie à l’art, et tout particulièrement à l'art du paysage rural américain. À cette époque, il admire et est sensible à l'œuvre du peintre Winslow Homer. Plus tard, il apprend à maîtriser les techniques associées à l’aquarelle à base d'œuf, la tempera.
Andrew Wyeth commence à peindre dans des nuances de bruns et de gris seulement. Il s’inspire de son entourage pour réaliser ses tableaux. Ses sujets préférés sont la terre et les habitants de sa ville natale, ainsi que ses proches. Sa grande maîtrise picturale lui permet de montrer sa réflexion mélancolique sur le temps qui passe et la faillibilité humaine.
Son fils Jamie, né en1946, est également un peintre et portraitiste reconnu.

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2023 - Un ecollection de Natures Mortes
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