Jacob van Hulsdonck (1582-1647)

Jacob van Hulsdonck (1582-1647)
Still Life with Lemons, Oranges and a Pomegranate

Le peintre flamand Jacob van Hulsdonck, contemporain de  Rubens, se forme a la nature morte à rejoint à Middlegourg auprès d'Ambrosius Bosschaert, célèbre pour ses natures mortes à sujets floraux. De retour à Anvers, il entre dans la guilde des peintres en  1608 et connaît, à la tête d'un atelier, une brillante carrière jusqu'à sa mort. Il a réalisé des natures mortes, de fleurs, de fruits et de déjeuner.  Il glisse souvent dans ses natures mortes des éléments symboliques. Ici la porcelaine (magnifiquement peinte) et les fleurs d'oranger  sont symboles de  fragilité de l'existence humaine.  

Frans Snijders (1579-1657) - Grande nature morte au sol.

Frans Snijders (1579-1657)

Grande nature morte au sol.

Le peintre flamand Frans Snyders ou Snijders fut un élève de Pieter Bruegel le Jeune et de Hendrick van Balen. Spécialisé dans la nature morte  Frans Snyders réalisa l'essentiel de son œuvre dans sa ville natale, Anvers. Appartenant à l'important atelier de Rubens, même s'il ne fut pas son élève, il collabora avec lui dans plusieurs tableaux, comme Philopœmène reconnu par ses hôtes (musée du Prado, Madrid). Il forma aussi lui-même plusieurs élèves, notamment Jan Fyt.

Son œuvre se compose essentiellement de  natures mortes et de scènes de chasses, auxquelles il conféra une monumentalité nouvelle. Ses étals de commerçants, notamment de poissonniers  constituent peut-être la partie la plus originale de son répertoire.

Ses compositions s'organisent en général autour d'un élément horizontal stable, comme une table, sur laquelle sont exposés des éléments désordonnées. Le foisonnement des objets peut rappeler l'abondance et la prospérité des Flandres au 17e siecle. Sa touche est très proche de celle de Rubens, en jouant sur des empâtements et des glacis dilués.

Snyders exerça une grande influence sur la nature morte française, chez des peintres comme Jean-Baptiste Oudry ou Alexandre-François Desportes.

Eugène Villain (1821-1897) - Nature morte avec biscuits à la cuillère et verre de vin

Eugène Villain (1821-1897) 

Nature morte avec biscuits à la cuillère et verre de vin 

Musée d'Orsay, Paris

Le peintre français  Eugène Marie-François Villain fut élevé dans un milieu artistique d'imprimeurs et de peintres et devint très jeune l'élève de Léon Cognet. Selon Frederic Henriet dans son ouvrage Les Peintres Contemporains  (1882, A. Levy),  "Eugène Villain n'a jamais connu  ni le luxe ni les privations ". Membres des Buveurs d'eau, son  père sous ses airs bourru régala plus d'une fois d'un bol de soupe chaude et d'un verre de vin, les poètes faméliques et les artistes pauvres de la Bohême parisienne que son fils fréquentait et amenait à la maison. Il se rendait souvent le soir à L'Atelier Suisse où il fit la connaissance de François Bonvin qui habitait Vaugirard comme lui, et dont le style inspiré par les peintres hollandais et Chardin était proche du sien.  Régulièrement présent dans les Salons de 1844 a 1887, il y exposa des scènes de genre et des paysages avant de trouver dans la nature morte son genre de prédilection. Il n'obtint jamais ni médailles ni commandes publiques mais eut de fidèles collectionneurs comme l'imprimeur Jules Claye ou le directeur de théâtre Henri Larochelle et sa femme qui lui commandèrent pour leur villa des panneaux décoratifs.
Deux de ses natures mortes sont conservées au Musée d'Orsay à Paris, celle-ci qui représente un de ses sujets périphériques qu'il affectionnait,  en l'occurrence un morceau de brie de Meaux, " fait à souhait " et trônant en majesté au centre le composition.  L'autre, dans le même esprit et reproduite dans ce blog,  représente des biscuits à la cuillère. Il existe aussi une Nature morte au poulet où la carcasse déplumée du volatile semble avoir été jetée au centre du tableau en attente de cuisson ! On peut apprécier d'autant plus chez ce peintre de la bohême parisienne, cette aimable désinvolture dans le choix des sujets qu'elle est toujours servie par une belle façon de peindre où circule l'hommage permanent à Chardin.
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Marc Chagall (1887-1985) - Nature morte au vase

Marc Chagall (1887-1985) 

Nature morte au vase

Le peintre français d'origine biélorusse Marc Chagall est l'un des plus célèbres artistes installés en France au 20e siècle avec Pablo Picasso. Son œuvre, sans se rattacher à aucune école, présente des caractéristiques du surréalisme et du néo-primitivisme. Inspirée par la tradition juive, la vie des villages juif en Europe de l'Est et le folklore russe, elle élabore sa propre symbolique, autour de la vie intime de l'artiste. L'emploi de la couleur chez Chagall est très personnel. Dans ses illustrations de la Bible et le Message biblique, notamment, on voit qu'une barbe peut être tour à tour violette, bleue ou verte. Il renverse les impressions chromatiques habituelles, et emploie la palette pour structurer l'espace de la toile davantage que pour traduire la réalité.   " Mon cirque se joue dans le ciel, disait il,  il se joue dans les nuages parmi les chaises, il se joue dans la fenêtre où se reflète la lumière "  Il  a peint plusieurs natures mortes.

Il dort

Il est éveillé

Tout à coup, il peint

Il prend une église et peint avec l'église

Il prend une vache et peint avec une vache

Avec une sardine

Avec des têtes, des mains, des couteaux…

Blaise Cendrars, 19 poèmes élastiques, Portrait de Chagall 1919

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Paul Signac (1863-1935)

Paul Signac (1863-1935)

Nature morte au livre et aux oranges (1885)
Musées d'Etat de Berlin

Que voit-on ?  Sur une nappe blanche au pli impeccablement tracé, de gauche à droite : deux oranges entières, un livre qui porte le titre très lisible de "Soleil", une orange en quartier dont  on a ôté la peau, une pomme  rouge,  un petit bouquet de fleurs de champs dans un verre à pied sur la droite de la composition.

Rappel biographique : le peintre français Paul Signac, est  connu pour avoir été un artiste proche du mouvement libertaire et qui donna naissance au pointillisme avec le peintre Seurat. Il a aussi mis au point la technique du divisionnisme. Il est cofondateur avec  Seurat de la Société des artistes indépendants. Le fait que Signac ait été l'ami de Van Gogh peu avant son suicide, se retrouve très nettement dans cette nature morte, un genre qu'il n'illustra d'ailleurs pas beaucoup, lui préférant les paysages,  les grands sujets décoratifs et les marines En 1915 d'ailleurs, il fut nommé  peintre officiel de la Marine, ce qui lui fournit l'opportunité de  débuter une série d’aquarelles des ports de France. Ce projet l’obligea à visiter de nombreuses régions côtières.

Pour ses aquarelles, la palette de Signac était composée des couleurs suivantes :  les jaunes (cadmium pâle, clair, foncé et orangé),  les rouges (vermillon, garance rose dorée, garance rose et garance foncée), le violet de cobalt, les bleus (outremer, cobalt, cœruleum) et enfin les verts (Véronèse, émeraude, vert de Prusse, vert Hooker). Il variait également ses teintes en ajoutant une pointe de blanc de Chine qui donne  " des blancs laiteux, des roses nacrés, des mauves d'une finesse exquise. " 

Pierre Bonnard (1867-1947) - Nature morte aux fruits dans le soleil

Pierre Bonnard (1867-1947) 

Nature morte aux fruits dans le soleil, 1931
Collection privée.

Que voit-on ? Sur un table de salle à manger  en acajou partiellement recouverte d'une nappe blanche :  un panier à anse contenant des poires du jardin, un coupe contenant des pommes rouges et du raisins, un broc a eau et le dossier d'une chaise vide.

Rappel biographique : Pierre Bonnard est un des peintres les plus importants de la première moitié du XX^e siècle et l'un des plus grands coloristes de la peinture occidentale. Après avoir été l'un des principaux représentants du nabisme, il évolue vite vers une peinture très personnelle, refusant de se laisser enfermer dans une catégorie.

 En réaction à  l'impressionnisme, les Nabis veulent libérer leur peinture des exigences du réalisme : « Ensemble, nous avons méprisé l'école et les écoles, les rapins, leurs traditions, leurs farces et leurs bals inutilement nudistes. Ensemble nous nous sommes sérieusement amusés ». Les artistes nabis cherchent des voies plus spirituelles au contact de philosophies et de doctrines nouvelles teintées d'Orient, d'orphisme, d'ésotérisme, et de théosophie. Ils s'appliquent à retrouver le caractère « sacré » de la peinture et à provoquer un nouvel élan spirituel par le seul  moyen de l'art.

D'abord confinée dans un chromatisme austère qui traduit avec bonheur l'atmosphère chaude et feutrée des scènes intimistes, sa palette s'éclaircit rapidement à partir de 1905. Bonnard découvre alors les impressionnistes, mais refuse de se laisser dominer comme eux par les spectacles de la nature. En même temps qu'il s'efforce de réagir, par une composition plus rigoureuse, contre la désagrégation des formes colorées, il crée peu à peu un univers enchanté de jeunes femmes resplendissantes, de paysages inondés de soleil, de bouquets et de fruits miraculeusement préservés des atteintes du temps. Il suit les bouleversements qui affectent le domaine des arts dans les trente premières années du siècle – fauvisme, cubisme, surréalisme – mais s'en tient à l'écart. À partir de 1930, par un chromatisme de plus en plus éclatant, son œuvre s'affranchit graduellement de la réalité et parvient à exprimer l'espace par la seule juxtaposition des tons. Affichiste, décorateur, lithographe, Pierre Bonnard a influencé plusieurs générations de peintres ; son apport fondamental à l'élaboration du langage figuratif de notre temps réside dans l'exploration méthodique des ressources de la gamme chromatique, le refus de la perspective traditionnelle et l'affirmation du caractère bi dimensionnel de l'espace pictural.

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Berthe Morisot (1841-1895)- Nature morte avec soupière

Berthe Morisot (1841-1895)

Nature morte avec soupière

La peintre et artiste française Berthe Morisot fut membre fondatrice et doyenne du mouvement d'avant-garde que fut l'Impressionnisme. Les étapes de la carrière de Berthe Morisot ne sont pas très marquées car elle a détruit toutes ses œuvres de jeunesse. C'est à peine si l'on discerne une influence d'Édouard Manet ou de Pierre-Auguste Renoir vers la fin de sa vie. Après sa mort, la galerie Durand-Ruel avait  organisé une rétrospective de ses peintures, aquarelles, pastels, dessins et sculptures : il y avait plus de 400 pièces !  Berthe Morisot était sans aucun doute une « rebelle » et sa volonté de rupture avec les traditions, la transcendance de ses modèles, et son talent ont fait d'elle « la grande dame de la peinture ».  Elle a peint beaucoup de portraits (de femmes et d'enfants principalement), énormément de  paysages mais très peu de natures mortes, ce qui les rend d'autant plus rares et appréciables.  On ne peut que regretter qu'elle n'en ait pas peint plus, tant celles que nous pouvons voir aujourd'hui atteignent une sorte d'idéal.

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Boris Grigoriev (1886-1939)

Boris Grigoriev (1886-1939)

Still Life with Cat and Onions (1922)

Le peintre russe et graphiste Boris Grigoriev a étudié à l'Ecole d'Art Stroganov de 1903 à 1907, puis à l'Académie Impériale des Arts à Saint-Pétersbourg chez Aleksandr Kiselyov, Dmitri Kardovski et Abram Arkhipov. Il commence à exposer son travail en 1909 en tant que membre du groupe Union des impressionnistes.  En 1912, Grigoriev vint vivre  un temps à Paris où il fréquenta la Grande Chaumière et fut fortement influencé par Paul Cézanne. Après son retour à Saint-Pétersbourg en 1913 , il est devint une composante  essentielle  de la scène  bohême de Saint-Pétersbourg et était proche de nombreux artistes et écrivains de l'époque, tels que Sergey Sudeykin, Velimir Khlebnikov et de la poétesse Anna Akhmatova,  qu'il peignit souvent dans ses  portraits.

Grigoriev a surtout peint des paysages russe (principalement de campagne), des paysans et des scènes de vie de village, dont une série de peintures et œuvres graphiques, intitulée " Russie " (1916-1918) où il représente la pauvreté de  la paysannerie russe. Grigoriev demeure aujourd'hui un des peintres essentiels de la Russie pré-révolutionnaire et des meilleurs représentants de ce que fut l'impressionnisme russe.  Il  a peint peu de natures mortes et toujours avec des sujets modestes, comme ici quelques oignons et un chat.

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Bror Oscar Eugen Börjeson (1903-1999) - Still life with green bottle and candle sticks

Bror Oscar Eugen Börjeson (1903-1999)

Still life with green bottle and candle sticks (1933)

Rappel biographique : L'artiste plasticien suédois Bror Oscar Eugen Börjeson fut un pupil de la nation, né de mère inconnue et dont la légende veut que le père ait été le Prince Eugène  en personne. Placé dans une famille d'accueil sur Gotland, il y a fait ses études primaires et secondaires puis part pour Stockholm où il  étudie à l'Académie des Arts.
Il a commencé sa carrière de peintre comme portraitiste de la bonne société finlandaise mais également suédoise. Il est cependant  principalement connu en Suède pour ses paysages et notamment ses peintures de Grèce où il fit de nombreux voyages.

Il a peint assez peu de natures mortes mais toutes dans une pâte très vigoureuse et avec une technique très sûre qui lui a permis d'atteindre une précision remarquable du rendu. Même si on peut le classer parmi les peintres expressionnistes scandinaves, Bror Oscar Eugen Börjeson n'a jamais voulu appartenir à aucun des mouvements de la peinture au 20e siècle et a toujours opté pour un grand classicisme qu'il arrangeait à sa manière et dont toute mièvrerie est définitivement absente.

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Utagawa Kunisada (1786-1865)

Utagawa Kunisada (1786-1865)

Still Life with musical instrument on Surimono (1840)

Utagawa Kunisada sous le nom Utagawa Toyokuni III est l'un des peintres d'ukiyo-e les plus populaires du 19e siècle et aussi l'un des plus prolifiques, devant Kuniyoshi et Hiroshige.  Il est un maître incontesté de l'estampe sur bois.

Pyotr Konchalovsky (1876-1956) - Still life with violin

Pyotr Konchalovsky (1876-1956)
Still life with violin  (1916)

Le peintre russe Pyotr Konchalovsky était  membre du mouvement artistique Valet de Carreau. Pendant cette période, il a principalement dessiné des natures mortes et des paysages. Ses peintures, comme celles des autres artistes du Valet de Carreau, étaient fortement influencées par  Cézanne. Plus tard, il commença à peindre des portraits qui furent considérés comme des exemples du style du réalisme socialiste soviétique.

Pyotr Konchalovsky était un peintre très prolifique, et est connu pour avoir créé plus de 5000 œuvres.

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Pablo Picasso (1881-1973) - Nature morte avec instruments de musique et pierre

Pablo Picasso (1881-1973) 

Nature morte avec instruments de musique et pierre (1924)
Collection Privée

Le peintre espagnol Pablo Ruiz Picasso a commencé à peindre très tôt, au tournant du19e et du 20e siècle  et n'a jamais cessé sa production, évaluée aujourd'hui a quelques 50.000 oeuvres.  
Bien qu'il soit très difficile de séparer les oeuvres de Picasso en périodes (que lui même prend un  plaisir  certain à mélanger constamment),  cette nature morte  aux instruments de musique se situe entre sa Période ingresque (1919-1923) et sa Période surréaliste (1926-1933).  Pendant cette période de transition entre deux de ces styles, Picasso peint de très nombreuses natures-mortes,  peut être plus qu'à son habitude jusque là. Elles ont pour particularité d'être traitées dans une complexité de couleurs et dans un style post-cubiste étonnant et de tourner obstinément autour des instruments de musique et en particulier des  mandolines et des guitares. Les ombres et les lumières ne portent plus sur une angularisation des objets, mais sont exprimées par opposition chromatique des à-plats, quelquefois en noir comme ici. En 1926 il produira une série de Guitares en  trois dimensions, papier, tissu, ficelle  qui préfigurent ce que l'on a coutume d'appeler sa Période Surréaliste.

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Cristoforo Munari (1667-1720)

Cristoforo Munari (1667-1720)

Natura morta con strumenti musicali e frutta

Galleria Palatina, Firenze

Que voit-on ? L'abondance et la profusion habituelle chez Munari avec ses objets fétiches qui reviennent de nature morte en natures mortes à savoir : le violon (une basse de viole ou un violoncelle selon un de nos lecteurs), la pastèque brisée, les partitions, la mandoline, la flûte à bec, les petites porcelaines de Chine, le tapis de Smyrne....  Eléments nouveau ici : au sommet de la composition, une théière à la silhouette orientale ou un narguilé truc en terre cuite qui donne à cette nature morte un aspect "exotique" très apprécié  des contemporains de Munari.

Rappel biographique : Le peintre italien Cristoforo Munari, aussi connu comme Cristofano Monari, était spécialisé dans les natures mortes. Il suivit sa formation initiale à Reggio Emilia, sa ville natale, puis vient à Modène sous le patronage de Rinaldo d'Este, duc de Modène. En 1703-1706, il vécut à Rome, puis à Florence pendant une dizaine d'années, où il fut attaché à la cour des Médicis.   Très apprécié de ses contemporains,  le collectionneur Gabburri le décrivait au 18e siècle comme  : " un peintre remarquable de natures mortes aux ustensiles de cuisine, instruments de musique, étoffes, verres, fruits et fleurs ". 
La profusion mais aussi le raffinement qui s'étalent dans ses natures mortes (porcelaines de Chine, verre de Venise, tapis d'Orient, instruments de musique, etc...) suggèrent le luxe et l'abondance qui régnait à la cour des Médicis. Il a peint aussi des panoplies et des trophées de guerre. En 1715, il déménagea à Pise, où il  travailla presque exclusivement dans la restauration d'oeuvres d'art et où il mourut en 1720.
Une retrospective de ses tableaux a été organisée en 1998 à Reggio Emilia, où elle a connu un énorme succès.

Bartolomeo Bettera (1639-1688) - Nature morte avec instruments de musique

Bartolomeo Bettera (1639-1688) 

Nature morte avec instruments de musique

Saint Louis Art Museum, USA

Que voit-on ?  Sur un entablement de marbre, encadrés par un riche tapis de Smyrne maintenu par de somptueux glands de passementerie, une accumulation d'objets et d'instruments de musique dont, de gauche à droite :  un coq vivant, métaphore de l’effronterie de la jeunesse et de la virilité ; un violon et son archet ; une guitare baroque ou guitare à cinq chœurs somptueusement décorée et formant une croix avec un chitarrone (guitare à long manche plus proche du luth que de la guitare) ;  une viole de gambe et son archet (ancêtre de notre violoncelle) ;  une mappemonde ; des partitions ; des livres fermés ; une carte du monde. L'ensemble de la composition est en porte-à-faux, symbole de l'instabilité des connaissances et de la fragilité du savoir. Cette nature morte comme la plupart des natures mortes contenant des instruments de musique, des mappemondes  et des cartes a un fort pouvoir symbolique. Elle est là pour rappeler à son propriétaire la futilité des voyages (dont la mappemonde et les cartes sont les symboles) de même que la vanité du savoir (l'accumulation de livres et d'instruments de musiques) et des richesses matérielles symbolisées par le riche tapis et les passementeries.

Rappel biographique : Le peintre italien originaire de Bergame, Bartolomeo Bettera a séjourné à Rome ainsi qu'à Milan où il demeura probablement jusqu'à sa mort survenue à la fin du 17e siècle. Dans le domaine des natures mortes, Bartolomeo Bettera est assez proche du style d'Evaristo Baschenis dont il s'inspira beaucoup pour certains thèmes, et avec lequel on l'a souvent confondu, notamment dès qu'il s'agit de représentations d'instruments de musique. Les compositions non signées de Bettera provoquent d'ailleurs souvent des erreurs d'attribution avec Evaristo Baschenis, bien que les deux styles puissent être clairement différenciés : couleurs plus opaques pour l'un ou regroupement des objets plus compact et rendu des tissus et des draperies moins raffiné pour Bettera. Néanmoins, la plupart des travaux de Bettera sont signés avec deux initiales séparées par une petite croix (B x B). C'est un formidable inventaire de l'instrumentarium de leur époque que ces deux peintres ont, en tout cas, permis de dresser à travers leurs oeuvres respectives.
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Roger Fenton (1819-1869)

Roger Fenton (1819-1869)
Fruits et Fleurs
(Epreuve sur papier albuminé)

Le photographe anglais Roger Fenton est un  pionnier de la photographie qui fut le premier photographe de guerre, lorsqu'il photographia la Guerre de Crimée. Il fonde en 1853 la Royal Photographic Society et en 1854 commence à faire des portraits pour la famille royale. Il est toujours le secrétaire honoraire de la Royal Photographic Society lorsqu'il obtient le titre, et la mission, de photographe officiel de la  Guerre de Crimée. À son retour en Angleterre, ses images sont célèbres et il est reçu par la Reine Victoria. Ses photos sont exposées à Londres et à Paris et des gravures sur bois réalisées dont  les plus remarquables sont publiées dans le Illustrated London News.

Jusqu'en 1862, il poursuit une carrière de photographe de paysages et d'architecture et aussi de natures mortes, genre pour lequel il fut  aussi - dans le domaine de la photographie - un pionnier !  

Carducius Plantagenet Ream (1837-1917)

Carducius-Plantagenet Ream (1837-1917)

Basket of fruits with a fly on the lace.

Le peintre américain Carducius-Plantagenet Ream  (Ream étant le nom de famille et Carducius-Plantagenet le prénom!) a laissé une grand nombre de natures mortes et de tableaux dans les diverses galeries  à travers tous les Etats-Unis qui les prenaient  en dépôt de son vivant.  Leur succès a été immédiat car c'est tout à fait le type de peinture que les américains de la classe moyenne du 19e et du début du 20e siècle rêvait de posséder sur leur murs pour " aristocratiser " un peu leurs intérieurs. De nombreuses œuvres de l'artiste ont été vendues aux enchères et continue de l 'être puisque Ream fait  toujours le bonheur des salles de vente, 100 ans après sa mort. Par contre, on possède très peu de renseignements fiables sur sa vie qui reste un mystère...

Pierre Dupuis (1610-1682)

Pierre Dupuis (1610-1682)
Panier de raisins avec une pomme

Le peintre français Pierre Dupuis est un spécialiste de natures mortes qui appartient à l'âge d'or de la nature morte française du 17e siècle. C'est en Italie qu'il rencontre Pierre Mignard avec lequel il se lie avant d'entrer à l'Académie en 1663, où il apprend la plupart de ses connaissances en art. Son style est marqué par les peintres de l’Europe du Nord et la rigueur de la religion protestante. Ainsi, ses célèbres peintures de paniers de fruits ou de de bouquets sont influencées par les styles de Jacques Linard (1597-1645) ou de Louise Moillon (1610-1696). 
Le rendu précis de ses tableaux avec leur composition solides et sobres - presque monumentale - qui leur confère un certain mystère, en a fait un artiste apprécié de son vivant et l'un des plus grands représentants de la nature morte en France au 17e siècle. Si les natures mortes de Dupuis, par la simplicité de leur agencement, s'apparentent à la vérité et à la rigueur des natures mortes septentrionales, il annonce aussi étonnamment les natures mortes du 18e siècle, qu'il s'agisse de celles de François Desportes, de Nicolas de Largillière, de Jean-Baptiste Oudry, ou des plus célèbres d'entre elles, celles de Chardin.

On retrouve les œuvres de Pierre Dupuis dans plusieurs musées de France dont le Musée du Louvre. 

Severin Roesen (1816-1872)

Severin Roesen (1816-1872)
An Abundance of Fruits.
Prvite collection

Rappel biographique : Le peintre germano-américain Severin Roesen est surtout connu pour ses natures mortes de fleurs et de fruits.  On sait assez peu de choses sur sa vie, sinon qu'il arriva à New York en 1847 et que dès 1948 il y expose onze tableaux à l'American Art Union.  C'est un homme qui ne perdait pas de temps !  Il a ensuite vécu à Philadelphie, puis a commencé à se déplacer au grè des rassemblements de la communauté germano-américaine... à Harrisburg, Huntingdon, et Williamsport, où il installa définitivement son atelier autour de 1863 et où l'on a retrouvé un grand nombre de ses toiles.  Il exposa alors ses oeuvres à la Maryland Historical Society de Baltimore en 1858, à la Pennsylvania Academy of Fine Arts en 1863, et à la Brooklyn Art Association en 1873. 

Ses natures mortes sont des peintures de l'abondance que les émigrants européens s'attendaient à trouver sur le sol américains. Il trouva vite de nombreux clients enchantés de ces tableaux où triomphait la profusion alimentaire, inspirés des grandes natures hollandaises de l'âge d'or. Les grandes villes qui hébergeaient d'importantes communautés allemandes, furent son terrain de démarchage favori. Les riches commerçants prospères se pressaient pour lui acheter ses natures mortes destinées à orner leurs maisons nouvellement construites mais aussi - et surtout - les tavernes, les restaurants et les hôtels. Un célèbre hôtelier et brasseur de l'époque, Jacob Flock, possédaient plus de cinquante tableaux de Roesen, qui ont sans doute été négociés contre son hébergement et sa consommation de bière, boisson préférée de l'artiste. 

Le dernier tableau connu de Roesen est daté de 1872... après cela  et son exposition à la la Brooklyn Art Association en 1873.  On a plus aucune trace de lui. Le lieu et les circonstances de sa mort restent à ce jour inconnus.

Juan van der Hamen y Leon (1596-1631) - Bodegón con pasteles, cristales, manzanas y frutos secos

Juan van der Hamen y Leon (1596-1631) 

Bodegón con pasteles, cristales, manzanas y frutos secos, 1628
Collection Privée 

Que voit-on ? Sur un fond noir hérité du ténébrisme espagnol et habituel chez ce peintre, se détache une réunion décorative d’objets de luxe et de nourritures sucrées, allégories de la vanité et de la recherche effrénée des plaisirs de la vie. Comme souvent chez Van der Hamen, la composition est basée sur le cercle et la sphère y compris dans la peinture des cristaux précieux et porcelaines (ici de luxueuses porcelaines de Delft) dont il était un virtuose reconnu.  Postérieure à 1626, cette nature morte est plus complexe que les premières et place les objets sur différents niveaux : un premier niveau pour les porcelaines, un second légèrement surélevé pour les cristaux et un troisième au milieu du cadre ou trône littéralement une ronde de pommes dont certaines sont très abimées, sans doute symbole des très nombreuses femmes que le maître des lieux a du " posséder ". Amandes, noix et noisettes rassemblées dans un seul plat symbolisent les élus de l'église, qui cachent la douceur de leur cœur sous une apparente rugosité, tout comme les amandes et les noix qui renferment une chair tendre sour un coque très dure. Ces fruits symbolisent la passion des hommes par leur saveur à la fois douce et amère,  tout comme les prunes noires contenues dans l'autre assiette. Cette nature morte semble donc être une allégorie d'une vie bien remplie en conquêtes féminines et en succès financiers !

Rappel biographique : le peintre espagnol Juan van der Hamen y Leon (1596-1631) est surtout connu pour ses natures mortes et ses bouquets de fleurs bien qu'il ait peint également des motifs religieux, des paysages et des portraits. Influencé autant  par Juan Sanchez Cotan que par la peinture flamande de Frans Snyders dans ses premières natures mortes, il opta finalement pour un naturalisme plus italien et introduisit beaucoup de fraîcheur dans ses compositions. Sa touche est d'une grande délicatesse et d'un absolue précision. Van der Hamen emprunte à Sánchez Cotán le style apparemment sobre de ses compositions mais aussi cette façon systématique de détacher les objets sur un fond sombre et de les éclairer d'une  lumière puissante. Les arrangements en quinconces et les ombres portées renforcent l'impression de précision et révèlent que ces compositions sont finalement tout sauf simples ! A partir de 1626, Van der Hamen peint des natures mortes plus complexes que ses premières en plaçant les objets sur différents niveaux. Ce type de composition que l'on retrouve à Rome au début des années 1620  dans les œuvres de Tomasso Salini et d'Agostino Verrocchi, était déjà présent dans les natures mortes de l'Antiquité que l'on découvrira à Pompei et Herculanum au 18e siècle. Les natures mortes de Juan van der Hamen ont exercé une grande influence sur ses contemporains comme Francisco de Zurbarán et plus tard chez des peintres comme Antonio Ponce et Juan Arellano. Une des caractéristiques de la peinture de Van der Hamen, pour laquelle il était surtout connu de son vivant,  résidait dans la représentation des coûteuses et luxueuses verreries de Venise ou d'Allemagne. Très préoccupé par l'agencement harmonieux des objets et la représentation précise des textures et des lumières, Van der Hamen livre toujours des compositions très géométriques où les cercles et les sphères ont un rôle primordial (comme c'est le cas ici). Contrastant avec cette sévérité géométrique, l'artiste dispose souvent ses objets sur les bords des structures ou sur des escaliers en pierre, en faisant ainsi varier leur distance à partir de la source lumineuse. Les objets représentés, fruits légumes, bois, terre cuite, et  cristaux sont  toujours magistralement rendus avec une science de la répartition des couleurs, des ombres, des reflets et des lumières qui en font un maître d'une sensibilité incomparable.

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Raphaelle Peale (1774–1825)

Raphaelle Peale (1774–1825) 

Still Life With Cake (1818)
The Metropolitan Museum of Art, NYC


Que voit-on ? Cette nature morte assez typique du style de Raphaelle Peale a sans doute été exposée en 1819 à la Pennsylvania Academy of Fine Arts. Un tableau assez similaire datant de la même année est conservé au Detroit Institute of Arts. Regroupés au centre du cadre, les objets de cette nature morte sont imprégnés d'une délicate mélancolie assez semblable à celle qui a caractérisé la vie tragique de l'artiste lui-même. On a souvent relevé aussi l'influence qu'ont pu avoir sur lui les maitres hollandais du 17e et les natures mortes espagnoles, qu'il a pu étudier au Mexique et a travers  les œuvres de Juan Sanchez Cotan, exposées à la Pennsylvania Academy en 1818. Ces influences sont particulièrement sensibles dans cette toile.

Rappel biographique : le peintre américain Raphaelle Peale (qui n'est pas une femme malgré l'orthographe de son nom), est issu d'une dynastie de peintres américains dont le plus célèbre fut son père, le portraitiste Charles Willson Peale (1741-1827).
Raphaelle est surtout  connu pour avoir été le premier peintre professionnel de natures mortes installé aux Etats Unis et pour avoir, à ce titre, beaucoup influencé l'école américaine de la nature morte réaliste tout en travaillant comme taxidermiste dans l'atelier de naturalisation du musée d'animaux empaillés de son père.
 Intoxiqué par les produits utilisés dans la taxidermie (notamment le mercure et  l'arsenic) et devenu alcoolique, Raphaelle Peal eut une destinée tragique, alternant les séjours à l'hôpital. On retrouve sa vision de taxidermiste dans la peinture même de ces natures mortes, souvent envisagées sous un angle anatomique assez étrange et mélancolique, et traitant souvent de sujet unique. 
Il fut aussi très influencé par les maîtres hollandais du 17e siècle et par Cotan.

Vincent van Gogh (1853-1890) - Nature morte avec panier et six oranges

Vincent van Gogh (1853-1890)

Nature morte avec panier et six oranges (1888)
Collection privée

Que voit-on ? Dans une atmosphère très lumineuse où dominent le bleu, un panier en osier contenant si oranges éclatantes peinte dans une maniere très fauviste. La mise en page de la composition est oblique, accusant ici aussi l'influence du Japonisme et de l'admiration que Van Gogh vouait a Hokusai dont son frère Theo lui faisait découvrir les estampes à travers des envois de revues.

Rappel biographique : Le peintre franco-hollandaisVincent van Gogh a peint énormément de natures mortes dont les plus célèbres sont sans doute constituées par la série des sept tableaux "Les tournesols " qu'il peignit à Arles entre Août 1888 et Janvier 1889. D'autres natures mortes moins célèbres  permettant de passer en revue a peu près tous les styles du peintre, ont été exécutées à diverses époques de sa vie.  Van Gogh peignait sur des toiles souvent déjà apprêtées, qu'il pouvait réutiliser, soit en grattant l'œuvre précédente, soit en la recouvrant d'une nouvelle couche. Il employait  certains pigments instables, entraînant une modification des couleurs sous l'effet de la lumière, dont la laque géranium qui perd sa teinte rouge avec le temps. Les couleurs originelles sont donc souvent perdues, entraînant des difficultés de restauration. Pour certains tableaux les restaurateurs ont décidé,de ne pas « recoloriser » le tableau, mais se contentent  de stopper les dégradations et de proposer un éclairage avec des filtres colorés pour restituer les teintes d'origine. Pour les historiens de l’art, Van Gogh est un précurseur qui a ouvert à la peinture de nouvelles voies. Par exemple,  Derain et Vlaminck sont directement rattachés à l'art de Van Gogh « par l'emploi de couleurs pures en larges touches ». Pour les amateurs d'art, il reste un maître à l’égal de  Leonard de Vinci ou de Rembrandt avec une production très importante et une trajectoire artistique fulgurante en durée et par ses styles.  Pour d'autres par contre comme Salvador Dali, dont les avis a l'emporte piece étaient connus, Van Gogh était " tout sauf un peintre ". Pour le grand public, l' œuvre  de Van Gogh est aujourd'hui accessible dans les plus grands musées du monde.  Dans sa dernière lettre, trouvée dans sa poche le jour de son suicide, Vincent van Gogh  écrit : « Eh bien vraiment nous ne pouvons faire parler que nos tableaux »
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2014- A Still Life Collection 

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William Henry Hunt (1790-1864) - Still life with Apples on the ground

William Henry Hunt (1790-1864) 

Still life with Apples on the ground

Le peintre anglais William-Henry Hunt est surtout connu pour ses natures mortes sur aquarelles grâce auxquelles il fut admis à la Society of Painters in Water Colours en tant que membre  membre associé dès 1824 puis membre permanent) partir de 1827. Jusqu'à sa mort, il en sera l'un des contributeurs les plus prolifiques et multipliera les expositions de ses oeuvres toutes peintes .à Hastings. William-Henry Hunt Hunt a été l'un des créateurs de l'école anglaise de peinture à l'aquarelle. Ses sujets, en particulier ceux qu'il peint à la fin de sa vie, sont  toujours extrêmement simples, s'agissant souvent d'un ou deux fruits, souvent saisis dans leur environnement naturel, au pieds d'un arbre moussu ou abandonnés sur un sol rugueux. Cela permet à son talent de s'exercer   pleinement dans le contraste des couleurs et des textures toujours traités avec délicatesse, intelligence et humour. Ses œuvres parviennent à obtenir des textures étonnantes à partir de la technique de l'aquarelle, en employant toutes les ressources particulières de la peinture à l'eau et de son rendu sur différentes qualités de papiers. John Ruskin le considérait comme le meilleur peintre anglais de natures mortes qui ait jamais existé jusque là. Plusieurs exemples caractéristiques de l'œuvre de Hunt, comme Boy and Goat ou bien Brown Study and Plums ou Primroses and Birds' Nests sont  conservés dans les collections du Victoria and Albert Museum.

Willem van Aelst (1625-1683) - Fruit Still Life with a Mouse and a Butterfly

Willem van Aelst (1625-1683)

Fruit Still Life with a Mouse and a Butterfly (1674)
Private collection, Boston

Que voit-on ?  Sur un fond noir, deux pêches blanches, symbolisant le cœur et la vérité, attachées à leur branche. En haut de la branche, à gauche un papillon blanc délicatement posé, assigne

sa propre légèreté à l’expectative d’un envol. Le papillon blanc conforte dans la pensée de l'existence d'une vie après la mort, de l'espérance d’une résurrection pour les croyants,  il est le symbole même de l’âme. La souris tapis sous une feuille représente la consomption de la vie. 

Rappel biographique : le peintre néerlandais Willem van Aelst, né à Delft,  est essentiellement un peintre de natures mortes, de fleurs et de chasse qui appartient à ce que l'on appelle le " Siècle d'or ". Il est célèbre pour avoir introduit l’asymétrie dans la nature morte mais aussi pour la savante harmonie des coloris déployée dans toutes ses compositions. Au cours de sa vie, Willem van Aelst a vécu et travaillé en France, à Rome et à Florence où , en compagnie  dedeux autres Néerlandais, Matthias Withoos et Otto Marseus Van Schrieck, il est actif à la cour de Ferdinand II de Medicis. Le grand-duc de Toscane lui remettra une médaille d’or comme récompense de ses services. Ont été conservées de cette époque plusieurs natures mortes de fleurs et de chasse, visibles au Palazzo Pitti à Florence. En 1856 il rentre au Pays Bas et  se fixe à Amsterdam. Ses œuvres sont notamment conservées à la Mauritshuis de La Haye, à la National Gallery of Art de Washington  et au  Rijksmuseum d’Amsterdam. Ses tableaux sont parfois signés Guill.mo (Gullielmo,  forme italienne de son prénom).

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Vassily Kandinsky (1866-1944) - Still life Fish on a blue platter

Vassily Kandinsky (1866-1944) 

Still life Fish on a blue platter

Le peintre russe, graveur et théoricien de l'art Vassily Kandinsky est considéré comme l’un des artistes les plus importants du 20e siècle aux côtés notamment de Picasso et de Matisse. 

Il est un des fondateurs de l'art abstrait et on considère généralement qu'il est l’auteur de la première œuvre non figurative de l’histoire de  l'art moderne, une  aquarelle datant de 1910 qui sera dire  « abstraite ». Certains historiens d'art ont soupçonné Kandinsky d'avoir antidaté cette aquarelle pour s'assurer la paternité de l'abstraction au motif qu'elle ressemble à une esquisse de sa  commosition VII de 1913. Cette aquarelle, qui serait le premier tableau abstrait du monde, a soulevé controverses et discussions, et suscité bien des thèses contradictoires. Deux tendances s'opposent : celle qui la date réellement de 1910 et qui l'inclut dans une série d'études pour Composition VII, celle qui rejette cette datation et la rapproche des œuvres et du style de 1913. 

Concernant la paternité de l'art Abstrait, il faut cependant rappeler que le mouvement des Arts Incohérents avait produit dès les années 1880 des œuvres abstraites, dont le  célèbre monochrome noir de Paul Bilhaud, puis des œuvres d'Alphonse Allais qui peuvent passer elles aussi pour les première oeuvres abstraites du monde. 

Il y a plusieurs périodes stylistiques dans l 'œuvre de Kandinsky comme dans celle de Braque, de Picasso ou de Matisse. 

Still life Fish on a blue platter date  de la période  dite de La grande Synthèse (1934-1944)  ainsi appelée parce que le peintre  reprend l’ensemble des éléments des périodes précédentes (et notamment celle du Bauhaus) tout en les enrichissant. Dans les œuvres de Kandinsky, un certain nombre de caractéristiques sautent immédiatement aux yeux tandis que certaines sonorités sont plus discrètes, ne se révèlent que progressivement à ceux qui font l’effort d’approfondir d’affiner leur regard. 

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Salvador Dalí (1904-1989) - Nature morte au clair de lune

Salvador Dalí  (1904-1989)

Nature morte au clair de lune (1927)
Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres.

Que voit-on ?  Dans cette  Nature morte au clair de lune, pas de pain , ni d'oeufs ni de fromage comme souvent chez Dalí, mais plutôt des instruments de musiques, qui peuvent se transformer en membres (fragments de bras) et des poissons entrecroisés. Le clair de lune est suggéré par ses reflets nocturnes sur une mer calme. Cette œuvre de jeunesse fut réalisée peu après la fin des études d'art de  Dalí à Madrid et alors qu'il étudiait les maîtres hollandais. Elle témoigne cependant de son attention pour le cubisme naissant et de son admiration pour Picasso, son aîné de 23 ans, qu'il rencontre pour la première fois à Paris justement en cette année 1927. Le jeune Dalí dit alors que son premier voyage  à Paris " fut marqué par trois visites importantes, Versailles, le musée Grévin et Picasso. "  On en a la preuve ici.  Une autre dans un format totalement différent (en largeuret non en hauteur)  nature morte au clair de lune a été peinte par Dali en sous le titre de Nature morte au clair de lune mauve en 1926,  donc d'une année antérieure à celle ci; elle est conservée à  la  Fundació Gala-Salvador Dalí de Figueres.

Rappel biographique : Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, connu comme Salvador Dalí, marquis de Dalí de Púbol, est un  peintre, sculpteur, graveur et écrivain catalan de nationalité espagnol, considéré comme l'un des principaux représentants du surréalisme  et comme l'un des plus célèbres peintres du 20e siècle... en tout cas l'un des plus médiatisés de son vivant ! Les thèmes qu'il aborda le plus fréquemment furent le rêve, la sexualité, le comestible, sa femme Gala et la religion.

La nourriture, et l'acte de manger, ont une place centrale dans l'œuvre et la pensée dalinienne pour qui « la beauté sera comestible ou ne sera pas ». Figure picturale essentielle, le pain fut très présent dès 1926.   Après le pain, thème rémanent dans ses natures mortes, l'œuf au plat sans le plat revient régulièrement dans son œuvre.  La création picturale peut-être la plus connue de Dalí est Montres molles. Elles coulent comme un camembert et dans l'explication surréaliste qu'il en donnera il dira  « Les montres molles sont comme du fromage, et surtout comme le camembert quand il est tout à fait à point, c’est-à-dire qui a la tendance de commencer à dégouliner. Et alors, mais quel rapport entre le fromage et le mysticisme ? […] Parce que Jésus, c’est du fromage. » Figure picturale essentielle, le pain fut très présent dès 1926 dans l'œuvre de Dali. La très classique Corbeille de pain (1926), et  La corbeille de pain, Plutôt la mort que la souillure (1945)  qui reprend le thème classique de la précédente furent exposées à une place d'honneur par Dalí au musée de Figueras, exprimant l'importance qu'il  leurs accordait. Ce fut d'ailleurs avec une baguette de pain de 2 mètres qu'il débarqua aux États-Unis pour la première fois suscitant l'étonnement des médias locaux d'alors qui y virent le symbole de la France, alors que le symbole était bien entendu double !  Et au cas justement ou l'on aurait mal interprété son geste, il  réitéra en France cette fois dans une conférence parisienne qu'il donna en 1959 en se présentant avec une  baguette de pain de 12 mètres de long, " Trrrriom-phalliquement " portée par plusieurs boulangers.  De cette symbolique du  pain dans son œuvre,  il écrit  lui -même :  « Le pain a été l'un des thèmes de fétichisme et une des obsessions les plus anciennes de mon œuvre, le premier, celui auquel je suis resté le plus fidèle. »

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Sören Emil Carlsen (1853-1932) - Still Life with Self Portrait Reflection

Sören Emil Carlsen (1853-1932)

Still Life with Self Portrait Reflection (1931)

Private collection 

Que voit-on ?  C'est une nature morte  presque monochrome (en noir et blanc) qui résume  à peu près toutes les recherches de Carlsen ne même temps que sa maitrise des couleurs, des ombres, des lumières et des reflets.  Trois objets en porcelaine vernissée, dont un bol blanc au premier plan  entourée de quelques gousses d'ail, symbole dans les natures mortes anciennes de la rusticité, de la vie austère et accessoirement de la protection contre le mal ;  à l'arrière plan, deux objets en porcelaine vernissée noire à la surface si réfléchissante que l'ont peut voir  (dans le vase) le décor de la pièce avec une grande précision, jusqu'au dessin des vitraux des fenêtres, de même  que l'autoportrait du peintre dont on voit très bien le visage, le bras et la main juste au-dessus du bol blanc. Magistral hommage de Carlsen aux maitres anciens et notamment à Vermeer de Delft qui utilisait beaucoup ce procédé.

Rappel biographique : Sören Emil Carlsen est un peintre impressionniste américain d'origine danoise. Rapidement qualifié de " Chardin américain " par la critique locale de son  temps, il  se spécialisa dans les natures mortes. Membre de la National Academy of Design, professeur de  dessin respecté à  Chicago, San Francisco, et New York,  et bien que figurant dans plusieurs collections privées, il n'a jamais été classé parmi les grands peintres américains du 20e siècle, et pourtant...

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