James Ensor (1860-1949)

James Ensor (1860-1949)

Nature morte à La Raie (1892)

Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles

Le peintre belge James Ensor se revendiquait du mouvement anarchiste et a laissé une œuvre expressionniste très importante. Il est un des membres fondateurs du groupe  bruxellois d'avant garde Les Vingt. En 1898, il est l'un des instigateurs du bal du Rat mort qui a lieu à la fin du carnaval d'Ostende. Ensor doit attendre le début du 20e siècle pour assister à la reconnaissance de son œuvre : expositions internationales, visite royale, anoblissement avec titre de baron, Légion d'honneur ... on le  surnomme alors  le prince des peintres. Et c'est précisément ce moment qu'il choisit pour abandonner la peinture et consacrer les dernières années de sa vie exclusivement à la musique !

Dans beaucoup de ses tableaux Ensor est fasciné par la lumière d'Ostende, sa ville natale, qui lui inspire des pâleurs secrètes : « La lumière déforme le contour. Je vis là-dedans un monde énorme que je pouvais explorer, une nouvelle manière de voir que je pouvais représenter. » 

Dans la Mangeuse d'huîtres (1882), une nappe immaculée éblouit l'avant-plan et tombe quasi en dehors des limites du cadre. Malgré les tableaux prestigieux que celui-là rappelle (toute la tradition des natures mortes  flamande du 17e siècle), mais aussi Vuillard, on le refuse au Salon d' Anvers. L'année suivante, toutes ses toiles sont rejetées du salon de Bruxelles et il est mis à l'écart du Cercle des 20. Ulcéré, il  bascule dans la déraison,  couvre et balafre ses toiles de couleurs rougeoyantes symbolisant son exaspération.

C'est entre 1887 et 1893 qu'il peint ses plus beaux tableaux : la gamme chromatique prend feu au milieu des nacres translucides des ciels et des marines. Contemporaine de Van Gogh  et d'Edvard Munch, son œuvre contient beaucoup des futures révolutions du fauvisme au mouvement Cobra.

Il va s'appliquer à mettre en évidence les aspects grotesques des choses, et s'orienter vers une vision radicale, sarcastique et insolente du monde. Comme chez Pieter Brueghel l'Ancien ou Jérôme Bosch, l'inanimé respire et crie. Ses obsessions et ses peurs jouent un rôle manifeste dans les traits menaçants qu'il attribue aux objets utilitaires, aux revenants et aux masques. Ces derniers, à partir des années 1880  dominent son inspiration et renvoient au carnaval, ce « monde à l'envers », anarchique où les rapports sociaux sont démontrés par l'absurde.

Artiste pluraliste, il l'est également dans son style et ses techniques: toile, bois, papier, carton, couteau à palette, pinceau fin ou spatule… : « Chaque œuvre devrait présenter un procédé nouveau », écrit-il. 

Dans un but purement alimentaire, il édite des eaux-fortes, les fameux « biftecks d'Ensor », œuvres purement commerciales mais qui ont fait alors la fierté des marchands de souvenirs. Il réalise aussi des caricatures à la manière de Bruegel et de Bosch. 

Par sa prédilection pour les personnages masqués, les squelettes, qui, dans ses tableaux, grouillent dans une atmosphère de carnaval, Ensor est le père d'un monde imaginaire et fantastique qui annonce le surréalisme.

Jacob van Hulsdonck (1582-1647)

Jacob van Hulsdonck (1582-1647)

Breakfast piece with a fish ham and cherries (1614)

Barnard Castle (Durham- U.K)

Le peintre flamand Jacob van Hulsdonck, contemporain de  Rubens, se forme a la nature morte à rejoint à Middlegourg auprès d'Ambrosius Bosschaert, célèbre pour ses natures mortes à sujets floraux. De retour à Anvers, il entre dans la guilde des peintres en  1608 et connaît, à la tête d'un atelier, une brillante carrière jusqu'à sa mort. Il a réalisé des natures mortes, de fleurs, de fruits et de déjeuner.  Il glisse souvent dans ses natures mortes des éléments symboliques. 

Johann Amandus Winck (1748-1817)

Johann Amandus Winck (1748-1817)
Still Life with Monkey and Fruit (1804)

Le peintre allemand  Johann Amandus Winck est surtout connu pour l'introduction systématique de petits animaux qu'il pratiquait à l'intérieur de ses natures mortes.et qui leurs donne un aspect moins figé. C'est l'opportunité aussi pour lui de montrer tout son talent de peintres animalier sachant saisir les petites expressions et le caractère de chaque animal occupé à chaparder. 

Henri-Horace Roland de La Porte (1724-1793) - Nature morte avec oeufs et pain

Henri-Horace Roland de La Porte (1724-1793) 

Nature morte avec oeufs et pain
Collection Privée

Que voit on ?  Sur une table en bois de gauche à droite : un verre de vin à moitié plein ; une écuelle de soupe en argent, vide ; deux oeufs  et un coquetier en verre;  du pain entamé ;  à l'arrière-plan un bouteille de vin et un  pot en céramique vernissée qui pourrait contenir un breuvage chaud comme de la soupe. 


Rappel biographique : Le peintre français Henri-Horace Roland de la Porte fut un  élève de Jean Batiste Oudry. Spécialisé dans les natures mortes  animalières , natures mortes avec  fruits mais aussi  trompe l'oeil, De La Porte est reçu à lAcadémie royale de peinture et de sculpture avec Vase de lapis, sphère et instruments de musique comme morceau de réception. Peignant de nombreuses natures mortes aux instruments de musique, il expose très fréquemment au Salon de 1761 à 1789. La proximité de son style avec celui de Chardin  a été souvent une source d’erreurs d’attribution comme précisément pour cette nature morte a la vielle encore quelquefois attribué aujourd'hui à Chardin.  Les deux peintres sont pourtant assez différents et leur touche n'a rien de commun. 

En 1765, Diderot écrit, excédé par ce rapprochement permanent entre De La Porte et Chardin  : 

« Dites à ceux qui passent devant Roland de La Porte sans s’arrêter, qu’ils n’ont pas le droit de regarder Chardin. Ce n’est pourtant ni la touche, ni la vigueur, ni la vérité, ni l’harmonie de Chardin ; c’est tout contre, c’est-à-dire à mille lieues et à mille ans. C’est cette petite distance imperceptible, qu’on sent et qu’on ne franchit point. Travaillez, étudiez, soignez, effacez, recommencez, peines perdues. La nature a dit : Tu iras là, jusque là, et pas plus loin que là. Il est plus aisé de passer du pont Notre Dame à Roland de La Porte, que de Roland de La Porte à Chardin. » 

2018 - A Still Life Collection 

Un blog de Francis Rousseau

Henri Le Secq (1818-1882)

Henri Le Secq (1818-1882)
Nature morte - Pichet  et assiette n° 27 (vers 1852-1860)
Négatifs sur papier ciré
Bibliothèque nationale de France.

Rappel Biographique : Le peintre français Jean-Louis-Henri Le Secq des Tournelles, fut aussi graveur, photographe et collectionneur. À partir de 1848, il débute une activité de photographe. En 1850, ses vues de la cathédrale d'Amiens, préparatoires à la restauration menée par l'architecte Viollet-le-Duc, sont remarquées. En 1851, membre de la Société Héliographique, il est retenu par la Commission des monuments historiques pour participer à la Mission Héliographique. Œuvrant sur les édifices religieux en Champagne, en Alsace et en Lorraine, Le Secq utilise à la prise de vue le procédé du calotype, qu'il traduit en épreuves sur papier salé.
Bien que reconnu comme un puriste de la photographie d'architecture, Henri Le Secq s'en détourne peu à peu au profit de natures mortes et d'images plus symbolistes. Il reste, avec ses quatre compagnons de la Mission héliographique, un « primitif » essentiel de  l'histoire de la photographie. 

Jean-François de Le Motte (actif de 1653 à 1685)

Jean-François de Le Motte  (actif de 1653 à 1685)
Trompe-l’œil (1667)
Musée des Beaux Arts d'Arras

Peu d’éléments biographiques permettent de retracer la vie du peintre français de trompe l'oeil  Jean-François de Le Motte . Actif de 1653 à 1685, il habitait à Tournai où il entra à la guilde de Saint-Luc dès 1653. Rendu célèbre pour l’ornementation des arcs de triomphe de l’Entrée de Louis XIV à Tournai en 1670, l’essentiel de son œuvre réside dans la peinture de trompe-l’œil dont une dizaine d’exemplaires a été recensée, révélant les contacts de l’artiste avec le milieu des Pays-Bas, notamment C. N. Gysbrechts.

Johann de Cordua (1630-1702)

Johann de Cordua (1630-1702)
Vanité au buste
Musée des Beaux-Arts de Pau.

Très peu d'informations sont  disponibles  sur le peintre et musicien allemand Johann de Cordua
On sait qu'en 1660, il  était au service du prince-évêque de Freising et que celui ci était extrêmement satisfait de ses prestations qui consistait a la fois a peindre des natures mortes, des portraits et à écrire quelques pièces d  musiques pour meubler l'ordinaire du le prince évêque et sa  petite cour provinciale.  le servait avec avec beaucoup de gloire déjà en 1660.  Un portrait de médecin ou d'apothicaire a ainsi subsister peint par Cordua, de même qu'une Hérodiade tenant la tête de  Jean Baptiste et le portrait d'un jeune homme  et cette étrange nature morte vanité au buste, qui tient plus du cabinet de curiosité bavarois que de la nature morte.   Le symbole des épis de blé couronnant la tête de mort de la pipe encore dans la bouche du squelette a ce sa blague à tabac rempli de bon tabac, est une invitation franche a profiter des plaisirs de la vie avant qu'il ne soit trop tard.  Onne s'ennuyaot pas forcément tous les jours chez le prince évêque, donc!!!

William Merritt-Chase (1849-1916) - Still life with fish

William Merritt-Chase (1849-1916)

Still life with fish

Rappel biographique : Le peintre américain William Merritt-Chase était très connu outre Atlantique, pour ses talents de pédagogue et pour le rôle qu'il a joué dans l'introduction de l'impressionnisme aux Etats Unis.  Il installa sa propre école à New York,  la « Chase school » (aujourd'hui  Parsons), après avoir enseigné quelques années à l'Art Students League. Il a travaillé sur toutes sortes de supports : huile, pastel, encre et aborder de nombreux genre, paysages, natures mortes, portraits. Ce sont d'ailleurs surtout ses portraits de grandes personnalités de son temps qui le rendirent célèbre, au point que toute la bonne société de la Nouvelle Angleterre et de New York se pressait à la porte de son atelier  pour se faire peindre.  Les quelques natures mortes qu'il a peintes mettent généralement en scène des poissons ou des casseroles !

2015 - A Still Life Collection 
Un blog de Francis Rousseau

Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779) - Nature morte avec chaudron (1731)

Jean-Baptiste Siméon Chardin (1699-1779) 

Nature morte avec chaudron, fourneau de terre, poêlon, nappe, chou, pain, deux oeufs, poireau, et trois harengs suspendus à la muraille (1731-33) 

Musée des Beaux-Arts d'Amiens

Ce que l'on voit : Dans cette peinture, Chardin dispose sur une margelle de pierre des ustensiles de cuisine (un chaudron en cuivre dont l'intérieur est étamé, un poêlon en terre cuite glaçurée et un fourneau en terre), un torchon et des victuailles (deux oeufs, un maigre poireau, un pain, un chou et trois harengs pendus à un croc). On retrouve la plupart de ces objets dans d'autres natures mortes de l'artiste qui se plaît, en les réutilisant, à varier sur un même thème. Chardin, ainsi qu'il le fait volontiers, a réalisé une réplique de cette oeuvre aujourd'hui conservée à Williamstown, avec son pendant, une Nature morte avec chaudron, écumoire, fourneau, poêlon, marmite, torchon et deux oignons. On peut donc supposer que la version d'Amiens possédait aussi un pendant, peut-être similaire à celui-ci. En tirant inlassablement parti des mêmes éléments domestiques, dans les années 1730-1735, Chardin ne fait pas preuve d'un défaut d'imagination puisque c'est justement cette formule qui lui permet de travailler exclusivement compositions, formes et couleurs, en un mot à s'intéresser à l'essence même de la peinture. Schnapper (cat. exp. 1985, p. 65) montre comment Chardin n'a sans doute pas été indifférent à l'art des Hollandais et surtout de Willem Kalf (Rotterdam, 1619 - Amsterdam, 1693), dont les travaux pouvaient alors aisément se voir à Paris. Dans ses mises en scènes dépouillées, au cadrage restreint, mais d'une grande variété, même si les "acteurs" sont toujours identiques, Chardin oeuvre en excluant tout effet d'emphase. Avec son subtil chromatisme, "son harmonie particulière, toute de douceur et de délicatesse" (Rosenberg, dans cat. exp. 1979, p. 170), il nous convie ici à la calme poésie des anodins accessoires de la vie quotidienne de l'homme dont il révèle une beauté jusque-là inédite. 

Notice de Matthieu Pinette pour le  site Joconde

Rappel biographique :   Célèbre pour ses scènes de genre et ses pastels, Chardin est aussi reconnu pour ses natures mortes dont il reste le maître incontesté. D'après les frères Goncourt, c'est Coypel qui en faisant appel à Chardin pour peindre un fusil dans un tableau de chasse, lui aurait donné le goût pour les natures mortes. Ces deux tableaux de réception à l'Académie Royale de peinture sont tous deux des natures mortes, La Raie et Le Buffet qui se trouvent aujourd'hui au Musée du Louvre.  Chardin devient ainsi peintre académicien « dans le talent des animaux et des fruits », c'est-à-dire au niveau inférieur de la hiérarchie des genres alors reconnus. Et c'est sans aucun doute Chardin qui va lui donner ses lettres de noblesse et en faire un genre pictural égal, voire même supérieur à bien des égards, aux autres.
Les natures mortes qu'il peindra plus tard (à partir de 1760) sont assez différentes des premières. Les sujets en sont très variés : gibier, fruits, bouquets de fleurs, pots, bocaux, verres...  Chardin semble s'intéresser davantage aux volumes et à la composition qu'à un vérisme soucieux du détail, ou aux  effets de trompe-l'œil. Les couleurs sont moins empâtées. Il est plus attentif aux reflets, à la lumière : il travaille parfois à trois tableaux à la fois devant les mêmes objets, pour capter la lumière du matin, du milieu de journée et de l'après-midi. On peut souvent parler d'impressionnisme avant la lettre.

2015 - A Still Life Collection 

Un blog de Francis Rousseau, #AStillLifeCollection, #NaturesMortes 

Joris van Son (1623-1667) - Table servie

Joris van Son (1623-1667)
Table servie (1645)
Musée des Beaux-Arts d'Angoulême

 Le peintre Flamand Joris van Son est des maitres les plus reconnus et les plus populaires de la nature morte flamande de l'âge d'or. Son style  de même que les thématiques choisies sont indéniablement  influencées un autre grand maitre flamand,  Jan de Heem Davidszoon.  Ce que l'on appréciait surtout alors dans ces natures mortes étaient le fait que dans une maison elles préservaient l'illusion l'abondance de l'été même au cœur de l'hiver. On avait même coutume de dire que les fruits de ces natures mortes auraient pu tenter une femme enceinte. Ses toiles sont aujourd'hui conservées dans de nombreux musées européens, les  musées Néerlandais RKD en conservant plus de  70 de Joris van Son ! Son fils Jan van Son fut également un peintre de natures mortes.

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2015 - A Still Life Collection
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Alexandre-François Desportes (1684-1743) - Fleurs, fruits, animaux et gibier et un beau chien blanc

Alexandre-François Desportes (1684-1743)
Fleurs, fruits, animaux et gibier et un beau chien blanc.
Musée des Beaux-Arts d'Angers

Que voit-on ?  comme souvent dans les tableaux de Desportes, nous sommes à l'extérieur. La balustrade, l'oranger  en  fleurs et le rosier dans un potiche en terre cuite atteste que nous sommes sur le perron d'une riche demeure du sud. Ce que l'on voit d'abord est un grand et magnifique chien blanc qui est un " Porcelaine ", une race française de chiens de chasse (55 à 58cm au garrot pour le mâles, 53 à 56cm pour les femelles)  rapide et spécialisée pour le lièvre. Il s'agit probablement de la plus ancienne race de chien originaire de Franche Comté. Il serait descendant des grands Saint-Hubert blancs de Lorraine, eux-mêmes descendants des chiens blancs du roy, utilisés dans les meutes royales par  François 1er.  Ce chien porcelaine est indubitablement le personnage central de cette nature morte avec le grand  lièvre qu'il vient probablement de chasser (à gauche du cadre) et qui semble valser dans les airs, ne reposant sur aucun support.  Un faisan et une perdrix gisent sur la marche supérieure du perron entourés d'un melon tranché, de pêches, de poires et d'une multitude de figues fraîches sagement rangées sur la marche inférieure. Un chat, autre personnage de la toile, ne sachant plus où donner de la tête, ne la perd cependant pas totalement, observant la scène caché sous la potiche qui abrite le rosier, à l'abri du chien qui ne semble pas l'avoir en amitié, à une portée de patte du faisan, mais beaucoup plus intéressé par l' oiseau bien vivant qui gazouille inconscient du danger sur la balustrade sous l'oranger !  Mais comment y accéder avec ce chien porcelaine tout puissant qui trône au centre de la composition ?!!

Rappel biographique :  le peintre français Alexandre-François Desportes est le maître incontesté de la peinture animalière au 17e et 18e siècle. Ce genre était considéré fort injustement avec la nature morte, comme une sous catégorie pictural, ce qui n'empêcha ni Louis XIV ni Louis XV de faire largement appel à Desportes pour peindre leurs chiens favoris.  Elève de Frans Snyders, il s’est  largement imprégné de la tradition flamande. Portraitiste à la Cour de Pologne au début de sa carrière, il  rejoint la Cour de Versailles à partir de 1700 et ne la quittera plus jusqu'à sa mort. Il exécute de nombreux tableaux décoratifs pour orner les demeures royales (Versailles, Marly, Meudon Compiègne, Choisy...) et devient  peintre des chasses et de la meute royales pour Louis XIV puis pour Louis XV. Lors des chasses royales, Desportes suit le roi et Saint Simon rapporte :  « qu’il allait même d’ordinaire à la chasse à ses côtés, avec un petit portefeuille pour dessiner sur les lieux leurs diverses attitudes, entre lesquelles le roi choisissait, et toujours avec goût, celles qu’il préférait aux autres. »  La nature morte n'entre dans l'art de Desportes que très épisodiquement et uniquement pour son aspect décoratif et la mise en scène dont elle permet d'entourer les peintures de gibiers et d'animaux morts ou pour rehausser les portraits des chiens royaux.

Gustave Caillebotte (1848-1894) - Fruits à l'étalage

Gustave Caillebotte (1848-1894)
Fruits à l'étalage (1881)
Museum of Fine Arts of Boston, Mass.


Ce que l'on  voit et ce que l'on sait :  Présentées dans leur boites et dans leur papier d'emballage,des fruits et légumes savamment ordonné par un commerçant à l'étalage de son épicerie :  poires (plusieurs variétés) , tomates (plusieurs variétés), pommes, coings, figues, oranges, mais aussi fruits sauvages et  des baies comme des amandes fraiches, des mûres et des groseilles à maquereaux présentées dans des boites plus petites. Cette nature morte  a été peinte en 1881 à Paris boulevard Haussmann.

Elle appartient à l'importante série de natures mortes, exécutées pour la plupart en 1881-1882. Selon J.K Huysmans : « C'est la nature morte exonérée de sa dîme routinière.»  Cette œuvre était destinée à la décoration de la salle à manger de son ami Me Courtier, notaire à Meaux.

Rappel biographique : Le peintre français Gustave Caillebotte fut aussi mécène, collectionneur  et organisateur des expositions impressionnistes de 1877, 1879, 1880 et 1882. Le talent de Caillebotte fut longtemps méconnu (sauf aux États-Unis) au profit de son rôle de « mécène éclairé ». Le peintre fut redécouvert dans les années 1970 à l'initiative de collectionneurs américains. Les rétrospectives de ses œuvres sont désormais fréquentes. Certains de ses tableaux se trouvent maintenant au musée d'Orsay à Paris.

Caillebotte est l'un des premiers grands peintres français à exposer régulièrement aux États-Unis, où il rencontre un vif succès, et où se trouvent aujourd'hui nombre de ses toiles. Il est l'un des fondateurs du courant « réaliste », qu'illustrera par exemple au 20e siècle l'américain  Edward Hopper.

Fortuné, il n'a pas besoin de vendre ses toiles pour vivre, si bien que ses descendants possèdent encore près de 70 % de ses œuvres. À sa mort, Martial et Auguste Renoir son exécuteur testamentaire, prennent les dispositions pour que l’État accepte le legs de ses tableaux impressionnistes.

Les historiens d'art qualifient volontiers cet artiste « d’original et audacieux ». Sa technique ne l'est pas moins assez proche de l'art photographique, mais, par de puissants effets de perspectives tronquées, les distances et les premiers plans sont écrasés et l'horizon absent, d'où la perception instable et plongeante (Caillebotte invente la vue en plongée dans la peinture). Les effets de vue plongeante s'imposent dans son art à travers les personnages au balcon et ses vues en surplomb des rues et des boulevards. 
Dans ses natures mortes saisies souvent dans des cadrages et sous des angles inhabituels, il s'intéresse surtout à l'aspect préparé et alimentaire. Il affectionne les natures mortes à l'étalage dont il croque le plan sur les marchés, dans les restaurants, ou dans les boutiques et qu'il retravaille entièrement dans son atelier, car contrairement aux impressionnistes qui peignent en plein air, Caillebotte retravaille toutes ses esquisses à l'atelier.

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Vincent van Gogh (1853-1890)- Nature morte - Planche à dessiner avec oignons

Vincent van Gogh (1853-1890)

Nature morte - Planche à dessiner avec oignons  (1889)
Huile sur toile, 49x 64cm

Kröller-Müller Museum (Otterlo)

Que voit on ?  Elle a été peinte un an avant la mort  de van Vogh  et prend comme entablement (qui est le grand support classique des natures mortes), la planche à dessin même du peintre.  Sa composition  qui peut paraitre inhabituelle est pourtant d'une grand classicisme n'introduisant aucun éléments qui n'ait déjà figuré dans les natures mortes des grands maîtres hollandais et français : des oignons (l'aliment énergétique par excellence des pauvres et des paysans),  une cruche d'eau en céramique et une bougie (éléments souvent présents dans les natures mortes de Chardin), un livre (de santé apparemment) , une pipe et une blague à tabac, un boîte d'allumettes et une lettre timbrée et oblitérée, sans soute dernier envoie de Théo à Vincent.  Sur le bord du cadre comme écartée : une bouteille de vin ou de bière.  Ce ne sont pas les éléments en eux-mêmes qui sont inhabituels mais leur assemblage qui raconte une vie, celle de Vincent Van Gogh lui-même. 

Rappel biographique : Le peintre franco-hollandaisVincent van Gogh a peint énormément de natures mortes dont les plus célèbres sont sans doute constituées par la série des sept tableaux "Les tournesols " qu'il peignit à Arles entre Août 1888 et Janvier 1889. D'autres natures mortes moins célèbres  permettant de passer en revue a peu près tous les styles du peintre, ont été exécutées à diverses époques de sa vie.  Van Gogh peignait sur des toiles souvent déjà apprêtées, qu'il pouvait réutiliser, soit en grattant l'œuvre précédente, soit en la recouvrant d'une nouvelle couche. Il employait  certains pigments instables, entraînant une modification des couleurs sous l'effet de la lumière, dont la laque géranium qui perd sa teinte rouge avec le temps. Les couleurs originelles sont donc souvent perdues, entraînant des difficultés de restauration. Pour certains tableaux les restaurateurs ont décidé,de ne pas « recoloriser » le tableau, mais se contentent  de stopper les dégradations et de proposer un éclairage avec des filtres colorés pour restituer les teintes d'origine. Pour les historiens de l’art, Van Gogh est un précurseur qui a ouvert à la peinture de nouvelles voies. Par exemple,  Derain et Vlaminck sont directement rattachés à l'art de Van Gogh « par l'emploi de couleurs pures en larges touches ». Pour les amateurs d'art, il reste un maître à l’égal de  Leonard de Vinci ou de Rembrandt avec une production très importante et une trajectoire artistique fulgurante en durée et par ses styles.  Pour d'autres par contre comme Salvador Dali, dont les avis a l'emporte piece étaient connus, Van Gogh était " tout sauf un peintre ". Pour le grand public, l' œuvre  de Van Gogh est aujourd'hui accessible dans les plus grands musées du monde.  Dans sa dernière lettre, trouvée dans sa poche le jour de son suicide, Vincent van Gogh  écrit : « Eh bien vraiment nous ne pouvons faire parler que nos tableaux »

Raoul Dufy (1877-1953) - Nature morte à la carafe et au compotier

Raoul Dufy (1877-1953)

Nature morte à la carafe et au compotier (1923)
Collection privée

Que voit on ?  Dans l'atmosphère très lumineuse de l'été provençal, comme surexposés, apparaissent quelques uns des éléments favoris de Dufy, de gauche à droite : une carafe, une coupe avec quelques fruits, un verre de vin  (identifiable à la couleur des godrons !), un compotier remplis de fruits impossibles à identifier. Une nature morte presque abstraite et un bord de mer omniprésent dans le bleu qui se reflète jusque dans la carafe d'eau, sous le soleil écrasant de l'Estaque, un jour d'été...

Rappel biographique : le peintre  français Raoul Dufy était aussi dessinateur, graveur, illustrateur de livres, créateur de tissus, céramiste, créateur de tapisseries et de mobilier, décorateur d'intérieur, décorateur d'espaces publics et décorateur de théâtre. Raoul Dufy a produit  plus 3 000 toiles, 6 000 grandes aquarelles, 6 000 dessins et en a détruit presque autant. Ses natures mortes ne constituent pas l'essentiel de sa production très largement consacrée aux paysages, aux évènements de son temps, aux portraits de femme et surtout... à la musique et aux concerts qu'il est presque parvenu à faire entendre à travers ses toiles. Dessinateur hors pair - certains l'aurait même vu dessiner avec ses deux mains à la fois - c'était aussi un merveilleux coloriste, un coloriste du bonheur et de la magie, tant il est vrai que la joie de vivre et l'ode constante à  la vie soutiennent chaque tableau, chaque gouache, chaque dessin. Dufy promène un regard émerveillé sur le monde et nous invite à une fête qui n’a rien de superficiel ou  de mondain, comme on l'a dit un peu trop hâtivement. « Si je pouvais exprimer toute la joie qui est en moi ! » disait-il. Il y est largement parvenu, et peu d’œuvres sont une telle invitation à cheminer vers le bonheur... au point qu'elles pourraient presque nous faire croire qu'il existe !

Nicolas de Staël (1914-1955) - Nature morte en gris

Nicolas de Staël (1914-1955)

Nature morte en gris (1955)
Collection privée

Que voit on ?  On est immédiatement attiré par l'élégance et la beauté des formes proposées au cœur de la toile de même que par les richesse des tonalités de gris qui les entourent. En  regardant de près, on s'aperçoit nettement que la composition tourne entièrement autour de la grande " bouteille " centrale. Staël parvient à dégager une forme claire pour un objet, tout en laissant d'autres représentations possible affluer à l'imagination. Ainsi ce qui est clairement présenté à travers son titre comme  " une nature morte " pourrait tout  aussi bien se révéler être un paysage de la côte méditerranéenne similaire à d'autres œuvres qu'il a peintes pendant cette dernière année de sa vie.  La ligne d''horizon plus clair (que l'on peut déceler au fond à droite) peut nous incliner à voir dans cette nature morte et ce paysage d'intérieur, un paysage extérieur nocturne du sud de la France, la vue que l'on peut avoir sur la mer et la côte depuis son atelier à Antibes par exemple où Staël résidait alors. Il existe d'ailleurs au Musée Picasso d 'Antibes ,deux vues du Fort-Carré d'Antibes qui date de cette année 1955 et qui ressemblent beaucoup à cette Nature morte en gris.
Ainsi ce qui au départ semblait être une abstraction devient clairement une peinture figurative, puis redevient au fil de l'observation une étude magistrale de couleurs et de formes en même temps qu'un jeu. « Peu à peu je sentis contraint de peindre un objet comme il m'apparaissait, parce que, lorsque je suis en face d'un objet, d' un objet unique, je suis accablé par la multitude infinie d'autres objets  qui existent avec lui. Il est impossible de penser à un objet uniquement tel qu'il est ; il y a tellement d'e différentes possibilités de rendu d''un objet, qu'à un certain point la possibilité de le représenter sous sa seule forme plastique, disparaît. Donc, je me suis dit qu'il fallait que je parvienne à une forme d'expression libre »
(Nicolas de Staël, cité dans D. Sutton, de Nicolas de Staël : Une conférence, non daté).

Rappel biographique : Le peintre français  d'origine russe Nicolas de Staël, né baron Nicolaï Vladimirovitch Staël von Holstein,  est issu d'une branche cadette de la famille de Staël-Holstein. Plus d'un demi siècle après sa mort, il reste l'un des peintres les plus marquants du 20e siècle posant un problème aux historiens de l'art qui ne savent pas dans quelle catégorie le classer,  ce qui doit le réjouir post mortem, lui qui détestait les catégories et les courants.
La réinvention de la figuration opérée par Staël a été mal comprise alors qu'elle anticipait d'une vingtaine d'année l'évolution générale de l'art. Il a « retrouvé le visible sans renoncer aux possibilités expressives et à la liberté d'action qui définissent la peinture contemporaine»  alors que Paris perd sa place de capitale des arts, dès les années 1960, sous l'effet du marché de l'art et de la surenchère : " on y est devenu incapable de discerner le pastiche de l'original " selon Umberto Eco.
Selon Marcelin Pleynet et Michel Seuphor : « ...il faut tenir compte de Nicolas de Staël, vu et revu souvent avec et travers l'avant-garde américaine de années cinquante. Ces nouveaux mouvements d'abstraction suivent le cheminement de Staël, délaissant la peinture gestuelle pour une peinture brossée, voir maçonnée ».
Peu exposé de son vivant, son œuvre a donné lieu à de nombreuses manifestations posthumes qui ont confirmé sa stature sur le plan international. " Staël fut le plus puissant créateur de sa génération dans l'École de Paris de l'après-guerre, sur laquelle il a exercé une forte influence Il a été le premier à dépasser l'antinomie  abstraction-figuration ".
Nicolas de Staël meurt à 41 ans en se jetant de la terrasse de l'immeuble où il avait son logement et un de ses ateliers à Antibes. L'ensemble de son oeuvre s'étend sur 15 années. Il a peint, à partir de 1952, plusieurs natures mortes dont quelques unes sont aujourd'hui conservées et exposées au Musée Picasso d'Antibes à quelques pas de son ancien atelier. Plusieurs sont présentées sur ce blog.

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Roy Lichtenstein (1923-1997) - Still life after Picasso

Roy Lichtenstein (1923-1997)
Still life after Picasso (1964)

Collection of Barbara Bertozzi Castelli

Que voit on ?  C'est comme son nom l'indique est un hommage à Picasso, dans laquelle sont  repris  et " compilés "  plusieurs éléments présents à de nombreuses reprises tout au long de l'oeuvre de Picasso, dans ses natures mortes les plus célèbres (et surtout celles de la période cubistes)  comme le compotier, le journal et la guitare.  A propos de cette oeuvre le peintre a déclaré  « Je peins un genre de Picasso à la manière d’un auteur de bande-dessinée (…). Le Picasso est ainsi transformé par mon style pseudo bande-dessinée et acquiert un caractère qui lui est propre. » Le but de Lichtenstein n’est pas de parodier ces artistes, mais au contraire, de rendre hommage à des figures célèbres, tout en préservant son empreinte artistique (trames et couleurs criardes). Il souligne : « J’avais envie de reprendre les œuvres d’autres artistes non pas telles qu’elles apparaissaient mais telles qu’on pouvait les percevoir – selon l’idée qu’on s’en faisait ou la façon dont elles pouvaient être oralement décrites. […] Je choisissais des images qui étaient devenues familières, claires et conceptualisées. ».

Rappel biographique :  Le peintre américain Roy Fox Lichtenstein est un des artistes les plus importants du mouvement pop art américain. Ses œuvres s'inspirent fortement de la publicité et de l'imagerie populaire de son époque, ainsi que des « comics » . Il décrira lui-même son style comme étant « aussi artificiel que possible » et  tirera une grande fierté de cette superficialité revendiquée. Extrêmement célèbre de son vivant, sa côte atteint très vite des sommets. On estime qu'il laisse au total 4 500 œuvres en circulation dans le monde, sachant qu'au moment de sa mort il lui restait encore une bonne dizaine de commandes  privées qu'il n'aurait pu honoré qu'avec 2 années de retard.
Le « pop art », terme abrégé de « popular art » en anglais, signifiant « art populaire » en français, émerge vers la fin des années 1950 en Angleterre. C’est un mouvement artistique caractérisé par le rôle prépondérant de la consommation et de la culture de masse dans la société américaine. Le pop art regroupe des artistes qui contestent l’omniprésence et l’influence de la publicité, de la télévision, des magazines, etc, ou qui en empruntent seulement les codes. En isolant des objets issus de la culture populaire pour en faire des œuvres d’art, les artistes pop rompent avec la vision élitiste et authentique de prime abord que la société avait de l’art. Lichtenstein déclare : « Je pense que ce qui me plaît dans l’art commercial – dans le nouveau monde extérieur largement façonné par l’industrialisation ou par la publicité – c’est sa force, son impact, ainsi que la franchise et cette sorte d’agressivité et d’hostilité qu’il véhicule. […] ». A l’instar d’Andy Warhol reprenant une idole telle que Marilyn Monroe, Lichtenstein reproduit les icônes des bandes-dessinées comme Mickey et Donald en 1961 dans son tableau Look Mickey. Il peint aussi des tableaux de guerre, des produits de consommation courante comme le hot-dog, et s’intéresse à la passion amoureuse. En 1963, il lance une série de portraits de femmes glamour, sorties tout droit des bandes-dessinées sentimentales très populaires de l’époque destinées aux adolescents, comme Secret Hearts ou Girls’ Romances (cf Roy Lichtenstein, Oh, Jeff… I Love You, Too… But…, 1964, Huile et Magna sur toile, 121,9 x 121,9 cm). L’artiste reproduit les vignettes des comics de l’époque, en les agrandissant et en reprenant leurs codes d’illustration, identifiables par un style lisse et épuré, l’accentuation des contours par des traits noirs, les bulles de dialogue, les onomatopées, l’aplat des couleurs primaires (jaune, rouge, bleu) de manière directe et d’un ton vif, et enfin, les trames en pointillés et en lignes parallèles, utilisées dans l’imprimerie et le dessin industriel. Malgré les critiques de l’époque qui ne considéraient pas la reproduction comme une réelle création artistique, le travail de Lichtenstein est en réalité plus complexe qu’il n’y paraît. En effet, les trames relevaient d’une extrême précision et il s’efforçait de peindre d’une façon mécanique. Pour cela, il utilisait souvent le Magna, une peinture acrylique permettant de modifier la couleur sans laisser de traces. Il déclare : « Je veux que mon tableau ait l’air d’avoir été programmé. Je veux cacher la trace de ma main. ». Il expérimenta plusieurs matériaux, notamment l’émail (donnant un reflet brillant) et le plexiglas. Nous connaissons Lichtenstein en tant que peintre pop, mais une part bien méconnue de son travail repose sur sa pratique de la sculpture, de la céramique et de l’estampe. De plus, l’exposition met en avant des œuvres qui s’inspirent des grands mouvements artistiques et d’artistes référents qui ont façonné l’histoire de l’art. En effet, Lichtenstein se réapproprie les chefs-d’œuvre de nombreux maîtres tels que Picasso, Matisse, Léger, Mondrian, Cézanne, Brancusi, Vélasquez, Delacroix et Rembrandt.

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Pablo Picasso (1881-1973) - Buste, coupe et palette

Pablo Picasso (1881-1973) 

Buste, coupe et palette (1932)
Kunstmuseum Basel

Ce que l'on voit :  cette nature morte date de la période où le peintre espagnol Pablo Ruiz Picasso,  pratique ce qu'il a appelle un retour à l'ordre dans son oeuvre, débride à nouveau son imaginaire en voulant se rapprocher de l’art surréaliste. Il renoue avec la recherche de formes inédites dont cette toile est très représentative et se consacre de plus en plus à la sculpture. Cette nature morte contient d'ailleurs une des ses sculptures, le buste sur la droite du cadre.

Rappel biographique : le peintre espagnol Pablo Ruiz Picasso qui a passé l'essentiel de sa vie en France, fut aussi  dessinateur et sculpteur. Utilisant tous les supports pour son travail, il est considéré comme le fondateur du cubisme avec Georges Braque auquel son nom est lié surtout dans le domaine des natures mortes. Il est considéré comme l'un des plus importants artistes du 20e siècle tant par ses apports techniques et formels que par ses prises de positions politiques et que par l'immensité de son production tous genre confondus, que l'on chiffre à près de 50 000 œuvres.

Les premiers collages et assemblages sont réalisés pendant l'hiver 1912, Nature morte à la chaise cannée (Paris, Musée Picasso), Guitare(s) en carton (Paris, Musée Picasso). A partir des années 20 ses natures mortes seront très proches, sur la même ligne de conception " cubiste analytique " que celles de George Braque, dont il devient un temps l'intime avant de s'en séparer définitivement.  Il y eut une connivence d'inspiration très rare entre ces deux peintres pendant une certaine période de leur vie et en particulier dans le domaine particulier du traitement de la nature morte. 

Picasso peint  beaucoup d'autres natures mortes après la Seconde guerre mondiale et hors de la période cubiste, mais ce n'est pas un genre qui tient une place aussi essentielle dans son oeuvre que dans l'oeuvre de Georges Braque.

Deux figures au bord de la mer est peint en janvier 1931, et en mars, Nature morte sur un guéridon. Cette année-là, voit également l'édition de deux livres majeurs : Les Métamorphoses d'Ovide (Lausanne, Skira) et Le Chef-d'œuvre inconnu de Balzac (Paris, Ambroise Vollard).
En 1932, Jeune fille devant le miroir est finie. Une rétrospective à la galerie Georges Petit, puis au Kunsthaus de Zurich, a lieu en juin. Picasso travaille à Boisgeloup aux têtes sculptées d'après Marie-Thérèse et à la série de dessins d'après La Crucifixion de Matthias Grünewald. De juin à septembre 1934, il fait des séries de corridas, peintes, dessinées et gravées. En août, il voyage en Espagne avec Olga et Paulo, et se rend aux corridas de Burgos et de Madrid. Il visite le Musée d'Art catalan de Barcelone. Il réalise une série de sculptures à texture moulée : Femme au feuillage et Femme à l'orange. Au printemps 1935, la galerie Pierre expose des papiers collés. Minotauromachie est gravée. Il se sépare d'Olga en juin, et le 5 septembre, naît Maya Picasso, sa fille avec Marie-Thérèse Walter. Le 25 mars 1936 voit le départ secret de Picasso avec Marie-Thérèse et Maya pour Juan-les-Pins. Il fait des gouaches et des dessins sur le thème du Minotaure. Cette même année, au début de la Guerre civile espagnole, il est nommé directeur du Musée du Prado à Madrid.

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Paul Cézanne (1839-1906) - Nature morte à la soupière

Paul Cézanne (1839-1906)
Nature morte à la soupière, 1877
Musée d'Orsay. Paris

Que voit on ? Cette nature morte du peintre français et provençal Paul Cézanne fut longtemps  la propriété de Camille Pissaro à qui Cézanne l'avait offerte avant de passer dans les collections publiques  Au sein du groupe impressionniste, Camille Pissarro et Paul Cézanne forment une paire : si Monet et Sisley apparaissent comme des peintres attirés par l'eau, Cézanne et Pissarro s'attachèrent plutôt à la terre. Ils s'étaient connus en 1861 à Paris,à l'Académie Suisse. Entre les deux hommes, l'entente allait être profonde et durable. A l'issue de la guerre franco-prussienne et de la Commune, Pissarro s'était installé en 1872 dans la région de Pontoise et d'Auvers-sur-Oise, où venait également travailler Cézanne, lui transmettant alors son aptitude à construire le paysage. En retour, certaines toiles de Cézanne se ressentent des conseils prodigués par Pissarro.
A propos de Pissaro Cézanne dit : "Je sais qu'il a une bonne opinion de moi, qui ai très bonne opinion de moi-même. ( ...) Jusqu'à quarante ans, j'ai vécu en bohème, j'ai perdu ma vie. Ce n'est que plus tard, quand j'ai connu Pissarro, qui était infatiguable, que le goût du travail m'est venu. Ce fut un père pour moi.  C'était un homme à consulter et quelque chose comme le bon Dieu."

Rappel biographique : Cézanne a peint environ 300 tableaux et parmi ses premières « obsessions picturales », ce sont les natures mortes qui arrivent en tête, et notamment les pommes. Pour Cézanne, la nature morte  est un motif comme un autre, équivalent à un corps humain ou à une montagne, mais qui se prête particulièrement bien à des recherches sur l'espace, la géométrie des volumes, le rapport entre couleurs et formes : « Quand la couleur, est à sa puissance, la forme est à sa plénitude » disait-il.Incomprises en leur temps, les natures mortes de Cézanne sont devenues depuis lors l'un des traits caractéristiques de son génie.

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Pierre Bonnard (1867-1947) - Nature Morte au Chat blanc

Pierre Bonnard (1867-1947)
Nature Morte au Chat blanc, 1924
Collection privée

Que voit-on ? Dans cette nature morte comme dans sa toile  Le Chat Blanc (1894), le peintre français Pierre Bonnard pratique la déformation  du sujet pour montrer avec humour le curiosité de  ce chat  qui vient visiblement d'accéder à la table et voir ce qui s'y trouve.  Etrange animal, à la tête démesurément étirée, les yeux fendus et l'air futé. Il semble à la fois familier et sauvage, voir même effrayant " L'art n'est pas la nature " disait-il. En observant ce chat, présent par accident dans cette nature morte mais qui finit par en devenir le sujet central  jusque dans le titre de l'œuvre, on ne pas ne pas penser cher aux estampes dont Bonnard était un grand amateur. Hokusaï et Kuniyoshi notamment avaient représenté ces félins si familiers. Tout au long de son oeuvre, Bonnard peint d'innombrables toiles avec des chats, parfois simple détail plus ou moins visible, parfois, comme icisujet presque central de la nature morte.

Rappel biographique : Le peintre français Pierre Bonnard est connu pour ses peintures de personnages, ses nus, ses portraits, ses paysages animés, ses intérieurs et ses natures mortes de fleurs et fruits. Bonnard est un artiste postimpressionniste, membre du groupe  artistique des nabis, composé, entre autres, d'Édouard Vuillard, Maurice Denis et Félix Vallotton. Il est fortement influencé par les idées de Paul Gauguin et par la vogue du  japonisme .
En réaction à  l'impressionnisme, les Nabis veulent libérer leur peinture des exigences du réalisme : « Ensemble, nous avons méprisé l'école et les écoles, les rapins, leurs traditions, leurs farces et leurs bals inutilement nudistes. Ensemble nous nous sommes sérieusement amusés ». Les artistes nabis cherchent des voies plus spirituelles au contact de philosophies et de doctrines nouvelles teintées d'Orient, d'orphisme, d'ésotérisme, et de théosophie. Ils s'appliquent à retrouver le caractère « sacré » de la peinture et à provoquer un nouvel élan spirituel par le seul  moyen de l'art.

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Edouard Vuillard (1868-1940) - Le verre de Madère

Edouard Vuillard (1868-1940)

Le verre de Madère

Musée Bonnet (Bayonne)

Que voit-on ?  Sur une table desserte en bois peint, présentée en diagonale dont aperçoit l'un des pieds, de  gauche à droite : une cuillère en argent ; une petite  fleur jaune impossible à identifier ; un verre à pied en cristal à godrons, de forme octogonal, rempli jusques à la moitié d'un vin cuit à l'inimitable couleur, un vin de Madère, comme le précise le titre ; un pot à anse en céramique à motif de fleurs, qui pourrait être un sucrier mais dont on aperçoit pas le contenu ; une fleur blanche à longue tige de type œillet ou frésia posé en bout de table.

Rappel biographique : le peintre français Jean-Édouard Vuillard  qui est connu pour  être le fondateur du mouvement Nabis a peint aussi bien des portraits que des intérieurs, des natures mortes, des compositions murales et des décors de théâtre. Vuillard exposa pour la première fois au Salon des Indépendants en 1901 et au Salon dAutomne en 1903. C 'est dans le années 1890 qu'il  fit la connaissance des frères Alexandre et Thadée Natanson, les fondateurs de la Revue Blanche, et en 1892, sous leur conseil, il fit ses premières décorations (fresques d'appartements) pour la maison de Madame Desmarais. Plus tard il reçut de nombreuses commandes semblables. En 1895 pour Alexandre Natanson, en 1898 pour Claude Anet, en 1908 pour Bernstein et en 1913 pour Bernheim et pour le Théâtre des Champs Elysées. Les dernières commandes qu'il reçut datent de 1937 (Palais de Chaillot à Paris, avec Bonnard) et de 1939 (Palais des Nations à Genève, avec Denis, Roussel y Chastel).

Ce blog a publié plusieurs natures mortes de ce peintre. 

Pïerre-Auguste Renoir (1841-1919) - Nature morte aux pommes et coing

Pïerre-Auguste Renoir (1841-1919) 

Nature morte aux pommes et coing
Provenance Collection Ambroise Vollard, Paris.

Collection Privée, Vendue par Christie's, New York, June 25, 1998, lot 205

Que voit-on ? Emergeant d'une nappe blanche aux reflets bleutés : 4 pommes (deux explorant la gamme des rouges et deux traitées dans un mélange de jaune et de rouge) et un coing très jaune, posé sur un lit de feuillage vert anglais. 

Rappel biographique : L'un des plus célèbres peintres français, Pierre-Auguste Renoir, membre éminent s'il en est du mouvement impressionniste a peint beaucoup de natures mortes, comme l'ensemble de ses collègues impressionnistes d'ailleurs qui ont participé au renouveau de ce genre vieux de plus de 3000 ans.  Au début de sa carrière, ses natures mortes s'inspirent beaucoup de celles de Courbet (voir de celles de Chardin) avant d'imposer le style unique que l'on connait. La dernière toile qu'il aurait voulut peindre serait une nature morte florale. Sur son lit de mort, Renoir aurait demandé une toile et des pinceaux pour peindre le bouquet de fleurs qui se trouvait sur le rebord de la fenêtre. En rendant pour la dernière fois ses pinceaux à l'infirmière il aurait déclaré : « Je crois que je commence à y comprendre quelque chose ».

Ce blog a publié plusieurs natures mortes de ce peintre. Pour toutes les retrouver cliquez sur l'onglet libellé et retrouver le nom du peintre.

Luis Egidio Melendez (1716-1780) - Bodegon con tomates y pepinillos

Luis Egidio Melendez (1716-1780)
Bodegon con tomates y pepinillos (1772)
Museo nacional del Prado, Madrid


Que voit-on ? Sur un entablement de bois, réparties sur toute la largeur du cadre de gauche à droite, des tomates mûres à point et appétissantes à souhait et des gros cornichons savamment arrangés pour respecter une certain équilibre des couleurs entre les verts et les rouges. Des céramiques vernissées et des bouteilles parsèment le tableau pour parachever l'équilibre des masses de cette nature morte qui a été saisie à l'intérieur d'un cuisine.

Rappel biographique : le peintre espagnol d'origine napolitaine, Luis Egidio Melendez  a fait carrière presque exclusivement à Madrid. Il  est considéré aujourd'hui comme l’un des meilleurs peintres de natures mortes du 18e siècle, réputation qu'il n'avait pas de son vivant qu'il a passé dans une misère noire. C'est son père, Francisco Meléndez et Louis Michel van Loo (dont il est l'assistant de 1742 à 1748) qui assurent sa formation de peintre. Le futur  Charles IV d'Espagne lui commanda une grande série de natures mortes, dont une partie importante est conservée au musée du Prado  à Madrid.

Ses toiles peintes dans de petits formats, dans la grande tradition de l'austérité espagnole, n'en foisonnent pas moins d'une minutie des détails. toujours peints avec une absolue perfection. La composition simple et le contraste clair-obscur, s’inscrivent dans la tradition des natures mortes baroques de Zurbaran et de Cotan. Comme eux, Meléndez étudia les effets de lumière, la texture et la couleur des fruits et des légumes, ainsi que celles des récipients en céramique, verre et cuivre ou pailles. À la différence des maîtres du 17e siècle, il présente le sujet plus près du spectateur, en légère plongée. Ce sont des objets disposés sur une table, ce qui donne à ses formes une certaine monumentalité. Le genre permet au spectateur d’étudier l’objet par lui-même. Les fonds sont neutres, et c'est un puissant éclairage qui mettent valeur les contours de l’objet. C’est ainsi qu’il représente le duvet des fruits, les transparences des peaux des raisins, les intérieurs brillants des pastèques et quelquefois les  accidents  présents à la surface des  fruits (comme ici avec les figues vertes). 

Chaque toile de Meléndez est minutieusement composée et fait l'objet d'un mise en scène précise afin de créer  le plus grand réalisme possible. Les « grands thèmes » n’intéressèrent jamais Meléndez qui portent surtout son attention sur les choses de la vie  quotidienne,  sur  l’observation et l’étude de la nature. Il fut souvent comparé à Chardin, jusqu'à être même parfois surnommé  le « Chardin Espagnol » ce qui est assez stupide eut égard au caractère unique de son style et a tout ce qui différencie ces grands peintres. 

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Juan Bautista de Espinosa (1590-1641) - Bodegon de olivas

Juan Bautista  de Espinosa (1590-1641)

Bodegon de olivas

Rappel biographique  : La vie du  peintre espagnol Juan Bautista de Espinosa né vers  1590 et mort vers  1641 à Madrid est assez mal documentée. On sait qu'il fut actif à Madrid et à Tolède entre 1612 et 1626. De plus, un artiste homonyme est parfois confondu avec lui, Juan de Espinosa (actif entre 1628 et 1659). Si l'on en juge par son style, on peut en déduire qu'il a étudié en Hollande. Les spécialistes de cette période estiment d'ailleurs de  Juan Bautista de Espinosa 

 est un peintre de la transition entre le baroque flamand et le baroque espagnol.

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Nicolas de Largillière (1656-1746) - Nature morte avec Grappes de raisins

Nicolas de Largillière (1656-1746) 

Nature morte avec Grappes de raisins (1677)

Fondation Custodia- Collection Frits Lugt

Que voit on ?   Deux grappes de raisins l'une rouge et l'autre blanche... mais ce ne sont  pas n'importe quelles grappes de raisins puisque dans l'esprit du peintre se réfère à a une célèbre anecdote rapportée par Pline (cf. nature mortes Pompei) à propos de l’artiste  grec Zeuxis qui peignit des raisins si convaincants que des oiseaux tentèrent de les picorer. Largillière se met ainsi  directement en compétition avec son illustre prédécesseur de l’Antiquité, ce qui lui permet d'afficher sa dextérité de peintre en trompe-l’œil. Si Largillière est aujourd’hui surtout connu pour sa brillante carrière de portraitiste, il s’illustra également dans d’autres genres tels  que la nature morte. Ces grappes de raisin  témoignent de l’ambition de Largillière, alors encore au début de sa carrière, ce tableau étant l’une de ses premières œuvres datées. 

Rappel biographique : Avec Hyacinthe Rigaud, Nicolas de Largillière (ou Largillierre) est le grand maître du portrait en France à la fin du règne de Louis XIV et au début de celui de Louis XV. On peut toutefois dire presque sans exagération que, bien qu'il soit né à Paris, ce n'est pas un peintre français. Sa formation se fit, en effet, d'abord à Anvers, puis surtout en Angleterre, où il séjourna six ans, travaillant dans l'atelier de sir Peter Lely. À travers Lely, c'est la leçon de Van Dyck qu'il recueille, pour ensuite introduire cet enseignement dans le climat parisien. A l'exclusion de son célèbre  portrait de LouisXIV et de ses enfants, conservé à la Wallace Collection (Londres),  c'est surtout la bourgeoisie qu'il peindra, laissant l'aristocratie au pinceau de Hyacinthe Rigaud, le portraitiste officiel de Versailles.  À sa mort, Largillière laisse derrière lui une tradition renouvelée pour le portrait ; il est en outre le maître de Oudry, le grand maître français de la nature morte au 17e et 18e siècle et l'un de ceux qui ont le mieux contribué à enrichir la peinture française, à la fin du XVII^e siècle, en y faisant pénétrer les leçons flamandes. Il a peint très peu de natures mortes. Toutes sont des exemples de quasi perfection picturale. 

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De Scott Evans (1847-1898) - Still life : A New Variety, Try One

De Scott Evans (1847-1898)
Still life : A New Variety, Try One (1847)
Columbus Museum of Art.


Que voit-on ? Evans a peint de nombreuses versions différentes de  ses Free Sample, Take One  ou Try One (Echantillons gratuit- prenez-en un) dans lesquelles il a placé des amandes, des cacahuètes ou des noix dans une niche évoquant les présentoirs d'épicerie de son époque. Evocation en effet puisque malgré son réalisme, ce contenant ne correspond à aucun de ceux dans lesquels étaient présentées les fruits secs au 19e siècle. Il a été totalement imaginé par De Scott Evans !  Les noix, noisettes et amandes sont apparues dès le 17e siècle dans les natures mortes et mis à l'honneur par les artistes américains,  à partir de 1880,  notamment  par Joseph Decker, John Haberle ou John Frederick Peto.  Evans quant  à lui s'est intéressé à traiter ce sujet dès1847, bien avant son   son arrivée à New-York.  Cette  peinture, qui n'était pas destinée à être encadrée, cherche a cultiver l'illusion que son propriétaire avait placé un niche en bois sur son mur ! Pour renforcer le réalisme, Evans n'hésite pas a ajouter des entailles sur le bois ou des traces dues à chocs ou des trous de puces à bois ou même comme ici, une signature qui n'est pas la sienne gravée dans le bois !!!! Les facéties de ce peintre qui avait un sens de l'humour très développé vont plus loin : ainsi alors qu'une petite note manuscrite encourage le spectateur à goûter une des ses noisettes, les bords coupants de la vitre brisée l'en dissuadent.  Doit-il en prendre malgré tout en prendre une au risque de faire dégringoler toute la pile ?!!! Evans se livrera au même petit jeu avec des cacahuètes plus tard dans sa carrière...

Rappel biographique : Le peintre américain De Scott Evans s'est illustré avec un égal talent dans des genres très différents du portrait mondain  de dame de la haute société américaine dont il flattait élégamment les anatomies à la nature morte en trompe-l'oeil. Élevé dans l'Indiana, il a réalisé une grande partie de sa carrière dans l'Ohio avant de venir s'installer à New-York City. Sa réputation posthume est largement basée sur un certain nombre de trompe-l'œil de natures mortes, à tel point que l'on pas hésité à lui attribuer des tableaux qu'il n'avait jamais peints. La marque absolue de la célébrité dans les Etats-Unis du 19e siècle !