William Nicholson (1872-1949) - The Nailsea Jug

William Nicholson (1872-1949)
The Nailsea Jug
Oil on canvas, 1920
Private Collection

Que voit-on ?  Posé sur une pile de cahiers dont l'un est enrubanné,un vase en céramique imitant l'écaille d'une tortue de mer.

Rappel biographique : Le peintre britannique Sir William Nicholson est surtout connu pour les illustrations qu'il a réalisées pour des livres destinés à la jeunesse. Il illustra ainsi notamment Peter Pan de J.M. Barrie au tournant du 20e siècle. A partir de 1900, encouragé et protégé par Whistler, il se consacre à la peinture et commence à exposer ses premières toiles, essentiellement des portraits, des natures mortes et des paysages. Et ce fut une très grande réussite !

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2024 - A Still Life Collection / Une inépuisable collection de natures mortes
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Stuart Davis (1894-1964) - Still Life with Saw

Stuart Davis (1894-1964)
Still Life with Saw, 1930
Oil on canvas, 26 x 34 in.
The Phillips Collection, Washington 

 Stuart Davis, est un peintre américain. Davis a étudié la peinture avec Robert Henri, le chef du groupe d'artistes modernes The Eights ; il était l'un des plus jeunes peintres à exposer dans l'exposition controversée de l'Armory Show en 1913, où il montre cinq toiles. Pendant cette exposition, on pouvait voir aussi des travaux d'artistes tels que Vincent van Gogh et Pablo Picasso, ainsi que Marcel Duchamp. Il collabore au magazine progressiste The Masses. Devenu un artiste « moderne », influencé par le fauvisme pour les couleurs et par le cubisme pour la forme, il fut un des membres important du cubisme en Amérique. Il est probablement plus célèbre pour ses natures mortes et ses paysages abstraits; sa représentation d'objets ou de thèmes liés à la vie quotidienne, tels que des paquets de cigarettes Lucky Strike (1921) ou la série des « batteurs à œufs » (1927), font de Stuart Davis un annonciateur du Pop Art. Plus tard, ses toiles seront influencées par le jazz, comme Swing Landscape (1938) et The Mellow Pad( 1951), où les couleurs et la texture sont davantage affirmées. Davis est décédé d'un infarctus à New York le 24 juin 1964, à l'âge de 71 ans.  

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Yves-Brayer (1907-1990) - Nature morte au filet et à la nasse

Yves-Brayer (1907-1990)
Nature morte au filet et à la nasse, 1976
Collection privée 

 Que voit on ? Une nature morte a sujet de pêches fleurant bon le sud et la bouillabaisse et ayant sans doute servi à illustrer un roman de  Pagnol ou de Giono.

 Rappel biographique : Yves Brayer est  est un peintre, graveur, illustrateur et décorateur de théâtre français. Fidèle à la tradition de l'art figuratif, il est l'un des maîtres de l'École de Paris. Utilisant une grande variété de techniques, il est l'auteur d'une abondante production de paysages mais aussi de grandes compositions, figures et natures mortes.
Son goût pour le graphisme l'entraîne  à pratiquer la technique de la gravure sur cuivre et de la lithographie. Ainsi, il réalise de nombreuses estampes et illustre des livres à tirage limité sur des textes de Blaise Cendrars, Henry de Montherlant, Baudelaire, Paul Claudel, Jean Giono, Frédéric Mistral, Marcel Pagnol, etc... Yves Brayer est aussi l'auteur de décorations murales, de cartons de tapisseries, de maquettes de décors et de costumes pour le Théâtre-Français, et les opéras de Paris, Amsterdam, Nice, Lyon, Toulouse, Bordeaux ou Avignon.
Ses expositions particulières ont rendu ses œuvres familières dans de nombreux pays : à Paris tout d'abord puis en France, en Europe et aux États-Unis. En 1977, la Bibliothèque nationale de France organise une exposition « Yves Brayer, Graveur » pour son soixante-dixième anniversaire, et le musée de La Poste à Paris lui consacre une exposition de ses œuvres lors de la parution du timbre en 1978. Le musée Marmottan lui rend hommage en 1993 et le musée des Années Trente à Boulogne-Billancourt célèbre son centenaire en 2008.
En 1960 est ouvert le premier musée Yves-Brayer dans la salle d'honneur de la mairie de Cordes-sur-Ciel. Depuis 2006, ces œuvres font partie des collections du nouveau musée d'art moderne et contemporain situé dans la belle maison gothique dite « du Grand Fauconnier », aux côtés d'œuvres de Picasso, Léger et autres, issues de la donation André Verdet. Enfin un musée Yves Brayer est inauguré en 1991 aux Baux-de-Provence dans une demeure de la fin du 16e siècle, proche de la chapelle des Pénitents Blancs qu'il avait décorée quelques années plus tôt.

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William Nicholson (1872-1949) - Silver

William Nicholson (1872-1949)
Silver, 1938
Collection privée

 Que voit on ? Une nature morte avec argenterie  que l'on vient de déballer de son papier de soie apparemment...  

Rappel biographique : Le peintre britannique Sir William Nicholson est surtout connu pour les illustrations qu'il a réalisées pour des livres destinés à la jeunesse. Il illustra ainsi notamment Peter Pan de J.M. Barrie au tournant du 20e siècle. A partir de 1900, encouragé et protégé par Whistler, il se consacre à la peinture et commence à exposer ses premières toiles, essentiellement des portraits, des natures mortes et des paysages. Et ce fut une très grande réussite !

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María Izquierdo (1902-1955) - Naturaleza viva

 

María Izquierdo (1902-1955)
Naturaleza viva
Oil on canvas
Meadows Museum at Southern Methodist University, Dallas TX

Que voit on ? Un mélange de pastèques tranchées, de fruits de mer et de fruits exotiques aux couleurs vives, le tout jetés à même le sol terreux d'un paysage désolé, le long d'un mur comme il en existe beaucoup au Mexique. Peut être tout simplement une nature morte de déchets?

Rappel biographique : María Cenobia Izquierdo Gutierrez est une peintre mexicaine. qui  fut la première  à exposer ses œuvres hors du Mexique dès 1930. Son œuvre se caractérise par l'emploi de couleurs intenses, et des thématiques qui vont de l'autoportrait, des paysages et des natures morte, au surréalisme.
Elle entre à l'École nationale des Beaux-Arts, en janvier 1928. Au Palais des beaux-arts de Mexico, des peintres tenaient une galerie d'art, où a lieu la première exposition de María Izquierdo, qui a les honneurs de la presse de l'époque. L'introduction du catalogue a pour auteur Diego Rivera, qui dirigeait déjà l'École nationale des Beaux-Arts. Dans ce texte, il souligne la maturité de la jeune peintre, qu'il décrit comme l'un des meilleurs éléments de l'Académie, "une valeur sûre, sûre et concrète". A cette époque, c'est surtout l'influence du peintre mexicain Rufino Tamayo que l'on peut déceler dans la de la peinture d'Izquierdo ; cela peut s'expliquer par la relation professionnelle intense et par la relation amoureuse qui s'est poursuivie entre eux de 1929 à 1933.
En 1930, l'Art Center Gallery de New York accueille la première exposition individuelle aux États-Unis de María Izquierdo montrant 14 de ses huiles, dont des natures mortes, des portraits et des paysages, faisant ainsi d'elle la première femme peintre mexicaine exposée hors de son pays. La même année, l’American Federation of Arts présente au Metropolitan Museum of Art une exposition d'art populaire et de peinture mexicaine, qui inclut, entre autres, des œuvres de Rufino Tamayo, María Izquierdo, Diego Rivera et Agustín Lazo.

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Wayne Thiebaud (1920-2021) - Cake

Wayne Thiebaud (1920-2021)
Cake, 2015
Private collection

Que voit on?  Beaucoup de matière  pour ce gâteau moins réaliste que les autres peintres de Thiebaud mais tout aussi appétissant.

Rappel biographique : Le peintre américain Wayne Thiebaud, dont une célèbre toile avait été publiée au début de ce blog en 2014, est un artiste discret, de plus en plus considéré comme un des artistes majeurs du mouvement hyper-réaliste et comme le précurseur du Pop Art.
Le travail de Wayne Thiebaud se caractérise par des peintures d'objets alimentaires de grande consommation, comme des pâtisseries, de la fast food ou des objets de consommation courantes vues dans dans les vitrines des cafétérias ou dans le rayons des grands magasins.  Son premier emploi  fut un job de serveur à Long Beach, dans le café « Mile High and Red Hot » (Glace et hot-dog) qui le amrqua durablement !  Son intérêt pour les objets du quotidien, confondus ensuite avec ceux de la culture de masse, associa immédiatement son nom au mouvement du Pop-Art. Une fois éteint le tapage médiatique autour du pape supposé  du pop art (Andy Warhol), on remarqua - non sans stupeur - que les œuvres de Wayne Thiebaud, effectuées dans les années 50 et 60 étaient légèrement antérieures à celles de Warhol et des autres artistes de ce mouvement, mais n'en portaient pas encore le nom ! De là à lui attribuer une influence définitive comme précurseur dumouvement, il n'y avait qu'un pas qui, aujourd'hui, est enfin franchi avec justice !
Outre les pâtisseries, Wayne Thiebaud,a également peint des paysages, des rues, ainsi que des personnages populaires, comme Mickey. Certaines de ses toiles récentes, comme Sunset street (1985) ou Flatland river (1997) sont remarquables pour le traité hyper réaliste, et se rapproche du travail d'un Edward Hopper, qui était tout aussi fasciné par ces scènes du quotidien américain.
Dans sa peinture, Wayne Thiebaud se concentre sur la banalité de façon à suggère l'ironie et la distance vis-à-vis de son sujet.
Wayne Thiebaud,se considère comme un peintre, mais paradoxalement pas comme un artiste. C'est un lecteur vorace, qui a l'habitude de lire de la poésie, celle de son poète préféré William Carlos Williams par exemple, à ses élèves.
En septembre 2010, alors qu'il fêtait son 90e anniversaire,  Wayne Thiebaud, réalisa un dessin pour le 12e anniversaire de Google qui l'afficha sur sa page d'accueil. Le dessin était exécuté dans le style bien reconnaissable de Wayne Thiebaud, et montrait un gâteau sur lequel est écrit Google et où le "l" était remplacé par une bougie.

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Robert Seldon Duncanson (821-1872) - Still Life with Fruit and Nuts

Robert Seldon Duncanson (1821-1872)
Still Life with Fruit and Nuts (1848)
Oil on board, 30.5 x 40.6 cm.
National Gallery, Washington DC
Que voit-on ? Sobrement présentés sur une planche à découper en bois, quelques fruits secs et fruits frais assemblés dans une composition très étudiée. On remarquera l'opposition entre le raisin de Corinthe sec et le raisin frais aux reflets turquoises.

Rzppel biographique:  Robert Scott Duncanson, fut le premier artiste afro-américain à être reconnu de son vivant. Selon Joseph D. Ketner, conservateur de la galerie d'art de l'université d'État de Washington, il peint dans la tradition de l'école de l'Hudson. Il est souvent inspiré par la littérature romantique anglaise. C'est un artiste peintre assez peu connu aujourd'hui, tant pour ses portraits que ses paysages beaux et sereins, marqués par les espaces encore sauvages de l'Amérique du Nord.

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Sören Emil Carlsen (1853-1932), - Le Samovar

Sören Emil Carlsen (1853-1932)
Le Samovar (c. 1920)
Huile sur toile, 74 x 68.9 cm.
Museum of American Art (John Butler Talcott Fund)

Que voit-on ? Sur un entablement qui se différencie du mur du fond uniquement par un subtil jeu d'ombres et de lumières : un récipient en cuivre martelé, un samovar en cuivre de facture assez rustique sans ornements excessifs, un pot en porcelaine blanche qui pourrait contenir du thé. Comme souvent chez Carlsen, le reste de la pièce et quelquefois l'image du  peintre lui-même se devinent dans les reflets des objets les plus brillants, tout à fait à la manière de certains peintres hollandais des 16 et 17e siècle. Ici c'est une fenêtre à trois battants qui apparait à la fois sur le Samovar et sur le récipient en cuivre.

Rappel biographique :  Sören Emil Carlsen est un peintre impressionniste américain d'origine danoise. Rapidement qualifié de " Chardin américain " par la critique locale de son  temps, il  se spécialisa dans les natures mortes. Membre de la National Academy of Design, professeur de  dessin respecté à  Chicago, San Francisco, et New York,  et bien que figurant dans plusieurs collections privées, il n'a jamais été classé parmi les grands peintres américains du 20e siècle, et pourtant...

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Max Ernst (1891-1976) - Le Rossignol Chinois

Max Ernst (1891-1976)
Le Rossignol Chinois, 1920
Photomontage, 12,2 x 8,8cm
Musée des beaux-arts de Grenoble, France

Que voit-on ?  C'est une œuvre surréaliste, représentant en arrière-plan une bombe intacte dans un champ de paille et d'herbe. Le Rossignol est formé par une torpille, un éventail, deux bras humains. Ce photomontage dénonce la guerre et ridiculise les bombes considérées comme puissantes et performantes. Le surréalisme étant lié aux effets de ruptures et aux choses inattendues, Le Rossignol chinois mêlerait ainsi références  conscient et à l'inconscient. Son titre s'inspirerait du conte Le Rossignol et l'Empereur de Chine de Hans Christian Andersen. Une oeurve qui s'adapte parfaitement à l'absurdité absolue des temps à venir. 

Rappel Biographique : Max Ernst était un peintre allemand de la mouvance dada, surréaliste puis pataphysique. Né en Allemagne, il commence à étudier la philosophie à l'université de Bonn, mais il abandonne rapidement les cours pour se consacrer à l'art. En 1913, il rencontre Guillaume Apollinaire et Robert Delaunay et part à Paris,pour rejoindre, à Montparnasse, la cohorte d'artistes de toutes nationalités qui y travaillent.  En 1919,  il rend visite à Paul Klee et crée ses premières peintures, impressions à la main et collages ; il expérimente différents supports et matériaux. Durant la Première Guerre mondiale, il est engagé dans l'armée allemande. Après la guerre, plein de nouvelles idées, il fonde avec Jean Arp et l'activiste social Alfred Grunwald le groupe Dada de Cologne mais deux ans plus tard, en 1922, il retourne à la communauté d'artistes de Montparnasse à Paris.
Expérimentant constamment, il invente en 1925 le frottage où il laisse courir une mine de crayon à papier sur une feuille posée sur une surface quelconque (parquet ou autre texture). Cette technique fait apparaître des figures plus ou moins imaginaires. Elle s'apparente à l'écriture automatique des écrivains surréalistes  comme Paul Eluard et André Breton Qu'il côtoyait. En 1926 il collabore avec Joan Miro sur des dessins pour Sergei Diaghilev.
Puis il contribua largement à la naissance du mouvement surréaliste à Montparnasse. Après une période passée avec les surréalistes, il quitte leur groupe en partie à cause de Breton qui voulait écarter l'ami de Ernst, le poète Eluard. En 1934, il commence à sculpter, fréquentant Alberto Giacometti. En 1938, l'héritière américaine Peggy Guggenheim achète un bon nombre d'œuvres de Max Ernst qu'elle expose dans son nouveau musée à Londres.
Au début de la Seconde Guerre mondiale, Max Ernst est arrêté comme étranger ennemi, mais, avec l'aide du journaliste américain Varian Fry refugié à Marseille, il réussit à quitter le pays en compagnie de Peggy Guggenheim. Ils arrivent aux USA en 1941 et se marient l'année suivante. Max Ernst vit à New York où, à côté des peintres d'avant-garde Marcel Duchamp et Marc Chagall qui ont fui la guerre en Europe, il aide au développement de l'expressionnisme abstrait chez les peintres américains.
Son mariage avec Peggy Guggenheim se termine par un échec et il épouse Dorothea Tanning à Beverly Hills, en Californie, en octobre 1946, lors d'une double cérémonie avec Man Ray et Juliet Bowser. Max Ernst s'installe alors aux USA à Sedona, en Arizona. En 1948, il écrit le traité « Beyond Painting » puis part voyager en Europe en 1950.
En 1952, il devient satrape du Collège de Pataphysique. À partir de 1953, il s'installe définitivement à Paris et l'année suivante gagne les biennales de Venise.  En 1963, il déménage avec sa femme dans une petite ville du sud de la France, Seillans, où il continue à travailler. Il crée les décors d'un théâtre et une fontaine pour la ville d'Ambois. En 1975, une rétrospective a lieu au Musée Solomon R. Guggenheim à New York et les Galeries Nationales du Grand Palais de Paris publient un catalogue complet de ses œuvres. Max Ernst  est enterré au Cimetière du Père Lachaise à Paris.

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