Vincent van Gogh (1853-1890) - Nature avec Fruits et Châtaignes

Vincent van Gogh (1853-1890), (attribué à...)
Nature avec fruits et châtaignes, c. 1885-86
Huile sur toile, 35,6 x 27 cm
Fine Arts Museums of San Francisco

Que voit on ?  Une nature morte à la composition sommaire, où l'on voit deux poires et une pomme sur un lit de châtaignes, le tout posé a même un sol terreux. La touche attribué à  Van Gogh  par les experts pourrait tout aussi bien être celle de Cézanne...

Rappel biographique : Au début du mois de mars 1886, Vincent van Gogh rejoint son frère Theo à Montmartre, avec l'envie de s'informer sur les nouveautés de la peinture impressionniste. À l'époque, Theo est gérant de la galerie montmartroise Boussod, Valadon & Cie. Seule la connaissance du milieu artistique parisien peut véritablement permettre à Van Gogh de renouveler et d'enrichir sa vision. Cette année-là est celle de la dernière exposition impressionniste que Vincent découvre, et en 1887 doit avoir lieu la première rétrospective de l’œuvre de Millet. Paris se prépare alors à accueillir plusieurs expositions : en plus du Salon, où sont exposées les œuvres de Puvis de Chavannes, Van Gogh visite les salles de la cinquième exposition internationale à la galerie Georges Petit, qui présente des toiles d'Auguste Renoir et de Claude Monet. Ces derniers n'avaient pas souhaité participer à la huitième et dernière exposition des impressionnistes, qui offrait le spectacle d'un groupe déchiré, entre les défections et les nouvelles arrivées, et ouvrait ses portes à la nouveauté du moment, le néo-impressionnisme, avec la toile de Georges Seurat, Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte. À Paris dans les années 1886-1887, Van Gogh fréquente un moment l’Académie du peintre Cormon, où il fait la connaissance de Henri de Toulouse-Lautrec, de Louis Anquetin, d’Émile Bernard ainsi que de John Peter Russell. Ce dernier réalise son portrait. Il rencontre également, par l’intermédiaire de son frère, presque tous les impressionnistes, en particulier Georges Seurat et Camille Pissarro, ainsi que Paul Gauguin. Dans la boutique du père Tanguy, il devient l'ami de Paul Signac. Sous l’influence des estampes japonaises, ses compositions acquièrent peu à peu davantage de liberté et d’aisance, tandis qu’il s’essaie à la technique de l’aplat coloré. Pissarro l’initie également aux théories nouvelles sur la lumière et au traitement divisionniste des tons. La palette de l'artiste s’enrichit alors de couleurs vives et sa touche s’anime et se fragmente, ceci grâce également à Signac avec qui il travaille en 1887. Exalté par la ferveur du climat artistique parisien, Van Gogh brûle les étapes de son renouvellement artistique grâce à la fréquentation des peintres les plus anticonformistes du moment : il s'essaye au néo-impressionnisme auprès de Signac et Pissarro, enquête sur les profondeurs psychologiques du portrait avec son ami Toulouse-Lautrec, est précocement informé de la synthèse du cloisonnisme par ses compagnons Louis Anquetin et Émile Bernard, et peut apprécier les toiles exotiques réalisées par Gauguin en Martinique. Régénéré par cette modernité, il est prêt à réaliser son rêve méditerranéen, à la recherche de la lumière aveuglante de la Provence, qui fait resplendir les couleurs pures de la nature, étudiées jusque-là dans sa collection d'estampes japonaises. C'est une période très fertile où son art s'oriente vers l'impressionnisme, mais l'absinthe et la fatigue aggravent son état mental. Le 19 février 1888, il quitte Paris....

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Pierre Roy (1881-1950) - Composition aux Poids et Mesures

Pierre Roy (1881-1950)
Composition aux Poids et Mesures, 1932-33
Huile sur toile, 92 x 60 cm
Collection privée (Christi'es)

Que voit on ?  Et des poids et des mesures dans cette nature morte, il y ne beaucoup plus que deux ! Tous y sont , de la plume d'oie au kilogramme en passant par le gramme, le litre, le décilitre, la pinte, le mètre de couturière, le mètre métallique, le fil à plomb... le tout posé dans un sorte de boite-cadre à la manière de Juan Sanchez Cotan mais sur un fond de paysage maritime.

Rappel biographique : « Pierre Roy est le plus grand méconnu du surréalisme » selon Louis Aragon et bien que la Revue de France l'ait affublé du titre de « père du surréalisme » , lui-même disant « détester les groupes et les appartenances » !!! Surréaliste ? Précisément sans doute !!! Car dès 1925, Pierre Roy participe à la première exposition des peintres surréalistes aux côtés de Giorgio De Chirico, Max Ernst, Pablo Picasso En 1926, il réalise sa première exposition particulière dont le catalogue est préfacé par Louis Aragon. En 1933, il est nommé pour cinq ans, peintre de la Marine. Il connaît le succès lors d'une exposition qui lui est consacrée à la Galerie des Beaux-Arts à paris en 1935. Il expose à l'Exposition universelle de 1937 et à la Galerie Montaigne en 1938 à Paris. Ces tableaux sont des mises en scène d'objets courants, représentés le plus fidèlement possible. Coquillages, légumes et fruits, bobines de laine, épis et graines, œufs, rubans sont assemblés, mélangés pour créer des scènes poétiques. En 1947, à un questionnaire du Museum of Modern Art de New York, il répond : « Je n'ai absolument, comme peintre, aucune philosophie. Quand je peins quoi que ce soit, je suis tout entier au plaisir de peindre. Je n'ai pas la moindre intention de symbolisme. Mais très souvent, parfois longtemps après avoir achevé mon tableau, je prends conscience de ce qui m'a inspiré et de ce que ma toile signifie. » Pierre Roy réalisa aussi de nombreuses couvertures sous forme de nature mortes surréalistes pour le magazine Vogue, des affiches publicitaire ou encore des décors de théâtre.


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Pierre-Auguste Renoir (1841–1919) - Nature morte au bouquet

Pierre-Auguste Renoir,(1841–1919)
Nature morte au bouquet, 1871
Huile sur toile, 73.7 × 59.1 cm
The Audrey Jones Beck Building, Houston, Texas

Que voit on ? Posé sur un entablement recouvert d'un linge frangé, deux livres aux reliures anciennes, un bouquet de fleurs enrobé dans du papier, un vase chinois continuant un éventail et un plumeau d"herbes de la pampa. Dans le fond, une gravure sous verres reproduisant un toile hollandaise.

Rappel biographique : L'un des plus célèbres peintres français, Pierre-Auguste Renoir, membre éminent s'il en est du mouvement impressionniste a peint beaucoup de natures mortes, comme l'ensemble des impressionnistes d'ailleurs qui ont participé au renouveau de ce genre vieux de plus de 3000 ans. La dernière toile qu'il aurait voulut peindre serait une nature morte florale. Sur son lit de mort, Renoir aurait demandé une toile et des pinceaux pour peindre le bouquet de fleurs qui se trouvait sur le rebord de la fenêtre. En rendant pour la dernière fois ses pinceaux à l'infirmière, il aurait déclaré : « Je crois que je commence à y comprendre quelque chose ». Les mauvaises langues ajoutant généralement : " Il était temps ".

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Pablo Picasso (1881-1973) - Nature morte à la mandoline

 

Pablo Picasso (1881-1973)
Nature morte à la mandoline 1924
Huile sur toile 101 x 158 cm
National Gallery, Ireland 

Que voit on ?  Une scène de nuit.  Au premier plan, un plat de fruits, une bouteille de vin et une mandoline posée sur un entablement recouvert d'une nappe aux  volutes décoratives en forme de vague, allusion ludique probable au décor côtier où la scène fut peinte.  en effet Picasso passa l'été 1924 à Juan-les-Pins sur la Côte d'Azur. Ce tableau est le deuxième d'une série de grandes natures mortes cubistes qu'il a peintes durant son séjour. En arrière-plan, le feuillage se découpe sur de larges taches noires et bleues. 

Rappel biographique : le peintre espagnol Pablo Ruiz Picasso a commencé à peindre très tôt, au tournant du19e et du 20e siècle et n'a jamais cessé sa production, évaluée aujourd'hui a quelques 50.000 œuvres. Utilisant tous les supports pour son travail, il est considéré comme le fondateur du cubisme avec Georges Braque auquel son nom est lié surtout dans le domaine des natures mortes. Il est considéré comme l'un des plus importants artistes du 20e siècle tant par ses apports techniques et formels que par ses prises de positions politiques et que par l'immensité de sa production tous genres confondus.
A partir des années 1920 ses natures mortes seront très proches, sur la même ligne de conception " cubiste analytique " que celles de Georges Braque, dont il devient un temps l'intime avant de s'en séparer définitivement. Il y eut une connivence d'inspiration très rare entre ces deux peintres pendant une certaine période de leur vie et en particulier dans le domaine particulier du traitement de la nature morte.
Picasso peint beaucoup d'autres natures mortes après la Seconde guerre mondiale et hors de la période cubiste, mais ce n'est pas un genre qui tient une place aussi essentielle dans son œuvre que dans l'œuvre de Georges Braque.

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Maximilian Pfeiler (1656–1746 ) - Nature morte à la citrouille découpée et aux raisins

 

Maximilian Pfeiler (1656–1746)
Stillleben mit aufgeschnittenem Kürbis und Trauben, 1746
(Nature morte à la citrouille découpée et aux raisins), 1746
Huile sur toile, 58,5 x 48,5 cm
Collection privée (via Dorotheum)

 Que voit -on ?  Une composition caractéristique de cet artiste bohémien, qui devint l'un des peintres de natures mortes les plus célèbres de la première moitié du XVIIIe siècle à Rome, grâce notamment à l'élégance de ses dégradés de couleurs et à la précision de sa manière de reproduire dentelles, gouttes d'eau transparences et textures en général.
Rappel biographique : Par une curieuse ironie de l'histoire, la biographie de Maximilien Pfeiler, peintre allemand de l'abondance et du faste est très peu documentée ! En 1683 on trouve une première trace de lui comme membre de la Guilde des Peintres à Prague. Puis on le retrouve à Rome où il est actif de 1694 à 1721 uniquement. On sait cependant que tout ce que la Ville éternelle comptait de gens importants lui passa commandes de somptueuses compositions florales ou de natures mortes très extravagantes dont il était un spécialiste reconnu. On sait aussi qu'il fut l'élève de Christian Berentz par lequel il fut très influencé et qu'il collabora avec Francesco Trevisani et Michele Rocca. Bien que la postérité l'ait oublié, sa notoriété de son vivant devait être immense puisque l'on retrouvait ses compositions chez les amateurs d'art les plus éclairés de son temps, comme dans la collection du cardinal Fesch par exemple.

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Luigi Lucioni (1900-1988) - Blue Green Motif

 

 

Luigi Lucioni (1900-1988),
Blue Green Motif, 1969
Huile sur toile, 51 x 60,7 cm.
Collection privée.

Que voit on ? Trois vases en céramique vernissée de formes différentes 

Rappel biogaphique : Le peintre et graveur Luigi Lucioni est né à Malnate dans le nord de l'Italie. Au moment où sa famille a émigré aux États-Unis en 1911, il était déjà un excellent dessinateur. Quatre ans plus tard, il remporte un concours de design qui lui permet d’assister à Cooper Union. Il a ensuite fréquenté la National Academy of Design et a remporté une bourse de la Fondation Tiffany qui lui a permis de retourner en Italie pour étudier. À la suite de son séjour en Italie, son travail porte l'empreinte du style réaliste classique. Il est surtout connu pour ses portraits, ses paysages et ses natures mortes toutes d'une forte portée symbolique. Lucioni a maintenu des studios à New York et dans le Vermont (dont il a beaucoup peint les paysages). Il a remporté de nombreux prix, dont le premier prix à l'exposition internationale Carnegie (1939) et à la biennale Corcoran. Il était membre de la Society of American Etchers et de la Allied Art Association et enseignait le portrait à la Art Students League de New York.
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Margaret Preston (1875-1963) - Australian Gum Blossom

Margaret Preston 1875-1963)
Australian Gum Blossom 1929.
Oil on canvas, 46.5 x 46.0 cm
Private collection

Que voit on ? Les fleurs décrites ici sont des  Corymbia ficifolia, issues d'un arbre originaire d'une petite zone de la côte sud de l'Australie occidentale, mais qui ont essaimé au cours des siècles dans les zones tropicales et subtropicales du monde entier. Outre ses qualités esthétiques, la composition de Preston met en évidence son intérêt pour les mathématiques à travers les  détails méticuleusement rendus de leur "géométrie complexe". Dressées dans un vase en céramique ,peut-être fabriqué par son amie proche Glady Reynell, les fleurs rouges rayonnent littéralement du haut en bas de la composition, mises en valeur par l'angle aigu que forme le  plateau en miroir et le vide derrière lui ,tous deux peints en noir et blanc.

Rappel biographique : Margaret Preston est une figure majeure de la peinture australienne du 20e siècle. Avec Grace Cossington, elle introduisit le mouvement moderniste en Australie dès le début du 20e siècle. A la tête de ce qui constituait alors une véritable avant-garde artistique dans l'hémisphère sud, Margaret Preston fut parmi la première artiste australienne que l'art aborigène influença notablement. Elle est connue pour ses peintures de la flore et de la faune autochtone australienne dont cette nature morte est un exemple. Avant son mariage, pour des raisons principalement financières, elle fit une carrière de pédagogue privée dans le domaine de l’art. Plus tard elle enseigna dans le public, à la fois au Collège Saint-Pierre et au Collège Presbyterian Ladies, à Adelaïde. Parmi ses élèves, on peut citer des artistes aussi remarquables que Bessie Davidson, Gladys Reynell ou Stella Bowen.

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Josef Sudek (1896-1976) - Rose in glass beaker

Josef Sudek (1896-1976)
Rose in glass beaker, 1950
Photography 23.8 x 17.8 cm.
Howard Greenberg Gallery, New York

 Que voit on  ? Une rose plongée dans un vase tube et dont seul le bouton floral surnage. Sudek a très souvent abordé ce thème dans ses natures mortes photographiques avec des variations soit lans la  faille du verre soit dans  la position de la rose en gardant comme constante le degré de maturité de la fleur, toujours présentée en bouton à peine ouvert et jamais en couleurs.

Rappel Biographique : Josef Sudek est un photographe tchèque. Son père (peintre en bâtiment) meurt alors que le futur photographe a trois ans. À l'âge de quatorze ans, il part à Prague pour un apprentissage où il apprend la reliure. Il photographie en amateur dès 1913. Il accomplit son service militaire à Kadaň en 1915 et part ensuite pour le front italien armé de son appareil photographique. Il revient amputé du bras droit à cause d'une grenade, il devient alors photographe après avoir étudié la photographie pendant deux ans à Prague à l'école des arts graphiques de 1922 à 1923 avec Jaromir Funke. Sa pension d'invalidité lui laisse la possibilité de se consacrer à la photographie d'art et dans les années 1920 il travaille dans un style pictorialiste. En 1924, poussé par un club de photographie local, il devient le cocréateur de la Société Photographique de Prague. En 1927 il lance son propre studio1. Il photographie les mutilés de guerre, la restauration de la cathédrale Saint-Guy de Prague et voyage deux mois en Italie. De 1927 à 1936, il réalise des portraits, des reportages et des paysages pour la maison d'édition Dp (Družstevní práce) dans les locaux de laquelle il organise sa première exposition personnelle en 1932. Il expose ensuite à plusieurs reprises à Prague. En 1933, il prend part à l'exposition La photographie sociale. À partir de 1940, il adopte l'appareil grand format (30x40 cm), utilise la caméra panoramique Kodak (1894, 10 x 30 cm). Durant la Seconde Guerre mondiale et après, Sudek créa des paysages de nuit de Prague, photographia les paysages boisés de Bohème et la fenêtre en verre qui menait à son jardin (les fameuses séries La fenêtre de mon atelier). Il poursuivit en photographiant l'intérieur encombré de son studio (les séries Labyrinths). En 1954, il obtient le Prix de la ville de Prague et en 1961, le titre d'artiste émérite par le gouvernement tchèque. Il sera exposé à l'Ouest, pour la première fois, en 1974, à la George Eastman House, et publiera seize ouvrages au cours de sa vie. Appelé le "poète de Prague", Sudek resta célibataire et fut une personne timide et solitaire : il n'apparut jamais aux vernissages de ses expositions et peu de gens figurent dans ses photos. D'autre part, en dépit des privations de la guerre et du communisme, il constitua une discothèque privé très renommée d'enregistrements de musique classique.

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Georgia O' Keeffe (1887-1986) - Oriental Poppies

Georgia O'Keeffe (1887-1986)
Oriental Poppies, 1927
Oil on canvas, 76.2 x 101.9 cm.
University of Minnesota Art Museum, Minneapolis

 Que voit on ? Deux fleurs de  pavots  à la fois côte à côte et dos à dos, comme si l'épanouissement de  l'une venait empêcher celui de l'autre. 

Rappel biographique : L'artiste américaine Georgia O' Keeffe est considérée comme une des peintres modernistes majeures du 20e siècle. L'art de Georgia O'Keeffe est basé sur une observation minutieuse de la nature et sur sa volonté de peindre ce qu'elle ressent plus que ce qu'elle voit. Elle demeurera à l'écart des courants, suivant sa propre voie. Ses gros plans de fleurs, qui caractérisent une bonne partie de sa production, révèlent son sens aigu de l'observation. Le format de ses toiles, les couleurs et les nuances rendent la majeure partie de ses tableaux pratiquement abstraits. À sa mort, Georgia O'Keeffe a laissé environ 900 tableaux dont finalement très peu de natures mortes, qui est pourtant un genre auquel elle est régulièrement revenue tout au long de sa carrière et qu'elle a abondamment illustré. Une retrospective est consacrée aàson œuvre au Centre Pompidou à Paris en Septembre 2021
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Georges Rohner (1913-2000) - Le Littérateur

Georges Rohner (1913-2000)
Le Littérateur, 1968
Huile sur toile 97 x 146 cm
Collection particulière.

Que voit-on ?  De loin on pourrait penser avoir vu une composition de Mondrian. De près, cet amoncellement (un procédé habituel de ce peintre) de journaux et livres dont deux sont ouverts en forme de grosses moustaches ne laissent aucun doute sur la nature livresque (et masculine: la pipe, le verre de Cognac) de cette nature morte qui renoue au 20e siècle avec la  grande tradition  des natures mortes livresques des 16e et 17e siècle. 

Rappel biographique : Georges Rohner quitte le lycée dès l'âge de 16 ans pour se présenter à l’École des beaux-arts de Parisen en 1929. Sous l'impulsion du critique Henri Hérault, il s'associe à Robert Humblot, Jannot, Lasne, le canadien Alfred Pellant, Pierre Tal-Coat et Raymond Moisset pour fonder le mouvement « Forces nouvelles » qui prône le retour au dessin, au métier consciencieux de la tradition dans un contact fervent avec la nature. En 1932, son envie d’indépendance le pousse à quitter les Beaux-Arts et à louer un atelier avec Robert Humblot.
Il voyage en Espagne ainsi qu'aux Pays-Bas, où il découvre la ville d'Amsterdam. Au cours de son service militaire en Guadeloupe, il décore l’hôtel de ville de Basse-Terre. En 1940, il est fait prisonnier et interné à Trèves. Il y décore la chapelle du stalag dont il conservera Le Christ aux prisonniers.
En 1959, il est nommé chargé de cours à l'École des beaux-arts et décoré de la Légion d'honneur. Il poursuit sa carrière comme professeur de dessin et couleurs à l'École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris en 1962. En 1963 il est décoré de l'ordre des Arts et des Lettres. En 1968, Rohner est élu à l'Académie des beaux-arts où il occupe le fauteuil d’Ingres. En 1987, une rétrospective est organisée au musée des beaux-arts de Quimper.
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Édouard Vuillard (1868-1940) - Nature morte à l'assiette

Édouard Vuillard (1868-1940)
Nature morte à l'assiette c. 1919-20
Dessin au crayon noir et crayons de couleurs, 9,5 x13cm
Collection particulière

Que voit on ? Ce que décrit le titre. une assiette en porcelaine sans doute d'origine chinoise et soit des fruits  soit des gâteaux assez difficiles à identifier. Un petit croquis gourmand à déguster sans modération.

Rappel biographique : Jean-Édouard Vuillard, connu pour être le fondateur du mouvement Nabis, a peint aussi bien des portraits que des intérieurs, des natures mortes, des compositions murales et des décors de théâtre. Vuillard exposa pour la première fois au Salon des Indépendants en 1901 et au Salon dAutomne en 1903. C'est dans le années 1890 qu'il fit la connaissance des frères Alexandre et Thadée Natanson, les fondateurs de la Revue Blanche, et en 1892, sous leur conseil, il fit ses premières décorations (fresques d'appartements) pour la maison de Madame Desmarais. Plus tard il reçut de nombreuses commandes semblables. En 1895 pour Alexandre Natanson, en 1898 pour Claude Anet, en 1908 pour Bernstein et en 1913 pour Bernheim et pour le Théâtre des Champs Elysées. Les dernières commandes qu'il reçut datent de 1937 (Palais de Chaillot à Paris, avec Bonnard) et de 1939 (Palais des Nations à Genève, avec Maurice Denis, Roussel et Roger Chastel).

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Andy Warhol (1928-1987) - Still-life

Andy Warhol (1928-1987)
Still-life
Polaroid exhibition 6 (1977-1983), 62 x 62 mm

Que voit-on ?  Un rasoir mécanique ouvert et photographié par le procédé Polaroid ® dont le propre est de perdre assez rapidement ses coloris au fil des années. Media très éphémère, tous les polaroids encadré d'un rebord blanc, ont la même dimension à savoir  62 x 62 mm. L'objet du quotidien photographié par Warhol avec ce Polaroïd ® n'était pas seulement utilisé pour le rasage quotidien ou par les coiffeurs mais aussi par de nombreux criminels pour trancher la gorge de leurs ennemis. Ces trois significations sont crument et violemment contenus dans cette nature morte.

Rappel biographique : On ne présente plus l'artiste américain Andy Warhol, pape du Pop art, (Pope of the pop), sujet de multiples expositions, livres, et films avant et depuis sa mort... Warhol est généralement reconnu comme l'un des très grands artistes du 20e siècle. Avec lui la nature morte peut prendre toutes les formes humoristiques imaginables (et même inimaginables!) des célèbres boîtes de Campbell soup à des oeufs en forme de pastilles colorées (déjà publiés dans ce blog), en passant par des trèfles à 4 feuilles traitées façon capucines et vendus en rouleaux de papier peint. Warhol iconoclaste adoré de son vivant par les grands de ce monde, les élites intellectuelles, les stars d'Hollywood et les riches aristocrates anglos saxons qu'il aimait malmené, était en fait un puritain, très religieux et assez " coincé "...
Tout commence pour lui au début des années 1960, lorsque publicitaire déjà reconnu, il utilise dans ses dessins une technique directe sur du papier hydrofuge et repasse les contours avec de l'encre encore humide sur des feuilles de papier absorbant, en adoptant le vieux principe du buvard. Bien qu'à cette époque, beaucoup d'artistes soient illustrateurs publicitaires pour des entreprises, tous le font discrètement. Pour Warhol, c'est le contraire : il est tellement connu en tant que publicitaire que son travail artistique n'est pas pris au sérieux. Il présente dans une galerie quelques-unes de ses œuvres, mais c'est un échec. Reconsidérant alors son travail alimentaire et son travail de peintre, plutôt que de les opposer, il pense à les réunir. Il a l'idée d'élever les images de la culture populaire au rang de l'art élitiste, rejoignant ainsi les artistes du pop art, mouvement lancé à Londres au milieu des années 1950 par Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi, qui l'expérimentent indépendamment les uns des autres. Si Roy Lichtenstein et Jasper Johns en sont les pionniers, Andy Warhol en sera véritablement le pape.
En 1963, il adopte la technique qu'il utilisera pour ses œuvres les plus célèbres : la photographie sérigraphiée sur toile.
Les photographies simplifiées en noir et blanc, sans gris, sont imprimées en sérigraphie sur la toile peinte de grands aplats de couleurs. Le motif est parfois reproduit plusieurs fois sur la toile, comme un motif de papier peint. C'est le stéréotype du pop art.
Ses motifs de prédilection sont des noms célèbres de marques déposées, le symbole du dollar, les visages de célébrités...
Le thème des Comics, qui avait d'abord intéressé l'artiste, était déjà largement exploité par le peintre Roy Lichtenstein qui en avait fait sa marque de fabrique. Jasper Johns avait choisi la typographie. Pour se démarquer, Warhol comprit qu'il devait lui aussi trouver sa marque. Ses amis lui ayant conseillé de peindre ce qu'il aimait le plus, il choisit de représenter les conserves de Campbell's Soup, pour sa première exposition majeure. Les boîtes de Campbell's Soup ouvertes ou neuves, rouillées, aux étiquettes déchirées, uniques ou multipliées, en séries, en damiers, seront le thème récurrent de Warhol. Pour lui, l'image, son pouvoir au sein de la société de consommation est en lien avec la mort. La répétition de la figure se rapporte souvent à son extinction. Le choix des sujets est en rapport avec cette obsession de la mort, y compris pour les toiles célèbres sérigraphiées de Marilyn Monroe (peintes après sa mort, notamment les Diptyque Marylin) ou de Liz Taylor (peinte alors que l'actrice était gravement malade), icônes reproductibles à l'infini qui deviennent des images de consommation.
Dans les dernières années de son œuvre, Warhol presque peintre officiel, appliquera son style à de nombreux portraits de commande, tout en continuant à expérimenter d'autres techniques picturales dans ses séries Shadows, Oxydation paintings, et ses reprises de toiles de Botticelli ou de Léonard de Vinci.

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Alexandre-François Desportes (1661-1743) - Des pêches, des prunes et deux bécasses

Alexandre-François Desportes (1661-1743)
Des pêches, de prunes et deux bécasses
Musée des beaux arts de Lyon

 Que voit on ?  Titre explicite qui fait sourire aujourd 'hui mais qui n'avait pas encore ce contenu ironique à l'époque de Desportes. Peintre du roi, de grande notoriété et réputation,  Desportes peignit plusieurs tableaux avec ces éléments et il est très difficile de ne pas faire de  confusions entre eux d'autant que beaucoup sont conservés das le même  (magnifique) musée lyonnai...

Rappel biographique : Issu d’une famille modeste, Alexandre-François Desportes à ne pas confondre avec Nicolas Desportes ou Jean Desportes, deux autres peintres de nature mortes ayant vécu à la même époque) était destiné à être paysan mais, à la suite d’une longue période de convalescence, il s’initia au dessin et acquit peu à peu une grande maitrise de cette technique. Il devint l’élève de Nicasius Bernaerts d'origine flamande, alors membre de l’Académie royale et spécialisé dans la peinture animalière et de Frans Snyders, il s’est largement imprégné de la tradition flamande. Au cours de ses premières années, il découvrit ainsi la peinture flamande dont il va subir l’influence tout au long de sa carrière. A la mort de Bernaerts, Desportes ne se fia plus qu’à la nature. En 1695-1696, il fut nommé portraitiste à la cour de Pologne avant d’être rappelé en France où il abandonna le genre du portrait pour se consacrer presque exclusivement à la peinture animalière. Reçu à l’Académie royale en 1699, il participa à la décoration de la ménagerie de Versailles. Outre la peinture animalière, Alexandre-François Desportes se distingua aussi par ses natures mortes où il excella véritablement. On y perçoit l’approche réaliste flamande qui se traduit aussi bien dans les fonds de paysage que dans le rendu riche et méticuleux des matières alliée à une délicatesse alors réputée être très française.

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