Robert Humblot (1907-1962) - Nature morte au bougeoir

Robert Humblot (1907-1962)
Nature morte au bougeoir, 1944
Huile sur toile, 31 x 23 cm
Collection privée

 

 Que voit on ? Une nature morte d'automne au sens le plus strict du terme avec châtaignes, poires, pommes, feuilles mortes  et bougie éteinte presque au bout de sa course,penché symbole de  la mort et de l'hiver tout proche. 

Rappel biographique : Robert Humblot, est un artiste peintre et illustrateur de romans français. Il commença des études de sciences naturelles qu'il quitte à l'âge de 23 ans pour rentrer à l’Académie de Peinture la Grande-Chaumière, puis il est ensuite accepté à l’école des Beaux-Arts de Paris. Un an plus tard, il sera admis comme élève à l’atelier de Lucien Simon aux Beaux-Arts de Paris. En 1932, son envie d’indépendance le pousse à quitter les Beaux-Arts et à louer un atelier avec Georges Rohner. Sous l'impulsion du critique d'art Henri Héraut, en 1935 il s'associe à Rohner, Henri Jannot, Jean Lasne, Raymond Moisset, le canadien Alfred Pellan et Pierre Tal-Coat pour fonder le mouvement Forces nouvelles qui prône le retour au dessin, le retour au métier consciencieux de la tradition dans un contact fervent avec la nature. Sa peinture a la particularité d'être teintée d’humour; à travers des nus, paysages, natures mortes et personnages, Humblot souhaite exprimer le destin du monde. Il participe à des expositions collectives dès 1932 à Paris comme le Salon des Indépendants, le Salon d’Automne ainsi que dans plusieurs capitales dans le monde (Afrique, Antilles, Brésil, Mexique, Espagne, Italie, Norvège, Suède, Pays-Bas). Cependant, il reviendra toujours au charme de la Bretagne dans ses peintures. Lieu où il s'installa à la fin de sa vie.  Mobilisé en 1939, il est affecté sur la ligne Maginot au petit ouvrage de Coume Village à l'intérieur duquel il réalise à même les parois de béton des fresques d'une qualité exceptionnelle. Fait prisonnier le 4 juillet 1940, il est interné au stalag 7A puis au 7B, dont il s'évade le 28 octobre 1941. Il parvient à rejoindre la zone libre pour être démobilisé à Annecy six jours plus tard. Ses œuvres passent en ventes publiques dès les années 1950 et toujours à nos jours. En 1960 il illustra "Sous le signe des Antilles françaises" le catalogue de luxe annuel ou liste des grands vins de la maison Nicolas (coll. pers.) Une rétrospective lui a été consacrée en 1964 au Musée Galliera.

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Victor Vasarely (1906-1997) - Nature morte à la cuillère

Victor Vasarely (1906-1997)
Nature morte à la cuillère. Etude Verte, 1929
Lithographie 31x 23 cm
Centre Pompidou, (don de l'artiste)

Que voit on ? La cuillère c'est certain ! peinte dans un style hyperréaliste très appliqué avec reflets et reliefs. Autour d'elle, l'esquisse au crayon blanc d'un verre et d'une soucoupe art déco évocateurs de  certains croquis d'orfèvre.

Rappel biographique : Le plasticien hongrois naturalisé français Győző Vásárhelyi, dit Victor Vasarely, est généralement reconnu comme étant le père de l'art optique. Victor Vasarely commence des études de médecine, qu'il arrête au bout de deux ans. Il s'intéresse alors au Bauhaus et étudie au Műhely de Sándor Bortnyik à Budapest de 1929 à 1930.
En 1930, il s'installe à Paris où il débute comme artiste graphiste dans des agences publicitaires comme Havas, Draeger, Devambez. C'est là qu'il effectue son premier travail majeur, Zebra (1939) considéré aujourd'hui comme le premier travail dans le genre Op art.
Pendant les deux décennies suivantes, Vasarely développe son propre modèle d'art abstrait géométrique, travaillant dans divers matériaux, mais employant un nombre minimal de formes et de couleurs. Peu enclin à travailler sur des petits formats ou à réserver ses oeuvres aux collections privées, Vasarely a de ce fait peint très peu de sujets à thèmes de natures mortes et un nombre infinitésimal a été clairement titré comme tel. Il a réalisé par contre beaucoup d'oeuvres monumentales qui se trouvent dans l'espace public. Il a ainsi travaillé pour de nombreuses entreprises et créé, entre autres, en 1972 le logotype du constructeur automobile français Renault, désormais célèbre, et dont la forme est toujours plus ou moins, la même plus de 50 ans après sa création. Il réalisa également cette même année, avec son fils le plasticien Yvaral (1934-2002), la façade des studios de la radio RTL au 22 rue Bayard dans le 8e arrondissement de Paris, en l'habillant de lames métalliques. Cette œuvre, démontée lors du déménagement de RTL en 2017, a fait l'objet d'un don de RTL Group à la Fondation Vasarely, d'Aix-en-Provence.
La fondation Vasarely est une institution à but non lucratif, créée par l'artiste avec son épouse Claire, et reconnue d'utilité publique en 1971. Elle comprend le musée didactique de Gordes (1970-1996) et le centre architectonique d'Aix-en-Provence (1976) ainsi que deux musées « didactiques » à Pécs (1976) et à Budapest (1986) en Hongrie.
Les musées Vasarely de Pécs et de Budapest conservent des donations inaliénables ; celui de Pécs possède des œuvres d'autres artistes de sa collection (Soto, Morellet, Yvaral, Claire Vasarely).
Pierre Vasarely, le petit-fils de l'artiste, est son légataire universel, le titulaire du droit moral sur son œuvre et le président de la fondation Vasarely.

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Tsuchida Bakusen (1887-1936) - Chrysanthèmes et pavots

Tsuchida Bakusen (1887-1936)
Chrysanthèmes et Pavots
Panneau suspendu, 1929 (détail), Couleur sur soie
Exposé à la dixième exposition Académie des beaux-arts Impériale 

Que voit-on ? un des thèmes favoris de ce peintre, les chrysanthèmes qu'il avait  l'habitude de mêler aà toutes sortes d'autres fleurs et objets.

Rappel biographique : Le peintre japonais Tsuchida Bakusen, de son nom de naissance Tsuchida Kinji fait partie de de l'école Nihonga. Il fut actif au cours des ères Taishō et début Shōwa.
En 1918, Bakusen fonde un collectif de peinture avec appelé la société Kokuga (Kokuga Sōsaku Kyōkai, ou « Société pour la création de la peinture nationale »), utilisée comme un moyen de diffusion du style éclectique du groupe combinant les techniques et les styles occidentaux yōga et japonais (nihonga). Ses thèmes favoris sont les femmes (bijinga), en particulier les portraits de maikos, mais il peint également des fleurs et quelques natures mortes. En 1918 la société Kokuga met sur pied sa propre exposition annuelle, la Kokuten (abréviation pour Kokuga Sōsaku Kyōkai Tenrankai). Sept expositions Kokuten sont organisées entre 1918 et 1928 Un des tableaux de Tsuchida Bakusen Jeune fille du bain public, peint en 1918 est conservé aujourd'hui au Musée d'art moderne de Tokyo et enregistré comme « bien culturel important du Japon » (BCJ) par l'Agence des affaires culturelles. Sa toile Maiko au jardin de 1923, propriété du même musée, est considérée comme son chef-d’œuvre.

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Vincent van Gogh (1853-1890) - Une paire de bottes

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Vincent van Gogh (1853-1890)
Une paire de bottes,1887
Huile sur toile, 32,7 x 41,3 cm
Baltimore Museum of Art

Que voit on ?  Le motif des souliers usés que Van Gogh a repris de très nombreuses fois comme dans  Les Souliers  ou dans Nature morte à la paire de Chaussures, 1888,   ou encore Nature morte aux Sabots  rappelle le caractère obsessionnel de certains sujets choisis par le peintre. Faisant fi des conventions ou des règles privilégiant le choix des « beaux » sujets (fleurs, fruits, livres???), Van Gogh va peindre et repeindre inlassablement ces  chaussures délacées, délaissées, usées jusqu'à la corde  qu,i selon certains, donneraient à voir  une humanité aussi émouvante sinon plus que ne pourraient le faire une série de portraits.  Concernant  cette parie en particulier, un collègue étudiant de Van Gogh à Paris rapporta qu'il les avait acheté au marché aux puces avec l'intention de les utiliser pour  une nature morte. Ne les trouvant pas assez "parlantes",  il aurait décidé de les porter lors d'une longue promenade sous la pluie. C'est en revenant de cette promenade qu'il décida de les peindre. 

Rappel biographique : Au début du mois de mars 1886, Vincent van Gogh rejoint son frère Theo à Montmartre, avec l'envie de s'informer sur les nouveautés de la peinture impressionniste. À l'époque, Theo est gérant de la galerie montmartroise Boussod, Valadon & Cie. Seule la connaissance du milieu artistique parisien peut véritablement permettre à Van Gogh de renouveler et d'enrichir sa vision. Cette année-là est celle de la dernière exposition impressionniste que Vincent découvre, et en 1887 doit avoir lieu la première rétrospective de l’œuvre de Millet. Paris se prépare alors à accueillir plusieurs expositions : en plus du Salon, où sont exposées les œuvres de Puvis de Chavannes, Van Gogh visite les salles de la cinquième exposition internationale à la galerie Georges Petit, qui présente des toiles d'Auguste Renoir et de Claude Monet. Ces derniers n'avaient pas souhaité participer à la huitième et dernière exposition des impressionnistes, qui offrait le spectacle d'un groupe déchiré, entre les défections et les nouvelles arrivées, et ouvrait ses portes à la nouveauté du moment, le néo-impressionnisme, avec la toile de Georges Seurat, Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte. À Paris dans les années 1886-1887, Van Gogh fréquente un moment l’Académie du peintre Cormon, où il fait la connaissance de Henri de Toulouse-Lautrec, de Louis Anquetin, d’Émile Bernard ainsi que de John Peter Russell. Ce dernier réalise son portrait. Il rencontre également, par l’intermédiaire de son frère, presque tous les impressionnistes, en particulier Georges Seurat et Camille Pissarro, ainsi que Paul Gauguin. Dans la boutique du père Tanguy, il devient l'ami de Paul Signac. Sous l’influence des estampes japonaises, ses compositions acquièrent peu à peu davantage de liberté et d’aisance, tandis qu’il s’essaie à la technique de l’aplat coloré. Pissarro l’initie également aux théories nouvelles sur la lumière et au traitement divisionniste des tons. La palette de l'artiste s’enrichit alors de couleurs vives et sa touche s’anime et se fragmente, ceci grâce également à Signac avec qui il travaille en 1887. Exalté par la ferveur du climat artistique parisien, Van Gogh brûle les étapes de son renouvellement artistique grâce à la fréquentation des peintres les plus anticonformistes du moment : il s'essaye au néo-impressionnisme auprès de Signac et Pissarro, enquête sur les profondeurs psychologiques du portrait avec son ami Toulouse-Lautrec, est précocement informé de la synthèse du cloisonnisme par ses compagnons Louis Anquetin et Émile Bernard, et peut apprécier les toiles exotiques réalisées par Gauguin en Martinique. Régénéré par cette modernité, il est prêt à réaliser son rêve méditerranéen, à la recherche de la lumière aveuglante de la Provence, qui fait resplendir les couleurs pures de la nature, étudiées jusque-là dans sa collection d'estampes japonaises. C'est une période très fertile où son art s'oriente vers l'impressionnisme, mais l'absinthe et la fatigue aggravent son état mental. Le 19 février 1888, il quitte Paris....

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Thijs Rinsema (1877-1947) - Still life

Thijs Rinsema (1877-1947)
Still life
Oil on canvas, 45,5 x 42,5cm
Private collection (via Sotheby's)

Que voit on ? une nature morte de facture cubiste dont le sujet n'est pas clairement défini bien qu'il semble s'agir d'une nature morte d'objets et en particulier de contenants : flacon,  bouteille et verre peints dans des coloris sourds.

Rappel biographique : L'artiste néerlandais Thijs Rinsema, comme son jeune frère Evert, exercèrent jusqu'à la fin de leur vie  la profession de cordonnier. Thijs Rinsema  entre en contact avec Theo van Doesburg  par l'intermédiaire de son frère, et s'initie à la peinture par le biais de De Stijl et Dada. En partie grâce à Theo van Doesburg, il rencontre d'autres artistes tels que Charley Toorop et Kurt Schwitters. Il peint de plus en plus et reçoit plusieurs prix pour ses œuvres. Ainsi Thijs Rinsema fut le premier artiste à peindre des joueurs de football.
Thijs Rinsema a combiné son travail quotidien de cordonnier avec la peinture,de portraits, de natures mortes, de compositions florales et de paysages. Il a dessiné également des vitraux .

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Wayne Thiebaud (1920-2021) - Yellow Hat

Wayne Thiebaud (1920-2021)
Yellow Hat, 2018
Oil on board ,16 x 20 in.
Crocker Art Museum, Sacramento

 Que voit on ? Wayne Thiebaud n'aimaient pas uniquement les gâteaux à la crème qu'il peignit beaucoup. Il aimait aussi les chapeaux qu'il peignit tout autant comme l'attestent plusieurs natures mortes de lui déjà publiées dans ce blogcomme  Hat Rack peint en 1999 ou encore  Hat and Lipstick  ou même Hat peint en 1972 et très semblable à celui que nous voyons ci-dessus.

Rappel biographique : Le peintre américain d'origine Wayne Thiebaud, dont une célèbre toile avait été publiée au début de ce blog en 2014, est un artiste discret, de plus en plus considéré comme un des artistes majeurs du 20e et 21e siècle aux Etats-Unis.
Le travail de Wayne Thiebaud se caractérise par des peintures d'objets alimentaires de grande consommation, comme des pâtisseries, vues dans des cafétérias. Les experts se sont souvent demandés en examinant l'œuvre de Thiebaud s'il n'avait pas passé beaucoup de temps dans l'industrie agro-alimentaire pour se familiariser avec son sujet ? Et en effet c'est exactement ce qu'il a fait en ayant comme premier emploi un job de serveur à Long Beach, dans le café « Mile High and Red Hot » (Glace et hot-dog). Cet intérêt pour les objets du quotidien, confondus ensuite avec ceux de la culture de masse, associa son nom au mouvement du Pop-Art. Cependant, une fois réduit le tapage médiatique autour du pape du pop art (Andy Warhol), on remarqua - non sans stupeur - que les œuvres de Wayne Thiebaud, effectuées dans les années 50 et 60 étaient légèrement antérieures à celles des autres artistes de cette tendance... de là à lui attribuer une influence définitive comme précurseur de ce mouvement, il n'y avait qu'un pas qui, aujourd'hui, est franchi avec justesse.
Outre les pâtisseries, Wayne Thiebaud a également peint des paysages, des rues, ainsi que des personnages populaires, comme Mickey. Certaines de ses toiles récentes, comme Sunset street (1985) ou Flatland river (1997) sont remarquables pour le traité hyper réaliste, et se rapproche du travail d'un Edward Hopper, qui était tout aussi fasciné par ces scènes du quotidien américain.
Dans sa peinture, Wayne Thiebaud se concentre sur la banalité de façon à suggérer l'ironie et la distance vis-à-vis de son sujet. Wayne Thiebaud se considère comme un peintre, mais paradoxalement pas comme un artiste. C'est un lecteur vorace, qui a l'habitude de lire de la poésie, celle de son poète préféré William Carlos Williams par exemple, à ses élèves.
En septembre 2010, alors qu'il fêtait son 90e anniversaire, Wayne Thiebaud réalisa un dessin pour le 12e anniversaire de Google qui l'afficha sur sa page d'accueil. Le dessin était exécuté dans le style bien reconnaissable de Wayne Thiebaud, et montrait un gâteau sur lequel est écrit Google et où le "l" était remplacé par une bougie. Il est décédé à l'âge de 101 ans, en décembre 2021

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Felix Vallotton (1865-1925) - La daurade

Felix Vallotton (1865-1925)
La Daurade, 1920
Huile sur toile, 46,2 x 55 cm
Collection privée (via Sotheby's)

Que voit -on ?  Dans cette œuvre, Vallotton oppose la daurade(ou dorade)  argentée et brillante  que son nom définit si bien,  la tomate rouge (incandescente) et les surfaces mates de la table en bois et du torchon blanc bordé de liseré rouge qui la recouvre partiellement et qui est volontairement coupé à gauche du cadre..Dans la seconde moitié de sa vie, Vallotton se tourne de plus en plus vers les natures mortes. Il écrit dans son journal en août 1919 : " Je prends de plus en plus de plaisir dans le monde des choses ; la perfection d'un œuf, la rondeur d'une tomate, les formes complexes d'un hortensia me posent beaucoup de problèmes en attente d'une solution. Je les aborde sans pédantisme et m'efforce de rester peintre. " (Félix Vallotton, Documents pour une biographie et pour l'histoire d'une œuvre, Lausanne 1975, p. 245).

Rappel biographique : Félix Vallotton, peintre d'origine suisse naturalisé français en 1900, est un artiste à cheval sur deux siècles, deux pays et plusieurs tendances esthétiques, des Nabis à la Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité). S'il est aujourd'hui moins connu en France qu'en Suisse, c'est pourtant à Paris, dans les années 1890, que ses gravures sur bois novatrices lui ont valu une renommée qui s'est rapidement étendue à l'Europe entière. Tout au long de sa vie le " Nabi étranger ", comme il était surnommé, s'est intéressé à une gamme étendue de sujets récurrents - intérieurs, toilettes, nus féminins, paysages, natures morte, rendus étranges par son style lisse et froid, aux couleurs raffinées, aux découpages et aux cadrages audacieux. Et bien qu'il ne fût pas toujours compris par la critique de son temps, Vallotton a su s'imposer comme une figure en vue de la scène artistique parisienne et trouver sa place dans le courant moderne, notamment en participant à de nombreuses manifestations internationales d'avant-garde devenues mythiques. C'est surtout à partir de 1910, que Félix Vallotton s’intéresse au genre de la nature morte et le transforme dans chacune de ces toiles.

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John Haberle (1856-1933) - Imitation

John Haberle (1856-1933)
Imitation, 1887
Oil on canvas, 25.4 x 35.6 cm.
National Gallery, Washington DC (New Century Fund).

Que voit on ? Il s'agit d'une nature morte d'objets dont le cadre fait partie, mais il s 'agit avant tout d'un trompe l'œil, un genre pour les lesquels les peintre américains ont toujours eu une réelle fascination. Au centre de al composition ici, deux billets, l'un de 1 dollar (qui n'a quasiment pas changé depuis lors) et un de 50 cts qui n'existe plus de nos jours et a été remplacé par une pièce. Quatre timbres dont deux déchirés,, deux pièces et un petite photo du peintre  complète cette nature morte d'objets qui inclut le cadre peint sur la toile et la signature  en étiquette.

Rappel biographique : John Haberle était un peintre américain spécialisé dans les  trompe-l'œil. Ses natures mortes d'objets ordinaires sont peintes de telle manière que la peinture peut être confondue avec les objets eux-mêmes. Il est considéré comme l'une des trois figures majeures - avec William Harnett et John F. Peto - pratiquant cette forme de nature morte aux États-Unis dans le dernier quart du 19e siècle.
Sa technique est toujours la même : divers papiers, y compris de la monnaie, des timbres-poste, des photos, des cartes à jouer, des billets et des coupures de journaux, sont montrés apposés sur une surface plane. D'autres objets - lunettes, peigne, pipe, allumettes, etc. - peuvent s'y ajouter. Comme Harnett, John Haberle fut sommé par les services secrets de cesser de peindre du papier-monnaie, mais il a continua à le faire tout au long de sa carrière. En raison de l'attrait populaire du style et du sujet de Haberle, son travail fut exposé dans des lieux tels que des librairies, des saloons, des débits d'alcools ou des hôtels.
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LES TABLEAUX QUI PARLENT n°66 - Elle a la pêche Nellie ?

 

 

On ne présente plus Nellie Melba, surtout en Australie où elle figure sur tous les billets de 100 dollars. De son nom de naissance Helen Porter Mitchell (1861 -1931), elle fut la plus célèbre des soprano colorature australienne et et fut la première avec Adeline Patti et après Maria Malibran, a acquérir le statut, très convoité depuis elle, de Diva. Ce podcast raconte son histoire ...

En complément quelques liens vers les performances de Nellie Melba 

- Lohengrin ( le rêve d'Elsa) enregistré en 1910    =>  https://www.youtube.com/watch?v=GaXiG...

- Lucia de Lamermoor (scène de la folie)     =>     https://www.youtube.com/watch?v=Nhu13... 

- La Traviata (Final de l'acte 1)      =>     https://www.youtube.com/watch?v=d4ySI... 

- Le Mariage de Figaro    =>   https://www.youtube.com/watch?v=HMqJ9...

- Le récital du MET en 1901 / Les Huguenots   =>    https://www.youtube.com/watch?v=ydjJB...

Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Nature morte aux paniers

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Nature morte aux paniers,1929
Aquarelle
Collection privée 

Que voit on ?   Sur une commode a tiroir unique deux paniers, l'un rond et l'autre carré. L'un est rempli de rouleaux de papiers ; l'autre est recouvert d'un linge. Quelques fils enchevêtrés trainent sur l'entablement de la commode. 

Rappel  Biographique : Yannis Tsarouchis ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées.
Il a peint cependant quelques nature mortes, aujourd'hui moins célèbres que ses portraits

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Pieter Claesz (1597-1661),- Nature Morte au Bock de Bière, à la Pipe et au Jeu de Cartes

Pieter Claesz (1597-1661)
Nature Morte au Bock de Bière, à la Pipe et au Jeu de Cartes, 1636
Huile sur toile, 50, 2 x 67,9 cm
Musée Thyssen Bornemisza, Madrid


Que voit on ? Sur un entablement de bois un sujet très masculin visiblement inspirée par l'univers du jeu et des tripots. Un bock de bière en porcelaine de Delft, un verre rempli du breuvage, du tabac, une pipe, un braseiro, des allumettes et un jeu de cartes. Tout pour passer une bonne soirée, mais attention... le verre à liqueur vide et renversé ,à gauche du cadre, est là pour rappeler que rien n'est stable et que  peut s'arrêter d'un moment à l'autre.

Rappel biographique : Le peintre Pieter Claesz ou Pieter Claesz Van Haarlem (du nom de la ville ou il fut le plus actif), dont ce blog a posté déjà de nombreuses natures mortes, est un des plus grands représentants de la nature morte hollandaise de l'époque baroque, un maître auquel la plupart des peintres de natures mortes se sont référés à un moment ou a un autre de leur carrière. Willem Claeszoon Heda avec lequel on peut le confondre tant celui ci s'inspira de Pieter Claezs jusqu'à signer ses tableaux de son prénom abrégé (Claez), il fut l’un des peintres les plus importants de ce genre très diversifié qu'est la nature morte.
Bien que très construites et obéissant a un style très défini, une évolution dans la composition des natures mortes de Claez est perceptible. Si, au début, il disposait fréquemment les objets en croix ou dans une diagonale rigoureuse, par la suite il utilisa beaucoup plus le chevauchement des objets, ce qui crée une plus grande profondeur. En outre, au cours de sa vie, il élargit son point de vue et la vue latérale sur la table de la nature morte devient plus fréquente que la vue en plongée.
Claesz, souvent, utilisa les mêmes objets dans ses natures mortes : un couteau avec un lourd manche en nacre, une bouteille de verre brun, des assiettes en étain et des cruches à col de cygne, ainsi que de fin coquillages des porcelaines importés de Chine. On retrouve ces éléments d'une nature morte à l'autre, on les reconnait comme des objets familiers. Souvent, un verre est représenté couché, ce qui confère une certaine tension à la composition.
Si, au début de sa carrière, Claesz utilisait assez souvent des couleurs vives, il adoucit considérablement sa palette par la suite, employant des couleurs presque monochromatique et conférant ainsi à ses tableaux une atmosphère plus intimiste.
L’utilisation qui est faite de la lumière et de l’ombre par Claesz est remarquable. Il donner un tel rendu des textures par l'effet de la lumière sur les surfaces, que l'on peut reconnaître immédiatement une assiette en étain d’une assiette en argent, un roemer d'un pot en céramique. Cette maîtrise dans le traitement de la matière et des textures (les reflets du vin dans les verres sont des effets de pur génie !) est une caractéristique partagée par plusieurs peintres néerlandais du 17e siècle. C'est ce qui fait leur spécificité..
Claesz, avec Heda, fut à l’origine d’une véritable école de la nature morte, donnant à ce genre un statut véritablement noble. À partir de 1628, une sérieuse concurrence apparaît à Haarlem entre Pieter Claesz et Willem Claeszoon Heda, lequel s’inspirait fortement de lui et le suivait de près dans toutes ses innovations.
Nicolaes Berchem, le fils de Claesz, fut quant à lui un peintre de paysage très réputé.
En 2004/ 2005, une exposition itinérante rassemblant quarante-cinq œuvres de Claesz fut montée et présentée au Musée Frans Hals à Haarlem, ensuite au Kunsthaus de Zurich, et enfin au National Gallery of Art de Washington.

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David Hockney (bn. 1937) - The Round Plate

David Hockney (bn. 1937)
The Round Plate, 1986
Private collection

Que voit on ?  Un compotier dans lequel sont posés, à bonne distance les unes des autres,  quatre fruits, :une poire, une pomme , une figue et des groseilles. Exactement dans le même syle que Fruits in a Bowl pein l'année précédente  et dont ce" Round plate"devenait le pendant. 

Rappel biographique : David Hockney, est un peintre, dessinateur, graveur, décorateur et photographe britannique, né en 1937 dans une famille anglaise modeste, quatrième enfant d’une fratrie de cinq. Son père ayant été un objecteur de conscience pendant la seconde guerre mondiale, David Hockney a refusé de faire son service militaire entre 1957 et 1959. Après des études au Royal College of Art de Londres, il en sort diplômé en 1962.
Il commence sa carrière comme dessinateur de presse pour le Sunday Times, au cours d’un voyage en Egypte. En 1964, il découvre la Californie, les polaroids, la peinture acrylique, les belles villas et leur piscine qui deviennent un des motifs principaux de ses œuvres. Eloigné des courants les plus-avant-gardistes, Hockney pratique un art figuratif presque expressionniste où se mêlent portraits, photographies et videos. En 1963, à New York, il rencontre Andy Warhol qui lui rendra plus tard plusieurs fois visites à Los Angeles. La légende veut que ce soit Warhol qui ait conseillé à Hockney de faire sa célèbre série sur les piscines. Homosexuel parmi les premiers à se revendiquer comme tel, David Hockney revient vivre à Londres en 1968 et prend pour compagnon le réalisateur John Schlesinger, auteur notamment de Midnight Cow Boy (1969) ou Sunday Bloody Sunday (1971), autant de films militant ouvertement pour les droits des homosexuels dans une Angleterre qui assimile toujours en justice l'homosexualité à un crime. En 1973, Jack Hazan réalise un documentaire-fiction qui lui est consacré intitulé "A Bigger Splash" qui assoit sa notoriété internationale naissante (le film est primé au Festival international du film de Locarno) Entre 1974 et 1977, David Hockney s'installe à Paris où son travail tourne un peu en rond, avant de repartir en Californie en 1978. En 1974, le Musée des Arts Décoratifs de Paris organise sa première rétrospective David Hockney. Il est considéré désormais comme une des figures du mouvement Pop Art des années 1960 et à ce titre, s'intéressa à peu près à tous les genres picturaux, bien qu'ayant développé, surtout ces dernières années, une prédilection pour les paysages. Il a cependant peint beaucoup de nature mortes (surtout dans les années 1980) toujours traitée à sa façon, c'est à dire de manière décalée, anecdotique et toujours avec un indéniable talent de coloriste.
En 2010, il expose à Paris, à la Fondation Pierre Bergé - Yves Saint-Laurent, ses œuvres réalisées sur iPhone et iPad, il met aussi en avant la possibilité de rediffuser le processus créatif, à travers des logiciels déclarant « La seule expérience semblable est celle où l’on voit Picasso dessiner sur du verre pour un film » (en référence au film « Le Mystère Picasso » d'Henri-Georges Clouzot).
Le 2 janvier 2012, il a été nommé par la reine Elizabeth II, membre de l’Ordre du mérite britannique. Une grande exposition s'est ouverte le 23 janvier 2012 à la Royal Academy de Londres et au Musée Guggenheim de Bilbao où elle restée en place pendant tout l'été 2012 et a connu un immense succès.
Depuis 2019, David Hockney a choisi de vivre une grande partie de l'année en France, en Normandie pour être précis, dont il dit préférer la nature variée à celle de l'Angleterre.

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Nicolas de Staël (1914-1955) - Cinq pommes

 

Nicolas de Staël (1914-1955)
Cinq pommes, 1952
Huile sur toile 38 x51 cm
Collection privée (Via Alain Truong)

Que voit on ?  Posées sur un fond blanc qui fut bleu, cinq formes rondes auquel le peintre donne le nom de pommes  et dont une s'éloigne dans le lointain comme un personnage solitaire.  Une des rares natures mortes monochromes de Nicolas de Staël.... 

Rappel biographique : Le peintre français d'origine russe Nicolas de Staël, né baron Nicolaï Vladimirovitch Staël von Holstein, est issu d'une branche cadette de la famille de Staël-Holstein. Plus d'un demi siècle après sa mort, il reste l'un des peintres les plus marquants du 20e siècle posant un problème aux historiens de l'art qui ne savent pas dans quelle catégorie le classer, ce qui doit le réjouir post mortem, lui qui détestait les catégories et les courants.
La réinvention de la figuration opérée par Staël a été mal comprise alors qu'elle anticipait d'une vingtaine d'année l'évolution générale de l'art. Il a « retrouvé le visible sans renoncer aux possibilités expressives et à la liberté d'action qui définissent la peinture contemporaine » alors que Paris perd sa place de capitale des arts, dès les années 1960, sous l'effet du marché de l'art et de la surenchère :
" On y est devenu incapable de discerner le pastiche de l'original " selon Umberto Eco.
Selon Marcelin Pleynet et Michel Seuphor : « ...il faut tenir compte de Nicolas de Staël, vu et revu souvent avec et travers l'avant-garde américaine de années cinquante. Ces nouveaux mouvements d'abstraction suivent le cheminement de Staël, délaissant la peinture gestuelle pour une peinture brossée, voir maçonnée ». Peu exposé de son vivant, son œuvre a donné lieu à de nombreuses manifestations posthumes qui ont confirmé sa stature sur le plan international. " Staël fut le plus puissant créateur de sa génération dans l'École de Paris de l'après-guerre, sur laquelle il a exercé une forte influence Il a été le premier à dépasser l'antinomie abstraction-figuration ".
Nicolas de Staël meurt à 41 ans en se jetant de la terrasse de l'immeuble où il avait son logement et un de ses ateliers à Antibes. L'ensemble de son œuvre s'étend sur 15 années. Il a peint, à partir de 1952, plusieurs natures mortes dont quelques unes sont aujourd'hui conservées et exposées au Musée Picasso d'Antibes à quelques pas de son ancien atelier. Plusieurs sont présentées sur ce blog.

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2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Miriam Brooks Jenkins (1885-1944) - Still-Life with Turnips and Clock

Miriam Brooks Jenkins (1885-1944)
Still-Life with Turnips and Clock, 1940

Aquarelle, 20,96 x 25,4 cm
Springville Museum of Art 

 

 Que voit on?  Ce que décrit le titre c'est à dire deux navets dont l'un dans un bol et l'autre sur la table au premier plan. A l'arrière plan : un huilier en verre et un réveil dont l'heure affichée apporte une information qui pourrait être liée à la préparation du diner.

Rappel biographique : Miriam Brooks Jenkins (1885 - 1944) fut une artiste californienne,  connue pour ses paysages, ses scènes de rue et ses natures mortes. Miriam Brooks Jenkins est née en 1885 à Salt Lake City, Utah, fille de Charles Peter Brooks, ingénieur minier, et de Millicent Godbe, fille de W.S. Godbe, fondateur du Salt Lake Tribune. Elle a étudié la musique et l'art au lycée, prenant ses cours d'art auprès de Mary Teasdel, une artiste accomplie. À la demande de sa famille, elle a poursuivi ses études musicales au New England Conservatory of Music, mais elle a continué à peindre, et cela continua  d'être le but principal de sa vie. Elle aépousa W. Guy Jenkins à Salt Lake City. Ils eurent cinq enfants, Charles Peter, Anthony, Martha, Joan et Marian qui est également artiste. La famille éménagea en Californie en 1928, s'installant d'abord à Santa Barbara, puis à Long Beach. Lorsque leur maison à Long Beach a été détruite par un tremblement de terre, ils ont déménagé à Costa Mesa, en Californie.

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Nathan Isaevitch Altman (1889-1970) - Nature morte à la bouteille de Champagne

Nathan Isaevitch Altman (1889-1970)
Nature morte à la bouteille de Champagne, 1914
Huile sur toile, 62,5 x 47 cm
Collection privée

 Que voit on ? Ce que décrit le titre, posée sur un guéridon, partiellement recouvert d'une nappe  sur laquelle on peut voir un coupe de fruits jaune.

Rappel Biographique : Natan Isaevitch Altman (Натан Исаевич Альтман) est un peintre soviétique de l'avant-garde ukrainien, (cubiste), également sculpteur, illustrateur, décorateur de théâtre, maître du portrait. Représentant de l'art national juif, il fut déclaré artiste émérite de l'URSS en 1968.
Altman passa une grande partie de sa vie à Paris où il vint pour la première fois en 1911. A La Ruche, la cité d'artistes où il habitait alors, il rencontre notamment Marc Chagall. A cette époque là, Chagall considère Altman comme son concurrent en tant que tête de file du mouvement artistique juif. Altman ne dispose pas de l'ironie et de l'humour de Chagall, mais son attitude face au judaïsme est moins ambigüe et se présente d'emblée comme un peintre issue de l'Ecole artistique juive d'Europe orientale. Comme Chagall, il allie art populaire et cubisme et fut un acteur engagé de la fondation de la «Société d'Encouragement de l'art juif».
Les artistes juifs du début du 20e siècle étaient écartelés entre leur désir croissant de fonder une école artistique juive et celui de rejoindre l'avant-garde qui leur donnerait une renommée mondiale. Altman et Lissitzky vont symboliser la synthèse entre l'avant-garde et la tradition.
En 1915 Altman expose dans la celèbre l'Exposition 0,10 à Saint- Pétersbourg avec les futuristes, et suprématistes Kasimir Malevitch et Ian Puny (Jean Pougny.)
À Paris, où il revient périodiquement, sses talents multiples de peintre, illustrateur, sculpteur et décorateur trouvèrent un lieu idéal pour s'exprimer. En 1934 par exemple, il illustra Les contes du chat perché de Marcel Aymé de 62 lithographies. Le livre eut un grand succès.
Dès son retour, les autorités soviétiques lui proposèrent d'organiser une grande rétrospective de son œuvre, et en échange, d'un soutien de sa part pour le pouvoir stalinien en place, ils lui proposèrent de lui passer commandes d'œuvres de propagande. Altman s'enfuit à cette idée de servir le pouvoir Staliien, se fixa chez des amis à la campagne, abandonnant la peinture sur toile pour s'intéresser au «design») et à l'art graphique pour des livres. C'est ainsi qu'il créa avec d'autres artistes les illustrations du roman «Récits de Saint-Péterbourg» de Nicolas Gogol (édition 1937). Il ne réapparut sur la scène moscovite quel orsque la situation se modifia en 1942 pendant la Seconde Guerre mondiale. Mes aléas de la vie en URSS avec son alternance d' ouverture (relative) et de répression (féroce). Altman était d'autant plus suspect qu'il était juif et gardait en mémoire la culture du passé, ce qui était un crime aux yeux du pouvoir en place. Mais il pouvait représentait aussi, face à l'Occident, une preuve vivante de la tolérance du pouvoir soviétique, pris entre son désir d'écarter les gêneurs et, en même temps, de montrer un visage rassurant à l'Occident. Altman ne dut son salut qu'à ces atermoiements stratégiques des apparatchiks.


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