Maurice de Vlaminck (1876-1958) - Bouquet de fleurs (c. 1909)

Maurice de Vlaminck (1876-1958)
Bouquet de fleurs (c. 1909)
Huile sur toile, 65 x 54 cm.
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Que voit on ? Un bouquet de fleurs sortan presque de l'abstraction dans des tonalités assez sombres qui exhaltent en contraste les couleurs violente de chaque fleur.

Rappel biographique : Le peintre français Maurice de Vlaminck s'est illustré dans les courants Fauviste et Cubiste. Peintre de figures, portraits, nus, paysages, paysages animés, paysages urbains, intérieurs, natures mortes, fleurs et fruits, peintre à la gouache, aquarelliste, graveur, dessinateur et illustrateur, il fut aussi écrivain et publia vingt-six livres, romans, essais et recueil de poèmes. Ses natures mortes quelquefois très inspirées de celles de Cézanne sont des explosions de couleurs et de formes qui font assez souvent de lui, un peintre abstrait avant la lettre.

____________________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Henri Matisse (1869-1954) - Nature Morte 1905

Henri Matisse (1869-1954)
Nature Morte (c. 1905)
Huile sur carton encollé sur bois, 17 x 24.8 cm.
National Gallery, Washington DC (Ailsa Mellon Bruce Collection) 

Que voit on ?  Beaucoup de matière dans cette nature morte de Matisse qu'il reprendra à l 'identique quelques mois plus tard à peine en la diluant beaucoup presqu'à l'état d'une aquarelle !

Rappel biographique : Henri Matisse, peint son premier tableau, Nature morte avec livres et chandelle en juin 1890, à l'âge de 21 ans Peu après, il se rend à Paris. En 1892, il rencontre Albert Marquet à l'École des Arts déco puis s'inscrit en 1895, à l'École des beaux-arts, dans l'atelier de Gustave Moreau. L'enseignement du maître encourage ses élèves à penser leur peinture, à la rêver, au-delà de la virtuosité technique. Matisse, comme ses condisciples, Georges Rouault, Léon Lehmann, Simon Bussy, Eugène Martel, Albert Huyot ou Henri Evenepoel, est stimulé par cette conception de la peinture et entend développer la sienne selon son individualité. Gustave Moreau, lors d'une correction d'un de ses premiers dessins, lui dit : « Vous allez simplifier la peinture. » Cette prophétie artistique peut être considérée comme le programme esthétique de l'œuvre d'Henri Matisse. En 1896, Matisse expose pour la première fois au Salon des Cent et au Salon de la Société nationale des beaux-arts, dont il devient membre associé sur proposition de Pierre Puvis de Chavannes. Cette fonction lui permet notamment d'exposer sans passer par un jury. Il passe l'été à Belle-Île-en-Mer et rencontre l'Australien John Peter Russell, qui l'introduit auprès d'Auguste Rodin et Camille Pissarro. Il commence à s'intéresser à la peinture impressionniste qu'il découvre en 1897 au musée du Luxembourg. Il est alors un peintre classique de natures mortes réalistes aux textures amples. Pour gagner sa vie, Matisse et Marquet travaillent comme peintre décorateurs à la journée, pour les décorateurs de théâtre. En voyage à Londres, sur les conseils de Pissarro, Matisse découvre la peinture de Joseph Mallord William Turner, puis il part s'installer en Corse où il habite dans la Villa Rocca. A Ajaccio, il peint une cinquantaine de toiles dont Le Mur rose qui représente l'arrière de l'hospice Eugénie vu depuis la Villa de la Rocca. Matisse s'inspire alors de Turner. En 1899, il découvre le traité de Paul Signac, d’Eugène Delacroix au néo-impressionnisme. À partir de 1900, Matisse travaille la sculpture et le modelage, à l'Académie de la Grande Chaumière, sous la direction d'Antoine Bourdelle et fréquente également l'atelier d'Eugène Carrière. Il y fait la connaissance d'André Derain et de Jean Puy. Derain lui présente Maurice de Vlaminck. Il expose au Salon des indépendants (1901) et participe à la première édition du Salon d'automne (1903)

_________________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

John Frederick Peto (1854-1907) - Still Life with Oranges and Box of Confections

John Frederick Peto (1854-1907),
Still Life with Oranges and Box of Confections
(Nature morte aux oranges et boîte de confiseries)
Huile sur toile 35 x 15cm
Collection privée

Que voit on ? ce que décrit exactement le titre c'est à dire des oranges et une boite de confiserie de type marshmallow c'est à dire de la guimauve, découpée en dés et délicatement présentée dans une boite en carton. Comme souvent chez ce peintre, les oranges, qu'il a beaucoup représentées, sont ouvertes ou coupées en quartiers mais  leur peau reste visible... Joyeux Noêl !
 
Rappel biographique : John Frederick Peto, est un peintre américain spécialisé dans le trompe-l'œil, mis pas uniquement puisqu'il a peint quantité d 'autres toiles qui n'optent pas pour ce procédé. Son œuvre a longtemps été oubliée et ses peintures furent redécouvertes parmi des œuvres de William Harnett, peintre totalement spécialisé dans les trompe-l'œil, avec lequel on l'a confondu pendant plusieurs décennies.
__________________________________________

2023 -A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Henrietta Berk (1919 -1990) Irises and oranges

Henrietta Berk (1919 -1990)
Irises and oranges
Oil on canvas, 31 x 31 cm
Private collection

Henrietta Berk (1919 -1990) était une peintre de la région de la baie de San Francisco dont le travail faisait partie du mouvement figuratif Area Bay au milieu du 20e siècle. Ses peintures à l'huile étaient réputées pour leurs couleurs très contrastées et leurs formes fortes. Henrietta Robin est née à Wichita, Kansas  Elle et ses frères et sœurs ont passé une partie de leur enfance au Pacific Hebrew Orphan Asylum and Home à San Francisco, après que leur père ait quitté la famille et que leur mère, couturière, ne puisse plus subvenir aux besoins de sa famille.  Elle a fréquenté le California College of Arts and Crafts à Oakland de 1955 à 1959, où elle a étudié avec Richard Diebenkorn et Harry Krell. Berk a tenu sa première exposition personnelle en 1959. À partir de 1960, ses œuvres ont été exposées dans des galeries et des musées en Californie, notamment au San Francisco Museum of Art, Oakland Museum, de Young Museum, The Carter Gallery, et le Musée de Saisset. En 1972, elle s'est rendue en Israël dans le cadre d'une mission d'étude pour la Fédération juive de protection sociale des comtés d'Alameda et de Contra Costa et a réalisé des dessins à la plume et à l'encre au profit du Fonds de protection sociale juif uni. En 1974, elle s'est rendue à Mexico en tant qu'invitée de la Mexico Travel Association et a réalisé des dessins à la plume et à l'encre de ses voyages pour l' Oakland Tribune. En 1989, bien que partiellement aveugle, elle a célébré son 70e anniversaire avec une exposition personnelle à la Interart Gallery de San Francisco. "Parce que je vois moins bien, cela m'oblige à travailler en grand, à avoir plus de contraste et à faire une peinture plus audacieuse", a-t-elle déclaré à un intervieweur en 1989

_________________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau 

Henri Matisse (1869-1954) - Bouquet de Fleurs pour le Quatorze Juillet

Henri Matisse (1869-1954)
Bouquet de Fleurs pour le Quatorze Juillet, 1919.
Huile sur toile, 116 x 89 cm
Collection privée (Sotheby's)

Que voit on? Une nature morte de fleurs lumineuse pour fêter le premier quatorze juillet de  l'après Premiere guerrre mondiale qui fut l'atrocité que l'on sait.

Rappel biographique : Henri Matisse, peint son premier tableau, Nature morte avec livres et chandelle en juin 1890, à l'âge de 21 ans Peu après, il se rend à Paris. En 1892, il rencontre Albert Marquet à l'École des Arts déco puis s'inscrit en 1895, à l'École des beaux-arts, dans l'atelier de Gustave Moreau. L'enseignement du maître encourage ses élèves à penser leur peinture, à la rêver, au-delà de la virtuosité technique. Matisse, comme ses condisciples, Georges Rouault, Léon Lehmann, Simon Bussy, Eugène Martel, Albert Huyot ou Henri Evenepoel, est stimulé par cette conception de la peinture et entend développer la sienne selon son individualité. Gustave Moreau, lors d'une correction d'un de ses premiers dessins, lui dit : « Vous allez simplifier la peinture. » Cette prophétie artistique peut être considérée comme le programme esthétique de l'œuvre d'Henri Matisse. En 1896, Matisse expose pour la première fois au Salon des Cent et au Salon de la Société nationale des beaux-arts, dont il devient membre associé sur proposition de Pierre Puvis de Chavannes. Cette fonction lui permet notamment d'exposer sans passer par un jury. Il passe l'été à Belle-Île-en-Mer et rencontre l'Australien John Peter Russell, qui l'introduit auprès d'Auguste Rodin et Camille Pissarro. Il commence à s'intéresser à la peinture impressionniste qu'il découvre en 1897 au musée du Luxembourg. Il est alors un peintre classique de natures mortes réalistes aux textures amples. Pour gagner sa vie, Matisse et Marquet travaillent comme peintre décorateurs à la journée, pour les décorateurs de théâtre. En voyage à Londres, sur les conseils de Pissarro, Matisse découvre la peinture de Joseph Mallord William Turner, puis il part s'installer en Corse où il habite dans la Villa Rocca. A Ajaccio, il peint une cinquantaine de toiles dont Le Mur rose qui représente l'arrière de l'hospice Eugénie vu depuis la Villa de la Rocca. Matisse s'inspire alors de Turner. En 1899, il découvre le traité de Paul Signac, d’Eugène Delacroix au néo-impressionnisme. À partir de 1900, Matisse travaille la sculpture et le modelage, à l'Académie de la Grande Chaumière, sous la direction d'Antoine Bourdelle et fréquente également l'atelier d'Eugène Carrière. Il y fait la connaissance d'André Derain et de Jean Puy. Derain lui présente Maurice de Vlaminck. Il expose au Salon des indépendants (1901) et participe à la première édition du Salon d'automne (1903)

_________________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

 

John Frederick Peto (1854-1907) - The Old Kettle

John Frederick Peto (1854-1907)
The Old Kettle (c. 1890-96)
(La Vieille Bouilloire)
Oil on wood, 12.7 x 20.3 cm.
National Gallery, Washington DC (Collection of Mr. & Mrs. Paul Mellon). 

Que voit on ? Ce que le titre décrit c'est à dire une bouilloire en cuivre, assez cabossée et ébréchée de toutes parts, posée ou plutôt remisée sur  une étagère en bois vert devant un mur un peu lépreux.  Son couvercle est ouvert et peut être qu'à l'intérieur hiverne un loir qui va montrer son museau d'un moment à l'autre... à moins que ce ne soit petite famille de souris... 

Rappel biographique : John Frederick Peto, est un peintre américain spécialisé dans le trompe-l'œil, mis pas uniquement puisqu'il a peint quantité d 'autres toiles qui n'optent pas pour ce procédé. Son œuvre a longtemps été oubliée et ses peintures furent redécouvertes parmi des œuvres de William Harnett, peintre totalement spécialisé dans les trompe-l'œil, avec lequel on l'a confondu pendant plusieurs décennies.
__________________________________________

2023 -A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Jane Freilicher (1924-2014) -Twelfth Street and Beyind

Jane Freilicher (1924-2014)
Twelfth Street and Beyind, 1976,
Tibor de Nagy Gallery, New York

Que voit on ? Une scène quotidienne dans un appartement de New York donnant sur la 12e Rue, comme l'indique le titre. Sur entablement qui est une planche posée sur deux tréteaux, ornée d'une nappe de couleur cerise, un verre avec quelques fleurs, un mug à décor chinois, un pot sur une assiette duquel émerge un petit avocatier, un broc bleu et une boite de soupe Campbell. Une nature morte américaine moderne et modeste, très caractéristique du goût de l'Ecole de New York.

Rappel biographique : Jane Freilicher, est une artiste-peintre américaine assimilée à la fois aux mouvements " figuratif " et " expressionniste abstrait ". A l'âge de 17 ans, elle termina ses études scolaires et fit la rencontre du pianiste de jazz Jack Freilicher qu'elle épousa en 1941 avant que le mariage ne soit annulé en 1946. Elle fait ensuite la rencontre du peintre Hans Hofmann, auprès de qui elle étudie l'art à partir de 1947, mais aussi de Larry Rivers avec lequel elle se lie d'amitié. En 1952, elle rencontre Joe Hazan, ancien businessman et danseur, devenu artiste-peintre. qu'elle épouse en 1957 ; Jane travaille dans la 5e Avenue à Manhattan où elle et son mari se sont établis. Le couple devient propriétaire d'une maison d'été qu'il fait bâtir à Long Island.
Dans les années 1950, Jane est membre d'un cercle informel d'artistes, peintres et écrivains, connu sous le nom de " École de New York ". Influencée par Hofmann, elle réalise d'abord des toiles expressionnistes abstraites. Puis, séduite par le style de Pierre Bonnard, elle s'oriente vers les paysages et les natures mortes. Son domaine de prédilection devient les scènes pastorales en milieu urbain. Elle s'inspire de la vie à Long Island. Ses œuvres sont présentées à la Tibor de Nagy Gallery de New York à partir de 1952. En 2013, une exposition Jane Freilicher: Painter Among Poets y est présentée. L'exposition déménage à Chicago en 2014 où elle est présentée à la Poetry Foundation, association de promotion de la poésie et de la culture.

____________________________________________

2023 - Une collection de natures mortes
Un blog de Francis Rousseau

David Hockney (bn. 1937) - Untitled 643, iPad drawing

David Hockney (bn. 1937)
Untitled 643
iPad drawing, 2011
Collection Privée
 

Que voit-on? Quatre oranges dans un bol en verre et transparent vert dont le reflet tremble légèrement sur l'entablement en bois. Cette œuvre fait partie de celles qu' Hockney produisit sur son iPone, iPad ou sur son ordinateur en s'aidant des logiciels de dessins élecroniques Brushes de Wacom, spécialiste des tablettes graphiques.

Rappel biographique : David Hockney, est un peintre, dessinateur, graveur, décorateur et photographe britannique, né en 1937 dans une famille anglaise modeste, quatrième enfant d’une fratrie de cinq. Son père ayant été un objecteur de conscience pendant la seconde guerre mondiale, David Hockney a refusé de faire son service militaire entre 1957 et 1959. Après des études au Royal College of Art de Londres, il en sort diplômé en 1962.
Il commence sa carrière comme dessinateur de presse pour le Sunday Times, au cours d’un voyage en Egypte. En 1964, il découvre la Californie, les polaroids, la peinture acrylique, les belles villas et leur piscine qui deviennent un des motifs principaux de ses œuvres. Eloigné des courants les plus-avant-gardistes, Hockney pratique un art figuratif presque expressionniste où se mêlent portraits, photographies et videos. En 1963, à New York, il rencontre Andy Warhol qui lui rendra plus tard plusieurs fois visites à Los Angeles. La légende veut que ce soit Warhol qui ait conseillé à Hockney de faire sa célèbre série sur les piscines. Homosexuel parmi les premiers à se revendiquer comme tel, David Hockney revient vivre à Londres en 1968 et prend pour compagnon le réalisateur John Schlesinger, auteur notamment de Midnight Cow Boy (1969) ou Sunday Bloody Sunday (1971), autant de films militant ouvertement pour les droits des homosexuels dans une Angleterre qui assimile toujours en justice l'homosexualité à un crime. En 1973, Jack Hazan réalise un documentaire-fiction qui lui est consacré intitulé "A Bigger Splash" qui assoit sa notoriété internationale naissante (le film est primé au Festival international du film de Locarno) Entre 1974 et 1977, David Hockney s'installe à Paris où son travail tourne un peu en rond, avant de repartir en Californie en 1978. En 1974, le Musée des Arts Décoratifs de Paris organise sa première rétrospective David Hockney. Il est considéré désormais comme une des figures du mouvement Pop Art des années 1960 et à ce titre, s'intéressa à peu près à tous les genres picturaux, bien qu'ayant développé, surtout ces dernières années, une prédilection pour les paysages. Il a cependant peint beaucoup de nature mortes (surtout dans les années 1980) toujours traitée à sa façon, c'est à dire de manière décalée, anecdotique et toujours avec un indéniable talent de coloriste.
En 2010, il expose à Paris, à la Fondation Pierre Bergé - Yves Saint-Laurent, ses œuvres réalisées sur iPhone et iPad, il met aussi en avant la possibilité de rediffuser le processus créatif, à travers des logiciels déclarant « La seule expérience semblable est celle où l’on voit Picasso dessiner sur du verre pour un film » (en référence au film « Le Mystère Picasso » d'Henri-Georges Clouzot).
Le 2 janvier 2012, il a été nommé par la reine Elizabeth II, membre de l’Ordre du mérite britannique. Une grande exposition s'est ouverte le 23 janvier 2012 à la Royal Academy de Londres et au Musée Guggenheim de Bilbao où elle restée en place pendant tout l'été 2012 et a connu un immense succès.
Depuis 2019, David Hockney a choisi de vivre une grande partie de l'année en France, en Normandie pour être précis, dont il dit préférer la nature variée à celle de l'Angleterre.

____________________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

 

Oscar Dominguez (1906-1957- L'Aquarium

 

Oscar Dominguez (1906-1957)
L'Aquarium, 1946
Collection de l'artiste

 Que voit on? Un bel exemplaire de nature morte surréaliste où flottant au milieu d'algues dont une aux improbables allures de queue de chat brosse à dents,on reconnait une sardine non pas tant à sa silhouette effilée qu'à  l'ouvre-boite qui ponctue sa tête écrasée et aplatie. Du grand Dominguez où l'humour et l'imaginaire se mêlent sans ménagement !

Rappel biographique : Óscar Domínguez est un peintre surréaliste espagnol qui a fait l'essentiel de sa carrière à Paris dans le groupe des Surréalistes. Il vient à Paris pour la première fois en 1927, pour surveiller les affaires de son père, riche négociant agricole à Ténérife. Il en découvre la vie nocturne, dépensant l'argent familial. En 1928, il rentre à Tenerife pour effectuer son service militaire et commence à exposer. Revenu à Paris dès 1929, il doit à la mort de son père, en 1931, gagner sa vie en réalisant des illustrations pour la publicité.
Ses premières toiles surréalistes datent de 1932. Il est, en 1934, intégré au groupe parisien dans lequel il introduit, selon André Breton, « le sifflement ardent et parfumé des îles Canaries. » Domínguez participe jusqu'en 1940 aux expositions du groupe.
Sous l'Occupation, il séjourne à Marseille, à la villa Air Bel et travaille au fameux Croque fruit. Il rejoint fin 1941 son ami le poète Robert Rius à Paris et participe aux activités du groupe la Main à plume, dont il est l'un des principaux illustrateurs. Pendant cette période, il réalise sa première exposition personnelle à la galerie Louis Carré (1943) où il montre une œuvre marquée de plus en plus par l'influence de Picasso. Après la guerre, cette évolution picturale lui vaut d'être écarté par Breton.
Surnommé « le dragonnier des Canaries » par André Breton, « l'ours mal léché à la tête d'hidalgo gigantesque » par le photographe Brassaï, ou plus simplement « Putchie » par sa maîtresse la vicomtesse de Noailles, Domínguez, personnage extrême, mythique, pouvait se montrer violent. Provocateur, il avait présenté en décembre 1945, lors de la grande exposition « Surréalisme » de Bruxelles, une inscription murale géante :
« Je souhaite la mort de trente mille curés toutes les trois minutes. »
Óscar Domínguez se donne la mort en s'ouvrant les veines le 31 décembre 1957 dans son atelier de la rue Campagne-Première à Montparnasse. Avec lui disparaît le dernier peintre maudit de Montparnasse.

____________________________________________
2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

 

Nicolas de Staël (1914-1955) - La Bouteille Noire

Nicolas de Staël (1914-1955)
La Bouteille Noire
Huile sur toile, 1955
Collection privée

Que voit on ? Et effectivement l'on ne voit qu'elle... Cette bouteille noire prémonition du suicide imminent du peintre

Rappel biographique : Le peintre français  d'origine russe Nicolas de Staël, né baron Nicolaï Vladimirovitch Staël von Holstein,  est issu d'une branche cadette de la famille de Staël-Holstein. Plus d'un demi siècle après sa mort, il reste l'un des peintres les plus marquants du 20e siècle posant un problème aux historiens de l'art qui ne savent pas dans quelle catégorie le classer,  ce qui doit le réjouir post mortem, lui qui détestait les catégories et les courants.
La réinvention de la figuration opérée par Staël a été mal comprise alors qu'elle anticipait d'une vingtaine d'année l'évolution générale de l'art. Il a « retrouvé le visible sans renoncer aux possibilités expressives et à la liberté d'action qui définissent la peinture contemporaine»  alors que Paris perd sa place de capitale des arts, dès les années 1960, sous l'effet du marché de l'art et de la surenchère : " on y est devenu incapable de discerner le pastiche de l'original " selon Umberto Eco.
Selon Marcelin Pleynet et Michel Seuphor : « ...il faut tenir compte de Nicolas de Staël, vu et revu souvent avec et travers l'avant-garde américaine de années cinquante. Ces nouveaux mouvements d'abstraction suivent le cheminement de Staël, délaissant la peinture gestuelle pour une peinture brossée, voir maçonnée ».
Peu exposé de son vivant, son œuvre a donné lieu à de nombreuses manifestations posthumes qui ont confirmé sa stature sur le plan international. " Staël fut le plus puissant créateur de sa génération dans l'École de Paris de l'après-guerre, sur laquelle il a exercé une forte influence Il a été le premier à dépasser l'antinomie  abstraction-figuration ".
Nicolas de Staël meurt à 41 ans en se jetant de la terrasse de l'immeuble où il avait son logement et un de ses ateliers à Antibes. L'ensemble de son œuvre s'étend sur 15 années. Il a peint, à partir de 1952, plusieurs natures mortes dont quelques unes sont aujourd'hui conservées et exposées au Musée Picasso d'Antibes à quelques pas de son ancien atelier.
___________________________________
2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Jean-Picart-Le-Doux (1902-1982) - Nature morte au dé

 

Jean-Picart-Le-Doux (1902-1982)
Nature morte au dé
Lithographie sur papier Arches, 40 x 56 cm
Collection privée 

Que voit-on?  Un dé en effet auquel s'ajoute un 4 de carreau, un jeu de quille, une bille et une rose des vents sophistiquée qui ne figure pas seulement les points cardinaux mais les orientations intermédiaires, qui sont au nombre de 32 directions.

Rappel biographique : Jean Picart Le Doux est un grand maître de la tapisserie d'Aubusson, qui a produit plus de 400 tapisseries originales. Plusieurs de ses œuvres furent sélectionnées pour la décoration du paquebot France, dont la célèbre tapisserie monumentale Les Phases du Temps placée dans le fumoir des "première classe". Sans formation professionnelle spécialisée, Jean Picart-Le-Doux fait ses débuts dans la reliure et l'édition, puis il s'oriente vers la publicité et les arts graphiques et publie ses premières œuvres en 1935. Ses premiers cartons de tapisserie datent de 1943 après avoir remporté le Grand prix de l’affiche de théâtre au Salon de l'imagerie.
En 1947, il rencontra Jean Lurçat et, avec Marc Saint-Saëns, ils fondent l’Association des peintres-cartonniers de tapisserie. En 1950, Picart-Le-Doux rencontre deux graphistes français, Jean Colin et Jacques Nathan, et deux graphistes suisses, Fritz Bühler et Donald Brun, à l'occasion d'une exposition de leurs travaux à Bâle. Il projette alors l'idée d'une Alliance graphique internationale (AGI). Celle-ci est fondée officiellement le 22 novembre 1952 et Picart-Le-Doux en sera le premier président. Il est membre du conseil d'administration de la Société Nationale des Beaux-Arts dans la section Art Décoratif de 1975 à 1980.

____________________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Jean Fautrier (1898-1964) - Nature morte au panier ouvert et aux trois bouteilles

 

Jean Fautrier (1898-1964)
Nature morte au panier ouvert et aux trois bouteilles, 1925
Huile sur toile, 40 x 25 cm
Collection privé

Que voit-on ?  Ce que décrit le titre à quoi ajoute deux pommes peintes à la façon de Courbet et qui ne sont pas mentionnées dans le titre.

Rappel biographique : le peintre, sculpteur et graveur français Jean Léon Fautrier est, avec Jean Dubuffet, le plus important représentant du courant de " l'Art Informel " appelé aussi " Art Brut " ou " Tachisme ". L’Art Informel regroupe à la fois le courant de l’abstraction lyrique avec ses techniques d’expressions essentiellement gestuelles, le matiérisme dont l’objet est de travailler les matières sur les surfaces de la toile, et par rapprochement, le spatialisme dont les recherches portent sur les dimensions de l’espace et du temps et sur la lumière. D’autres courants, comme le mouvement CoBrA, le Groupe Gutai, l’expressionnisme abstrait en Allemagne, l’Action Painting de Jacskon Pollock aux Etats-Unis peuvent être rapprochés aussi de l'Art Informel.
Fautrier est aussi un pionnier de la technique des hautes pâtes. Dès l'âge de 14 ans, il étudie l’art à la Royal Academy de Londres et découvre les peintures de Turner qui l'impressionnent beaucoup. De retour en France, il est mobilisé en 1917. Gazé à Montdidier, il est définitivement réformé en 1921. Il expose dès 1921 des natures mortes et des portraits. En 1923, il rencontre Jeanne Castel, avec laquelle il vivra un certain temps. En 1924, première exposition personnelle et premières ventes ; l’année suivante, le marchand d’art Paul Guillaume lui achète quelques tableaux. C’est avec ce même Paul Guillaume que Fautrier passe un contrat d’exclusivité en 1927. Jusqu'en 1933 il se partage entre sculpture, peinture et gravures. Il réalise notamment des gravures pour l'édition illustrée de l'Enfer de Dante préparée par Gallimard, projet qui n'aboutira pas. Quelques unes de ses peintures sont exposées en 1945 à la Galerie Drouin, suscitant une vive admiration de l'intelligentsia parisienne. Le catalogue de l'exposition était préfacé par André Malraux. Dans les années qui suivent, Fautrier travaille à l'illustration de plusieurs ouvrages, parmi lesquels L'Alleluiah de Georges Bataille et enchaîne sur une série consacrée aux petits objets familiers. En 1950, il invente avec sa compagne, Jeanine Aeply, un procédé complexe mêlant reproduction chalcographique et peinture, qui permet de tirer ses œuvres à plusieurs exemplaires, pour obtenir ce qu’ils appelleront des « originaux multiples ».
Jean Fautrier reste, au delà des modes et des mouvements, un très grand peintre français, injustement oublié dans ce début de 21e siècle.

____________________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Jacek Sienicki (1928-2000) - Martwa natura z butelka

Jacek Sienicki (1928-2000)
Martwa natura z butelką 1998
(Nature morte à la bouteille)
Collection privée

Que voit-on? Dans une manière qui n'est pas sans évoquer la façon de peindre de Nicolas de Staël, une bouteille  posée sur un entablement avec un fruit (orange?) et un couteau .

Rappel biographique : Jacek Sienicki est un peintre et enseignant polonais diplômé de la Haute Ecole d'Etude Artistiques de Varsovie. Dans les années 1948-1954, il a étudié à l' Académie des Beaux-Arts de Varsovie dans l'atelier d' Artur Nacht-Samborski. Ses peintures ont été montrée pour la première fois en 1955 à l' Exposition Nationale des Jeunes Arts Visuels intitulée "Contre la Guerre - Contre le Fascisme". Puis il fut enseignant à l'Académie des Beaux-Arts de Varsovie de 1981 à 1992. Il fait partie des artistes les plus originaux de l'ère communiste en Pologne, assez proche des mouvements d'abstraction lyrique occidentaux.
___________________________________
2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

 

Jean Puy (1876-1960) - Nature morte au compotier et aux grappes de raisins

Jean Puy (1876-1960)
Nature morte au compotier et aux grappes de raisins
Huile sur toile, 1912
MuMa Le Havre

Que voit on ? Un étalage de couleurs vives dans latradition du fauvisme, couleurs groupées ici autour de la masse sombre que forme le compotier et les grains de raisins, comme si elles gravitaient autour d'un trou noir.

Rappel biographique : Jean Puy, est un artiste peintre français proche du fauvisme.
Après s'être brièvement essayé au pointillisme, il se tourne vers le fauvisme quelque temps mais sans le radicalisme que l'on peut observer chez ses amis. La voie que cet indépendant se fixe est déterminée par un amour intense de la vie, de la réalité et de la nature. C’est à travers une nature transformée par l’idée et la sensation que Jean Puy transmet l’émotion humaine.
Après la Première Guerre mondiale, il se dirige vers une peinture intimiste orchestrée dans une gamme chromatique personnelle, « une peinture qui ressemble à une musique de chambre » comme le dira George Besson. Quant à Antoine Terrasse il écrit « le dessin, parfois aigu, est toujours perceptible sous la couleur.» Le succès arrive entre 1900 et 1905, à la suite des expositions au Salon des indépendants, au Salon d’automne et chez Berthe Weill qui défend les jeunes artistes.
Dès 1905, avec son entrée chez Ambroise Vollard, l’un des grands marchands de tableaux parisiens, suit la notoriété. C'est à la demande de ce marchand qu'il rejoint le groupe dit de l' « École d'Asnières », peignant des décors de vases, services de tables, jusqu'aux boutons et carreaux de faïence stannifère, à l'atelier d'André Metthey.
Par l’intermédiaire de Vollard, chargé par les grands collectionneurs russes de choisir des œuvres représentatives des artistes contemporains, des tableaux de Jean Puy rejoignent le palais moscovite de Chtchoukine, un grand collectionneur qui depuis 1891 assemble une importante collection de peinture française. C'est encore grâce à Vollard que Jean Puy entre dans la collection des Hahnloser qui comptent parmi les plus actifs diffuseurs de l’art français en Suisse.
______________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

 

Howard Hodgkin (1932-2017) - Still life

Howard Hodgkin (1932-2017)
Still life, 1954-58
Huile sur planche à pain, 25 x 20 cm
Collection privée

 
Rappel biographique : Sir Gordon Howard Eliot Hodgkin est un peintre et graveur britannique.
Après des études à la Bryanston School dans le Dorset, Howard Hodgkin devient professeur à l’Académie des Beaux-Arts de Bath dans le Corsham. Sa première exposition personnelle a lieu à Londres en 1962. Ses premières peintures utilisent des formes simples cernées avec un nombre limité de couleurs. Au début des années 1970, son écriture devient plus spontanée, avec des formes vaguement reconnaissables des couleurs vives et des formes pleines. Son travail peut-être alors décrit comme « semi-abstrait » et est souvent comparé à celui de Henri Matisse. Les peintures de Hodgkin cherchent à évoquer des rencontres, des moments passés avec des amis et portent souvent des titres qui font allusion à des lieux et des événements particuliers comme Dinner at West Hill (1966) ou Goodbye to the Bay of Naples (1980–82). Comme le peintre l’a lui-même déclaré ses peintures « sont des images représentant des situations émouvantes ».
Ses gravures sont des eaux-fortes. Il travaille avec le même imprimeur (Jack Shirreff et le 107 Workshop) et le même éditeur (Alan Cristea Gallery) durant les 25 dernières années. Malgré leur apparente simplicité et leurs petites tailles, les tableaux d’Hodgkin sont peints sur plusieurs années, repris après des périodes d’abandon, changés ou transformés au gré de l’inspiration. Il fait souvent déborder le tableau sur le cadre, renforçant l’idée que la peinture est d’abord un objet. Sur d’autres, un simple rectangle de couleur sert de cadre. Nombre de ses toiles sont peintes sur des planches de bois récupérées comme des planches à pain ou de vieux dessus de table, plutôt que sur des toiles de lin.
En 1984, Hodgkin représenta l’Angleterre à la Biennale de Venise. En 1985 il obtint le Turner Prize et il fut anobli par la Reine d'Angleterre en 1992. On lui doit la fresque qui entoure la cinémathèque de Londres. En 1990, une rétrospective de son travail a eu lieu à Nantes au Musée des Beaux-Arts. En 2006, une importante rétrospective s’est tenue à Londres à la Tate Gallery.
_________________________________________

2023  -  A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Henri Matisse (1869-1954) - Citrons sur une assiette en étain

Henri Matisse (1869-1954)
Citrons sur une assiette en étain, 1926 (retravaillé en 1929).
Huile sur toile, 55.6 x 67.1 cm
Art Institute of Chicago

 Que voit-on ? Ce que le titre décrit posé sur un entablement de cuisine rose saumoné devant un mur recouvert d'un papier peint au motif de feuilles stylisées que l'on retrouvera fréquemment chez Matisse dans la suite de son travail. 

Rappel Biographique : Henri Matisse, peint son premier tableau, Nature morte avec livres et chandelle en juin 1890. Peu après, il se rend à Paris. En 1892, il rencontre Albert Marquet à l'École des Arts déco puis s'inscrit en 1895, à l'École des beaux-arts, dans l'atelier de Gustave Moreau. L'enseignement du maître encourage ses élèves à penser leur peinture, à la rêver, au-delà de la virtuosité technique. Matisse, comme ses condisciples, Georges Rouault, Léon Lehmann, Simon Bussy, Eugène Martel, Albert Huyot ou Henri Evenepoel, est stimulé par cette conception de la peinture et entend développer la sienne selon son individualité. Gustave Moreau, lors d'une correction, lui dit : « Vous allez simplifier la peinture. »
Cette prophétie peut être considérée comme le programme esthétique de l'œuvre d'Henri Matisse.
En 1896, Matisse expose pour la première fois au Salon des Cent et au Salon de la Société nationale des beaux-arts, dont il devient membre associé sur proposition de Pierre Puvis de Chavannes. Cette fonction lui permet notamment d'exposer sans passer par un jury. Il passe l'été à Belle-Île-en-Mer et rencontre l'Australien John Peter Russell, qui l'introduit auprès d'Auguste Rodin et Camille Pissarro. Il commence à s'intéresser à la peinture impressionniste qu'il découvre en 1897 au musée du Luxembourg. Il est alors un peintre classique de natures mortes réalistes aux textures amples. Pour gagner sa vie, Matisse et Marquet travaillent comme peintre décorateurs à la journée, pour les décorateurs de théâtre.
En voyage à Londres, sur les conseils de Pissarro, Matisse découvre la peinture de Joseph Mallord William Turner, puis il part s'installer en Corse où il habite dans la Villa Rocca. A Ajaccio, il peint une cinquantaine de toiles dont Le Mur rose qui représente l'arrière de l'hospice Eugénie vu depuis la Villa de la Rocca. Matisse s'inspire alors de Turner.
En 1899, il découvre le traité de Paul Signac, d’Eugène Delacroix au néo-impressionnisme.
À partir de 1900, Matisse travaille la sculpture et le modelage, à l'Académie de la Grande Chaumière, sous la direction d'Antoine Bourdelle et fréquente également l'atelier d'Eugène Carrière. Il y fait la connaissance d'André Derain et de Jean Puy. Derain lui présente Maurice de Vlaminck. Il expose au Salon des indépendants (1901) et participe à la première édition du Salon d'automne (1903)
_________________________________________

2023  -  A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Ivan Albertovich Puni (1894-1956) - Nature morte avec une cruche blanche

Ivan Albertovich Puni (1894-1956)
Nature morte avec une cruche blanche, 1910
Collection privée

Rappel biographique : Ivan Puni (Иван Пуни) connu aussi sous le nom francisé de Jean Pougny est un artiste avant-gardiste russe classé, un temps, parmi les suprématistes et les cubistes futuristes.
Petit-fils d'un compositeur italien de musique de ballet, Cesare Pugni, Ivan est inscrit dès 190 -11 à l' Académie Julian à Paris où il reçoit une éducation artistique dans le domaine des beaux arts et où il commence à peindre dans une un style dérivé du fauvisme.
À son retour en Russie en 1912, il montre ses œuvres à des membres de l''avant-garde de Saint-Pétersbourg, dont Kazimir Malevitch et Vladimir Tatlin qui sont immédiatement intéressés par son originalité. Au retour d'une deuxième voyage à Paris en 1915, il se met à peindre dans un style cubiste qui rappelle celui de Juan Gris. En 1915, Puni forment Supremus, un groupe d'artistes chargé de faire promotion du "suprématisme", le mouvement d'art abstrait fondé par Kasimir Malevitch.
En 1916, Malevitch et Puni co-écrivent le Manifeste suprématiste, qui appel la naissance d "un nouvel art abstrait pour une nouvelle ère historique ".
En 1919, il enseigne à l'école d'art de Vitebsk sous la direction de Marc Chagall. La même année, au lendemain de la révolution bolchevique, Puni et son épouse quitte la Russie. Ils transitent par la Finlande, avant de s'installer en 1920 à Berlin, où la Galerie der Sturm organise la première exposition entièrement consacrée à son travail. Pendant son séjour à Berlin, Puni conçoit des costumes et des décors pour divers productions théâtrales.
En 1924 enfin, Puni et son épouse Boguslavskaya s' installent définitivement à Paris, où son style change de nouveau en une variante de l’impressionnisme. En France, il signe son travail Jean Pougny dans le but de distancer sa nouvelle pratique artistique de son précédent travail en Russie. En 1946, Puni / Pougny devient citoyen français.
Il est mort à Paris en 1956.
_________________________________________
2023- A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

 

 

Olga Wisinger-Florian (1844-1926) - Nature morte d'automne

-
Olga Wisinger-Florian (1844-1926)
Nature morte d'automne
Collection privée 

Rappel Biogaphique : Olga Wisinger-Florian est une peintre autrichienne. Après une formation de pianiste, Olga Wisinger-Florian suit les cours de peinture de Melchior Fritsch, August Schaeffer et Emil Jakob Schindler
Peintre de paysage, elle est un des représentants du Stimmungs impressionismus autrichien, un style de peinture développé à Vienne à la fin du xixe siècle, à travers ses liens avec l'École de Plankenberg fondée par Emil Schindler. Ce style est parfois qualifié de « réalisme poétique ».
Après 1884, elle rompt avec l'influence de Schindler en s'orientant vers des représentations aux couleurs vives et crues. Outre des expositions en Autriche, à Paris et Chicago, elle a été présidente du Verein der Schriftstellerinnen und Künstlerinnen (Union des femmes écrivains et artistes) de Vienne, et a fondé avec d'autres artistes comme Marie Egner le groupe Acht Künstlerinnen.

  ____________________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau 

Jacopo Ligozzi (1547-1627) - Tulipa Gesneriana

Jacopo Ligozzi (1547-1627)
Tulipa Gesneriana
BnF - Réserve des livres rares 

Que voit-on ? Tulipa gesneriana ou Tulipa × gesneriana, appelée "tulipe des jardins", est une espèce de plantes de la famille des Liliacées. C'est la principale espèce de tulipes ornementales cultivée dans les jardins et en horticulture. Elle se décline en un très grand nombre de cultivars aux caractéristiques très variables. Elle est issue d'une hybridation complexe et ancienne (remontant au moins au 16e siècle), entre plusieurs espèces sauvages apparentées, dont la principale est Tulipa suaveolens, mais aussi probablement T. armena et T. agenensis, et peut être T. hungarica et T. kaufmanniana. C'est donc une nouveauté horticole précisuese qui est représentée sur cette planche.

 Rappel  Biographique : Fils de Giovanni Ermanno Ligozzi, issu  d’un milieu de brodeurs et de décorateurs de Vérone, Jacopo Ligozzi dessina d'abord un grand nombre d'animaux et de fleur pour la cour des Habsbourg à Vienne. Invité à Florence, par les Médicis il s'installe dans la ville et devient l'un des artistes les plus marquants de la cour ducale. À la mort de Giorgio Vasari, en 1574, il le remplace à la tête de l'Académie du dessin de Florence et devient l'artiste en chef de l'atelier granducal, superintendant de la Galerie, premier peintre de la cour, servant François Ier, Ferdinand Ier, Cosme II et Ferdinand II, grands-ducs de Toscane.
Il compléta de ses peintures la Tribune des Offices, galerie privée des Médicis.
Rompant avec le maniérisme alors en vogue, il s'inspire de la nature et de ses merveilles (animaux et végétaux confondus), qu'il traduit par un foisonnement visuel - motifs végétaux, cartouches avec masques ou symboles macabres, scènes bibliques ou allégories le plus souvent rehaussés d’or - visible dans chacun de ses tableaux. Son dessin est dense, précis, très maîtrisé, avec des détails méticuleux.  Son  univers est  marqué du sceau de l’étrangeté et d’une singulière poésie, « obsédé par la damnation, la mort est une des figures les plus représentées en dehors des allégories et des scènes mystiques », où il se dégage cependant, une « grâce adoucissante et pieuse mais que d'aucuns trouvent funeste. »
Parmi ses élèves : Marie de Médicis, épouse du roi de France Henri IV et Bartolomeo Bimbi qui fut un de ses continuateurs dans le domaine de la nature morte, au service des Médicis.

  ____________________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau 

Henri de Toulouse Lautrec (1864-1901) - Mr Boileau au Café

Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901)
Mr Boileau au café
Huile sur toile,
Cleveland Museum of Art

Que voit-on ?  Au premier plan, devant le portrait une nature morte au verre d'absinthe et aux dominos que le hasard à jeter sous forme de revolver, un procédé dont se souviendra plus tard Bernard Buffet.

Rappel biographique : le célèbre peintre  français Henri de Toulouse-Lautrec, né Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa étai aussi dessinateur, lithographe et illustrateur.  Né dans l'une des plus vieilles familles nobles de France, descendant en droite ligne des comtes de Toulouse qui furent jusqu'au 13e siècle parmi les plus puissants seigneus féodaux du royaume, Henri de Toulouse-Lautrec hérita de ce nom illustre, mais sans fortune et avec une infirmité génétique due aux mariages consanguins fréquents dans sa famille, la pycnodysostose. 

Toulouse-Lautrec vécut pour son art.  Le catalogue raisonné de ses œuvres publié en 1971 énumère 737 peintures, 275  aquarelles, 369  lithographies (y compris ses célèbres affiches) et environ 5 000 dessins. Dans sa jeunesse les chevaux constituaient pour lui un sujet habituel. Depuis l’enfance, il aimait l'équitation et devoir y renoncer à cause de sa maladie fut pour lui quelque chose de très douloureux, c’est pourquoi il décida de continuer à faire vivre dans ses œuvres sa passion pour les chevaux.

Au début de sa carrière, il peignit quelques nus masculins comme exercices, mais ses meilleurs nus sont ceux des femmes. qu'il peignit, pas forcément de belles jeunes filles, mais plutôt des femmes qui commencent à vieillir. Pour peindre ce genre de tableaux il s’inspirait d’Edgar Degas.

Il ne cessait de dessiner : quelques dessins sont des œuvres en eux-mêmes, mais beaucoup sont des ébauches pour des peintures ou des lithographies. Quelquefois ses dessins ressemblaient à des caricatures qui, en quelques traits, rendaient un geste ou une expression 

Il créa 31 affiches et 325 lithographies, inventant une technique de "spray" originale, consistant à gratter une brosse à dents chargée d'encre ou peinture avec un couteau.

N’ayant pas besoin d’exécuter des œuvres sur commande, Lautrec choisissait des sujets qu'il connaissait bien ou des visages qui l’intéressaient et, comme il fréquentait des gens de toute sorte, ses tableaux couvrent une vaste gamme de classes sociales : nobles et artistes, écrivains et sportifs, médecins, infirmières et figures pittoresques de Montmartre. Beaucoup de ses tableaux montrent des prostituées parce qu’il les considérait comme des modèles idéaux pour la spontanéité avec laquelle elles savaient se mouvoir, qu’elles fussent nues ou à moitié habillées. Il peignait leur vie avec curiosité, mais sans moralisme ni sentimentalisme et, surtout, sans chercher à leur attribuer le moindre caractère fascinant.

En tant qu'illustrateur, Henri de Toulouse-Lautrec a réalisé des affiches devenues célèbres et, partie moins connue de son œuvre, il a également illustré une quarantaine de chansons, des succès principalement interprétés dans les trois grands cabarets parisiens de l'époque : Le Moulin Rouge  et Le Mirliton d' Aristide Bruant. 

La nature morte n'était pas son sujet de prédilection, cependant il en dessina quelques une quelques une comme celle ci, restée inachevée et d'un grand modernisme. D'autres (avec verre d'absinthe notamment) sont incluses dans certains de ses portraits de personnage de Montmartre ou ou de prostituées. On ne peut que regretter que Toulouse Lautrec n'ait pas plus illustré ce genre, pour lequel il était comme pour tout le reste,  extrêmement doué.

 ____________________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau  

Harmen Steenwijck (1612-1656) - Still life with Birds

Harmen Steenwijck (1612-1656)
Still life with Birds, 1650
Huile sur toile 46 x 53 cm
Fairfax House

Que voit on ? Une nature morte d'un grand classicisme mais... où tout le monde ne l'est pas (mort!). La perruche rouge est en pleine forme !

Rappel biographique : le peintre néerlandais du siècle d'or Harmen Steenwijck ou Harmen van Steenwyck est connu pour ses natures mortes et ses vanités. Il est le frère de Pieter Steenwijck,qui fut également peintre de natures mortes. Il demeure peintre actif à Leyde de 1628 à 1633. Il retourne dans sa ville natale de 1633 à 1656. En 1654-1655, il entreprend un voyage vers les Indes orientales néerlandaises. Il est connu pour son œuvre Une allégorie des vanités de la vie humaine visible à la National Gallery de Londres.

____________________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau 

Giorgio Morandi (1890-1964) - Il cactus / Autoritratto recto

Giorgio Morandi (1890-1964)
Il cactus / Autoritratto recto, 1917–19.
Huile sur toile, 44 x 32.5 cm
Fondation Mattioli Rossi, Suisse

Que voit-on? En réalité la face cachée sous forme de nature morte "piquante" d'un autoportrait que Morandi n'aimait pas. Après l'exposition de cette œuvre à San Francisco en 1939, Morandi avait demandé que l'image au dos soit recouverte avant que l'objet ne devienne la propriété de Rino Valdameri, en 1940. 

Rappel biographique : Le peintre italien Giorgio Morandi bien que qualifié de futuriste ne peut être identifié à aucun mouvement pictural du 20e siècle en particulier. Ayant peint de très nombreuses natures mortes, l’œuvre de Cézanne représente évidemment une influence majeure pour lui ; il lui emprunte la monumentalité des formes et les zones denses de couleurs. Mais simultanément, il développe une approche beaucoup plus intime de l’art. Les natures mortes de Giorgio Morandi représentent des objets toujours ordonnés avec soin sur une table dans l'atelier, pour être observés et peints. Ces objets qu'il a lui même achetés chez des brocanteurs, qui lui ont été donnés par des amis ou qu'il a ramassés dans la rue, sont facilement identifiables de toile en toile ; ce sont des bouteilles, cubes, entonnoirs auxquels viennent se mêler, à l'occasion mais rarement, un coquillage ou un fruit ou d'autres éléments plus incongrus (savons, blocs de bois... ). Le positionnement des objets dans le cadre est réalisé avec une attention particulière portée à la " géométrisation" de l'espace qui peut alors se lire en carrés et diagonales. Un lent travail de maturation est mis en œuvre par le dessin et la peinture par reprises successives, superpositions de couleurs faites d'une pâte ample avec des dégradés de gris d'une extrême sensibilité, qu'amplifie une sorte de délectation morose.

__________________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Giacomo Ceruti (1698-1767) detto Il Pitocchetto - Nature morte au choux vert et viandes .

Giacomo Ceruti (1698-1767) detto Il Pitocchetto
Nature morte au choux vert et viandes
Huile sur toile, 70 x 40cm
Pinacoteca di Brera, Milano

Que voit on? Tous les ingrédients réunis sur une table de cuisine d'une bonne recette traditionnelle italienne, une sorte de potée aroborative u choux que l'on retrouve un peu partout en Europe. 

Rappel biographique : Giacomo Ceruti, dit aussi Il Pitocchetto est un peintre italien du 18e siècle, principal représentant du style « paupériste », à travers ses scènes décrivant la vie de gens du petit peuple, caractérisées par une grande intensité émotionnelle et une expressivité peu commune des personnages. En dehors de ses portraits, il a réalisé de très étonnantes natures mortes, comme celles ci, relativement en rupture avec au style convenu que ce genre adoptait à son époque en Italie.
Il est souvent considéré comme un précurseur, dans l'art pictural, des préoccupations morales et sociales des Lumières.
__________________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Georges Valmier (1885 -1937)- Nature morte devant la fenêtre

Georges Valmier (1885 -1937)
Nature morte devant la fenêtre, 1922
Huile sur toile, 59 x73 cm
Collection privée

Que voit on ?On reconnait une bouteille et des pommes puis, par le biais d'un cubisme qui nous est familier aujourd'hui mais qui ne l'était pas à l'époque où cette composition fut peinte, on plonge dans l'abstraction et ce dès... 1930! Valmier qui fut précurseur et inspirateur de tant de mouvements et de tant de grands peintres célèbres reste aujourd'hui curieusement pratiquement inconnu. Une œuvre comme celle-ci vient nous rappeler presque 100 ans après avoir été composée le génie particulier de ce grand artiste. 

Rappel biographique : L'œuvre du peintre français Georges Valmier traverse les grands courants modernes de l'histoire de la peinture, de ses débuts impressionnistes au cubisme qu'il découvre à l'âge de  25 ans, et enfin à l'abstraction à partir de 1921, qui fut comme une réponse finale à ses recherches. Il réalisera des décors et des costumes pour le théâtre et pour les ballets, des maquettes pour des tissus, des tapis, des objets. Ses huiles n'excèdent pas les 300, Valmier étant mort à l'âge de 52 ans ; elles sont l'aboutissement de nombreuses gouaches préparatoires dont les multiples versions sont de véritables œuvres en elles-mêmes, qui témoignent d'une grande maîtrise, de sa gourmandise de couleurs et de son extrême inventivité des formes. Valmier fut également musicien.  

_______________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Claude Monet (1840–1926) - Nature morte au faisan

Claude Monet (1840–1926)
Nature morte au faisan, 1861
Huile sur  toile, 174 x 228 cm.
Musée des Beaux-Arts, Rouen

 

Que voit-on ? Cette nature morte, peinte vers 1861, est une des plus anciennes œuvres conservées de Claude Monet. Dans ses premières années le jeune artiste s’intéresse en effet tout spécialement à ce genre qu’il poursuivra par la suite, sans toutefois y prêter un intérêt particulier. Ce tableau doit être mis en rapport avec le superbe Trophée de chasse (Paris, Musée d’Orsay), daté de 1862, où Monet se révèle très marqué par son aîné le peintre animalier Constant Troyon, pour qui il ne cache pas son admiration lors du Salon de 1859 ; l’œuvre est aussi largement influencée dans sa composition par les grandes natures mortes de Chardin, Le Chien courant ou Le Buffet et surtout Le Faisan. Le tableau de Rouen est certes d’ambition plus modeste mais le grand rideau vert foncé que Monet utilise en fond et le rebord sculpté de la table au premier plan appartiennent au même répertoire décoratif. On retrouve d’ailleurs la corne à poudre avec son cordon vert tel qu’elle apparaît dans le Trophée de chasse. Cette importance donnée à l’accessoire révèle un goût pour le pittoresque que l’on remarquait chez Rousseau, mais dont Monet se libérera très vite pour aborder des sujets moins faciles comme le Quartier de viande (Paris, Musée d’Orsay) qui est un vrai morceau de peinture dans la lignée du Bœuf écorché de Rembrandt. Le jeune artiste révèle son talent naissant dans le somptueux traitement du plumage du faisan. La technique est libre et fougueuse, la touche rapide laisse apparaître la toile par endroits ce qui suggère le volume du jabot et le soyeux des plumes.

Rappel biographique : le peintre français Claude Monet, l'un des fondateurs de l'impressionnisme, est surtout connu pour ses paysages et ses portraits. " La couleur, disait-il " est mon obsession quotidienne, ma joie et mon tourment ". Claude Monet est l’un des fondateurs de l'impressionnisme. En 1859, il part à Paris tenter sa chance sur le conseil d'Eugène Boudin. Après des cours à l'académie Suisse puis chez Charles Gleyre et la rencontre de Johan Barthold Jongkind, le tout entrecoupé par le service militaire en Algérie, Monet se fait remarquer pour ses peintures de la baie d'Honfleur. En 1866, il connait le succès au Salon de la peinture. Toute cette période est cependant marquée par une grande précarité. Il fuit ensuite la guerre de 1870 à Londres puis aux Pays-Bas. Dans la capitale anglaise, il fait la rencontre du marchand d'art Paul Durand-Ruel qui lui assurera sa principale source de revenu pendant le reste de sa carrière. Revenu en France, la première exposition des futurs impressionnistes a lieu en 1874. À partir de 1890, Monet se consacre à des séries de peintures, c'est-à-dire qu'il peint le même motif à différentes heures de la journée, à diverses saisons. Il peint alors parfois des dizaines de toiles en parallèle, changeant en fonction de l'effet présent. La fin de sa vie est marquée par une maladie, la cataracte, qui affecte son travail.
Monet peint devant le modèle sur l'intégralité de sa toile dès les premières ébauches, il retouche ensuite de nombreuses fois jusqu'à ce que le résultat le satisfasse. Contrairement à ce qu'il affirme, il termine la plupart de ses toiles en atelier, prenant modèle sur les premières peintures d'une série pour peindre les autres. D'un caractère parfois difficile, prompt à la colère comme au découragement, Claude Monet était un grand travailleur qui n'hésitait pas à défier la météo pour pratiquer sa passion. Monet résume sa vie ainsi de la meilleure manière : « Qu'y a-t-il à dire de moi ? Que peut-il y avoir à dire, je vous le demande, d'un homme que rien au monde n'intéresse que sa peinture - et aussi son jardin et ses fleurs ».

_______________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Wayne Thiebaud (1920-2021) -Two Jolly Cones

Wayne Thiebaud (1920-2021)
Two Jolly Cones, 1985
Private collection 

 Que voit on? Deux cônes glacés sujet que Thiebaud peignit beaucoup. Ici l'un est à l'effigie d'un clown triste et l'autre d'un clown rieur. Une nature morte à la fois ludique et philosophique.

Rappel biographique : Le peintre américain Wayne Thiebaud, dont une célèbre toile avait été publiée au début de ce blog en 2014, est un artiste discret, de plus en plus considéré comme un des artistes majeurs du mouvement hyper-réaliste et comme le précurseur du Pop Art.
Le travail de Wayne Thiebaud se caractérise par des peintures d'objets alimentaires de grande consommation, comme des pâtisseries, de la fast food ou des objets de consommation courantes vues dans dans les vitrines des cafétérias ou dans le rayons des grands magasins.  Son premier emploi  fut un job de serveur à Long Beach, dans le café « Mile High and Red Hot » (Glace et hot-dog) qui le amrqua durablement !  Son intérêt pour les objets du quotidien, confondus ensuite avec ceux de la culture de masse, associa immmédiatement son nom au mouvement du Pop-Art. Une fois éteint le tapage médiatique autour du pape supposé  du pop art (Andy Warhol), on remarqua - non sans stupeur - que les œuvres de WayneThiebaud, effectuées dans les années 50 et 60 étaient légèrement antérieures à celles de Warhol et des autres artistes de ce mouvement, mais n'en portaient pas encore le nom ! De là à lui attribuer une influence définitive comme précurseur dumouvement, il n'y avait qu'un pas qui, aujourd'hui, est enfin franchi avec justice !
Outre les pâtisseries, Wayne Thiebaud,a également peint des paysages, des rues, ainsi que des personnages populaires, comme Mickey. Certaines de ses toiles récentes, comme Sunset street (1985) ou Flatland river (1997) sont remarquables pour le traité hyper réaliste, et se rapproche du travail d'un Edward Hopper, qui était tout aussi fasciné par ces scènes du quotidien américain.
Dans sa peinture, Wayne Thiebaud se concentre sur la banalité de façon à suggère l'ironie et la distance vis-à-vis de son sujet.
Wayne Thiebaud,se considère comme un peintre, mais paradoxalement pas comme un artiste. C'est un lecteur vorace, qui a l'habitude de lire de la poésie, celle de son poète préféré William Carlos Williams par exemple, à ses élèves.
En septembre 2010, alors qu'il fêtait son 90e anniversaire,  Wayne Thiebaud, réalisa un dessin pour le 12e anniversaire de Google qui l'afficha sur sa page d'accueil. Le dessin était exécuté dans le style bien reconnaissable de Wayne Thiebaud, et montrait un gâteau sur lequel est écrit Google et où le "l" était remplacé par une bougie.

____________________________________________
2023- A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

 

 

Bartolomeo Bimbi (1648-1730) - Uva

Bartolomeo Bimbi (1648-1730),
Uva
Huile sur bois, 110x130cm
Villa de Poggio, Caiano

Que voit on ? Ce que le titre décrit : des raisins à profusion et surtout dans toutes les variétés possibles. Sur la feuille de papier à droite du cadre les différentes variétés sont répertoriées.... car il fut un temps où il y avait une multiplicité de fruits différents dans un même espèce. Ce n'est plus le cas ...

Rappel biographique : Bartolomeo Bimbi fut un peintre italien de natures mortes qui a été actif à la fin du 17e et au début du 18e siècle. Il fut l'élève de Lorenzo Lippi et d'Onorio Marinari, et à Rome de Mario de'Fiori. Bimbi a, en partie, perpétué la tradition de Jacopo Ligozzi, mais fut initié à la peinture des fleurs par Agnolo Gori qui le présenta à Cosme III et au prince Ferdinand de Médicis. À partir de 1685, il exécuta pour ce dernier de nombreuses œuvres de tableaux d'animaux, de fleurs, de fruits,  et de jégumes, représentations d'après nature, d'une extrême précision scientifique. Pour cela il utilisait le savoir de spécialistes comme Redi, qui analysait les nouvelles espèces apportées à l'artiste pour être peintes et accrochées dans les villas médicéennes.
Les nombreuses commandes de ses clients encouragèrent la réalisation de grands tableaux de la faune pour la Villa Medicea dell'Ambrogiana, de la flore pour la Villa Medicea di Castello et des fruits pour le pavillon de chasse de la Topaia, sur les hauteurs de la résidence du Castello.
Aujourd'hui, la plupart de ses œuvres se trouvent dans le musée de la nature morte qui occupe le second et dernier étage de la Villa médicéenne de Poggio a Caiano. Elles témoignent d'une exceptionnelle « biodiversité » de la Toscane de jadis, et reproduisent avec précision, même les défauts dus aux maladies et aux parasites. Elles font l'objet de recherches historico-botaniques par le Conseil national de la recherche et de diverses universités qui souhaitent sauvegarder des espèces menacées d'extinction ou de récupérer des variétés horticoles disparues.

_____________________________________________
2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Pieter Claesz (1597-1661) - Nature morte avec du fromage vieilli dans un panier, du hareng, des oignons et du pain sur une serviette blanche

Pieter Claesz (1597-1661)
Nature morte avec du fromage vieilli dans un panier, du hareng, des oignons et du pain sur une serviette blanche, 1625
Stilleven met oude kaas in mand, haring, uitjes en brood op een wit servet, 1625
Huile sur panneau, 48 cm x 67.5 cm
Collection privée en dépôt au Frans Hals Museum, Haarlem

 Que voit on ? Un chef d'œuvre absolu d'un des plus grands maîtres de nature morte que l'Europe ait produit. Tout est décrit dans le titre en quelques mots qui sont en réalité un luxe de détails.

Rappel biographique : Le peintre Pieter Claesz ou Pieter Claesz Van Haarlem (du nom de la ville ou il fut le plus actif), dont ce blog a posté déjà de nombreuses natures mortes, est un des plus grands représentants de la nature morte hollandaise de l'époque baroque, un maître auquel la plupart des peintres de natures mortes se sont référés à un moment ou a un autre de leur carrière. Willem Claeszoon Heda avec lequel on peut le confondre tant celui ci s'inspira de Pieter Claezs jusqu'à signer ses tableaux de son prénom abrégé (Claez), il fut l’un des peintres les plus importants de ce genre très diversifié qu'est la nature morte.
Bien que très construites et obéissant a un style très défini, une évolution dans la composition des natures mortes de Claez est perceptible. Si, au début, il disposait fréquemment les objets en croix ou dans une diagonale rigoureuse, par la suite il utilisa beaucoup plus le chevauchement des objets, ce qui crée une plus grande profondeur. En outre, au cours de sa vie, il élargit son point de vue et la vue latérale sur la table de la nature morte devient plus fréquente que la vue en plongée.
Claesz, souvent, utilisa les mêmes objets dans ses natures mortes : un couteau avec un lourd manche en nacre, une bouteille de verre brun, des assiettes en étain et des cruches à col de cygne, ainsi que de fin coquillages des porcelaines importés de Chine. On retrouve ces éléments d'une nature morte à l'autre, on les reconnait comme des objets familiers. Souvent, un verre est représenté couché, ce qui confère une certaine tension à la composition.
Si, au début de sa carrière, Claesz utilisait assez souvent des couleurs vives, il adoucit considérablement sa palette par la suite, employant des couleurs presque monochromatique et conférant ainsi à ses tableaux une atmosphère plus intimiste.
L’utilisation qui est faite de la lumière et de l’ombre par Claesz est remarquable. Il donner un tel rendu des textures par l'effet de la lumière sur les surfaces, que l'on peut reconnaître immédiatement une assiette en étain d’une assiette en argent, un roemer d'un pot en céramique. Cette maîtrise dans le traitement de la matière et des textures (les reflets du vin dans les verres sont des effets de pur génie !) est une caractéristique partagée par plusieurs peintres néerlandais du 17e siècle. C'est ce qui fait leur spécificité..
Claesz, avec Heda, fut à l’origine d’une véritable école de la nature morte, donnant à ce genre un statut véritablement noble. À partir de 1628, une sérieuse concurrence apparaît à Haarlem entre Pieter Claesz et Willem Claeszoon Heda, lequel s’inspirait fortement de lui et le suivait de près dans toutes ses innovations.
Nicolaes Berchem, le fils de Claesz, fut quant à lui un peintre de paysage très réputé.
En 2004/ 2005, une exposition itinérante rassemblant quarante-cinq œuvres de Claesz fut montée et présentée au Musée Frans Hals à Haarlem, ensuite au Kunsthaus de Zurich, et enfin au National Gallery of Art de Washington.

____________________________________________

2023 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau