Claude Monet (1840-1926) - Parterre de Chrysanthèmes

 

Claude Monet (1840-1926)
Parterre de Chrysanthèmes, 1897
Collection privée


Que voit on ? Claude Monet a beaucoup peint les chrysanthèmes qui,  japonisme oblige, étaient ses fleurs favorites. Il les a peint en pot , en vase ou en parterre, ce qui est le cas dans cette composition, sans doute la plus connue de la vingtaine de toiles qu'il réalisa avec ces fleurs. On  note que plusieurs variétés sont mêlées ici, des plus classiques au plus chevelues (les jaunes) ... 

Rappel biographique : le peintre français Claude Monet, l'un des fondateurs de l'impressionnisme, est surtout connu pour ses paysages et ses portraits. " La couleur, disait-il " est mon obsession quotidienne, ma joie et mon tourment ". Claude Monet est l’un des fondateurs de l'impressionnisme. En 1859, il part à Paris tenter sa chance sur le conseil d'Eugène Boudin. Après des cours à l'académie Suisse puis chez Charles Gleyre et la rencontre de Johan Barthold Jongkind, le tout entrecoupé par le service militaire en Algérie, Monet se fait remarquer pour ses peintures de la baie d'Honfleur. En 1866, il connait le succès au Salon de la peinture. Toute cette période est cependant marquée par une grande précarité. Il fuit ensuite la guerre de 1870 à Londres puis aux Pays-Bas. Dans la capitale anglaise, il fait la rencontre du marchand d'art Paul Durand-Ruel qui lui assurera sa principale source de revenu pendant le reste de sa carrière. Revenu en France, la première exposition des futurs impressionnistes a lieu en 1874. À partir de 1890, Monet se consacre à des séries de peintures, c'est-à-dire qu'il peint le même motif à différentes heures de la journée, à diverses saisons. Il peint alors parfois des dizaines de toiles en parallèle, changeant en fonction de l'effet présent. La fin de sa vie est marquée par une maladie, la cataracte, qui affecte son travail.
Monet peint devant le modèle sur l'intégralité de sa toile dès les premières ébauches, il retouche ensuite de nombreuses fois jusqu'à ce que le résultat le satisfasse. Contrairement à ce qu'il affirme, il termine la plupart de ses toiles en atelier, prenant modèle sur les premières peintures d'une série pour peindre les autres. D'un caractère parfois difficile, prompt à la colère comme au découragement, Claude Monet était un grand travailleur qui n'hésitait pas à défier la météo pour pratiquer sa passion. Monet résume sa vie ainsi de la meilleure manière : « Qu'y a-t-il à dire de moi ? Que peut-il y avoir à dire, je vous le demande, d'un homme que rien au monde n'intéresse que sa peinture - et aussi son jardin et ses fleurs ».

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Aimé-Victor Barraud (1902-1954) - Nature morte avec Fruits

Aimé-Victor Barraud (1902-1954)
Nature morte avec Fruits, 1936
Collection privée 

Que voit on ? Sur un entablement en bois clair recouvert d'un linge bleu déchiré aux angles,un bol en céramique émaillée blanche ébréché à de multiples  plusieurs endroits de son pourtour et contenant quelques pommes pommes piquées voir même en voie de pourrissement pour certaines. L'entablement  semble être recouvert d'une feuille de papier sulfurisée maintenant par des petits cailloux...  

Rappel biographique : Le peintre suisse Aimé-Victor Barraud a été affilié par les spécialistes de l'art au mouvement de la Nouvelle objectivité. Son père, sa mère et son grand-père maternel travaillaient comme graveurs et concevaient des décorations pour les boîtiers métalliques des montres de poche. La précision artisanale et le sens de la décoration étaient cultivés dans la famille et Aimé-Victor suivaient régulièrement des cours du soir dans la prestigieuse école d'art et d'artisanat local.
Dans sa carrière picturale, il s'est limité à un petit nombre de sujets, peignant principalement des portraits (y compris des autoportraits et des portraits doubles de lui-même et de sa femme), des nus, des natures mortes et quelques rares paysages. Grâce à un dessin précis et à des couleurs claires appliquées avec douceur, il a atteint un degré de réalisme extrême, voit même d'hyperréalisme avant la lettre. Il décrit souvent dans ses natures mortes un monde en putréfaction, l'un des symboles favori de ce genre pour décrire la vanité de la vie sur terre et sa fragile destinée.

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Felix Vallotton (1865-1925) Fleurs et fruits, 1920

Felix Vallotton (1865-1925)
Fleurs et fruits, 1920
Collection privée

Que voit on ?   Sur un entablement de bois recouvert au trois quart d'une nappe blanche froissée, des fleurs (roses) dans un verre et des fruits (fraises) dans un bol. Quelquesc apucines oranges et jaunes parsèment la nappe.

Rappel biographique : Félix Vallotton, peintre d'origine suisse naturalisé français en 1900, est un artiste à cheval sur deux siècles, deux pays et plusieurs tendances esthétiques, des Nabis à la Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité). S'il est aujourd'hui moins connu en France qu'en Suisse, c'est pourtant à Paris, dans les années 1890, que ses gravures sur bois novatrices lui ont valu une renommée qui s'est rapidement étendue à l'Europe entière. Tout au long de sa vie le " Nabi étranger ", comme il était surnommé, s'est intéressé à une gamme étendue de sujets récurrents - intérieurs, toilettes, nus féminins, paysages, natures morte, rendus étranges par son style lisse et froid, aux couleurs raffinées, aux découpages et aux cadrages audacieux. Et bien qu'il ne fût pas toujours compris par la critique de son temps, Vallotton a su s'imposer comme une figure en vue de la scène artistique parisienne et trouver sa place dans le courant moderne, notamment en participant à de nombreuses manifestations internationales d'avant-garde devenues mythiques. C'est surtout à partir de 1910, que Félix Vallotton s’intéresse au genre de la nature morte et le transforme dans chacune de ces toiles.

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Nicolas de Staël (1914-1955) - Coin d’Atelier Fond Bleu

Nicolas de Staël (1914-1955)
Coin d’Atelier Fond Bleu, 1955
Collection privée

Que voit on ? Ce très beau Nicolas de Staël laisse entrevoir un coin de l'atelier du peintre où l'on aperçoit nettement au premier plan, une table blanche sur laquelle sont posées deux pots foncés dont l'un contient des pinceaux, et un pot blanc. A l'arrière plan, d'autres pots, une toile présentée de trois quart, deux piles de dessins sur papier.    

Rappel biographique : Le peintre français d'origine russe Nicolas de Staël, né baron Nicolaï Vladimirovitch Staël von Holstein, est issu d'une branche cadette de la famille de Staël-Holstein. Plus d'un demi siècle après sa mort, il reste l'un des peintres les plus marquants du 20e siècle posant un problème aux historiens de l'art qui ne savent pas dans quelle catégorie le classer, ce qui doit le réjouir post mortem, lui qui détestait les catégories et les courants.
La réinvention de la figuration opérée par Staël a été mal comprise alors qu'elle anticipait d'une vingtaine d'année l'évolution générale de l'art. Il a « retrouvé le visible sans renoncer aux possibilités expressives et à la liberté d'action qui définissent la peinture contemporaine » alors que Paris perd sa place de capitale des arts, dès les années 1960, sous l'effet du marché de l'art et de la surenchère :
" On y est devenu incapable de discerner le pastiche de l'original " selon Umberto Eco.
Selon Marcelin Pleynet et Michel Seuphor : « ...il faut tenir compte de Nicolas de Staël, vu et revu souvent avec et travers l'avant-garde américaine de années cinquante. Ces nouveaux mouvements d'abstraction suivent le cheminement de Staël, délaissant la peinture gestuelle pour une peinture brossée, voir maçonnée ». Peu exposé de son vivant, son œuvre a donné lieu à de nombreuses manifestations posthumes qui ont confirmé sa stature sur le plan international. " Staël fut le plus puissant créateur de sa génération dans l'École de Paris de l'après-guerre, sur laquelle il a exercé une forte influence Il a été le premier à dépasser l'antinomie abstraction-figuration ".
Nicolas de Staël meurt à 41 ans en se jetant de la terrasse de l'immeuble où il avait son logement et un de ses ateliers à Antibes. L'ensemble de son œuvre s'étend sur 15 années. Il a peint, à partir de 1952, plusieurs natures mortes dont quelques unes sont aujourd'hui conservées et exposées au Musée Picasso d'Antibes à quelques pas de son ancien atelier. Plusieurs sont présentées sur ce blog.

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James Ensor (1860–1949) - Dahlias

James Ensor (1860–1949)
Dahlias, 1932
Private collection 

 
Que voit on ?  Un bouquet de dalhias roses et oranges dans un  très beau vase de Chine posé sur un entablement et devant un fond assez abstrait  qui s'accordent parfaitement aux tonalités au reste de la composition.

Rappel biographique : Le peintre belge James Ensor se revendiquait du mouvement anarchiste et a laissé une œuvre expressionniste très importante. Il est un des membres fondateurs du groupe bruxellois d'avant garde Les Vingt. En 1898, il est l'un des instigateurs du bal du Rat mort qui a lieu à la fin du carnaval d'Ostende. Ensor doit attendre le début du 20e siècle pour assister à la reconnaissance de son œuvre : expositions internationales, visite royale, anoblissement avec titre de baron, Légion d'honneur ... on le surnomme alors le prince des peintres. Et c'est précisément ce moment qu'il choisit pour abandonner la peinture et consacrer les dernières années de sa vie exclusivement à la musique !
Dans beaucoup de ses tableaux Ensor est fasciné par la lumière d'Ostende, sa ville natale, qui lui inspire des pâleurs secrètes : « La lumière déforme le contour. Je vis là-dedans un monde énorme que je pouvais explorer, une nouvelle manière de voir que je pouvais représenter. »
C'est entre 1887 et 1893 qu'il peint ses plus beaux tableaux : la gamme chromatique prend feu au milieu des nacres translucides des ciels et des marines. Contemporaine de Vincent Van Gogh et d'Edvard Munch, son œuvre contient beaucoup des futures révolutions du Fauvisme au Mouvement Cobra.
Il va s'appliquer à mettre en évidence les aspects grotesques des choses, et s'orienter vers une vision radicale, sarcastique et insolente du monde. Comme chez Pieter Brueghel l'Ancien ou Jérôme Bosch, l'inanimé respire et crie. Ses obsessions et ses peurs jouent un rôle manifeste dans les traits menaçants qu'il attribue aux objets utilitaires, aux revenants et aux masques. Ces derniers, à partir des années 1880 dominent son inspiration et renvoient au carnaval, ce « monde à l'envers », anarchique où les rapports sociaux sont démontrés par l'absurde.
Artiste pluraliste, il l'est également dans son style et ses techniques: toile, bois, papier, carton, couteau à palette, pinceau fin ou spatule… : « Chaque œuvre devrait présenter un procédé nouveau », écrit-il.
Dans un but purement alimentaire, il édite des eaux-fortes, les fameux « biftecks d'Ensor », œuvres purement commerciales mais qui ont fait alors la fierté des marchands de souvenirs. Il réalise aussi des caricatures à la manière de Bruegel et de Bosch.
Par sa prédilection pour les personnages masqués, les squelettes, qui, dans ses tableaux, grouillent dans une atmosphère de carnaval, Ensor est le père d'un monde imaginaire et fantastique qui annonce le surréalisme.
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Filippo de Pisis (1896-1956) - Nature morte à la Truite

Filippo de Pisis (1896-1956)
Nature morte à la Truite, 1951
Collection privée

Que voit on ?  Sur une table posé dans une pièce  qui évoque, avec sa lumière bleutée et glaciale, l'atmosphère d'un bloc opératoire : une truite morte mâchoires ouvertes, trois moules fermées et un papier journal froissé.
 

Rappel biographique : Luigi Filippo Tibertelli dit Filippo de Pisis est un poète et un peintre italien.
Né dans une famille fortunée de l'aristocratie italienne - la famille des marquis Tibertelli descendante d'un condottiere de Pise (d'où le nom qu'il choisit) établie à Ferrare au 16e siècle - il reçoit une éducation à domicile avec des précepteurs et des prêtres, en compagnie de sa sœur, à laquelle il demeure toute sa vie fort attaché. Il s'initie à la peinture avec un maître de Ferrare, Odoardo Domenichini. Il s'intéresse aussi très tôt à la poésie métaphysique et se fait connaître avec la publication d'une première plaquette de poésie. Cela lui permet d'entrer en relation avec Giorgio de Chirico en 1915 qui exerce une forte influence sur ses premiers tableaux. Il fait également la connaissance du frère de Chirico, Alberto Savinio, et en 1917 de Carlo Carrа. Ce sont les premiers représentants de la peinture métaphysique. Mobilisés, ils sont alors en garnison à Ferrare. Le jeune Pisis les guide dans sa ville natale et le groupe se réunit dans sa demeure familiale. C'est ici que sont exposées les premières œuvres de Chirico. Il entre en correspondance avec Guillaume Apollinaire et Tristan Tzara....

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Pierre Bonnard (1867-1947) - Corbeille de Fruits, 1924

 

Pierre Bonnard (1867-1947)
Corbeille de Fruits, 1924
Collection privée

Que voit on ? Le thème de la corbeille de fruits (avec ou sans anse) et de la nappe à carreaux rouges sont deux thème sassez fréquents dans les nature morte de Bonnard. L'élément nouveau dans la représentation ci- dessus est la porte ouvert du buffet de cuisine devant lequel la corbeille est peinte.

Rappel biographique : le peintre français Pierre Bonnard est connu pour ses peintures de personnages, ses nus, ses portraits, ses paysages animés, ses intérieurs et ses natures mortes de fleurs et fruits. Bonnard est un artiste post-impressionniste, membre du groupe des Nabis, par lesquels il fut surnommé le Nabi japonard. En réaction à l'impressionnisme, les Nabis veulent libérer leur peinture des exigences du réalisme : « Ensemble, nous avons méprisé l'école et les écoles, les rapins, leurs traditions, leurs farces et leurs bals inutilement nudistes. Ensemble nous nous sommes sérieusement amusés ». Les artistes nabis cherchent des voies plus spirituelles au contact de philosophies et de doctrines nouvelles teintées d'Orient, d'orphisme, d'ésotérisme, et de théosophie. Ils s'appliquent à retrouver le caractère « sacré » de la peinture et à provoquer un nouvel élan spirituel par le seul moyen de l'art.
Une fois devenu célèbre, Pierre Bonnard fut connu pour ne pouvoir s’empêcher de retoucher ses toiles une fois celles-ci achetées et exposées dans un musée. Ses amis appelaient ça « bonnarder » ou « bonnardiser ». Un journaliste relate cette attitude devenue visiblement coutumière. « Au musée de Grenoble et au Musée du Luxembourg, il arriva à Bonnard de guetter le passage d'un gardien d'une salle à l'autre, de sortir d'une poche une minuscule boîte garnie de deux ou trois tubes et, d'un bout de pinceau, d'améliorer furtivement de quelques touches un détail qui le préoccupait. Et, son coup fait, de disparaître, radieux, comme un collégien après une inscription vengeresse au tableau noir. »

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Camille Pissarro (1830-1903) - Chrysanthèmes dans un vase de Chine

Camille Pissarro (1830-1903)
Chrysanthèmes dans un vase de Chine, 1873 
Collection privée  

Que voit on ?   Sur une console en bois sombre vernis dont la partie gauche est occupée par un album et quelques livres : un vase en porcelaine de Chine à motif floral sur fond sombre, contenant un bouquet  de
diverses variétés de chrysanthèmes....

Rappel biographique : Jacob Abraham Camille Pissarro, dit Camille Pissarro, est un peintre français d'origine danoise, qui appartient au mouvement de l'impressionnisme et du neo-impressionisme. Théoricien du mouvement anarchiste, il fréquente assidûment les peintres de la Nouvelle-Athènes qui appartiennent au mouvement libertaire. Il partage cette position avec Paul Gaughin avec lequel il eut cependant des relations très tendues. Peintre de paysage et de scène de rues, Pissaro a peint moins d'une dizaine de natures mortes dans toute sa carrière.

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Henri Rousseau (1844 - 1910) - Bouquet de Fleurs avec Asters chinois et Tokyos

 

Henri Rousseau (1844 - 1910)
Bouquet de Fleurs avec Asters chinois et Tokyos, 1910
Barnes Foundation Philadelphia

Que voit on ?  Ce que décrit le titre avec un précision de professionnels des fleurs !  C'est surtout le choix des couleurs qui frappe ici et notamment le rouge tres vif de l'entablement sur lequel est posé le vase d'une éclatante blancheur   qui contienty le bouquet automnale.

Rappel biographique : Le peintre français Henri Rousseau (Henri-Julien-Félix Rousseau) dit "Le Douanier Rousseau " est considéré comme un représentant majeur de l'art naïf. Issu d'une famille modeste, il étudie le droit avant de partir à Paris, où il travaille dans un octroi d'où son surnom de " douanier ". Il apprend lui-même la peinture sans le recours à un quelconque enseignement et produit un grand nombre de toiles qui représentent souvent des paysages de jungle, bien qu'il n'ait jamais quitté la France. Il s'inspire en réalité de livres illustrés, des jardins botaniques et de rencontres avec des soldats qui ont participé à des expéditions exotiques et qui lui racontent les paysages lointains. Ses toiles montrent une technique élaborée, mais leur aspect enfantin a valu beaucoup de moqueries et de mépris professionnel à Henri Rousseau pensant de nombreuses décennies. Ses premières critiques positives arrivent à partir de 1891. A la fin de sa vie il rencontre même quelques autres artistes de son temps (et pas des moindres) qui lui reconnaissent publiquement un talent certain, comme, entre autres, Robert Delaunay, Paul Gauguin, Toulouse-Lautrec ou Pablo Picasso....
Son travail est aujourd'hui considéré comme crucial pour l'art naïf et il a influencé de nombreux artistes, notamment surréalistes et l'autodidacte Henri Rousseau occupe une des premières places dans le Panthéon pictural du 20e siècle.

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Henriette Wyeth (1907-1997) - Iris

 

 

 

Henriette Wyeth (1907-1997)
Iris 1945
Private collection  

Que voit on ? Une bouquet d'iris multicolores, saisi intentionnellement  dans un cadrage qui ne permet pas de voir le bas du bouquet  et donne toutes leurs importance aux fleurs et au bouton oblongues des iris.

Rappel biographique :  Henriette Wyeth est née dans une famille d'artistes. Wyeth était l'aîné des cinq enfants du célèbre illustrateur NC Wyeth et de sa femme Carolyn Bockius.  Ses frères et sœurs Carolyn et Andrew sont également devenus des artistes et tous les trois ont étudié avec leur père. 

Andrew Wyeth est devenu l'artiste le plus connu de cette famille.
Un enfant prodige,  à 13 ans, Wyeth était inscrit à la Normal Arts School de Boston, Massachusetts . L'année suivante, en 1921, elle entre au Boston Museum of Art Academy . Deux ans plus tard, elle déménage à Philadelphie pour étudier la peinture à la Pennsylvania Academy of Fine Arts.   Profondément influencée par le style réalistede son père, elle a rejeté les styles de peinture du début du XXe siècle tels que l' impressionnisme et le cubisme. Socialement et politiquement  très conservatrice, elle rejeta les aussi mouvements progressistes des années 1960 et 1970, y compris le mouvement feministe. 

Elle est connu pour avoir  souvent critiqué la télévision et la culture moderne.
Le travail de Wyeth englobe des portraits d'adultes et d'enfants, des natures mortes et des paysages floraux.
Son œuvre la plus connue est le portrait officiel de la Maison Blanche de la Première Dame Pat Nixon.
 
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Edouard Vuillard (1868-1940) - Vase de fleurs

 
Edouard Vuillard (1868-1940)
Vase de fleurs
Collection privée Vase de fleurs
Collection privée 

Que voit-on ?  Dans un intérieur laissé volontairement dans l'imprécision, posé sur le bord d'une table recouverte d'un nappe jaune : un petit vase en porcelaine blanche contenant une demi douzaine  de  fleurs roses qui pourraient être des pivoines coupées très courtes. Ces couleurs acidulées posées en touches aériennes de même que le carnet négligemment esquissé  à l'autre extrémité de la table confèrent a cette composition une atmosphère d'une grande douceur.  

Rappel biographique : Jean-Édouard Vuillard, connu pour être le fondateur du mouvement Nabis, a peint aussi bien des portraits que des intérieurs, des natures mortes, des compositions murales et des décors de théâtre. Vuillard exposa pour la première fois au Salon des Indépendants en 1901 et au Salon dAutomne en 1903. C'est dans le années 1890 qu'il fit la connaissance des frères Alexandre et Thadée Natanson, les fondateurs de la Revue Blanche, et en 1892, sous leur conseil, il fit ses premières décorations (fresques d'appartements) pour la maison de Madame Desmarais. Plus tard il reçut de nombreuses commandes semblables. En 1895 pour Alexandre Natanson, en 1898 pour Claude Anet, en 1908 pour Bernstein et en 1913 pour Bernheim et pour le Théâtre des Champs Elysées. Les dernières commandes qu'il reçut datent de 1937 (Palais de Chaillot à Paris, avec Bonnard) et de 1939 (Palais des Nations à Genève, avec Maurice Denis, Roussel et Roger Chastel).

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Lucian Freud (1922 - 2011) - Buttercups

Lucian Freud (1922 - 2011)
Buttercups, 1968
Private collection

Que voit-on ?  Posé sans un évier en porcelaine blanche, un broc à eau en métal émaillé lui aussi blanc contenant un bouquet de Boutons d'or et quelques herbes des prés montées en graines. L'or des Boutons d'or, illumine l'intérieur de l'évier et adoucit sa froideur. Le broc est-il en attente vers une autre destination ? La question est posée...

Rappel biographique : Petit fils de Sigmund Freud, le peintre britannique Lucian Freud est considéré comme un des peintres figuratifs les plus importants du 20e siècle et l'un des plus exemplaires grâce à un style à la fois réaliste, acéré et presque caricatural. Surtout connu pour ses portraits, dont celui de la reine Elizabeth II, il a peint aussi quelques natures mortes en réussissant le défi d'être à la fois d'un absolu modernisme et d'un grand classicisme.

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Luigi Lucioni ( 1900-1988) - Still life with Spider Conch and Whelk

Luigi Lucioni ( 1900-1988)
Still life with Spider Conch and Whelk
Private collection

Que voit on ? Une nature  morte de coquillage dont l'aspect  symbolique sexuelle est fortement souligné.

Rappel biogaphique : le peintre et graveur Luigi Lucioni est né à Malnate dans le nord de l'Italie. Au moment où sa famille a émigré aux États-Unis en 1911, il était déjà un excellent dessinateur. Quatre ans plus tard, il remporte un concours de design qui lui permet d’assister à Cooper Union. Il a ensuite fréquenté la National Academy of Design et a remporté une bourse de la Fondation Tiffany qui lui a permis de retourner en Italie pour étudier. À la suite de son séjour en Italie, son travail porte l'empreinte du style réaliste classique. Il est surtout connu pour ses portraits, ses paysages et ses natures mortes toutes d'une forte portée symbolique. Lucioni a maintenu des studios à New York et dans le Vermont (dot il a beaucoup peint les paysages). Il a remporté de nombreux prix, dont le premier prix à l'exposition internationale Carnegie (1939) et à la biennale Corcoran. Il était membre de la Society of American Etchers et de la Allied Art Association et enseignait le portrait à la Art Students League de New York.
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Pierre Auguste Renoir (1841-1919) - Géraniums et chats

 

 

 

 

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)
Géraniums et chats, 1881
Collection privée 

Que voit-on ?  Ce que décrit le titre mêlant nature morte florale dans un intérieur orientalisant tout à fait dans le goût de la fin du 19e siècle et peinture animalière.  Les géraniums rouges et blancs, entassés dans un somptueuse potiche chinoise au décor très surchargé,  censés faire fuir les moustiques ne font pas fuir les chats, tout prêts à de  nouvelles facéties, l'un n'étant pas du tout disposé à laisser sa place à l'autre dans le panier à anse orné d'un ruban, un régal de chat ! 

 

Rappel biographique : L'un des plus célèbres peintres français, Pierre-Auguste Renoir, membre éminent s'il en est du mouvement impressionniste a peint beaucoup de natures mortes, comme l'ensemble des impressionnistes d'ailleurs qui ont participé au renouveau de ce genre vieux de plus de 3000 ans. La dernière toile qu'il aurait voulut peindre serait une nature morte florale. Sur son lit de mort, Renoir aurait demandé une toile et des pinceaux pour peindre le bouquet de fleurs qui se trouvait sur le rebord de la fenêtre. En rendant pour la dernière fois ses pinceaux à l'infirmière, il aurait déclaré : « Je crois que je commence à y comprendre quelque chose ».

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Charles Rennie Mackintosh (1868-1928) - Peonies

 

Charles Rennie Mackintosh (1868-1928)
Peonies, Watercolor, circa 1920.
The MET

 Que voit-on ?   Mackintosh avait bait sa carrière au tournant du XXe siècle comme architecte et designer d'une grande originalité. En 1914, cependant, il quitta brusquement son écosse natale  pour s'installer à Londres,  ville dnas laquelle il peignit ces pivoines dans un gobelet d'argent sur fond de papier peint  typique du design de ses aménagements intérieurs.  Bine que vivant à Londres, son travail n'était guère apprécié des Anglais, et il eut beaucoup de mal à  y établir la réputation qu'il avait en Ecosse. Cette nature morte fait partie de ses efforts pour séduire le public anglais avec un groupe de huit natures mortes florales  envoyées à diverses  expositions.  IL y vouait aussi un moyen de compléter ses maigres revenus, ce qui ne se produisit pas puisque cette nature morte et les  sept autres ne trouvèrent preneur que quelques temps après sa mort. Cette série a le mérite de le révéler comme un aquarelliste de grand talent...

Rappel biographique : Charles Rennie Makintosh est le principal représentant de l'école de Glasgow, courant issu du mouvement Arts & Crafts, qui influencera le mouvement Modern Style, pendant anglo-saxon du style Art nouveau.Au sein de l'École d'art de Glasgow, il constitute un groupe d'artistes connu sous le nom de The Four,  qui s'élève contre les dérives de l'industrialisation. À travers ses créations, Mackintosh prône un retour aux lignes médiévales via le style néo-gothique et l'étude du motif naturel.
En tant qu'architecte, il réalise plusieurs bâtisses remarquables, parmi lesquelles le salon de thé The Willow Rooms et la Scotland Street School à Glasgow, ou encore la résidence Hill House à Helensburgh. Il conçoit aussi le nouveau bâtiment de l'École d'art de Glasgow, construit entre 1897 et 1909, avec lequel il gagne une reconnaissance internationale et qui reste  comme son œuvre majeure. Il travaille par ailleurs en duo avec son épouse Margaret MacDonald Mackintosh (1864-1933) pour agencer des intérieurs avec des meubles originaux et des panneaux décoratifs.
Au milieu des années 1920, le couple s'expatrie dans le sud de la France, dans les Pyrénées-Orientales, où Charles Rennie Mackintosh se consacre à la peinture. En 1927, atteint d'un cancer de la langue, il rentre à Londres où il meurt l'année suivante, ruiné et dans l'indifférence générale.

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Marc Chagall (1887-1985) - Fleurs de printemps

 

Marc Chagall (1887-1985)
Fleurs de printemps
Collection privée

Que voit on ?  Devant une fenêtre ouvrant sur un jardin, posé sur une guéridon recouvert d'une nappe à délicate broderie de fleurs : plusieurs contenants (un pot à eau et deux coupes) en porcelaine blanche à motifs de fleurs ( exactement le même  motif que celui de la nappe!). Un somptueux bouquet de fleurs printanières se déploie à l'intérieur du pot à eau alors que dans les coupes des fleurs aux tiges plus courtes se pressent  en foule compact. Au bas de la fenêtre :  un vase en terre cuite posé au sol est vide. En haut de la fenêtre : un ange violoniste accompagne la scène et veille, comme souvent chez ce peintre.

Rappel biographique : Le peintre français d'origine biélorusse Marc Chagall est l'un des plus célèbres artistes installés en France au 20e siècle avec Pablo Picasso. Son œuvre, sans se rattacher à aucune école, présente des caractéristiques du surréalisme et du néo-primitivisme. Inspirée par la tradition juive, la vie des villages juif en Europe de l'Est et le folklore russe, elle élabore sa propre symbolique, autour de la vie intime de l'artiste. L'emploi de la couleur chez Chagall est très personnel. Dans ses illustrations de La Bible et Le Message biblique, notamment, on voit qu'une barbe peut être tour à tour violette, bleue ou verte. Il renverse les impressions chromatiques habituelles, et emploie la palette pour structurer l'espace de la toile davantage que pour traduire la réalité. " Mon cirque se joue dans le ciel, disait il, il se joue dans les nuages parmi les chaises, il se joue dans la fenêtre où se reflète la lumière " .

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Juan van der Hamen y Leon (1596-1631) - Corbeille de Fruits avec Raisins suspendus, Vases en Terre Cuite et Flacon de Verre

 

Juan van der Hamen y Leon (1596-1631)
Corbeille de Fruits avec Raisins suspendus, Vases en Terre Cuite et  Flacon de Verre
Collection privée 

Que voit on ? Les compositions sont toutes un peu les mêmes chez ce peintre. Seules les positions des objets des objets varient selon les commandes.
Contrastant avec cette sévérité géométrique, l'artiste dispose souvent ses objets sur les bords des structures ou sur des escaliers en pierre, en faisant ainsi varier leur distance à partir de la source lumineuse. Les objets représentés, fruits légumes, bois, terre cuite, et cristaux sont toujours magistralement rendus avec une science de la répartition des couleurs, des ombres, des reflets et des lumières qui en font un maître d'une sensibilité incomparable.
Celle-ci est particulièrement somptueuse.

Rappel biographique : le peintre espagnol Juan van der Hamen y Leon - dont un grand nombre de natures mortes ont été publiées dans ce blog - est surtout connu pour être un maître de ce genre, bien qu'il ait peint aussi des motifs religieux, des paysages et des portraits. Influencé autant par Juan Sanchez Cotan que par la peinture flamande de Frans Snyders dans ses premières natures mortes, il opta finalement pour un naturalisme plus italien et introduisit beaucoup de fraîcheur dans ses compositions. Sa touche est d'une grande délicatesse et d'un absolue précision. Van der Hamen emprunte à Sánchez Cotán le style apparemment sobre de ses compositions mais aussi cette façon systématique de détacher les objets sur un fond sombre et de les éclairer d'une lumière puissante. Les arrangements en quinconces et les ombres portées renforcent l'impression de précision et révèlent que ces compositions sont finalement tout sauf simples ! A partir de 1626, Van der Hamen peint des natures mortes plus complexes que ses premières en plaçant les objets sur différents niveaux. Ce type de composition que l'on retrouve à Rome au début des années 1620 dans les œuvres de Tomasso Salini et d'Agostino Verrocchi, était déjà présent dans les natures mortes de l'Antiquité que l'on découvrira à Pompei et Herculanum au 18e siècle. Les natures mortes de Juan van der Hamen ont exercé une grande influence sur ses contemporains comme Francisco de Zurbarán et plus tard chez des peintres comme Antonio Ponce et Juan Arellano. Une des caractéristiques de la peinture de Van der Hamen, pour laquelle il était surtout connu de son vivant, résidait dans la représentation des coûteuses et luxueuses verreries de Venise ou d'Allemagne. Très préoccupé par l'agencement harmonieux des objets et la représentation précise des textures et des lumières, Van der Hamen livre toujours des compositions très géométriques où les cercles et les sphères ont un rôle primordial.
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Katsushika Hokusai - 葛飾 北斎 (1780-1849) - Crabs and Flowers

 

Katsushika Hokusai - 葛飾 北斎  (1780-1849)
Crabs and Flowers
Harvard Art Museum

Que voit on ? Une des multiples représentations qu'Hokusai a fait des crabes tout au long de sa vie, observant minutieusement ces crustacés dans toutes les positions et situations possibles. Les crabes d'Hokusai ont fasciné Van Gogh qui les connaissait à travers les revues de japonisme que son frère Theo lui faisait parvenir...

Rappel biographique : Connu sous le surnom de "Vieillard fou du dessin ", une signature qu'il employa lui même à partir de 1800, le dessinateur et peintre japonais Katsushika Hokusai fut le grand spécialiste de l’ukiyo-e, graveur et auteur d'écrits populaires. On sait aujourd'hui qu'il changea de signatures plusieurs fois au gré des styles assez variés qu'il adopta au cours de ces 88 années d'existence ; il faut un tableau d'une centaine de lignes pour recenser tous les noms et signatures qu'il employa ! Son œuvre immense (près de 30 000 dessins) influença de nombreux artistes, en particulier Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Claude Monet et Alfred Sisley, et le mouvement artistique appelé japonisme. Certains historiens d'art le voient comme le père du manga, mot qu'il a inventé et qui signifie à peu près : « Esquisse spontanée ».
Sur son lit de mort, il prononça ces dernières paroles : « Si le ciel m'avait accordé encore dix ans de vie, ou même cinq, j'aurais pu devenir un véritable peintre ».
Sur sa pierre tombale il laissa cette épitaphe : « Oh ! La liberté, la belle liberté, quand on va aux champs d'été pour y laisser son corps périssable ! »

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Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) Vase de fleurs, 1901

 

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)
Vase de fleurs, 1901
Huile sur toile 41 x 38 cm
Collection privée


Que voit on ? Sur un entablement qui semble être en pierre, un petite vase rond en porcelaine dans un soucoupe du même matériau, contenant quatre a cinq fleurs. Un bouquet de fleurs modeste si l'on s'en réfère à d'autres compositions florales peintes par Renoir. C'est ici dans doute la représentation d'un petit bouquet de fleurs de jardins pour une table de nuit ou une commode de chambre à coucher.

Rappel biographique : L'un des plus célèbres peintres français, Pierre-Auguste Renoir, membre éminent s'il en est du mouvement impressionniste a peint beaucoup de natures mortes, comme l'ensemble des impressionnistes d'ailleurs qui ont participé au renouveau de ce genre vieux de plus de 3000 ans. La dernière toile qu'il aurait voulut peindre serait une nature morte florale. Sur son lit de mort, Renoir aurait demandé une toile et des pinceaux pour peindre le bouquet de fleurs qui se trouvait sur le rebord de la fenêtre. En rendant pour la dernière fois ses pinceaux à l'infirmière, il aurait déclaré : « Je crois que je commence à y comprendre quelque chose ».

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Henri Matisse (1869-1954) - Citrons sur un plat en étain

  

Henri Matisse (1869-1954)
Citrons sur un plat en étain, 1929
Collection privée

Que vojt-on ? Sur un entablement de buffet de cuisine de couleur saumon (la couleur est osée!) : exactement ce que décrit le tire c'est à dire quatre petits citrons posés sur un plat en étain dont Matisse tire des reflets un profit mesuré  ! A l'arrière plan  : un magnifique tissu où semblent danser des motifs tirés que l'on pourra retrouver  20 ans plus tard ... précisément  dans les  tableaux d'un  Matisse de la maturité !

Rappel Biographique : Henri Matisse, peint son premier tableau, Nature morte avec livres et chandelle en juin 1890, à l'âge de 21 ans Peu après, il se rend à Paris. En 1892, il rencontre Albert Marquet à l'École des Arts déco puis s'inscrit en 1895, à l'École des beaux-arts, dans l'atelier de Gustave Moreau. L'enseignement du maître encourage ses élèves à penser leur peinture, à la rêver, au-delà de la virtuosité technique. Matisse, comme ses condisciples, Georges Rouault, Léon Lehmann, Simon Bussy, Eugène Martel, Albert Huyot ou Henri Evenepoel, est stimulé par cette conception de la peinture et entend développer la sienne selon son individualité. Gustave Moreau, lors d'une correction d'un de ses premiers dessins, lui dit : « Vous allez simplifier la peinture. »
Cette prophétie peut être considérée comme le programme esthétique de l'œuvre d'Henri Matisse.
En 1896, Matisse expose pour la première fois au Salon des Cent et au Salon de la Société nationale des beaux-arts, dont il devient membre associé sur proposition de Pierre Puvis de Chavannes. Cette fonction lui permet notamment d'exposer sans passer par un jury. Il passe l'été à Belle-Île-en-Mer et rencontre l'Australien John Peter Russell, qui l'introduit auprès d'Auguste Rodin et Camille Pissarro. Il commence à s'intéresser à la peinture impressionniste qu'il découvre en 1897 au musée du Luxembourg. Il est alors un peintre classique de natures mortes réalistes aux textures amples. Pour gagner sa vie, Matisse et Marquet travaillent comme peintre décorateurs à la journée, pour les décorateurs de théâtre.
En voyage à Londres, sur les conseils de Pissarro, Matisse découvre la peinture de Joseph Mallord William Turner, puis il part s'installer en Corse où il habite dans la Villa Rocca. A Ajaccio, il peint une cinquantaine de toiles dont Le Mur rose qui représente l'arrière de l'hospice Eugénie vu depuis la Villa de la Rocca. Matisse s'inspire alors de Turner.
En 1899, il découvre le traité de Paul Signac, d’Eugène Delacroix au néo-impressionnisme.
À partir de 1900, Matisse travaille la sculpture et le modelage, à l'Académie de la Grande Chaumière, sous la direction d'Antoine Bourdelle et fréquente également l'atelier d'Eugène Carrière. Il y fait la connaissance d'André Derain et de Jean Puy. Derain lui présente Maurice de Vlaminck. Il expose au Salon des indépendants (1901) et participe à la première édition du Salon d'automne (1903)

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Albert Anker (1831-1910) - Stilleben/ Gediegener Tee

 

Albert Anker (1831-1910),
Stilleben/ Gediegener Tee, 1897.
Huile sur toile, 51 x 42 cm.
Collection privée

Que voit-on ? Sur une nappe  a bordure rouge et blanche de type Jacquard français,  une tasse a thé  et un pot a lait du même type de porcelaine  ; un assiettes remplie de madeleines et de gaufres  saupoudrées de sucre glace ;  un soucoupe  en métal remplie de sucre en morceaux et  dans le fond de la composition une théière sur pied de type samovar, avec son propre réchaud à pétrole.  Le fond du tableau est du même rouge que la bordure de la nappe et la théière fournit au peintre l'opportunité d'uneun jeu sur les  reflets  clin d'oeil aux grands peintres hollandais de l'âge d'or  de la nature morte.

Rappel biographique : Le peintre et illustrateur suisse Albert Anker jouit d'une grande célébrité dans son pays surtout  pour les représentations populaires de la vie des villages du 19e siècle qu'il a restituer dans ses tableaux.  
Elève  à Paris, avec Pierre-Auguste Renoir de Charles Gleyre, il suit les cours de L'Ecole Nationale des Beaux-Arts de Paris où il va résider longtemps. Anker a peint, entre autres, des portraits d'enfants, (pour lesquels il fut extrêmement célèbre) des représentations historiques et religieuses, des natures mortes et des paysages ruraux typiquement suisse. Il se distingue de son maître Gleyre par une représentation des personnages très animée, pas du tout stylisée et qui ne cherche surtout pas pas à atteindre la perfection. Dessinateur accompli (il a laissé plusieurs milliers de dessins sur toutes sorte de format, on retrouve la précision  extrême de son trait dans ses natures mortes. On connait de lui des travaux au crayon, fusain, plume, craie, sanguine, pastel ou sépia et des mélanges de divers techniques sur des formats variés. Le style de son langage pictural va du travail au crayon finement exécuté au dessin au noir de charbon vigoureusement tracé qui est à la base de ses aquarelles, peintures à l'huile et faïence, qui représentent une partie importante de son œuvre.

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Manufacture Hartmann Risler & Cie - Nature morte, Vase à Perroquet

 

Manufacture Hartmann Risler & Cie
Nature morte - Vase à Perroquet
Papier peint pour dessus de porte, 1800
Bibliothèque nationale de France (BnF) Paris

 Que voit on ?  Sur un socle imitant le marbre, une coupe à l'antique très richement ornée en bronze doré, encadrée par deux oiseaux (dont un perroquet) et des fleurs au naturel (capucine, roses, ancholies, tulipes, iris, anémones). Ce motif  de nature morte a été dessiné pour figurer en dessus d'une porte  dans un encadrement  lambrissé  quelquefois réel ou quelquefois en trompe l'oeil. Il permet de se rendre compte de l'éclat des couleurs  des intérieurs en France après la Révolution, sous le Directoire  et le 1er Empire. 

Rappel :  La manufacture  Hartmann Risler & Cie fondé en 1797 est devenue en 1802 la Manufacture Zuber & Cie qui embrasse toute 'histoire du papier peint en Europe.I nstallée à Rixheim (France) dans une ancienne commanderie des chevaliers Teutoniques, cette manufacture  imprime toujours aujourd'hui des papiers peints, ce qui en fait la plus ancienne manufacture de papier peint encore en activité dans le monde. La Manufacture Zuber a conservé un ou plusieurs exemplaires d'un très grand nombre de ses créations, environ 130 000 documents. La force principale de ce fond demeure son ampleur, inédite dans la profession, surtout au cours de la seconde moitié du19e siècle. Zuber fabrique également des tissus d'ameublement, des cuirs et de la peinture.

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Claudio Bravo (1936-2011) - Pain

 

Claudio Bravo (1936-2011)
Pain, 1985 
Collection privée

Que voit-on ? sur un entablement recouvert d'une nappe blanche rugueuse ui n'est pas sans rappeler les natures de peintres  espagnols comme Melendez ou même Dali :  un morceau de pain  non entalé  dont les rides de la croûte font échos aux plis de la nappe.

Rappel biographique : Claudio Bravo né Valparaíso au Chili vivait et et peignait depuis 1972 à Tanger et à Taroudant (Maroc). En 1945, Claudio Bravo entraau Colegio San Ignacio à Santiago du Chili et étudie les arts au studio de Miguel Venegas Cienfuentes à Santiago. En 1954, il présente sa première exposition au Salón 13 à Santiago. Il n'a alors que dix-sept ans. Dans les années 1960, il s'établit à Madrid et devient portraitiste. Il acquiert une large reconnaissance pour la virtuosité technique de son traitement hyper réaliste de ses sujets. Claudio Bravo fait sa première exposition à la Staempfli Gallery à New York en 1970 avant de s’installer au Maroc en 1972. Il achète d’abord à Tanger une maison cossue du 19e siècle. Il la transforme et en peint les murs en blanc pour y faire entrer cette lumière de la Méditerranée si présente dans ses toiles. Il dispose également d’un atelier à Marrakech et d’un autre à Taroudant. Il y vit de façon quasi monacale, peignant plus de huit heures par jour, exigence qui l’a fait qualifier par son ami Mario Vargas Llosa de « moine laïque et d’aristocrate solitaire ».
On a beaucoup reproché à Claudio Bravo de peindre les portraits du dictateur philippin Marco et de  sa très fantasque épouse Imelda, ou encore ses portraits de la famille du dictateur espagnol Franco ou de Malcolm Forbes... il ne chercha à s'en justifier , se contentant de dire quand on lui posait des questions  à ce sujet, qu'il honorait les commandes qu'on lui passait d'où qu 'elles viennent.
En juin 2011, Claudio Bravo succombe  à une crise d'épilepsie,dans son atelier de Taroudant alors qu'il est en train de dessiner son dernier tableau, qui représentait un voile tombant sur le mur de sa chambre Il a laissé toute sa fortune à son ami Bachir Tabchich qui l'a accompagné à Tanger et à Taroudant souhaitant rendre a ce pays auquel il était très attaché  tout ce qu'il lui avait donné.

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Juan Gris (1887‑1927) - Journal et Compotier

 

Juan Gris (1887‑1927),
Journal et Compotier, 1916.
Salomon Guggenheim Museum, New York  

Que voit on ?  Etudiant en dessin mécanique à l'Escuela de Artes y Manufacturas de Madrid, Juan Gris aimait jouer avec l'idée de double réalité. Ici, il documente la réalité en citant un document qui s'y réfère  directement   - un journal - et représente la dimension à travers des outils visuels uniques. Dans ce tableau Juan Gris confronte le spectateur à un  monde tridimensionnel exprimé sur une surface bidimensionnelle? Gris utilise une technique assez innovante  pour y parvenir  : des champs en pointillés colorés qu'érigera plus tard  en véritable le peintre américain Roy Lichtenstein.
 
Rappel Biographique : Juan Gris vécut et travailla en France à partir de 1906. Il fut proche du mouvement cubiste mais il occupa en même temps une place très à part dans la peinture de son temps, sans doute toujours dans l'ombre de Picasso qui l'aurait volontiers " éliminé de la carte " selon les dires de Gertrude Stein. Salvador Dali disait de lui : « Juan Gris est le plus grand des peintres cubistes, plus important que Picasso parce que plus vrai. Picasso était constamment tourmenté par le désir de comprendre la manière de Gris dont les tableaux étaient techniquement toujours aboutis, d'une homogénéité parfaite, alors qu'il ne parvenait jamais à remplir ses surfaces de façon satisfaisante, couvrant avec difficulté la toile d'une matière aigre. Il interrogeait sans cesse : « Qu'est-ce que tu mets là ? — De la térébenthine. » Il essayait le mélange, échouait, abandonnait aussitôt, passant à autre chose, divin impatient. »
Aujourd'hui Juan Gris apparait comme un génie injustement resté dans l'ombre. Il a peint quasiment autant de natures mortes que de paysages ou de portraits.Jusqu’en 1920, sa peinture est encore marquée par l’Espagne, celle des natures mortes de l’école de Séville des 16e-17e siècles – d’un José Sanchez Cotan, d’un Valdes Léal ou d’un Zurbaran, par exemple – Gris aime profondément ces peintures des « blancs chartreux qui, dans l’ombre, glissent silencieux sur les dalles des morts ». Des blancs contrastant avec les noirs, il va donc tirer le parti le plus fort.

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Juan Bautista de Espinosa (1590-1641) - Bodegon con racimos de uvas

 

Juan Bautista de Espinosa (1590-1641)
 Bodegon con racimos de uvas
Collection privée

Que voit on ?  Sur un entablement de bois plusieurs énormes grappes de raisins entourées de coquillages (un des sujets favoris de ce peintre) dont un contient un bouquet de fleurs surmonté par une oiseau vivant.  Plusieurs autres grappes de raisins ont suspendues par des fils au-dessus de ce curieux arrangement qui semble beaucoup attiré les oiseaux puisque vient juste de se poser sur une des grappes suspendues. Une allégorie de l'abondance et  de la joie qu'elle procure.

Rappel biographique  : La vie du  peintre espagnol Juan Bautista de Espinosa  est assez mal documentée. On sait qu'il fut actif à Madrid et à Tolède entre 1612 et 1626. De plus, un artiste homonyme est parfois confondu avec lui, Juan de Espinosa (actif entre 1628 et 1659). Si l'on en juge par son style, on peut en déduire qu'il a étudié en Hollande. Les spécialistes de cette période estiment d'ailleurs de Juan Bautista de Espinosa  est un peintre de la transition entre le baroque flamand et le baroque espagnol.

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John La Farge (1835-1910) - Magnolia

 

John La Farge (1835-1910)
Magnolia, 1863
Private collection


Que voit on ? Une fleur de magnolia et une partie de son généreux feuillage conservée comme uen orchidée dans un bol en bois, dans un peu de terre. Le tout est posé sur une nappe blanche dont on peut voir un pli.  Une belle nature nature dans le style impressionniste très précurseur, de ce grand peintre américain que fut John La Farge.

Rappel biographique : Le peintre et écrivain américain, John La Farge est surtout connu pour son travail de peintre muraliste et auteur de vitraux. Ses rares natures mortes ont principalement été réalisées pendant ses voyages et sont essentiellement florales très imprégnées de l'influence de l'art japonais qu'il admirait et dont il était  un grand collectionneur.

Son intérêt pour les arts débuta durant son séjour à la Mount St. Mary's University et au St. John's College (aujourd'hui Fordham University ). D'abord étudiant en  droit, il change soudainement d'otrentation après  un voyage à Paris où il rencontre Thomas Couture qui le met en relation avec le milieu littéraire de la capitale. Il étudia ensuite avec le peintre William Morris Hunt à Newport.  Ses premiers dessins et paysages, faits à Newport, attestent d'e son originalité dans le choix tonalités des couleur. Entre 1859 et 1870, il illustre les monologues de Robert Browning Hommes et Femmes. Durant cette période, il se lie à Winslow Homer, dont il restera le plus proche ami.
Sa première peinture murale fut réalisée dans la Trinity Church de Boston en 1873. Elle fut suivie par ses décorations dans l'église de l'Ascension et de la chapelle St. Paul ( Columbia University), à New York. Pour le Capitole de l'État du Minnesota à Saint Paul il exécuta, à l'âge de 71 ans, quatre grandes baies vitrées représentant l'histoire du droit, et pour l'édifice de la Cour suprême à Baltimore, une série semblable ayant pour thème la Justice. De plus, il a fait de nombreuses autres peintures et aquarelles, notamment durant ses voyages en Orient et au Pacifique Sud.
Il fut l'un des sept membres fondateurs de l'Académie américaine des arts et des lettres en 1904

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Bernard Buffet (1928-1999) - Table et chaise

 

Bernard Buffet (1928 - 1999)
Table et chaise, 1951
Collection privée

Que voit on ? Contrastant avec la couleur sombre de l'entablement de bois dont un tiroir est ouvert et vide  un compotier en porcelaine blanche contenant quelques fruits (2 pommes et 6 cerises). Sur l'entablement lui même : 2 pommes et 3 cerises. A côté de la table en bois une chaise à l'assise en paille, vide. Le tout est posé sur un carrelage de cuisine en losanges rouge et blanc.  Le fond est constitué par un mur vide de couleur moutarde.

Rappel biographique : Bernard Buffet est un peintre français expressionniste, qui a peint aussi bien des personnages que des figures, animaux, nus, paysages, intérieurs, natures mortes, fleurs. Aquarelliste, c'est également un peintre de décors de théâtre et un illustrateur. Il remporte le concours d’entrée de l'École nationale supérieure des beaux-arts en décembre 1943 à quinze ans, passant deux ans dans l'atelier du peintre Eugène Narbonne où il est déjà considéré comme très doué. Il s'y lie notamment d'amitié avec les peintres Maurice Boitel et Louis Vuillermoz.
En 1947, il expose L'Homme accoudé au Salon des indépendants et en décembre a lieu sa première exposition particulière présentée par Pierre Descargues, à la Librairie des impressions d'art. On y reconnait déjà un graphisme très caractéristique qui sera tout au long de sa vie, la marque du peintre. L'État, par l'intermédiaire de Raymond Cogniat, lui fait son premier achat pour le Musée national d'art moderne de Paris avec la peinture Nature morte au poulet. En 1955, il obtient la première place au référendum organisé par la revue Connaissance des arts désignant les dix meilleurs peintres de l'après-guerre. Il peint les maquettes des décors et des costumes pour La Chambre argument de Georges Simenon qui devient son ami. Élu à l’Académie des beaux-arts au fauteuil de Paul Jouve, Bernard Buffet est alors le plus jeune académicien jamais élu sous la coupole.
En 1978, à la demande de l’administration des postes, Bernard Buffet réalise une maquette pour un timbre de trois francs L’Institut et le Pont des arts. À cette occasion le musée postal à Paris présente une exposition rétrospective de ses œuvres. Dans les années 1970-80, Bernard Buffet est un artiste au sommet de sa gloire que les critiques n'épargnent pas, comme tout artiste qui connait un grand succès de son vivant. Ils lui reprochent principalement le " statisme " de sa touche dans laquelle ils décèlent peu d'évolutions au cours des années, le traitant volontiers de " peintre académique ".
Au début des années 1980 son œuvre immense, est plus appréciée à l'étranger qu'en France, et principalement en Extrême Orient, aux Etats-Unis, en Amérique du sud et au surtout Japon où elle connait un succès considérable et où un musée est spécifiquement construit pour lui à Surugadaira, ce qui, à cette époque, est inédit pour un peintre vivant.
En 1986, sa femme et modèle favori, Annabel, publie D’amour et d’eau fraîche ; la même année sortent les deux premiers volumes de la monographie de Yann Le Pichon, Bernard Buffet, couvrant la période 1947-1982, qui obtiennent immédiatement le Prix Élie Faure.
Bernard Buffet, diminué par la maladie de Parkinson, se suicide par asphyxie, le 4 octobre 1999, dans son atelier du Domaine de la Baume près de Tourtour (Var), étouffé dans un sac en plastique noir sur la surface duquel son nom était dessiné avec sa calligraphie si caractéristique ; dernière mise en scène un rien macabre d'un très grand artiste du 20e siècle, qui toute sa vie avait adoré mettre en scène sa propre existence. En novembre 2007, paraît le troisième et dernier volume de la monographie de Yann Le Pichon, couvrant la période de 1982 à 1999.
En 2016- 2017, le MAM (Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris), rend hommage au peintre à travers une exposition où sont présentées toutes les acquisitions du musée faites dans les années 47- 55 et quelques chef d'œuvres prêtées par le Musée Bernard Buffet de Surugadaira (Japon).

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