Chieko Takamura / 高村 智恵子 (1886 - 1938) - Deux poires, 1929

Chieko Takamura  / 高村 智恵子 (1886 - 1938)
Deux poires, 1929
Collage de Papier découpé
Collection particulière

Que voit on ?  Une œuvre tout à fait avant-gardiste en terme de peinture occidentale. Deux poires en papier découpé sur un fond noir lui-même découpé puis collé sur la toile,dont on aperçoit la trame en ultime fond. Un jeu sur les matières et les couleurs qui n'est pas sans rappeler les collages de papiers découpés que Matisse réalisa à partir de 1945, presque 10 ans après que Chieko Takamura dont il avait connu l'œuvre lorsqu'elle séjourna à Paris, ait disparu.

Rappel biographique : Chieko Takamura (高村 智恵子), est une poétesse et illustratrice japonaise. En 1903, elle entre à la Nihon Joshi Daigaku à Tokyo, dont elle est diplômée en 1907. Elle pratique la peinture à l'huile et réalise des découpages colorés (cf. ci-dessus). Elle est une des premiers membres du mouvement féministe japonais Seitosha. En 1911, elle fait partie des femmes qui fondent le magazine Seitō dont elle peint l'illustration de la première couverture. Ce magazine, d'abord mode d'expression littéraire pour les écrivains femme se transforme rapidement en forum de discussions sur les questions féministes. Ces femmes font partie de la classe moyenne-supérieure et sont bientôt étiquetées « nouvelles femmes » en raison de leurs opinions et de leurs modes de vie. En février 1914, elle épouse le sculpteur et poète Kōtarō Takamura qu'elle rencontre peu après qu'il soit rentré de France. Ils se séparent en 1929, et en 1931 elle est diagnostiquée avec des symptômes de schizophrénie, maladie pour laquelle elle est hospitalisée en 1935. Elle restera à l'hôpital jusqu'à sa mort de tuberculose en 1938.
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Clément Serveau (1886 -1972) Compotier et chandelle, 1949

 

Clément Serveau (1886 -1972)
Compotier et chandelle, 1949
Collection privée 

Que voit-on ? Une composition  intermédiaire flirtant avec le cubisme sans trop  vouloir se l'avouer ! Très beaux coloris éteints qui rappellent aux plus anciens d'autres nous ceux  l'on  pouvait trouver sur les billets de banque français à l'époque ou ceux-ci étaient des œuvres d'art !

Rappel biographique : Le peintre et graveur français Clément Serveau fut surtout connu pour avoir dessiné les billets de 1000 francs (Minerve et Hercule) de 1945. Il avait commencé sa carrière en suivant, entre 1904 et 1914, les cours de l'Ecole des arts décoratifs puis de l'Ecole des beaux-arts à Paris de 1904 а 1914 tout en débutant en 1905 au Salon des Indépendants et en participant aux Salons des artistes français, aux Salons d'automne et aux Salons des Tuileries. Dès 1919 il est directeur artistique des éditions Ferenczi, une maison dont Colette fut la directrice littéraire, et illustre, à l'aide de sa technique du bois gravé, 78 ouvrages du Livre moderne illustré. Après la seconde guerre mondiale sa carrière devient internationale et il participa à de nombreuses expositions d'art français en Suède, à Londres, aux États-Unis, au Canada... où chaque fois il réalise et vend des œuvres dans des styles très variées qui vont du réalisme au post cubisme.
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Helge Dahlman (1924-1979) - Still-life with a Beaker, Jug and Ladle

Helge Dahlman (1924-1979)
Still-life with a Beaker, Jug and Ladle
Private collection 

Que voit on ?  Divers objets déposés sur un entablement de bois légèrement penché et rangés selon un ordre qui ne doit rien au hasard. Une occupation de l'espace pensée un peu à la façon de Giorgio Morandi dans laquelle les objets sont traités comme les éléments d'un paysage. La pâte rugueuse de ce peintre  pouvant transformer le banal contenu table en un paysage désertique écrasé sous le soleil et portant ses ombres sur un improbable sable exotique ou en paysage nocturne, comme c'est le cas ailleurs dans son œuvre.

Rappel Biographique : Le peintre et graphiste finlandais Helge William Dahlman a étudié à l' Académie des Beaux-Arts de Finlande en 1942-1945 et fait ses débuts en 1945. En 1950, il organise sa première exposition personnelle dans un style très ascétique qui a mesure que la décennie avance vas devenir plus coloré et riche. Les peintures de paysages, les portraits et les natures mortes de Dahlman sont généralement de petite taille, intimes et très raffinés du point de vue technique. Il a enseigné à l'Académie des Beaux-Arts de Finlande en 1956-1957 et a représenté à deux reprises la Finlande à la Biennale de São Paulo en 1957 et 1959. En 1964, il a reçu la médaille Pro Finlandia. Une exposition rétrospective à sa mémoire a eu lieu à Helsinki Art Hall en 1995.
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Giorgio Morandi (1890-1964) - Nature morte ,1925

Giorgio Morandi (1890-1964)
Nature morte 1925,
Huile sur toile, 51 x 57.5 cm
Musée de l'Hermitage, St Petersburg

Que voit-on ?  Le  thème obsessionnel de Morandi, à savoir des volumes évoquant des objets. Dans cette composition de jeunesse, l'abstraction n'a pas tout envahi comme ce sera le cas à la fin de sa carrière et on reconnait  nettement trois pains de savon,  une savonnette, une assiette blanche, deux calebasses et une bouteille en verre transparent, la transparence du verre étant habilement suggérée par une seule touche blanche  au milieu de la bouteille. Les tons de beiges et de terre de Sienne de l'ensemble donne à cette huile l'aspect aquarellé que l'on retrouve dans beaucoup d 'autres compositions de ce peintre connu pour fabriquer lui-même ses couleurs.

Rappel biographique : Le peintre italien Giorgio Morandi bien que qualifié de futuriste ne peut être identifié à aucun mouvement pictural du 20e siècle en particulier. Ayant peint de très nombreuses natures mortes, l’œuvre de Cézanne représente évidemment une influence majeure pour lui ; il lui emprunte la monumentalité des formes et les zones denses de couleurs. Mais simultanément, il développe une approche beaucoup plus intime de l’art. Les natures mortes de Giorgio Morandi représentent des objets toujours ordonnés avec soin sur une table dans l'atelier, pour être observés et peints. Ces objets qu'il a lui même achetés chez des brocanteurs, qui lui ont été donnés par des amis ou qu'il a ramassés dans la rue, sont facilement identifiables de toile en toile ; ce sont des bouteilles, cubes, entonnoirs auxquels viennent se mêler, à l'occasion mais rarement, un coquillage ou un fruit ou d'autres éléments plus incongrus (savons, blocs de bois... ). Le positionnement des objets dans le cadre est réalisé avec une attention particulière portée à la " géométrisation" de l'espace qui peut alors se lire en carrés et diagonales. Un lent travail de maturation est mis en œuvre par le dessin et la peinture par reprises successives, superpositions de couleurs faites d'une pâte ample avec des dégradés de gris d'une extrême sensibilité, qu'amplifie une sorte de délectation morose. 

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Herman Berserik (1921-2002) - Nature morte à la machine à coudre, 1976

 

Herman Berserik (1921-2002) 
Nature morte à la machine à coudre, 1976
Collection privée

Que voit-on ? Une "machine à coudre mécanique" à manivelle avec sa bobine de fil,  du modèle (début du XXe siècle) de celles qui furent longtemps les compagnes de nombreuses femmes au foyer.  Souvent ces machines disposaient d'un pédalier pour démultiplier l'action de l'aiguille. Au moment où Berserick peint cette machine est déjà un objet qui appartient au passé puisque les machines à coudre mécaniques avaient  disparu dans les années 1960, avec l'avènement de la machine à coudre domestique électrique.

Rappel biographique : Hermanus ou Herman Berserik (1921 - 2002) fut un peintre, illustrateur, imprimeur, réalisateur de documentaire et décorateur de théâtre néerlandais, membre du Pulchri Studio à La Haye en 1963. Il a étudié l'art à la Royal Academy of Art de La Haye, avec Willem Schrofer, Willem Jacob Rozendaal et Rein Draijer.  De 1951 à 1958, il fut membre du groupe Verve. Entre 1958 et 1978, il enseigna à l'Académie Royale des Beaux-Arts. Il a également été membre de la Fédération des artistes plasticiens professionnels à Amsterdam.
Berserik a beaucoup travaillé sur commande : affiches, petits tirages et illustrations de publicité notamment pour la compagnie Philips, le PTT (Poste royale néerlandaise) et la compagnie aérienne KLM. Il a aussi réalisé plus de 300 couvertures et illustrations de livres.
En 1959, il réalise un film d'animation sur la construction des Delta Works, en commande des autorités de gestion de l'eau. Entre 1953 et 1976, il a conçoit des costumes et des scènes pour huit productions théâtrales différentes. Berserik a réalisé plus de 1500 peintures, portraits, natures mortes, villes et paysages marins.  Il a également participé à des réalisations architecturales, en apposant des mosaïques, des bas reliefs et des peintures murales dans le quartier de La Haye où il a passé sa jeunesse. De 1952 jusqu'à sa mort, il a vécu dans une ancienne cabane de jardiniers (construite en 1806) du domaine "De Voorde" à Rijswijk.
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Hubert van Ravesteyn (1638–1691)- Nature morte avec une cruche fermée en grès, verre de vin et articles de fumeur

 

 

Hubert van Ravesteyn (1638–1691)
Nature morte avec une cruche fermée en grès, verre de vin et articles de fumeur
Huile sur toile, 1684
Collection  privée

Que voit on ? Ce que décrit scrupuleusement et longuement le titre, posé sur une table en bois partiellement recouverte d'un linge sombre et découvrant un pied chantourné. Une nature morte destinée snas doute a un homme et  qui détaille les joies de la virilité au XVIIe siècle a savoir pipes, allumettes, paquet de tabac et verre de vin.   C'est un exercice auquel ce peintre hollandais était rompu comme on peut le constater déjà sur une précédente parution dans ce blog.

Rappel biographique : Hubert van Ravesteyn est un peintre néerlandais du nord, spécialisé dans les natures mortes, genre qui était, rappelons le, classé au bas de l 'échelle de la hiérarchie picturale à cette époque là ! Ses tableaux, signés du monogramme HR, sont peints dans un ton brun à la manière de Cornelis Saftleven mais aussi de Hendrik Martenszoon Sorgh... Dans ses premiers tableaux, la peinture fait l'objet d'un choix très soigneux de couleurs.

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Jacob Foppens van Es (1596-1666) - Nature morte au jambon

Jacob Foppens van Es (1596-1666)
Nature morte au jambon
Huile sur toile, 60x35cm
Musée de beaux-arts de Valenciennes

Que voit-on ? Sur un plan incliné en bois partiellement recouvert d'une nappe deux plateaux en argent contenant l'un le jambon décrit dans le titre l'autre une tranche soigneusement découpe et présentée avec un orange entière et une moitié d'orange. Un verre plein de vin, un pot à moutarde et un bock de bière fermée de même qu'un précieux couteaux en marqueterie de nacre et d'ébène complète la composition.

Rappel biographique : Jacob Foppens van Es est un peintre né à Anvers dans les Pays-Bas espagnols, spécialisé dans les peintures de repas, les natures mortes et les fleurs, comme bon nombre de peintres flamands de cette époque. Les données biographiques sur la vie de Jacob Foppens van Es sont rares. L’inscription sur un portrait de Foppens van Es gravé par Venceslas Hollar d’après un tableau de Joannes Meyssens indique qu’il est né à Anvers. En 1617, il devient maître de la Guilde de Saint-Luc à Anvers. Le fait qu’il n’ait pas été inscrit comme élève à la Guilde avant de devenir maître indique qu’il s’est probablement formé en dehors d’Anvers. Au moment de son enregistrement en tant que maître à Anvers, il était déjà marié à Joanna Claessens avec qui il avait un fils appelé Nicolaas. Nicolaas devint maître de la Guilde en 1648. Son succès en tant qu’artiste est attesté par la présence de ses oeuvres odans de nombreuses collections anversoises au 17ème siècle. Même l’inventaire du principal peintre baroque flamand Peter Paul Rubens comprenait deux de ses œuvres. Jacob Foppens van Es jouissait d’un statut élevé parmi les plus grands artistes anversois et a été actif pendant 50 ans. Jacob Foppens van Es fut un artiste très prolifique. Environ 125 de ses œuvres sont parvenues jusqu'à nous , toutes signées de son nom complet « I. (ou IACOB) VAN ES ». Mais étant donné qu'il ne datait jamais ses œuvres, il est impossible aujourd'hui de retracer la chronologie de sa production et l’évolution de son travail. Ses natures mortes décrivent généralement une accumulation d’objets sans rapport entre eux, posés sur un plan fortement inclinée, la principale préoccupation du peintre semblant être non pas la signification des symboles mais la réalisation de couleurs riches. Ses natures mortes sont dites "archaïsantes" sur le modèles de celles des grands maîtres flamands Osias Beert et Clara Peeters. Certaines subissent directement l'influence de Floris van Schooten.

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Salvador Dalí (1904-1989) - Fleurs,1948

Salvador Dalí (1904-1989)
Fleurs,1948
Aquarelle, crayon, brosse et encre colorées sur carton, 31.7 x 24 cm
Collection privée (USA)

Que voit-on ? Des fleurs donc!  dont deux iris, un coquelicot et deux anémone délicatement exécutées à l'aquarelle  dans une touche  légère mais très sûre  qui ne doit pas surprendre venant d'un peintre à la technique très éprouvée comme Dalí.

Rappel Biographique : Salvador Dalí i Domènech, premier marquis de Dalí de Púbol, est un célèbre peintre, sculpteur, graveur, scénariste et écrivain catalan de nationalité espagnole. Il est considéré comme l'un des principaux représentants du surréalisme, et comme l'un des plus célèbres peintres du xxe siècle.  Influencé très jeune par l'impressionnisme, il quitta Figueras pour recevoir une éducation artistique académique à Madrid où il se lia d'amitié avec Federico García Lorca et Luis Buñuel et chercha son style entre différents mouvements artistiques. Sur les conseils de Joan Miró, il rejoignit Paris à l'issue de ses études et intégra le groupe des surréalistes, où il rencontra sa femme Gala. Il trouva son propre style à partir de 1929, année où il devint surréaliste à part entière et inventa la méthode paranoïaque-critique. A l'époque où il peint cette série d'aquarelles, Dalí a quitté l'Europe pour vivre aux Etats unis où son ctoivité est débordante. De  son aveu même Dalí est encore dans sa période de retour au classicisme  qu'il qualifie de  " Dalí de la psychanalyse ", période qu'il va bientôt abandonner, après les bombardements nucléaires d'Hiroshima et de Nagasaki pour entrer dans la période  " Dalí de la physique nucléaire "...
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Gabriel-Germain Joncherie (1798-1856) - Nature morte, Un Vivier

Gabriel-Germain Joncherie (1798-1856)
Nature morte,  Un Vivier
Collection privée

Que voit on ?  Un sujet assez rarement traité dans les natures mortes et pourtant très quotidien :  celui du vivier à poissons. Dans cette composition, éminemment documentaliste, la fraîcheur de la marée est mise en exergue, avec ce baquet central dans lequel sont immédiatement versés les poissons au sortir de la nasse, le tout devant un paysage qui ne laisse aucun doute sur la provenance proche....  

Rappel biographique : Très peu de détails biographiques sont parvenus jusqu'à nous concernant le peintre parisien, Gabriel-Germain Joncherie dont les dates de naissance et de décès ne sont même pas certaines. Ce que l'on sait de façon certaine c'est qu'il fut actif en tant que peintre d'intérieurs et de natures mortes à Paris entre 1831 et 1844 et qu'il exposa ses œuvres au Salon de Paris. Il était connu pour l’originalité de ses compositions, dans lesquelles il combinait la nature morte traditionnelle au trompe-l'oeil. et aussi pour l'aspect fortement documentaire de certains de ces tableaux. Les peintres documentalistes dont il faisait partie ont ainsi livré des témoignages inestimables sur les mœurs culinaires (mais pas seulement) de leur temps, occupant le créneau dans lequel la photographie naissante allait exceller quelques années plus tard.

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Henri Matisse (1869-1954) - Nature morte avec pommes

Henri Matisse (1869-1954)
Nature morte avec pommes
Huie sur panneau 1916
Harvard Art Museums

Que voit on ? Une composition qui est une variation à peine de  différente de Nature morte au verre d'eau et assez proche  de Nature morte au citron, référence explicite à Manet et à son Citron  où l'utilisation du Noir est typique de cette période de Matisse. Au journaliste Ragnar Hoppe, qui l'avait interviewé en 1919, Matisse expliquait : " Je n’ai jamais été aussi conscient que récemment, de la beauté de la couleur noire, de tout ce qu’elle peut offrir, à la fois comme contraste et en soi ".

Rappel biographique : Henri Matisse, peint son premier tableau, Nature morte avec livres et chandelle en juin 1890, à l'âge de 21 ans Peu après, il se rend à Paris. En 1892, il rencontre Albert Marquet à l'École des Arts déco puis s'inscrit en 1895, à l'École des beaux-arts, dans l'atelier de Gustave Moreau. L'enseignement du maître encourage ses élèves à penser leur peinture, à la rêver, au-delà de la virtuosité technique. Matisse, comme ses condisciples, Georges Rouault, Léon Lehmann, Simon Bussy, Eugène Martel, Albert Huyot ou Henri Evenepoel, est stimulé par cette conception de la peinture et entend développer la sienne selon son individualité. Gustave Moreau, lors d'une correction d'un de ses premiers dessins, lui dit : « Vous allez simplifier la peinture. » Cette prophétie artistique peut être considérée comme le programme esthétique de l'œuvre d'Henri Matisse. En 1896, Matisse expose pour la première fois au Salon des Cent et au Salon de la Société nationale des beaux-arts, dont il devient membre associé sur proposition de Pierre Puvis de Chavannes. Cette fonction lui permet notamment d'exposer sans passer par un jury. Il passe l'été à Belle-Île-en-Mer et rencontre l'Australien John Peter Russell, qui l'introduit auprès d'Auguste Rodin et Camille Pissarro. Il commence à s'intéresser à la peinture impressionniste qu'il découvre en 1897 au musée du Luxembourg. Il est alors un peintre classique de natures mortes réalistes aux textures amples. Pour gagner sa vie, Matisse et Marquet travaillent comme peintre décorateurs à la journée, pour les décorateurs de théâtre. En voyage à Londres, sur les conseils de Pissarro, Matisse découvre la peinture de Joseph Mallord William Turner, puis il part s'installer en Corse où il habite dans la Villa Rocca. A Ajaccio, il peint une cinquantaine de toiles dont Le Mur rose qui représente l'arrière de l'hospice Eugénie vu depuis la Villa de la Rocca. Matisse s'inspire alors de Turner. En 1899, il découvre le traité de Paul Signac, d’Eugène Delacroix au néo-impressionnisme. À partir de 1900, Matisse travaille la sculpture et le modelage, à l'Académie de la Grande Chaumière, sous la direction d'Antoine Bourdelle et fréquente également l'atelier d'Eugène Carrière. Il y fait la connaissance d'André Derain et de Jean Puy. Derain lui présente Maurice de Vlaminck. Il expose au Salon des indépendants (1901) et participe à la première édition du Salon d'automne (1903)

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Georges Rohner (1913-2000) - Bataille d'oranges

Georges Rohner (1913-2000)
Bataille d'oranges, 1969
Huile sur toile 84 x 146cm
Collection privée 

Que voit on ? Ce grand peintre français du XXe siècle retraite ici un des thèmes favoris des natures mortes depuis l'Antiquité, à savoir celui de la pelure d'orange (ou de citron), symbole de la vie qui s'écoule inexorablement (un paradoxe lorsque l'on sait que les pelures  d'agrumes en général possèdent des propriétés anti cancéreuses reconnues).  Ces pelures en serpentins qui conduisent censées conduire vers la mort en adoptant  dans toutes les natures mortes du passé la forme non moins symbolique du serpent, sont  exploitées  pat Rohner sous deux de leurs formes  les plus connues: le serpentin ou le quartier.  Autant le peintre semble se plier a la symbolique de serpentin conducteur vers la mort, autant il exprime une explosion de vie  et de joie dans la forme en quartier qui révèle les fruits comme autant de fleurs s'épanouissant librement (au milieu à gauche ; en haut à gauche ; en haut à droite).
 

Rappel biographique : Georges Rohner  quitte le lycée dès l'âge de 16 ans pour se présenter à l’École des beaux-arts de Parisen en 1929. Sous l'impulsion du critique Henri Hérault, il s'associe à Robert Humblot, Jannot, Lasne, le canadien Alfred Pellant, Pierre Tal-Coat et Raymond Moisset pour fonder le mouvement « Forces nouvelles » qui prône le retour au dessin, au métier consciencieux de la tradition dans un contact fervent avec la nature. En 1932, son envie d’indépendance le pousse à quitter les Beaux-Arts et à louer un atelier avec Robert Humblot.
Il voyage en Espagne ainsi qu'aux Pays-Bas, où il découvre la ville d'Amsterdam. Au cours de son service militaire en Guadeloupe, il décore l’hôtel de ville de Basse-Terre. En 1940, il est fait prisonnier et interné à Trèves. Il y décore la chapelle du stalag dont il conservera Le Christ aux prisonniers.
En 1959, il est nommé chargé de cours à l'École des beaux-arts et décoré de la Légion d'honneur. Il poursuit sa carrière comme professeur de dessin et couleurs à l'École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris en 1962. En 1963 il est décoré de l'ordre des Arts et des Lettres. En 1968, Rohner est élu à l'Académie des beaux-arts où il occupe le fauteuil d’Ingres. En 1987, une rétrospective est organisée au musée des beaux-arts de Quimper.
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Georges Bouche (1874-1941) - Nature morte à la botte de radis, panier de champignons, camembert et pain

Georges Bouche (1874-1941)
Nature morte à la botte de radis, panier de champignons, camembert et pain
Huile sur toile
Collection particulière

Que voit-on ? Une composition très classique comprenant tous les éléments compris dans le titre  à l'exception d'un petit pot de beurre sur la droite, d'un pot de fleurs à l'arrière plan et du couteau au premier plan, couteau qui comme dans les natures les plus classiques trace le sens de la perspective.   La touche rugueuse etpourtant d'une légéreté presque diaphane est tout à fait originale de même que la palette  presque éteinte et monochrome tout à fait caractéristique de ce très grand peintre français... toujours quasiment inconnu du grand public de nos jours ! `

Rappel biographique : le peintre français, Georges Bouche commence à peindre dès l’âge de quatorze ans des petites toiles ; il voue à ce moment là une admiration enthousiaste au peintre paysagiste lyonnais Louis-Hilaire Carrand (1821-1899) qu'il rencontre à la fin de sa vie, alors que celui-ci mène une existence misérable. L'influence de ce très grand peintre proche de l'Ecole de Barbizon lui-même très influencé par Gustave Moreau se fera sentir de façon indélébile sur tout l'oeuvre de Georges Bouche.
D’abord élève d’architecture à l’Ecole des Beaux-Arts de Lyon, Bouche quitte sa ville natale et s’installe à Paris où il rencontre Pierre Laprade avec qui il se lie d’amitié et fonde un atelier commun. Les styles de l'un et l'autre sont pour un temps très entremêlés jusqu'au moment où, découvert par le marchand Ambroise Vollard Laprade quitte l’atelier.
Georges Bouche épouse alors la peintre Emilie Charmy et continue à travailler seul, réagissant contre les facilités d’harmonies des Post-Impressionnistes et des Fauves, s’attachant à prouver que les excès de couleur risquent de tuer la lumière. A travers une pâte rugueuse, il obtient un effet de légèreté et de transparence inégalée dans le domaine de la peinture si ce n'est pas Alberto Giacometti quelques années plus tard. En 1902, il expose pour la première fois et participe régulièrement au Salon d’automne, au Salon des indépendants et à la Nationale. Il est représenté à l’exposition des « Maîtres indépendants 1895-1937 » au Petit Palais de Paris.
Lorsqu’il rencontre le succès, Georges Bouche est au seuil de la mort. L’exposition de 1939 à Paris est la dernière de son vivant. Quand la Seconde Guerre mondiale éclate, le peintre se retire dans sa propriété d’Auvergne où il décède peut de temps après. Son œuvre magnifique est depuis son décès demeurée dans un oubli aussi injuste qu'incompréhensible, car il s 'agit là d'un très grand peintre du 20e siècle.

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Albrecht Dürer (1421-1528) - Ancolie, (Aquilegia)

 

Albrecht Dürer (1421-1528)
Ancolie, (Aquilegia) 1540
Gouache on pergament (50 x 40cm)
Albertina museum, Vienna.


Rappel biographique : Si l'on ne connait pas Dürer comme peintre de natures mortes c'est tout simplement parce qu'il n'en pas peint. Les quelques dessins d'animaux qu'il a laissés sont tous des dessins d'animaux vivants et les aquarelles de plantes, crustacés ou de poissons et autres objets qu'il a laissés peuvent être assimilés à des natures sans pour autant en être stricto sensu.
« L'art d'Albrecht Dürer marque l'apogée de la peinture à la sortie du Moyen Âge. Sa maîtrise absolue du dessin rigoureux et d'une coloration sensuelle fascinent aujourd'hui comme de son temps ». Dürer travaille sa peinture dans la continuité de Van Eyck en tentant de reproduire le plus fidèlement possible la nature et les paysages ; ses nombreuses esquisses indiquent bien tout l'intérêt que portait l'artiste à ce travail. Formé dans la tradition médiévale allemande en vigueur à son époque, il acquiert grâce à ses voyages en Italie une profonde indépendance, plus grande peut-être que les artistes italiens eux-mêmes, puisqu'il ne relevait lui-même d'aucune tradition moderne, l'allemande appartenant déjà au passé. Il a représenté à sa manière une avant-garde.

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Floris Verster (1861-1927) - Bouteilles

Floris Verster (1861-1927)
Bouteilles, 1905
Huile sur toile
Collection privée

Que voit on ?  Peint  la même année et avec un modernisme équivalent à celui de Pots En Etain  voici une accumulation de bouteilles  (avec ou sans contenant) particulièrement colorée et ensoleillée qui pconfirme le génie visionnaire de cet immense peintre hollandais de la fin du 19e siècle, que fut Verster.  Un chef d'œuvre de plus à verser à l'actif de son œuvre qui en en compte déjà beaucoup !

Rappel biographique : Le peintre néerlandais Floris Verster était issu d'une famille d'artistes. Son père, Abraham Florentius Verster van Wulverhorst, était un érudit, administrateur du Museum national d'histoire naturelle de Leiden et lui-même peintre ornithologique renommé. Son frère cadet, Cees, devint critique d'art puis conservateur du Stedelijk Museum De Lakenhal à Leiden.
Entre 1880 et 1884, Floris Verster poursuit ses études à la Royal Academy of Art de La Haye puis après avoir obtenu son diplôme, il suit des cours avec Amédée Bourson à Bruxelles.
Jusqu'en 1885 environ, il travailla dans le style de l' Ecole de La Haye. Les sept années suivantes, il expérimente la nature morte sous l'influence de son beau-frère et des peintres français Antoine Vollon et Théodule Ribot. On peut dire qu'il excella en tant que coloriste, avec un vision très passionnée des couleurs très différente du style habituel des peintres de l' Ecole de La Haye .
À Bruxelles, il rencontra Jan Toorop et d'autres membres du groupe d'artistes d'avant-garde Les Vingt. En partie sous leur influence, Verster commença à travailler à coups de pinceau rugueux et de couleurs intenses. Il connut un immense succès avec ses natures mortes exubérantes et ses véritables paysages floraux. Entre 1892 et 1900, son travail subit une métamorphose pour se consacrer presque entièrement aux dessins au crayon contenant. À partir de 1900, il commence à peindre et se positionne comme un artiste reconnu aux Pays-Bas. La plupart de ses œuvres, outre les collections particulières, se trouvent au Musée Kröller-Müller et au Musée Stedelijk De Lakenhalà Leiden.
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Franz Radziwill (1895-1983) - Nature morte avec une branche de fleur de pommier

Franz Radziwill (1895-1983)
Nature morte avec une branche de fleur de pommier, 1941
Collection privée

 Que voit-on ?  Une branche de pommier dans un vase en effet mais aussi sur la table devant cette fenêtre: un petit carnet, une pot dont le couvercle est enlevé, un verre vide de forme flûte, une coupe avec quelques gâteaux secs. Le paysage vu par la fenêtre présente des sillons au bout desquels on aperçoit une ferme.

Rappel biographique : Franz Radziwill est un peintre allemand dont la majeur partie de l'œuvre est conservée aujourd'hui MOMA à New York. Il est resté célèbre pour s'être s' intéressé au groupe Die Brücke (Le Pont), une association d'artistes expressionnistes formé à Dresde en 1905. En 1906 y adhèrent aussi Emil Nolde (1867-1956) et Max Pechstein (1881-1955) de même que Otto Mueller (1874-1930) en 1910.  Le fauve Kees van Dongen se rapprocha également du groupe et fut ainsi l'intermédiaire entre le groupe allemand et ses amis français. Franz Radziwill rejoignit Die Brücke en 1920. En 1921, Rosa Schapire, historienne de l'art, et Wilhelm Niemeyer, professeur à l'école des arts et métiers de Hambourg, fondent le journal Die Kündung, plus ou moins le porte parole avoué de Die Brücke à travers des conférences, des événements et des publications originales.
Die Kündung fut ainsi le premier media à présenter des estampes originales de Franz Radziwill... ainsi que des illustrations gravées sur bois de poèmes dans lesquels un lettrage grossier et brut reflétait le ton extatique et le langage primitiviste des textes. En outre, la publication comprenait des nouvelles et des essais critiques sur l'art et la littérature, imprimés dans une grande variété de caractères et avec des initiales ornementales par Schmidt-Rottluff. L'utilisation expérimentale de la typographie par la revue la distinguait des autres périodiques expressionnistes. 

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Georges Braque (1882-1963) - Compotier

 

Georges Braque (1882-1963)
Compotier
Eau forte et aquatinte, 1959
Collection privée

Que voit-on ?   Ce que décrit le titre un compotier dans lequel on peut discerner nettement une poire et un autre fruit. Le tout semble posé sur une guéridon recouvert d'une nappe très sombre dont les plis sommairement dessiné semble éclaircir l'ensemble à mesure que l'on s'éloigne du centre.

Rappel biographique : le peintre français Georges Braque qui fut aussi sculpteur et graveur est le maître incontestable de la nature morte au 20e siècle, genre qu'il a profondément transformé et renouvelé tout au long de sa vie, s'inscrivant (consciemment ou inconsciemment) dans une démarche similaire à celle de Chardin au 18e siècle. Engagé dans le sillage du fauvisme, influencé par Matisse, Derain et Othon Friesz, il peint, à l'été 1906 les paysages de l'Estaque avec des maisons en forme de cubes (Maisons à L'Estaque) que Matisse qualifie de cubistes. A partir de 1909, il entre dans ce que les spécialistes appellent la période du " cubisme analytique ". Les paysages qui prédominaient jusqu'alors dans son œuvre vont céder la place aux natures mortes.
Ce sont principalement des natures mortes d'objets et/ou d'instruments de musiques (violons, guitare, pipe, journaux et magazines, objets divers de décorations intérieurs comme les nappes, les guéridons...) qu'il peint délaissant volontiers les thématiques habituelles du genre (fruits, légumes, pâtisseries, porcelaines).
A la Libération, Aimé Maeght devient son nouveau marchand parisien, et publie la première édition des Cahiers G. Braque. En 1948, lorsqu'il présente la série des Billards à la Biennale de Venise, il reçoit le Grand Prix pour l'ensemble de son œuvre. Suit une série d'expositions en particulier au MoMa de New York, qui parachève la reconnaissance internationale de son œuvre immense. Depuis lors il est considéré comme un des cinq grands génies picturaux du 20e siècle.
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Ivan Puni (1894-1956) - Le Violon Rouge

Ivan Albertovich Puni (1894 -1956)
Nature morte Le Violon Rouge, 1919
Huile sur toile, 115 x 145cm
State Museum of Russia, Saint Petersburg

Que voit on ?  L'un des chefs d'œuvres les plus époustouflants de l'avant garde russe, Le violon rouge peint en 1919 et que Chagall admirait comme une  des grandes œuvres annonçant ce que le 20 siècle pictural allait être . Le modernisme de cette toile  laisse encore aujourd'hui sans voix....

Rappel biographique : Ivan Puni (Иван Пуни) connu aussi sous le nom francisé de Jean Pougny est un artiste avant-gardiste russe classé, un temps, parmi les suprématistes et les cubistes futuristes.
Petit-fils d'un compositeur italien de musique de ballet, Cesare Pugni, Ivan est inscrit dès 190 -11 à l' Académie Julian à Paris où il reçoit une éducation artistique dans le domaine des beaux arts et où il commence à peindre dans une un style dérivé du fauvisme.
À son retour en Russie en 1912, il montre ses œuvres à des membres de l''avant-garde de Saint-Pétersbourg, dont Kazimir Malevitch et Vladimir Tatlin qui sont immédiatement intéressés par son originalité. Au retour d'une deuxième voyage à Paris en 1915, il se met à peindre dans un style cubiste qui rappelle celui de Juan Gris. En 1915, Puni forment Supremus, un groupe d'artistes chargé de faire promotion du "suprématisme", le mouvement d'art abstrait fondé par Kasimir Malevitch.
En 1916, Malevitch et Puni co-écrivent le Manifeste suprématiste, qui appel la naissance d "un nouvel art abstrait pour une nouvelle ère historique ".
En 1919, il enseigne à l'école d'art de Vitebsk sous la direction de Marc Chagall. La même année, au lendemain de la révolution bolchevique, Puni et son épouse quitte la Russie. Ils transitent par la Finlande, avant de s'installer en 1920 à Berlin, où la Galerie der Sturm organise la première exposition entièrement consacrée à son travail. Pendant son séjour à Berlin, Puni conçoit des costumes et des décors pour divers productions théâtrales.
En 1924 enfin, Puni et son épouse Boguslavskaya s' installent définitivement à Paris, où son style change de nouveau en une variante de l’impressionnisme. En France, il signe son travail Jean Pougny dans le but de distancer sa nouvelle pratique artistique de son précédent travail en Russie. En 1946, Puni / Pougny devient citoyen français.
Il est mort à Paris en 1956.
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Gabriel-Germain Joncherie (1798-1856) - Oeufs cuisant sur un chaudron

 

Gabriel-Germain Joncherie (1798-1856)
Oeufs cuisant sur un chaudron
Collection privée 

Que voit on ? Un sujet de la vie quotidienne, de la vie du peuple des campagnes, genre qui va devenir de plus en plus répandu au XIXe siècle, surtout chez les peintres romantiques qui dédaignent le traitement des sujets r nobles réclamés par les commanditaires  parisiens conventionnels. Ces peintres documentalistes ont livré ainsi des témoignages  inestimables sur les mœurs culinaires  (mais pas seulement) de leur temps, occupant le créneau dans lequel la photographie naissante allait exceller quelques années plus tard. 

Rappel biographique : Très peu de détails biographiques sont parvenus jusqu'à nous concernant le peintre parisien, Gabriel-Germain Joncherie dont les dates de naissance et de décès ne sont même pas certaines. Ce que l'on sait de façon certaine c'est qu'il fut actif en tant que peintre d'intérieurs et de natures mortes à Paris entre 1831 et 1844 et qu'il exposa ses œuvres au Salon de Paris. Il était connu pour l’originalité de ses compositions,  très documentaires, dans lesquelles il combinait souvent nature morte traditionnelle et trompe-l 'œil.

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Giorgio de Chirico (1888-1978) - Les Brioches

 

Giorgio de Chirico (1888-1978)
Les Brioches.
Huile sur toile, 1925-1926.
Museo del Novecento, Milano

Que voit on ? Effectivement deux brioches posées sur un coin de table recouverte d'une nappe rayée dans un décor surréaliste à souhait ou ciel nuageux, le disputent à équerres, compas, règles, chevalets, lettrines et éléments d'architecture en faux marbre.

Rappel Biographique : Giorgio De Chirico est un peintre, sculpteur et écrivain italien  né en grève et dont les œuvres, unanimement admirées des surréalistes jusqu'en 1925, ont ensuite été rejetées tout aussi unanimement après. Son patron était l'éditeur Emilio Bestetti. On distingue généralement trois grandes périodes dans l'oeuvre de Chirico :
- les années 1910, dont les œuvres dites « métaphysiques » l'ont consacré comme symbole de la modernité,
- les années 1920-1930, période romantico-baroque, au cours de laquelle De Chirico revient sur des positions qu'il avait précédemment dénoncées,
- les années après 1940, qui voient le retour à une « néo-métaphysique » où se multiplient les répliques et les copies.
La rupture définitive avec les surréalistes intervient en 1928. En réponse à sa nouvelle exposition organisée par Paul Guillaume, les surréalistes organisent une contre-exposition à laquelle ils donnent pour titre Ci-gît Giorgio De Chirico. Dans un compte rendu de cette exposition, Raymond Queneau conclut « qu'il est inutile de s'attarder derrière ce grand peintre (...) Une barbe lui a poussé au front, une sale vieille barbe de renégat ». Cinquante ans plus tard, De Chirico répondra : « J'aurais préféré qu'on s'occupe de moi d'une façon plus intelligente. Mais je ne peux rien faire contre. »
La polémique n'empêche pas De Chirico de poursuivre son œuvre dans une voie plus académique mais aussi plus rémunératrice. Il s'entoure d'aides pour reproduire ses propres tableaux et investir ainsi les marchés européen et américain de l'Art, déclinant à l'infini ses tableaux dans son style « métaphysique ».

Gustave Caillebotte (1848-1894) - Iris bleus, jardin du Petit Gennevilliers

Gustave Caillebotte (1848-1894)
Iris bleus, jardin du Petit Gennevilliers, c. 1892.
Huile sur toile, 55.2 × 46.4 cm.
Collection privée 

Que voit-on ? Trois iris saisis dans un parterre du jardin de la maison de la famille Caillebotte au Petit Genevilliers où figure - au tout premier plan - aussi une Digital (Digitalis purpurea) égarée ! Un instantané - bien avant que le terme ne soit  immortalisé par la photographie- et qui est dans un cadrage dont seule Caillebotte avait le secret. Bref une petite merveille toujours aujourd'hui dans une collection privée et dont l'image s'offre pour la première sans doute au regard du public !

Rappel biographique : le peintre français Gustave Caillebotte fut aussi mécène, collectionneur et organisateur des expositions impressionnistes de 1877, 1879, 1880 et 1882. Le talent de Caillebotte fut longtemps méconnu (sauf aux États-Unis) au profit de son rôle de « mécène éclairé ». Le peintre fut redécouvert dans les années 1970 à l'initiative de collectionneurs américains. Les rétrospectives de ses œuvres sont désormais fréquentes. Certains de ses tableaux se trouvent maintenant au musée d'Orsay à Paris. Caillebotte est l'un des premiers grands peintres français à exposer régulièrement aux États-Unis, où il rencontre un vif succès, et où se trouvent aujourd'hui nombre de ses toiles. Il est l'un des fondateurs du courant « réaliste », qu'illustrera par exemple au 20e siècle l'américain Edward Hopper. Fortuné, il n'a pas besoin de vendre ses toiles pour vivre, si bien que ses descendants possèdent encore près de 70 % de ses œuvres. À sa mort, Martial et Auguste Renoir son exécuteur testamentaire, prennent les dispositions pour que l’État accepte le legs de ses tableaux impressionnistes. Les historiens d'art qualifient volontiers cet artiste « d’original et audacieux ». Sa technique ne l'est pas moins assez proche de l'art photographique, mais, par de puissants effets de perspectives tronquées, les distances et les premiers plans sont écrasés et l'horizon absent, d'où la perception instable et plongeante (Caillebotte invente la vue en plongée dans la peinture). Les effets de vue plongeante s'imposent dans son art à travers les personnages au balcon et ses vues en surplomb des rues et des boulevards.
Dans ses natures mortes saisies souvent dans des cadrages et sous des angles inhabituels, il s'intéresse surtout à l'aspect préparé et alimentaire. Il affectionne les natures mortes à l'étalage dont il croque le plan sur les marchés, dans les restaurants, ou dans les boutiques et qu'il retravaille entièrement dans son atelier, car contrairement aux impressionnistes qui peignent en plein air, Caillebotte retravaille toutes ses esquisses à l'atelier.
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Aristide Maillol (1861-1944) - Nature morte avec poivrons

Aristide Maillol (1861-1944)
Nature morte avec poivrons, 1940
Huile sur bois  30 x 33cm
Musée Maillol, Banyuls-sur-mer

Que voit-on ? Les deux poivrons décrits dans le titre, tous deux rouges, mais aussi une tomate et une figue éclaté. Une étude picturale très aboutie des formes rondes que Maillol exploitera de façon tellement géniale en sculpture, mais aussi une remarquable leçon de coloriste tant il est vrai qu'il n'est rien de plus difficile à réussir que la peinture des rouges et de leurs nuances. Une toile qui n'est pas sans rappeler la touche de Cézanne mais une palette tout à fait unique.
 

Rappel biographique : Aristide Maillol, est un peintre, graveur et sculpteur français et...  sans doute  d'ailleurs l'un des sculpteurs les plus célèbres de son temps. Il commence sa carrière dans la peinture et s'intéresse très tôt aux arts décoratifs : céramique et tapisserie, avant de se consacrer à la sculpture, vers l'âge de quarante ans. Son œuvre, silencieuse, fondée sur des formes pleines, élaborées à partir de l'étude du nu féminin et simplifiées jusqu'à l'épure, représente une véritable révolution artistique, anticipant l'abstraction. Sa création a marqué le tournant entre le XIXe et le XXe siècle, inspiré nombre de grands artistes, dont Henry Moore, Arp ou Laurens et trouvé une résonance chez Picasso, Brancusi et Matisse.  Le 1er janvier 2015, l'entrée des œuvres d'Aristide Maillol dans le domaine public a fait l'objet d'une  importante couverture médiatique nationale en France, remettant en lumière l'œuvre et la personnalité  extraordinaires de cet artiste déterminant dans l'Histoire de l'art des XIX et XXe siècle.

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Kees van Dongen (1877-1968) - Camélia rose

Kees van Dongen (1877-1968)
Camélia rose
Huile sur toile, 55,2 x 33 cm
Collection privée

Que voit on ? Une fleur de camélia rose dans un vase dit  "solitaire"  en opaline blanche cerclé de filets dorés, tout à fait dans le goût des années de l'entre deux guerre. Le vase est posé sur une nappe à motifs fleuris ; une enveloppe adressée et timbrée est posé devant le vase...

Rappel biographique : Le peintre néerlandais Kees van Dongen est né dans une famille appartenant à la classe moyenne.  En 1892, à l'âge de 16 ans, Kees van Dongen commence ses études à l'Académie royale des beaux-arts de Rotterdam, où il travaille avec J. Striening et J. G. Heyberg. Durant cette période (1892–1897), Van Dongen fréquente le Quartier rouge du port, où il dessine des scènes de marins et de prostituées. D'inspiration anarchiste, il illustre en 1895 avec Jan Krulder l’édition hollandaise de l'ouvrage de Pierre Kropotkine intitulé L’Anarchie.En 1897, il s'installe  à Paris pour plusieurs mois, vivotant dans le quartier des Halles où il rencontre aussi Félix Fénéon, par lequel il se voit confier en 1901 un numéro de L'Assiette au beurre, petite histoire pour petits et grands enfants. En 1904, il expose au Salon des indépendants et se lie avec Maurice de Vlaminck et Henri Matisse. En 1911, il expose à la galerie Bernheim, rue Richepanse. Il présente une autre peinture, le Châle espagnol, au Salon d’automne 1913  jugée outrageante, à cause de la nudité partielle du modèle ; le tableau est retiré dès le lendemain de l’ouverture. Après la Première Guerre mondiale, il s'installe près du bois de Boulogne, notamment à la Villa Saiï, et fréquente les cercles mondains de la capitale. Il vécut  notamment dans le palais Rose du Vésinet, appartenant à la marquise Luisa Casati. En 1926 il  est décoré chevalier de la Légion d'honneur et promu officier de la Légion d'honneur en 1954. En 1929, il obtient la nationalité française. En octobre 1941, en compagnie d'autres peintres et sculpteurs Van Dongen accepta de participer à un « voyage d’études » en Allemagne organisé par Arno Breker. La contrepartie de ce déplacement, vivement « conseillé » par le gouvernement allemand, devait être la libération d'artistes français alors prisonniers de guerre. Ce voyage dans l'Allemagne nazie très largement exploité par la propagande leur fut à tous sévèrement reproché.
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Mosaïques romaines - Assortiments de poissons

Mosaïques romaines
Assortiments de poissons
Sol, 1er siècle
The British Museum

Que voit on ? Répartis dans une composition très harmonieuse autour d'un homard central : un poulpe, une lamproie, une dorade, un maquereau, un  poisson chat,un rouget et divers autres espèces de Méditérrannée... fournissant ainsi au visiteur qui foulait le sol de cette villa romaine un bon aperçu de ce qu'il pourrait espérer avoir pour déjeuner ! Une sorte de menu à la carte à ses pieds !!!

Rappel historique : La mosaïque est l'art romain par excellence car ni la Grèce classique ni les Grecs d'Alexandrie n'avaient su lui donner la richesse du répertoire iconographique qu'elle a eue sous l'Empire romain et encore moins la répandre dans tout le bassin méditerranéen comme le fera Rome. La mosaïque polychrome est ti maitrisée par les Romains au IIe siècle av. J.-C. Grâce à l'activité de ses ateliers itinérants, toutes les provinces situées autour du mare nostrum, ont connu dès les débuts de l'expansion romaine cet art qui a trouvé un terrain d'élection dans les pays où la lumière est reine.
L'exposition, organisée en 2001 par l'Union Latine au musée archéologique de Madrid a mis l'accent sur l'art de la mosaïque tel qu'il est illustré dans les pays du bassin méditerranéen.
L'une de ses particularités majeures est l'abondance et l'extrême diversité des représentations animales et végétales.
Les natures mortes antiques trouvent selon Pline l'Ancien leur origine dans la Grèce antique, lorsque le peintre Piraikos (3e siècle avant JC), vendait déjà fort cher ses " Provisions de cuisine ", des tableaux de chevalets représentant des victuailles ou des instantanés d'échoppes de cordonniers et de barbiers. Dans la hiérarchie des genres picturaux d'alors, ces représentations de provisions de cuisine sont déjà considérées comme un genre mineur... et elles le resteront pendant de longs siècles,au moins jusqu'à Chardin, si ce n'est jusqu'à Cézanne. Genre mineur donc, loin derrière les sujets religieux, les portraits et les paysages, mais genre que les commanditaires s'arrachent pourtant !
Le grec Piraikos reste le plus célèbre des peintres de ce genre. Hélas, aucun exemple n'est parvenu jusqu'à nous de ces peintures des menus objets du quotidien par Piraikos, peinture que l'on nommait à cette époque Rhyparographie.

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Charles Rennie MacKintosh (1868-1928) - Petunias

Charles Rennie MacKintosh (1868-1928)
Pétunias, 1916
Private collection 

Que voit on ? Un bouquet de pétunias rangés selon les canons du style art nouveau avec des boutons (d'arums?), très réguliers fermant le haut de la composition.  Les pétunias, fleurs de jardin par excellence sont assez peu représentées dans les natures mortes. On notera ici la réflexion du papier peint mural à pois blanc sur le vase dont on peut supposer qu'il est en cuivre ou autre matériel réfléchissant. Et la question reste posée sur ce reflet à la gauche du vase  qui pourrait être, à la façon des peintres hollandais du XVIe set XVIIe siècle,  celui de la femme du peintre, Margaret Mc Intosh, lisant assise sur ce qui semble être une des fameuses chaises à dossier haut qu'ils avaient conçues ensemble.

Rappel biographique : Charles Rennie Mackintosh est un architecte, concepteur et aquarelliste britannique, principal représentant de l'Ecole de Glasgow, courant issu du mouvement Arts & Crafts, qui influença le mouvement Modern Style, pendant anglo-saxon du style Art nouveau.
Il forme un groupe d'artistes connu sous le nom de The Four au sein de l'École d'art de Glasgow. Charles Rennie Mackintosh a touché à de nombreux domaines. À la fois architecte, décorateur, créateur de mobilier, de textiles et de ferronnerie, il acquit très vite un style unique en combinant les différentes influences qui apparaissaient à l’époque. Mackintosh créa une fusion entre les éléments traditionnels et le modernisme. Il créa une rupture avec le style victorien en abandonnant la surabondance des décors.
Bien qu'assez peu populaire dans son Écosse natale, il connut un relatif succès à l’extérieur du Royaume-Uni. Localement, la personnalité de Mackintosh et les dépassements de budget créèrent souvent des frictions avec les mécènes et conseils d’administration. De plus ses conceptions avant-gardistes ne furent pas toujours comprises du public. Les critiques de son style ont été souvent vives. Il fallut attendre 1933 pour qu’une rétrospective réhabilite son œuvre dans sa ville natale.Lors de ses expositions européennes, il a influencé les mouvements architecturaux naissants tels que la Sécession viennoise et le Deutscher Werkbund. Sa créativité y fut beaucoup plus reconnue qu’en Écosse. Précurseurs du post-modernisme, certains des principes élaborés par Mackintosh furent repris plus tard par les modernistes européens comme dans des constructions du mouvement Bauhaus.
Le rôle de sa femme, Margaret, est à souligner. Elle l’influença énormément dans la conception des intérieurs. Mackintosh écrivit à son sujet : « N'oublie pas que tu es pour la moitié sinon les trois quarts de toute mon œuvre… » Il aurait de même déclaré : « Margaret a du génie, je n'ai que du talent " . Voilà qui est assez clair !

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Théodore Fantin-Latour (1805-1875) - Vase de pivoines

Théodore Fantin-Latour (1805-1875)
Vase de pivoines
Collection privée

Que voit on ? Un  délicieux bouquet de pivoines roses dans un vase rond transparent, le tout magnifiquement peint avec une maitrise du sujet et une poésie qui  l'on retrouvera plus tard chez son célèbre fils Henri Fantin-Latour

Rappel biographique : Doué pour le dessin et la peinture, Théodore Fantin-Latour étudie dans l'atelier du peintre d'Histoire Benjamin Rolland (1777-1855) à l'École de dessin de Grenoble. Sous les auspices de cet ancien élève de Jacques-Louis David, tenant du néoclassicisme, il se forme au dessin et s’initie au rendu des formes. En 1834, il épouse la fille adoptive de la comtesse Zoloff, Hélène de Naidenoff, avec laquelle il a trois enfants, dont le peintre Henri Fantin-Latour qui naît en 1836. Reconnaissant très tôt les talents de son jeune fils, il lui donne ses premiers cours de dessin dès 1846.
Théodore Fantin-Latour exposa régulièrement au Salon entre 1842 et 1866

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Pierre Roy (1881-1950) - California Poppy

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Pierre Roy (1881-1950)
California Poppy, 1942
Collection privée

Que voit-on ? Une nature morte de sachets de graines de fleurs  !  Sujet original certes comme la plupart  des sujets abordés par ce peintre,  d'autant qu'il a choisi l'intérieur d'une cabane jardinier pour les présenter. En compagnie de ces  sachets de graine : une libellule, un couteau  des pots en terre vides dans lesquels sont entreposées des étiquettes en bois... Par la minuscule lucarne de cette cabane en planchettes de bois, on aperçoit une somptueuse maison au fond d'un grand parc et d'une allée de sycomores. 

Rappel biographique : « Pierre Roy est le plus grand méconnu du surréalisme » selon Louis Aragon et bien que la Revue de France l'ait affublé du titre de « père du surréalisme » , lui-même disant « détester les groupes et les appartenances » !!! Surréaliste ? Sans d aucun doute !!! Car dès 1925, Pierre Roy participe à la première exposition des peintres surréalistes aux côtés de Giorgio De Chirico, Max Ernst, Pablo Picasso En 1926, il réalise sa première exposition particulière dont le catalogue est préfacé par Louis Aragon. En 1933, il est nommé pour cinq ans, peintre de la Marine. Il connaît le succès lors d'une exposition qui lui est consacrée à la Galerie des Beaux-Arts à paris en 1935. Il expose à l'Exposition universelle de 1937 et à la Galerie Montaigne en 1938 à Paris. Ces tableaux sont des mises en scène d'objets courants, représentés le plus fidèlement possible. Coquillages, légumes et fruits, bobines de laine, épis et graines, œufs, rubans sont assemblés, mélangés pour créer des scènes poétiques. En 1947, à un questionnaire du Museum of Modern Art de New York, il répond : « Je n'ai absolument, comme peintre, aucune philosophie. Quand je peins quoi que ce soit, je suis tout entier au plaisir de peindre. Je n'ai pas la moindre intention de symbolisme. Mais très souvent, parfois longtemps après avoir achevé mon tableau, je prends conscience de ce qui m'a inspiré et de ce que ma toile signifie. » Pierre Roy réalisa aussi de nombreuses couvertures sous forme de nature mortes surréalistes pour le magazine Vogue, des affiches publicitaire ou encore des décors de théâtre.

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Louis Valtat (1869-1952) - Chardons devant la fenêtre à Choisel

Louis Valtat (1869-1952)
Chardons devant la fenêtre à Choisel, 1934
Collection privée

Que voit-on ? Dans la salle à manger de la maison de campagne du peintre à Choisel dans la vallée de Chevreuse, posé sur une nappe où se confondent motifs floraux et bouquets en cours d'arrangement, un vase en terre cuite recouvert partiellement d'un parement de céramique verte. Le vase contient un immense bouquet de chardon en fleurs, plante sauvage assez rebelle à approcher dont raffolent les ânes et qui est de la même famille que les artichauts.

Rappel biographique : Le peintre français Louis Valtat est un précurseur du fauvisme. En 1895, il va poursuivre sa convalescence d'une tuberculose à Arcachon et réalise dans cette ville de nombreuses peintures aux tons très vifs qu'il va exposer au Salon des indépendants de 1896. Ces peintures annoncent le « fauvisme » qui fera scandale dix ans plus tard au Salon d'automne de 1905. Louis Valtat a peint beaucoup de paysages mais aussi un nombre conséquent de natures mortes, genre auquel il a apporté un renouveau incontestable avec une étonnante diversité de styles.
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Jean-Pierre-Charles de Chabannes La Palice (1862–1928) - Avocat

 

Jean-Pierre-Charles de Chabannes La Palice (1862–1928)
Avocat
Collection privée

Que voit on ? Ce que décrit le titre, rendu avec la rigueur d'un  botaniste chevronné  (ce que le peintre n 'était pas ) d'autant que le sujet choisi ne se trouvait  pas à cette époque dans toutes les épiceries !  Il fallait au contraire faire quelques milliers de kilomètres pour pouvoir l'observer soit dans les Antilles soit au Brésil.  On notera au passage que le noyau est beaucoup plus gros dans ce fruit antique que dans ceux que nous consommons aujourd'hui, lesquels ont été sélectionnés pour présenter plus de chair.

Rappel biographique : Jean-Pierre-Charles  de Chabannes La Palice (1862-1928) est un peintre régionaliste  de la région  Auvergne Rhône Alpes dont les œuvres passent souvent en salle des ventes mais dont la biographie, elle n'a pas franchi les limite de son département ! Peintre académique, tour à tour connu pour ses portraits ou pour ses marines,  cet Avocat semble être la seule nature morte qu'on lui connaisse à ce jour. Quand à  sa vie, elle demeure un mystère !  On en est  réduit à supposer qu'ayant peint un sujet aussi exotique, il a du trouver son modèle  quelque part au cours d'un voyage sous les Tropiques ou dans la Caraïbe française.

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John Frederick Peto (1854-1907) - Départ au marché

 

John Frederick  Peto (1854-1907)
Départ au marché
Collection privée

Que voit-on ? Une nature morte d'une grande poésie dont le sujet quoique très commun n'a pas été souvent traitée le départ pour le marché. Posé sur le panier rectangulaire en osier largement tressé qui va contenir les provisions : un foulard, une ombrelle et un chapeau de paille.

Rappel biographique : John Frederick Peto, est un peintre américain spécialisé dans le trompe-l'œil, mis pas uniquement puisqu'il a peint quantité d 'autres toiles qui n'optent pas pour ce procédé. Son œuvre a longtemps été oubliée et ses peintures furent redécouvertes parmi des œuvres de William Harnett, peintre totalement spécialisé dans les trompe-l'œil, avec lequel on l'a confondu pendant plusieurs décennies.

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Nicolas de Staël (1914-1955) - Bouteilles, harmonie en rose et bleu

Nicolas de Staël (1914-1955)
Bouteilles, harmonie en rose et bleu
Collection privée

Que voit on ? Une nature morte plutôt "apaisée" va-t-on dire de Nicolas de Staël qui s'exprime sur un fond blanc beige plutôt serein avec des roses et bleus verticaux qui peuvent laisser imaginer d'autres objets voir même des personnages et un aplat bleu horizontal qui peut figurer la mer. Seul élément perturbateur de cette harmonie comme la définit le peintre, la bouteille sur la gauche...rouge .

Rappel biographique : Le peintre français d'origine russe Nicolas de Staël, né baron Nicolaï Vladimirovitch Staël von Holstein, est issu d'une branche cadette de la famille des Staël-Holstein. Plus d'un demi siècle après sa mort, il reste l'un des peintres les plus marquants du 20e siècle posant un problème aux historiens de l'art qui ne savent pas dans quelle catégorie le classer, ce qui doit le réjouir post mortem, lui qui détestait les catégories et les courants.
La réinvention de la figuration opérée par Staël a été mal comprise alors qu'elle anticipait d'une vingtaine d'année l'évolution générale de l'art. Il a « retrouvé le visible sans renoncer aux possibilités expressives et à la liberté d'action qui définissent la peinture contemporaine» alors que Paris perd sa place de capitale des arts, dès les années 1960, sous l'effet du marché de l'art et de la surenchère : " on y est devenu incapable de discerner le pastiche de l'original " selon Umberto Eco.
Selon Marcelin Pleynet et Michel Seuphor : « ...il faut tenir compte de Nicolas de Staël, vu et revu souvent avec et travers l'avant-garde américaine de années cinquante. Ces nouveaux mouvements d'abstraction suivent le cheminement de Staël, délaissant la peinture gestuelle pour une peinture brossée, voir maçonnée ». Peu exposé de son vivant, son œuvre a donné lieu à de nombreuses manifestations posthumes qui ont confirmé sa stature sur le plan international. " Staël fut le plus puissant créateur de sa génération dans l'École de Paris de l'après-guerre, sur laquelle il a exercé une forte influence Il a été le premier à dépasser l'antinomie abstraction-figuration ".
Nicolas de Staël meurt à 41 ans en se jetant de la terrasse de l'immeuble où il avait son logement et un de ses ateliers à Antibes. L'ensemble de son oeuvre s'étend sur 15 années. Il a peint, à partir de 1952, plusieurs natures mortes dont quelques unes sont aujourd'hui conservées et exposées au Musée Picasso d'Antibes à quelques pas de son ancien atelier. Plusieurs sont présentées sur ce blog.
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