Léonard de Vinci (1452- 1519) - Fruits, légumes et autres études

Léonard de Vinci (1452- 1519)
Fruits, légumes et autres études, 1487-89, Paris
Mine et gouache sur papier 23,5 x 17,6 cm.
Institut de France, Paris

L’œuvre dessinée de Léonard est particulièrement difficile à classer : malgré sa formation orientée principalement vers l'art, seuls quelques-uns de ses dessins sont des études de peintures, de sculptures ou de constructions. La plupart d'entre-eux ne portent qu'indirectement sur le domaine artistique, comme la physionomie, l'anatomie, la lumière ou l'ombre, voire ne relèvent que de recherches scientifiques ou techniques, comme la cartographie, l'art militaire ou la mécanique. Il ressort que Léonard ne trace pas de véritable frontière entre ces domaines : de nombreux documents comportent une simultanéité de recherches dans différents domaines ; à ce titre, la Feuille d'étude avec des figures géométriques, avec la tête et le torse d'un homme âgé et de profil et avec une étude de nuages constitue un exemple significatif. De fait, il semble que le maître, en 1508, ne parvient pas à effectuer de classement parmi ses travaux majoritairement composés d'ébauches, de plans, de projets ou de concepts arrangés les uns avec les autres.
Cette difficulté s'en trouve aggravée par de nombreux retranchements opérés dans la collection, parfois même par Léonard. Les efforts de son héritier, Fancesco Melzi, pour mettre de l'ordre dans les notes et dessins sans en détériorer l'intégrité sont par la suite contrariés par Pompéo Léoni, un artiste qui entre en possession des documents vers 1580 et en découpe une majeure partie. Il colle le résultat de ses découpes dans deux cahiers, l'un avec les dessins techniques que l'on nomme aujourd'hui le Codex Atlanticus conservé à la bibliothèque Ambrosienne de Milan, l'autre avec d'autres dessins qu'il considère artistiques et qui sont conservés à la Royal Collection au château de Windsor. Même si cette opération visait un but louable, elle aboutit à des mélanges : certains dessins conservés au Royaume-Uni et considérés comme techniques devraient se trouver à Milan et inversement.

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Pablo Picasso (1881-1973) - Vase avec fleurs

 

 

Pablo Picasso (1881-1973)
Vase avec fleurs, Paris, 1943
Huile sur toile, 65x 49cm
Collection privée

Que voit on ?  Ce que décrit le titre c'est à dire un vase voir même deux, sur un fond sombre.  L'un des deux vases contient des fleurs impossibles à identifier, dans un atmosphère baigné par une lueur orange, celle d'un rayon de soleil probablement.  Un thème peint à de  très nombreuses reprises reprises à cette époque.

Rappel biographique : le peintre espagnol Pablo Ruiz Picasso a commencé à peindre très tôt, au tournant du19e et du 20e siècle et n'a jamais cessé sa production, évaluée aujourd'hui a quelques 50.000 œuvres. Utilisant tous les supports pour son travail, il est considéré comme le fondateur du cubisme avec Georges Braque auquel son nom est lié surtout dans le domaine des natures mortes. Il est considéré comme l'un des plus importants artistes du 20e siècle tant par ses apports techniques et formels que par ses prises de positions politiques et que par l'immensité de sa production tous genres confondus.
A partir des années 1920 ses natures mortes seront très proches, sur la même ligne de conception " cubiste analytique " que celles de Georges Braque, dont il devient un temps l'intime avant de s'en séparer définitivement. Il y eut une connivence d'inspiration très rare entre ces deux peintres pendant une certaine période de leur vie et en particulier dans le domaine particulier du traitement de la nature morte.
Picasso peint beaucoup d'autres natures mortes après la Seconde guerre mondiale et hors de la période cubiste, mais ce n'est pas un genre qui tient une place aussi essentielle dans son œuvre que dans l'œuvre de Georges Braque.
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Salvador Dalí (1904-1989) - Nature Morte

Salvador Dalí (1904-1989)
Nature Morte, 1918
Huile sur toile, 60 x 70 cm.
Museo Nacional Reina Sofia, Madrid

Que voit on ? Sur un entablement recouvert de eux nappes froissés, des poivrons, (plutôt noirs que verts), un oignon et dans des plats en céramique des prunes et des tomates. Un pot à cornichon et un pichet complètent cette nature morte construite comme une paysage  

 
Rappel biographique : Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, connu comme Salvador Dalí, marquis de Dalí de Púbol, est un peintre, sculpteur, graveur et écrivain catalan de nationalité espagnol, considéré comme l'un des principaux représentants du surréalisme et comme l'un des plus célèbres peintres du 20e siècle... en tout cas l'un des plus médiatisés de son vivant ! Les thèmes qu'il aborda le plus fréquemment furent le rêve, la sexualité, le comestible, sa femme Gala et la religion. La nourriture, et l'acte de manger, ont une place centrale dans l'œuvre et la pensée dalinienne pour qui « la beauté sera comestible ou ne sera pas ». Figure picturale essentielle, le pain fut très présent dès 1926.
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Ragnar Sandberg (1902-1972) - Glasses

Ragnar Sandberg (1902-1972)
Glasses, 1965
Huile sur toile, 31 x 43 cm.
Collection privée

Que voit-on ?  Trois verres à pieds, dont sont deux sont couchés comme entrelacés et un debout.  On ne peut s'empêcher de penser à une certaine composition de Sebastien Stostkopff sauf que dans celle ci aucun verre n'est brisé.  Ce qui surprend surtout c'est la palette inhabituellement  sombre pour ce peintre.

Rappel Biographique : Ragnar Sandberg est un peintre, dessinateur écrivain et éducateur artistique suédois. Il poursuivit ses études artistiques à l’Ecole de Valand où il fit la connaissance de Nils Nilsson et David Larsson, qui devinrent ses amis proches. Ensemble, ils partirent en voyage aux Indes orientales et au Japon en 1922 en tant que mousse à bord du navire S / S Formosa. Après ses études d'art, il se consacra а la philosophie et aà la littérature, mais Ivan Ivarson l' encouragea à reprendre la peinture. Avec Ivarson, il exposa à la Galerie Moderne de Stockholm en 1933 et avec Evald Bjцrnberg а la galerie d'art de Gцteborg en 1936, mais son art n'attire pas beaucoup l'attention.
Ses premiers succès furent enregistrée lors d'expositions personnelles à la Galerie d'art franco-Sudédoise en 1939 et à la galerie Matthiesen de Londres,
Dans les années 40 et 50 Sandberg fait partie du groupe d'artistes appelé "The Gothenburg Colors ", issu des travaux de Tor Bjurstrцm. Dans ce groupe Sandberg faisait figure d'intellectuel. Parmi ses commandes publiques on peut citer une peinture murale al secco pour la salle de banquet de Lorensberg à Göteborg et une fresque décorative pour le département de zoo-physiologie d’Uppsala. Son œuvre comporte des paysages de la côte ouest et de la Scanie, des paysages urbains, des personnages, des observations de la réalité et quelques natures mortes. Il est présent dans les plus grands musées du Monde et le Centre Pompidou de Paris lui a consacré une exposition remarquable.

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Robert Macbryde (1913-1966) - Indian Red Still Life

Robert Macbryde (1913-1966)
Indian Red Still Life, c.1944
Huile sur toile , 35.5 x 40.5 cm
Collection privée (Christie's)

Que voit on ?  Deux fruits  exotiques ouverts  sur un entablement. Les fruits ouverts étant un des thèmes favoris de MacBryde pour l'analogie qu'ils présentent avec des organes sexuelles.

Rappel Biographique : Robert MacBryde était un peintre écossais de natures mortes, de paysage un décorateur de théâtre.  Né dans une famille d'origine ters modeste, il travailla dans une usine pendant cinq ans après avoir quitté l'école avant d'étudier l'art à la Glasgow School of Art entre  1932  et 1937. Il y  rencontra Robert Colquhoun , avec qui il a établi une relation amoureuse à vie et une collaboration professionnelle, le couple devenant célèbre  sous le nom de "The two Roberts". Avec l'aide de bourses, MacBryde  étudia en France et en Italie avant de revenir à Londres en 1939. Il  partagea alors  un studio avec Colquhoun, et le couple s'installant dans une maison avec John Minton et, à partir de 1943, Jankel Adler   La première exposition des oeuvres de MacBryde eu lieu  à la  Galerie Lefevre en 1943. Au plus fort de leur popularité, "les deux Roberts "fréquentèrent un large cercle d'artistes  dont Francis Bacon  Lucian Freud et John Minton ainsi que les écrivains Fred Urquhart,  George Barker , Elizabeth Smart et Dylan Thomas. Leurs soirées  dans keur studio au 77 Bedford Gardens, furent renommés dans le tout Londres d'alors.
Influencé par Graham Sutherland et John Piper  MacBryde devint un peintre bien connu de la tendance moderniste, connu pour ses études cubistes aux couleurs vives. Son travail ultérieur évolua vers une gamme plus sombre et expressionniste de natures mortes et de paysages. En collaboration avec Colquhoun, il crée plusieurs scénographies pendant et après la Seconde Guerre mondiale. Dans les  années 1950, MacBryde et Colquhoun perdirent tout d'un coup et ensemble, l'attention de la scène artistique, londonienne. Devenus  tous deux alcooliques, ils sombrèrent ensemble dans une sorte de déchéance et de quasi-dénuement qu'ils aimaient offrir en spectacle, se présentant comme des artistes maudits.
Colquhoun décéda subitement à Londres en 1962. Peu de temps après, MacBryde  déménagea en Irlande, où il  partagea pendant un certain temps une maison avec Patrick Kavanagh, avec qui il s'était lié d'amitié à Londres. Cependant,  buvant toujours beaucoup, il était devenu incapable de tenir un pinceau. Le Times  déclara alors que  "MacBryde avait disparu dans l'obscurité après la mort de Colquhoun ". Robert MacBryde décéda en 1966 à Dublin, écrasé par une voiture dans la rue. Anthony Cronin, un ami de MacBryde et Colquhoun, les décrit tous les deux avec affection et respect dans ses mémoires Dead as Doornails, tout comme le peintre, dramaturge et poète anglais Arthur Berry dans son autobiographie A Three And Sevenpence Half Penny Man.

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Salvador Dalí (1904-1989) - Explosion Printanière

Salvador Dalí (1904-1989)
Explosion Printanière 1965
Aquarelle, gouache, encre de Chine sur carton, 101,9 x 76,2 cm
Collection privée 

Que voit on ?  Une sorte de tachisme dalien pour ses fleurs dessinés à coup de projection de gouaches de gouaches. Les fleurs elles mêmes ne sont pas vraiment identifiables, leur feuillage ne ressemblant à  celui d 'aucune espèce connue.  Pendant que les fleurs " explosent de leur explosion " (!)  des personnages  en duo et un cavalier très précisément dessinés à l'encre de Chine s'agitent dans un paysage absolument désertique qui pourrait être celui des côtes autour de Cap de Creus...

Rappel biographique : Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, connu comme Salvador Dalí, marquis de Dalí de Púbol, est un peintre, sculpteur, graveur et écrivain catalan de nationalité espagnol, considéré comme l'un des principaux représentants du surréalisme et comme l'un des plus célèbres peintres du 20e siècle... en tout cas l'un des plus médiatisés de son vivant ! Les thèmes qu'il aborda le plus fréquemment furent le rêve, la sexualité, le comestible, sa femme Gala et la religion. La nourriture, et l'acte de manger, ont une place centrale dans l'œuvre et la pensée dalinienne pour qui « la beauté sera comestible ou ne sera pas ». Figure picturale essentielle, le pain fut très présent dès 1926.
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René Fumeron (1921-2004) - Poissons séchés

René Fumeron (1921-2004)
Poissons séchés, 1970
Tapisserie d’Aubusson tissée par l’atelier Pinton, 225 x 130 cm
Collection privée

Que voit on ? Un retour de pêche quasi miraculeuse avec les barques rangées au centre de la composition et une multitude de poissons sortis des filets. Certains accrochés  comme du linge à fil séchent au soleil. 

Rappel Biographique : René Fumeron réalise ses premiers cartons (il en réalisera plus de 500) dès les années 40, en collaborant avec les ateliers Pinton, puis en recevant de nombreuses commandes de l’Etat, avant de participer à la décoration du paquebot “France”. D’abord figuratif, et influencé par Lurçat, il évolue vers l’abstraction, avant de revenir vers une figuration colorée et réaliste à partir des années 80. 

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Rodolphe-Théophile Bosshard (1889-1960) - Pommes sur une assiette verte

Rodolphe-Théophile Bosshard (1889-1960)
Pommes sur une assiette verte, 1956
Huile sur toile 46 x 55 cm.
Collection privée

Que voit on ? Cinq pommes sur une assiettes carrée de couleur verte  elle même posée sur une entablement blanc et mouvant  se prolongeant dans le fond du cadre en une composition abstraite.  La géométrie est si omniprésente dans cette nature morte, qu'il serait peut être plus juste de la décrire  comme : cinq cercles sur un carré !


Rappel biographique : Rodolphe-Théophile Bosshard est un artiste-peintre suisse qui fut actif à Paris entre les deux guerres mondiales et se spécialisa plutôt dans les nus féminins. Considéré comme une figure majeure de la peinture suisse de la première moitié du 20e siècle, il s' installa à Montparnasse seulement pendant quatre petites années mais pendant lesquelles il attira l'attention des critiques par une peinture originale et novatrice. Il noua des amitiés avec Chagall, Zadkine, Derain ou Lurçat. Beaucoup de ses natures mortes ont des similitudes avec celles de Jean Fautrier qui est son exact contemporain. Après sa période parisienne où il vivait de façon très miséreuse, Bosshard retourne s'installer en Suisse où il mène une carrière prolifique et couronnée de succès. En 1947, la Galerie Denise René, rue de la Boétie, ramène Bosshard à Paris avec une quarantaine d’huiles, gouaches et dessins. Son style s 'approche alors de l'abstraction. Puis sa passion des voyages et des paysages l’entraîne à Ravenne, à Florence (où il expose en 1953), à Camogli sur la côte Ligure, à Gordes et enfin à Majorque.

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Robyn Stacey (bn.1952) - China and Silver

 

 

Robyn Stacey (bn.1852)
China and Silver (2011)
Chromogenic print, 120.0 x 159.5 cm,
Collection of the artist

Que voit on ?  Une composition photographique qui évoque plusieurs natures morte célèbres que nous avons tous dans l'œil... dont la célèbre Nature morte au service à thé du peintre suisse Liotard,  mais aussi ces natures mortes d'argenterie d'Antoine Vollon ou de Willem Kalf   pour ne citer que ces deux là ! Cette photographie géante n'en reproduit aucune à proprement parlé mais les résume et les évoque toutes !

Rappel biographique :  Robyn Stacey est une photographe australienne. Depuis le milieu des années 1980 elle a élaboré en accord de grandes collections d'histoire naturelle un travail sur le renouveau du  genre de la nature morte à travers la photographie et les nouveaux médias. Stacey est récipiendaire de prix et de subventions de recherche importants, dont la bourse Samstag en 1994 qui lui a permis d'e poursuivre ses recherches à la School of Visual Arts de New York. Elle a été des résidence au Macleay Museum de l'Université de Sydney, à l'Université de Leiden, au Historic Houses Trust of New South Wales, aux Royal Botanic Gardens et au National Center for Supercomputing Applications de l'Université de l'Illinois. Son travail est présent dans de grandes collections nationales, notamment la National Gallery of Australia, la National Portrait Gallery, la Art Gallery of New South Wales, la Art Gallery of Western Australia, la National Gallery of Victoria, la Art Gallery of South Australia, la Queensland Art Gallery, le New South Wales Historic Houses Trust, la ville de Sydney, le Samstag Museum and Artbank.

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Taisia Kirillovna Afonina (1913-1994) - Raisins et Pommes

Taisia Kirillovna Afonina (1913-1994)
Raisins et Pommes, 1955
Huile sur toile 45 x51cm
Collection Privée

Que voit - on ?  Sur un entablement blanc très peu défini : un vase de fleurs, ene soucoupe contenant des pommes et du raisins, un bol en verre transparent rempli d'eau dans lequel se reflète jusqu'au trompe-l'oeil les deux pommes.

Rappel biographique : La peintre et aquarelliste ukrainienne et soviétique, Taisia Kirillovna Afonina est une des principales représentantes du mouvement pictural soviétique connu sous le nom de Ecole de Leningrad. Elle a exposé avec une régularité de chronomètre suisse tous les ans  dans chacune des expositions d'artistes de Leningrad. Elle a peint des paysages,  des portraits et des compositions de genre mais aussi beaucoup de natures mortes, pour lesquelles elle était très célèbre. Elle a travaillé aussi bien à l'huile qu'à l'aquarelle et était membre de la célèbre et très contrôlée Union des artistes soviétiques de Leningrad, en dehors de laquelle peu d'artistes pouvaient s'exprimer.  Sa technique lest réputée pour son tonalisme c'est à dire pour la recherche du transfert en peinture des effet de la lumières et de la consistance de l'air. 

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William Nicholson (1872-1949) - Still life with white freesias

William Nicholson (1872-1949)
Still life with white freesias, 1917
Oil on canvas, 24 x 28cm
Private collection

Que voit on ? Un  minuscule bouquet de frésias dans un vase bleu posé sur un album à côté duquel on peut voir une lettre adressée à Rosemary et datée du 31 mars.  Il  s'agit en fait de Rosemary Gordon Craig à laquelle le peintre offrit cette émouvante nature morte à l'occasion de son  mariage avec James Le Brasseur.

Rappel biographique : Le peintre britannique Sir William Nicholson est surtout connu pour les illustrations qu'il a réalisées pour des livres destinés à la jeunesse. Il illustra ainsi notamment Peter Pan de J.M. Barrie au tournant du 20e siècle. A partir de 1900, encouragé et protégé par Whistler, il se consacre à la peinture et commence à exposer ses premières toiles, essentiellement des portraits, des natures mortes et des paysages. Et ce fut une très grande réussite !
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Zdeněk Tůma (1907-1943) Nature morte au Domino 1942.

Zdeněk Tůma (1907-1943)
Nature morte à la bouteille et au verre, 1942.
Huile sur toile, 53 x 42cm
Collection Privée

Que voit on ?  Ce que décrit le titre a quoi sahoute un domino, objet fétiche de ce peintre de mêm equ'une boute d'allumette et une allumette non utilisé. On note que verre et bouteille sont vides de tout contenu.

Rappel biographique : Zdeněk Tůma  était un peintre, paysagiste, portraitiste, costumier, scénographe et scénographe tchèque. Dès son plus jeune âge, il se fit remarquer par son gout pour le dessin et plus tard pour l'aquarelle. De  1921 à 1923, il fréquente l'école privée de peinture  de F. Engelmüller  qui est en réalité une école préparatoire  une préparation à des études complémentaires à l' Académie de peinture de Prague. Après avoir terminé ses études à l'académie, il obtient une bourse pour la France, où il part deux mois en 1931. Il renouvela le voyage en 1936 et séjourna en France plus d'un an. Il  résida  d'abord à Paris, où il étudia la peinture en privé avec  František Kupka, avant de se rendre  à Dieppe, en Bretagne, en Normandie  pour terminer son périple  à Leningrad (Saint-Pétersbourg). En 1936, il dessine pour diverses revues humoristique et effectue un court séjour à Londres, avant de revenir par Bordeaux  pour se fixer un peu à .Perpignan. Il passe ensuite toute l'année à Collioure, non loin de la frontière espagnole. Vers 1938, Zdeněk Tůma revint en Bohême, traversant toute la côte sud de la France, avec des escales à Marseille et Nice  Sa première exposition personnelle a également lieu en France à cette époque, où il expose des gouaches et des dessins créés lors de ses séjours. En 1939, Tůma se fixe à  Prague où il organise sa première exposition personnelle au Salon Topič, suivit par une  autre en 1942 à  la Galerie Vilímek. Il se consacre alors à la scénographie, métier qui lui permit de s'en sortir plus ou moins financièrement  en collaborant avec plusieurs théâtres de Prague. Au cours de sa courte vie, il créa des dizaines de scénographies et de costumes de scènes et participà à 24 pièces de théâtre. Zdeněk Tůma s'est suicidé le 14 décembre 1943 en s'empoisonnant au gaz dans l'appartement de sa maitresse.

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Tamara de Lempicka (1898-1980) - Still Life with Diana

Tamara de Lempicka (1898-1980)
Still Life with Diana, 1941
Huile sur toile (50,8 x 63,5cm)
Private collection USA

Que voit on  ? Une nature aux livres, au drapé a la bouteille de sirop, à la règle et au centimètre de couturière. Composée à même l'assise cannée d'une chaise de style Renaissance espagnole, la toile emprunte son nom à l'illustration en noir et blanc que l'on peut voir sur le livre ouvert dressé à la verticale contre le dossier de la chaise, et qui représente la Diane Chasseresse peinte en 1540/60, attribué à Charles Carmoy  et actuellement dans les collection du Musée du Louvre à Paris.

Rappel biographique : Tamara de Lempicka est une peintre polonaise représentative du mouvement Art déco. Fille de Boris Gorski, juif russe, et d'une mère polonaise, son enfance se passe dans un milieu aisé et cultivé entre Saint-Pétersbourg, Varsovie, Lausanne et Paris. En 1920, à l'Académie Ranson à Paris, elle reçoit l'enseignement de Maurice Denis et à l'Académie de la Grande Chaumière celui d'André Lhote. C'est là qu'elle forge petit à petit son style qui, dans une synthèse de l'art maniériste de la Renaissance et du néo-cubisme, va correspondre parfaitement à la mode de son temps. L'envol de sa carrière coïncide avec sa première exposition personnelle à Milan en 1925. En France, elle participe pleinement à la vie artistique et mondaine parisienne où elle rencontre André Gide, Suzy Solidor, de riches industriels, des princes russes émigrés, etc. En 1928, elle installe sa maison-atelier au no 7 de la rue Méchain, dans le 14e arrondissement, conçue par Robert Mallet-Stevens. A partir de 1929, elle expose simultanément en Pologne (médaille de bronze à l'exposition internationale de Poznan), à Paris (dans quatre salons et à la galerie Colette Weil) et aux États-Unis (Carnegie Institute de Pittsburgh).
Tamara de Lempicka occupe une place à part dans l'art du 20e siècle : malgré une production modeste (à peine 150 tableaux dans sa meilleure période, qu'on situe entre 1925 et 1935), ses œuvres évoquent et reflètent le style et la mode des années folles de l'entre-deux-guerres. Avec une stylisation néo-cubiste, ses œuvres, principalement des portraits, se caractérisent par un modelé accentué, des couleurs vives mais dans une gamme restreinte, mises en valeur par des fonds gris ou noirs. La composition très resserrée s'inspire du cadrage cinématographique. Bien que la nature morte ne soit pas sa spécialité, elle en a peint une vingtaine.

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Montrouge rose in an English cup

 

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Montrouge rose in an English cup, 1968.
Private collection

 Que voit-on ? Une nature morte florale très inspirée de celles de Manet que  Yannis Tsarouchis peignit lors d'un séjour en France.  

Rappel Biographique : Yannis Tsarouchis ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées.
Il a peint cependant quelques nature mortes, aujourd'hui moins célèbres que ses portraits.

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Wayne Thiebaud (1920-2021) - Watermelon and Knife

Wayne Thiebaud (1920-2021)
Watermelon and Knife, 1989.
Pastel on paper, 8 5/8 x 9 1/2 in.
Crocker Art Museum, Sacramento

Que voit on ? Une quart de pastèque très géométriquement découpée avec le couteau qui a servi à la découper planté en son cœur. Une nature morte de pastèque clin d'œil à toutes celles du 17e siècle et notamment celles de Luis Melendez qui les représentaient  soit fermées, soit ouvertes après avoir été généralement  jetées au sol ou contre une table, seule moyen de briser ce gros fruit très résistant ! 

Rappel biographique : Le peintre américain d'origine Wayne Thiebaud, dont une célèbre toile avait été publiée au début de ce blog en 2014, est un artiste discret, de plus en plus considéré comme un des artistes majeurs du 20e et 21e siècle aux Etats-Unis.
Le travail de Wayne Thiebaud se caractérise par des peintures d'objets alimentaires de grande consommation, comme des pâtisseries, vues dans des cafétérias. Les experts se sont souvent demandés en examinant l'œuvre de Thiebaud s'il n'avait pas passé beaucoup de temps dans l'industrie agro-alimentaire pour se familiariser avec son sujet ? Et en effet c'est exactement ce qu'il a fait en ayant comme premier emploi un job de serveur à Long Beach, dans le café « Mile High and Red Hot » (Glace et hot-dog). Cet intérêt pour les objets du quotidien, confondus ensuite avec ceux de la culture de masse, associa son nom au mouvement du Pop-Art. Cependant, une fois réduit le tapage médiatique autour du pape du pop art (Andy Warhol), on remarqua - non sans stupeur - que les œuvres de Wayne Thiebaud, effectuées dans les années 50 et 60 étaient légèrement antérieures à celles des autres artistes de cette tendance... de là à lui attribuer une influence définitive comme précurseur de ce mouvement, il n'y avait qu'un pas qui, aujourd'hui, est franchi avec justesse.
Outre les pâtisseries, Wayne Thiebaud a également peint des paysages, des rues, ainsi que des personnages populaires, comme Mickey. Certaines de ses toiles récentes, comme Sunset street (1985) ou Flatland river (1997) sont remarquables pour le traité hyper réaliste, et se rapproche du travail d'un Edward Hopper, qui était tout aussi fasciné par ces scènes du quotidien américain.
Dans sa peinture, Wayne Thiebaud se concentre sur la banalité de façon à suggérer l'ironie et la distance vis-à-vis de son sujet. Wayne Thiebaud se considère comme un peintre, mais paradoxalement pas comme un artiste. C'est un lecteur vorace, qui a l'habitude de lire de la poésie, celle de son poète préféré William Carlos Williams par exemple, à ses élèves.
En septembre 2010, alors qu'il fêtait son 90e anniversaire, Wayne Thiebaud réalisa un dessin pour le 12e anniversaire de Google qui l'afficha sur sa page d'accueil. Le dessin était exécuté dans le style bien reconnaissable de Wayne Thiebaud, et montrait un gâteau sur lequel est écrit Google et où le "l" était remplacé par une bougie. Il est décédé à l'âge de 101 ans, en décembre 2021

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Tuomas von Boehm (1916-2000) - Nature morte Espagnole

Tuomas von Boehm (1916-2000)
Nature morte Espagnole, 1953
Huile et détrempe sur papier, carton joint,46 x 38 cm
Galerie Nationale de Finlande

Que voit on ? sur une entablement de bois assez sommaire une dissémination d'objets très disparates devantt évoquer l'Espagne : petit portrait d'un toréador, oignons en train de germer, coquilles Saint Jacques,  botijo (cruche espagnole à deux embouts,) castagnettes et autres réjouissances locales !

Rappel biographique : Tuomas Herbert von Boehm  est un artiste peintre finlandais considéré comme ayant appartenu au mouvement Surrealiste nordique.
En 1937-1938, il étudie à l'École de dessin de l'association des arts et, en 1945, il organise sa première exposition. En 1953-1956, il enseigne à l'Académie des beaux-arts d'Helsinki. Sa production artistique est prolifique.
Ses œuvres sont exposées à la galerie nationale de Finlande, au musée d'Art de Jyväskylä, au musée d'art d'Imatra entre autres.

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