Raoul Dufy (1877-1953) - Fleurs

Raoul Dufy (1877-1953)
Fleurs
Aquarelle sur papier
Collection privée (Christie's)

Que voit on ?  Un nature florale de Dufy, qui n'en peignit pas énormément, préférant souvent ne pas isoler ce sujet mais le mêler comme partie de compositions où le paysage avait aussi la part belle.... 

Rappel biographique : le peintre français Raoul Dufy était aussi dessinateur, graveur, illustrateur de livres, créateur de tissus, céramiste, créateur de tapisseries et de mobilier, décorateur d'intérieur, décorateur d'espaces publics et décorateur de théâtre. Raoul Dufy a produit plus 3 000 toiles, 6 000 grandes aquarelles, 6 000 dessins et en a détruit presque autant. Ses natures mortes ne constituent pas l'essentiel de sa production très largement consacrée aux paysages, aux évènements de son temps, aux portraits de femme et surtout... à la musique et aux concerts qu'il est presque parvenu à faire entendre à travers ses toiles. Dessinateur hors pair - certains l'aurait même vu dessiner avec ses deux mains à la fois - c'était aussi un merveilleux coloriste, un coloriste du bonheur et de la magie, tant il est vrai que la joie de vivre et l'ode constante à la vie soutiennent chaque tableau, chaque gouache, chaque dessin. Dufy promène un regard émerveillé sur le monde et nous invite à une fête qui n’a rien de superficiel ou de mondain, comme on l'a dit un peu trop hâtivement. « Si je pouvais exprimer toute la joie qui est en moi ! » disait-il. Il y est largement parvenu, et peu d’œuvres sont une telle invitation à cheminer vers le bonheur... au point qu'elles pourraient presque nous faire croire qu'il existe ! 

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Balthasar van der Ast (1593-1657) - Nature morte au paniers de fruits et à la cafetière turque sur une table

Balthasar van der Ast (1593-1657)
Nature morte au paniers de fruits et à la cafetière turque sur une table
Huile sur panneau, 73 x105 cm
Collection privée (France)

Que voit on ? Nous voici donc avec une œuvre du beau-frère  d' Ambrosius Bosschaert publié sur ce blog  précédemment dont van der Ast fut aussi l'éléve. On reconnait  a même touche et la même exigence dans le traitement du détail.

Rappel biographique : Balthasar van der Ast est un peintre néerlandais qui est un des maîtres de l'âge d'or de la peinture hollandaise et notamment dans le domaine des natures mortes. Les collections publiques françaises conservent plusieurs œuvres de de Balthasar van der Ast, les musées du Nord de la France (Lille, Arras Calais, Douai) étant, dans ce domaine, mieux dotés que les autres à l'exception du musée du Louvre. A propos de Balthasar van der Ast, on peut lire dans le Petit Larousse de la peinture (tome 1, p. 84, Paris 1979) : « Curieux de perspective, exécutant raffiné, sensible à l'éclat des tons comme aux nuances de la lumière, préoccupé de recherches décoratives parfois très proches de celles des Flamands Snyders et Adriaen Van Utrecht, il a joué un rôle déterminant dans l'évolution de la nature morte néerlandaise en accordant la même importance aux considérations picturales et au simple naturalisme. J. D. de Heem, son disciple, et plus tard J. Van Huysum lui devront beaucoup. »

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Ambrosius Bosschaert ( 573-1621) - Nature morte de fruits avec une sauterelle

Ambrosius Bosschaert (1573-1621)
Nature morte de fruits avec une sauterelle  vers 1635-40
(FrüchteStillleben mit Heuschrecke)
Huile sur panneau,  49 × 59 cm
Collection privée du marchand d'art Hans M. Cramer

Que voit on ? Une des rares natures mortes de fruits d'Ambrosius Bosschaert qui était plutôt spécialisé dans les natures mortes florales. Pour le titre de cette œuvre, c'est la sauterelle qui est au premier plan  qui retient l'attention du peintre. Sans doute pour sa capacité à détruire l'ensemble des fruits présents sur cette tzble. N'en réchapperaient que le verre de vin et le magnifique plateau en argent, incliné pour l'on puisse y apercevoir les reflets des pommes.

Rappel biographique : Né à Anvers, où il amorce sa carrière, il réside néanmoins la plus grande partie de sa vie à Middelbourg, où sa famille déménage en 1587 à cause des menaces de persécution religieuse. À l'âge de vingt-et-un ans, il devient membre de la Guilde de Saint-Luc de la ville et en devint, plus tard, le doyen. Peu après, il se marie et s'impose comme un spécialiste de la peinture de natures mortes avec des fleurs, qu'il signe de son monogramme AB (le B dans le A). Il devient le fondateur de l'école de peinture de Middlebourg. Son beau-frère Balthasar van der Ast (1594-1657), qui épouse Marie Bosschaert, la sœur d'Ambrosius, est d'abord apprenti dans son atelier, avant d'y travailler à l'égal du maître. Les deux hommes entreprennent d'ailleurs quelques voyages ensemble. Bosschaert se déplace en effet à plusieurs reprises pour obtenir des commandes et travaille notamment à Amsterdam(1614), Bergen op Zoom (1615-1616), Utrecht (1616-1619) et Breda (1619). Son beau-frère Balthasar s'installe définitivement è Utrecht en 1619, où il rencontre le peintre Roelandt Savery(1576-1639), qui entre à peu près au même moment dans la guilde de Saint-Luc d'Utrecht et qui aura une influence considérable sur les Bosschaert. Lorsque Ambrosius Bosschaert meurt à La Haye alors qu'il exécute une commande, Balthasar van der Ast achève le travail. Son style sera poursuivi par ses trois fils Ambrosius II  (1609-1645), Johannes (v. 1610-v. 1650) et Abraham (1613-1643), tous devenus des peintres de compositions florales, ainsi que par son beau-frère Balthasar van der Ast qui aura lui-même un atelier et plusieurs élèves.

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Paul Cézanne (1839-1906) - Nature morte à la Cruche verte

 

Paul Cézanne (1839-1906)
Nature morte à la Cruche verte,
Huile sur toile , 53 x 71cm, vers 1893
Collection privée

Que voit on ? Au-delà de la représentation d'objets et de fruits, c'est surtout le geste du peintre de génie qui transparait dans cette nature morte. Un geste d'esquisse, rapide et souple qui trace sans la moindre hésitation les contours... à la peinture liquide . C'est exactement que disait Le Bail qui avait observé Cézanne commencer ainsi un de ses tableaux . « Il dessinait au pinceau avec l’outremer dilué dans de l’essence de térébentine, mettant en place avec fougue, sans hésitation. » ( (Rewald, Cézanne et Zola, p. 170.) On remarque ici trois tonalités de couleurs : un vert sourd tirant sur le gris, des bruns rougeâtres, et un blanc bleuté . Les fruits qui en chevauchent d’autres sont finis au sommet, ce qui, comme le fait remarquer Chambon dans son blog, "les situe en relation les uns aux autres précisément exactement de la même façon que ce qui conduira Cézanne aux taches de ses derniers paysages". Force est de constater qu'avec cette nature morte peinte comme un paysage, Cézanne est plus proche de l'abstraction que du cubisme ou de l'impressionnisme. L'aurait-il inventée aussi ?

Rappel biographique : Parmi les quelques 900 tableaux et 400 aquarelles que Paul Cézanne, ce sont les natures mortes qui arrivent en tête, et notamment les pommes qui arrivent en tête de ses premières « obsessions picturales ». Pour Cézanne, la nature morte est un motif comme un autre, équivalent à un corps humain ou à une montagne, mais qui se prête particulièrement bien à des recherches sur l'espace, la géométrie des volumes, le rapport entre couleurs et formes : « Quand la couleur, est à sa puissance, la forme est à sa plénitude » disait-il.  Incomprises en leur temps, les natures mortes de Cézanne sont devenues depuis lors l'un des traits caractéristiques de son génie.
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Pieter van Boucle (1610-1673) - Grande nature morte de cuisine

Pieter van Boucle (1610-1673)
Grande nature morte de cuisine
Collection privée

Que voit-on ? Rien ne manque: poissons et leurs poches d'œufs (dans la peinture desquels Van Boucle est un virtuose absolu)  crustacés, légumes,  et sur l'entablement : gibiers à plumes et à fourrure de toute sortes et quartier de bœuf bien persillé. Le reflet d'une époque ou festoyer passait forcément par une abondance de nourriture à disposition. On relève au passage la précision du pinceau, la richesse nuancée de la palette et l'impeccable composition.   

Rappel biographique : Pieter van Boucle (ou Pieter van Bœcle) est un peintre d'origine flamande qui a travaillé durant une longue période à Paris où il est mort. Essentiellement consacré aux natures mortes, son œuvre associe la manière flamande (lumière frontale, opulence, surabondance) et la manière française (délicatesse du pinceau, jeu sur les nuances de couleurs) dans une recherche réaliste. Ses tableaux sont le plus souvent de grandes dimensions et présentent des tables garnies de fruits ou de gibier avec des signes de luxe. Leur attribution est parfois discutée : sa signature PVB (pas toujours présente d'ailleurs) a pu amener à des confusions avec Pieter van Boel ou Pieter Van den Bos par exemple.Certains de ses tableaux comportent des personnages (marchande de légumes, jeune garçon) mais on soupçonne l'intervention d'autres peintres dans ces œuvres. Les compositions assez monumentales de Pieter van Boucle sont aussi souvent animées par des animaux vivants (chat, singe, chien, Nature morte aux fruits, au gibier et à la chèvre) mais le thème des animaux est aussi exploité pour lui-même (Poulailler, Combat de coqs) et surtout sous l'aspect de gibier mort.
Ces toiles aux éléments accumulés (qui ne semblent pas toujours respecter le calendrier des productions : asperges et raisin réunis par exemple) renseignent sur l'alimentation de l'époque en donnant une impression de corne d'abondance. Cependant certaines de ses toiles peuvent être interprétées comme des vanités, par exemple le fruit croqué dans Pommes, poires, pêches, ou dans Perroquet, urnes et fruits sur un entablement en pierre, où l'urne renversée renvoie au thème baroque de la mort cachée dans les plaisirs de la vie. Le thème du panier renversé se retrouve dans plusieurs de ses toiles comme la présence du perroquet associé usuellement à l'idée de couple ou d'épouse, d'autant qu'il ne s'agit pas dans ce tableau d'un perroquet multicolore et flamboyant mais d'un perroquet blanc isolé.

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Pieter Gerritsz van Roestraten (1630–1700) - Nature morte avec tasse de thé

Pieter Gerritsz van Roestraten (1630–1700)
Nature morte avec tasse de thé, 1670–1685
Huile sur toile,  24.8 x 36.6 cm
Museums Sheffield

Que voit-on ? Un sujet très fréquemment traité par ce peintre : des bols à thé en porcelaine chinoise accompagnés d'un somptueux sucrier en argent, d' ne théière en terre cuite laissée. Une cuillère en vermeil et deux gros morceaux de sucre cristal parachève la somptuosité de ces compositions toutes un peu semblables.

Rappel biographique : Le peintre hollandais Pieter Gerritsz van Roestraten a été actif dans le domaine des natures mortes et des scènes de genre pendant la période de ce qu'il est convenu d'appeler l'Age d'or néerlandais. Elève de Frans Hals dont il épousa la fille en 1654, il vécut à Amsterdam avant de déménager à Londres en 1666. Dans cette ville, Roestraten acquit très rapidement la réputation d'être le meilleur peintre de natures mortes à sujet d'orfevrerie qui soit. Sir Peter Lely lui fit un véritable pont d'or pour qu'il abandonne la peinture des portraits qui était sa spécialité à son arrivée à Londres. Et c'est ce qu'il fit pour la somme alors importante de quarante à cinquante livres sterling par tableau.
 

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Piet Mondrian (1872-1944) - Gladiolus

Piet Mondrian (1872-1944)
Gladiolus, c. 1930-33
Huile sur toile  collée sur carton
Collection privée 

 Que voit-on ?  Une nature morte florale de  Piet Mondrian, un genre pictural qu'il alimentera  très régulièrement  tout au long de sa carrière et plus particulièrement entre 1900 et 1930. Dans celle-ci perce déjà son attirance pour l'abstraction, dont il fut un des grands maitres.

Rappel biographique : Dans la structure des peintures datant d'avant 1900, Mondrian vise des effets d'ensemble : effets de lumière, effets linéaires, groupes de troncs d'arbres et branches en contre-jour sont des motifs récurrents. Ce sont des qualités morales qui s'inscrivent dans ces choix de couleurs et ces motifs. L'art de tradition romantique-nordique produisit vers 1900 beaucoup de paysages de sous bois. En octobre 1892, il s'inscrit à l'Académie royale des beaux-arts d'Amsterdam.
Après 1900, les tableaux de Mondrian cherchent à faire voir des idées, et semblent proches du mouvement symboliste. Son nouveau style, comme cristallisé sur des formes-idées, déjà visible dans Passiebloem (Passiflore), vers 1901, s'est manifesté d'autant plus vigoureusement qu'il rencontra en juin 1908 le peintre Jan Toorop, personnage central du Symbolisme hollandais connu par ses curieuses compositions de figures curvilignes très homogènes, comme fondues dans les plissements géologiques du dessin.
Connu pour être un des pionniers de l'abstraction, il écrit dès janvier 1914 écrit : « Je construis des lignes et des combinaisons de couleurs sur des surfaces planes afin d'exprimer, avec la plus grande conscience, une beauté générale. La nature (ou ce que je vois) m'inspire, me met, comme tout peintre, dans un état émotionnel qui me pousse à créer quelque chose, mais je veux rester aussi près que possible de la vérité et à tout extraire, jusqu'à ce que j'atteigne au fondement (qui ne demeure qu'un fondement extérieur !) des choses […]. Je crois qu'il est possible, grâce à des lignes horizontales et verticales construites en pleine conscience, mais sans ‘‘calcul’’, suggérées par une intuition aigüe et nées de l'harmonie et du rythme, que ces formes fondamentales de la beauté, complétées au besoin par d'autres lignes droites ou courbes, puissent produire une œuvre d'art aussi puissante que vraie »

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Ragnar Sandberg (1902-1972) - Skuggan på matbordet, 1941-43- (L'ombre sur la table de la salle à manger 1941-43)

Ragnar Sandberg (1902-1972)
Skuggan på matbordet, 1941-43
(L'ombre sur la table de la salle à manger 1941-43)
Collection privée

Que voit on ?  L'ombre en question est celle d'un feuillage extérieur qui s'agite derrière la fenêtres et qui se projette sur la table de la salle à manger autour de  laquelle se tiennent deux personnages. Couvrant les ombres des feuilles, : une nature morte composée de cinq plats,  deux tasses, une théière et une bouteille.

Rappel Biographique: Ragnar Sandberg est un peintre, dessinateur écrivain et éducateur artistique suédois. Il poursuivit ses études artistiques à l’Ecole de Valand où il fit la connaissance de Nils Nilsson et David Larsson, qui devinrent ses amis proches. Ensemble, ils partirent en voyage aux Indes orientales et au Japon en 1922 en tant que mousse à bord du navire S / S Formosa. Après ses études d'art, il se consacra а la philosophie et aà la littérature, mais Ivan Ivarson l' encouragea à reprendre la peinture. Avec Ivarson, il exposa à la Galerie Moderne de Stockholm en 1933 et avec Evald Bjцrnberg а la galerie d'art de Gцteborg en 1936, mais son art n'attire pas beaucoup l'attention.
Ses premiers succès furent enregistrée lors d'expositions personnelles à la Galerie d'art franco-Sudédoise en 1939 et à la galerie Matthiesen de Londres,
Dans les années 40 et 50 Sandberg fait partie du groupe d'artistes appelé "The Gothenburg Colors ", issu des travaux de Tor Bjurstrцm. Dans ce groupe Sandberg faisait figure d'intellectuel. Parmi ses commandes publiques on peut citer une peinture murale al secco pour la salle de banquet de Lorensberg à Göteborg et une fresque décorative pour le département de zoo-physiologie d’Uppsala. Son oeuvre comporte des paysages de la côte ouest et de la Scanie, des paysages urbains, des personnages, des observations de la réalité et quelques natures mortes. Il est présent dans les plus grands musées du Monde et le Centre Pompidou de Paris lui a consacré une exposition remarquable.

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William John Wainwright (1855- 1931) - Still Life with Mushrooms and Fruits in a Landscape

William John Wainwright (1855-1931)
Still Life with Mushrooms and Fruits in a Landscape
Royal Albert Memorial Museum 

Que voit on? Une mise en scène faussement improvisée de végétaux aux substances actives reconnues : champignons, coquelicots, mûres...  Il s 'agit surtout d'une explosion de couleurs très victoriennes pour une nature morte beaucoup moins académique qu'il n'y parait. 

Rappel Biographique : William John Wainwright (1855-1931) était un peintre britannique qui a passé la majeure partie de sa vie à Birmingham  qu'il n'a quasiment jamais quitté. Formé à la Birmingham School of Art sous la direction d' Edward R. Taylor, il et a commencé sa carrière en tant qu'apprenti dans une entreprise de vitraaux,  Hardman & Co.  En 1879, Wainwright a fondé le Birmingham Art Circle avec quatre autres artistes. Wainwright a été associé à la Royal Birmingham Society of Artists (RBSA) pendant 50 ans jusqu'à sa mort en 1931.

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Edouard Vuillard (1868-1940) - Bouquet de marguerites et de coquelicots

Edouard Vuillard (1868-1940)
Bouquet de marguerites et de coquelicots
Collection privée 

Que voit-on ? Ce que décrit le titre  en effet, comme posé dans une composition que l'on peut sans mal qualifier d'abstraite, bien qu'il s'agisse d'une décor de fenêtre ouverte sur la campagne. Encore un chef d'œuvre... quasiment inconnu de Vuillard.

Rappel biographique : Jean-Édouard Vuillard, connu pour être le fondateur du mouvement Nabis, a peint aussi bien des portraits que des intérieurs, des natures mortes, des compositions murales et des décors de théâtre. Vuillard exposa pour la première fois au Salon des Indépendants en 1901 et au Salon dAutomne en 1903. C'est dans le années 1890 qu'il fit la connaissance des frères Alexandre et Thadée Natanson, les fondateurs de la Revue Blanche, et en 1892, sous leur conseil, il fit ses premières décorations (fresques d'appartements) pour la maison de Madame Desmarais. Plus tard il reçut de nombreuses commandes semblables. En 1895 pour Alexandre Natanson, en 1898 pour Claude Anet, en 1908 pour Bernstein et en 1913 pour Bernheim et pour le Théâtre des Champs Elysées. Les dernières commandes qu'il reçut datent de 1937 (Palais de Chaillot à Paris, avec Bonnard) et de 1939 (Palais des Nations à Genève, avec Maurice Denis, Roussel et Roger Chastel).
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Wayne Thiebaud (1920-2021) - Desk Set, 1971

Wayne Thiebaud (1920-2021)
Desk Set, 1971
Santa Barbara Museum of Art

Que voit on ? Une  nature morte de bureau avec au premeir plan une règle en bois ; au deuxième plan une agraffeuse, un bloc de papier blanc et un stylo à encre dans son reposoir ; à l'arrière plan, un tampon encreur.

Rappel biographique : Le peintre américain d'origine Wayne Thiebaud, dont une célèbre toile avait été publiée au début de ce blog en 2014, est un artiste discret, de plus en plus considéré comme un des artistes majeurs du 20e et 21e siècle aux Etats-Unis.
Le travail de Wayne Thiebaud se caractérise par des peintures d'objets alimentaires de grande consommation, comme des pâtisseries, vues dans des cafétérias. Les experts se sont souvent demandés en examinant l'œuvre de Thiebaud s'il n'avait pas passé beaucoup de temps dans l'industrie agro-alimentaire pour se familiariser avec son sujet ? Et en effet c'est exactement ce qu'il a fait en ayant comme premier emploi un job de serveur à Long Beach, dans le café « Mile High and Red Hot » (Glace et hot-dog). Cet intérêt pour les objets du quotidien, confondus ensuite avec ceux de la culture de masse, associa son nom au mouvement du Pop-Art. Cependant, une fois réduit le tapage médiatique autour du pape du pop art (Andy Warhol), on remarqua - non sans stupeur - que les œuvres de Wayne Thiebaud, effectuées dans les années 50 et 60 étaient légèrement antérieures à celles des autres artistes de cette tendance... de là à lui attribuer une influence définitive comme précurseur de ce mouvement, il n'y avait qu'un pas qui, aujourd'hui, est franchi avec justesse.
Outre les pâtisseries, Wayne Thiebaud a également peint des paysages, des rues, ainsi que des personnages populaires, comme Mickey. Certaines de ses toiles récentes, comme Sunset street (1985) ou Flatland river (1997) sont remarquables pour le traité hyper réaliste, et se rapproche du travail d'un Edward Hopper, qui était tout aussi fasciné par ces scènes du quotidien américain.
Dans sa peinture, Wayne Thiebaud se concentre sur la banalité de façon à suggère l'ironie et la distance vis-à-vis de son sujet.
Wayne Thiebaud se considère comme un peintre, mais paradoxalement pas comme un artiste. C'est un lecteur vorace, qui a l'habitude de lire de la poésie, celle de son poète préféré William Carlos Williams par exemple, à ses élèves.
En septembre 2010, alors qu'il fêtait son 90e anniversaire, Wayne Thiebaud réalisa un dessin pour le 12e anniversaire de Google qui l'afficha sur sa page d'accueil. Le dessin était exécuté dans le style bien reconnaissable de Wayne Thiebaud, et montrait un gâteau sur lequel est écrit Google et où le "l" était remplacé par une bougie.

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Clay Vase with Flowers

 

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Clay Vase with Flowers, 1966.
Huile sur toile , 85 x 70 cm.
Collection privée

Que voit -on ? Sur un entablement de marbre et un fond en contreplaqué (peints tous deux avec une belle maitrise du trompe l'œil) un vase en terre cuite  partiellement vernissée contenant une très belles composition d'arums et d'iris mauves presque noirs.   

Rappel biographique : Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées.
Il a peint cependant quelques nature mortes, aujourd'hui moins célèbres que ses portraits

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Juan van der Hamen y Leon (1596-1631) - Bodegon con uvas, higos y peras en una cuenca lapi lazzuli

 

Juan van der Hamen y Leon (1596-1631)
Bodegon con uvas, higos y peras en una cuenca lapi lazzuli, 1622
Collection privée

Que voit on ? Les compositions sont toutes un peu les mêmes chez ce peintre. Seules les positions des objets des objets varient selon les commandes. Ainsi cette composition qui ressemble à s'y méprendre à la une autre nature morte déjà publiée dans ce blog a ceci pès que la corbeille en osier qui contient le raisin a été remplacé par une somptueuse vasque en bronze et lapis lazzuli...

Rappel biographique : le peintre espagnol Juan van der Hamen y Leon - dont un grand nombre de natures mortes ont été publiées dans ce blog - est surtout connu pour être un maître de ce genre, bien qu'il ait peint aussi des motifs religieux, des paysages et des portraits. Influencé autant par Juan Sanchez Cotan que par la peinture flamande de Frans Snyders dans ses premières natures mortes, il opta finalement pour un naturalisme plus italien et introduisit beaucoup de fraîcheur dans ses compositions. Sa touche est d'une grande délicatesse et d'un absolue précision. Van der Hamen emprunte à Sánchez Cotán le style apparemment sobre de ses compositions mais aussi cette façon systématique de détacher les objets sur un fond sombre et de les éclairer d'une lumière puissante. Les arrangements en quinconces et les ombres portées renforcent l'impression de précision et révèlent que ces compositions sont finalement tout sauf simples ! A partir de 1626, Van der Hamen peint des natures mortes plus complexes que ses premières en plaçant les objets sur différents niveaux. Ce type de composition que l'on retrouve à Rome au début des années 1620 dans les œuvres de Tomasso Salini et d'Agostino Verrocchi, était déjà présent dans les natures mortes de l'Antiquité que l'on découvrira à Pompei et Herculanum au 18e siècle. Les natures mortes de Juan van der Hamen ont exercé une grande influence sur ses contemporains comme Francisco de Zurbarán et plus tard chez des peintres comme Antonio Ponce et Juan Arellano. Une des caractéristiques de la peinture de Van der Hamen, pour laquelle il était surtout connu de son vivant, résidait dans la représentation des coûteuses et luxueuses verreries de Venise ou d'Allemagne. Très préoccupé par l'agencement harmonieux des objets et la représentation précise des textures et des lumières, Van der Hamen livre toujours des compositions très géométriques où les cercles et les sphères ont un rôle primordial.
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James Ensor (1860-1949) - Nature morte au canard

James Ensor (1860-1949)
Nature morte au canard, 1880
Huile sur toile
Triennale Design Museum, Milan.

 Que voit on ? Une magnifique nature mrote d'Ensor... qui en peint beaucoup !  Le canard, dont on le bec jaune au bout du long cou déplumé, trône au centre de a composition dans un plat blanc qui ressemble un peu à un navire en partance sur les flots bleus de cette table de cuisine, patiente dans une lumière presque surréelle en compagnie des navets, carottes et choux et marmite en cuivre....

 
Rappel biographique : Le peintre belge James Ensor se revendiquait du mouvement anarchiste et a laissé une œuvre expressionniste très importante. Il est un des membres fondateurs du groupe bruxellois d'avant garde Les Vingt. En 1898, il est l'un des instigateurs du bal du Rat mort qui a lieu à la fin du carnaval d'Ostende. Ensor doit attendre le début du 20e siècle pour assister à la reconnaissance de son œuvre : expositions internationales, visite royale, anoblissement avec titre de baron, Légion d'honneur ... on le surnomme alors le prince des peintres. Et c'est précisément ce moment qu'il choisit pour abandonner la peinture et consacrer les dernières années de sa vie exclusivement à la musique !
Dans beaucoup de ses tableaux Ensor est fasciné par la lumière d'Ostende, sa ville natale, qui lui inspire des pâleurs secrètes : « La lumière déforme le contour. Je vis là-dedans un monde énorme que je pouvais explorer, une nouvelle manière de voir que je pouvais représenter. »
C'est entre 1887 et 1893 qu'il peint ses plus beaux tableaux : la gamme chromatique prend feu au milieu des nacres translucides des ciels et des marines. Contemporaine de Vincent Van Gogh et d'Edvard Munch, son œuvre contient beaucoup des futures révolutions du Fauvisme au Mouvement Cobra.
Il va s'appliquer à mettre en évidence les aspects grotesques des choses, et s'orienter vers une vision radicale, sarcastique et insolente du monde. Comme chez Pieter Brueghel l'Ancien ou Jérôme Bosch, l'inanimé respire et crie. Ses obsessions et ses peurs jouent un rôle manifeste dans les traits menaçants qu'il attribue aux objets utilitaires, aux revenants et aux masques. Ces derniers, à partir des années 1880 dominent son inspiration et renvoient au carnaval, ce « monde à l'envers », anarchique où les rapports sociaux sont démontrés par l'absurde.
Artiste pluraliste, il l'est également dans son style et ses techniques: toile, bois, papier, carton, couteau à palette, pinceau fin ou spatule… : « Chaque œuvre devrait présenter un procédé nouveau », écrit-il.
Dans un but purement alimentaire, il édite des eaux-fortes, les fameux « biftecks d'Ensor », œuvres purement commerciales mais qui ont fait alors la fierté des marchands de souvenirs. Il réalise aussi des caricatures à la manière de Bruegel et de Bosch.
Par sa prédilection pour les personnages masqués, les squelettes, qui, dans ses tableaux, grouillent dans une atmosphère de carnaval, Ensor est le père d'un monde imaginaire et fantastique qui annonce le surréalisme.
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Nicolas de Staël (1914-1955) - Nature morte aux poivrons,

Nicolas de Staël (1914-1955)
Nature morte aux poivrons, 1953
Collection particulière

Que voit on ? Sur une surface partagé en une zone sombre et une zone claire, des taches de couleurs rouges orange et vert  évocatrice de poivrons

Rappel biographique : Le peintre français d'origine russe Nicolas de Staël, né baron Nicolaï Vladimirovitch Staël von Holstein, est issu d'une branche cadette de la famille de Staël-Holstein. Plus d'un demi siècle après sa mort, il reste l'un des peintres les plus marquants du 20e siècle posant un problème aux historiens de l'art qui ne savent pas dans quelle catégorie le classer, ce qui doit le réjouir post mortem, lui qui détestait les catégories et les courants.
La réinvention de la figuration opérée par Staël a été mal comprise alors qu'elle anticipait d'une vingtaine d'année l'évolution générale de l'art. Il a « retrouvé le visible sans renoncer aux possibilités expressives et à la liberté d'action qui définissent la peinture contemporaine » alors que Paris perd sa place de capitale des arts, dès les années 1960, sous l'effet du marché de l'art et de la surenchère :
" On y est devenu incapable de discerner le pastiche de l'original " selon Umberto Eco.
Selon Marcelin Pleynet et Michel Seuphor : « ...il faut tenir compte de Nicolas de Staël, vu et revu souvent avec et travers l'avant-garde américaine de années cinquante. Ces nouveaux mouvements d'abstraction suivent le cheminement de Staël, délaissant la peinture gestuelle pour une peinture brossée, voir maçonnée ». Peu exposé de son vivant, son œuvre a donné lieu à de nombreuses manifestations posthumes qui ont confirmé sa stature sur le plan international. " Staël fut le plus puissant créateur de sa génération dans l'École de Paris de l'après-guerre, sur laquelle il a exercé une forte influence Il a été le premier à dépasser l'antinomie abstraction-figuration ".
Nicolas de Staël meurt à 41 ans en se jetant de la terrasse de l'immeuble où il avait son logement et un de ses ateliers à Antibes. L'ensemble de son œuvre s'étend sur 15 années. Il a peint, à partir de 1952, plusieurs natures mortes dont quelques unes sont aujourd'hui conservées et exposées au Musée Picasso d'Antibes à quelques pas de son ancien atelier. Plusieurs sont présentées sur ce blog.

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Maximilian Pfeiler (1656-1746) - Composition aux cédrats, à la viole et aux fruits

Maximilian Pfeiler (1656-1746),
Composition aux cédrats, à la viole et aux fruits
Huile sur toile
Palais Fesch, Ajaccio 

 Que voit on  ? Une merveilleuse nature morte où les mandolines ressemblent a des fruits et ou les notes de musique semblent être des grappes de raisin.  Magnifique peinture, d'une gaieté, d'une délicatesse et  d'un raffinement absolu.

Rappel biographique : Par une curieuse ironie de l'histoire, la biographie de Maximilien Pfeiler, peintre allemand de l'abondance et du faste est très peu documentée ! En 1683 on trouve une première trace de lui comme membre de la Guilde des Peintres à Prague. Puis on le retrouve à Rome où il est actif de 1694 à 1721 uniquement. On sait cependant que tout ce que la Ville éternelle comptait de gens importants lui passa commandes de somptueuses compositions florales ou de natures mortes très extravagantes dont il était un spécialiste reconnu. On sait aussi qu'il fut l'élève de Christian Berentz par lequel il fut très influencé et qu'il collabora avec Francesco Trevisani et Michele Rocca. Bien que la postérité l'ait oublié, sa notoriété de son vivant devait être immense puisque l'on retrouvait ses compositions chez les amateurs d'art les plus éclairés de son temps, comme dans la collection du cardinal Fesch par exemple.
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Maurice de Vlaminck (1876-1958) - Nature morte

Maurice de Vlaminck (1876-1958)
Nature morte
Huile sur toile, 1910
Joslyn Art Museum, USA

 Que voit on ? De toute évidence, une toile de la période cubiste de Maurice de Vlaminck. on peut y voir deux pichets (un grand et un petit) ;  deux bouteilles ; dont l'une est reflétée sur un miroir (à gauche) ;  deux mugs ; un compotier rempli de fruits ronds et verts ; un petit verre à liqueur plein ;  et un moulin à café à manivelle, un ustensile à jamais disparu des cuisines.

Rappel biographique : Le peintre français Maurice de Vlaminck s'est illustré dans les courants Fauviste et Cubiste. Peintre de figures, portraits, nus, paysages, paysages animés, paysages urbains, intérieurs, natures mortes, fleurs et fruits, peintre à la gouache, aquarelliste, graveur, dessinateur et illustrateur, il fut aussi écrivain et publia vingt-six livres, romans, essais et recueil de poèmes. Ses natures mortes quelquefois très inspirées de celles de Cézanne sont des explosions de couleurs et de formes qui font assez souvent de lui, un peintre abstrait avant la lettre.

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Juan de Zurbarán (1620-1649) - Bodegón con plato de manzanas y azahar

Juan de Zurbarán (1620-1649)
Bodegón con plato de manzanas y azahar, 1640
Collection privée

Que voit on ? Une ode a la délicatesse  un reflet des pommes sur le plat d'argent à l'apparition comme sorti de l'ombre du verre qui contient la fleur d'oranger en bouton... `

Rappel biographique : Juan de Zurbarán (1620-1649) était un peintre baroque espagnol et le fils du célèbre Francisco de Zurbarán (1598-1664) dont il rejoint l'atelier à Séville et avec lequel il est probable qu'il ait collaboré à différents tableaux. L'influence de son illustre père est évidente dans son travail, mais son style reflète également les influences hollandaises, lombardes et napolitaines. Il a principalement peint des natures mortes. Il mourut prématurément à l'âge de 29 ans des suites de l 'épidémie de peste qui décima Séville en 1649. Il fut contaminé et tué avec plusieurs de ses frères.
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Jean-Baptiste Oudry (1686-1755) - Nature morte avec Fusil, Lièvre et Oiseaux

Jean-Baptiste Oudry (1686–1755)
Nature morte avec Fusil, Lièvre et Oiseaux, 1720
Huile sur toile, 144 x116 cm
Nationalmuseum Stockholm 

 Que voit on ? le,fusil est bine là en effet qui a accompli son œuvre funeste sur ce gibier comme saisi en plein vol pour les oiseaux et e plein course pour le lièvre. L'opportunité pour Oudry de livrer un morceau de bravoure sur les oppositions de texture et aussi  de communiquer sa connaissance  de la nature à travers le minutieux rendu du plumage des oiseaux.  La grande nature morte française animalière dans toute sa splendeur.

Rappel biographique : Le peintre et graveur français Jean-Baptiste Oudry est surtout célèbre pour ses peintures de chiens de chasse, ses natures mortes animalières et ses animaux exotiques. Fils de Jacques Oudry, maître peintre et marchand de tableaux sur le Pont Notre-Dame, et de sa femme, Nicole Papillon, qui appartenait à la famille du graveur Jean-Baptiste-Michel Papillon, Jean-Baptiste Oudry étudia tout d'abord à l'Ecole de la Maîtrise de Saint-Luc, dont son père était directeur.
Il fut placé ensuite chez le grand peintre du roi Nicolas de Largillière, dont il devint bientôt l'ami. Après avoir peint quelques sujets religieux et un portait du Tsar Pierre 1er, il rencontre le marquis de Beringhen, premier écuyer du roi. Cette rencontre est décisive car le marquis commande à Oudry de nombreux ouvrages pour le roi. Dès lors on octroie à Oudry un atelier dans la cour des princes aux Tuileries et un logement au Palais du Louvre où il forma un cabinet renommé.
Oudry suivait les chasses royales et faisait de fréquentes études dans la forêt de Compiègne.
L'intendant des finances, Fagon, le prit à son service et le chargea de rétablir la manufacture de Beauvais, tombée en décadence. Oudry s'adjoignit Boucher et Natoire pour exécuter la copie des tableaux. On lui confia également l'inspection de la manufacture des Gobelins, où l'on exécutait les tapisseries des chasses du roi d'après ses tableaux.
Jean-Baptiste Oudry a peint le portrait, l'histoire, les chasses, le paysage, les animaux, les fruits, les fleurs ; il a imité les bas-reliefs ; il a fait du pastel, de la décoration ; il aussi gravé à l'eau-forte. On lui doit deux conférences qui furent lues à l'Académie, « Sur la manière d'étudier la couleur en comparant les objets les uns avec les autres » et « Sur les soins que l'on doit apporter en peignant ». Oudry a laissé un grand nombre de dessins dont les plus connus sont les 275 dessins qui servirent à l'édition dite des Fermiers généraux des Fables de La Fontaine, gravées par Charles-Nicolas Cochin. Il est également l'auteur d'un Almanach de rébus paru en 1716.
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Pablo Picasso (1881-1973) - Intérieur au pot de fleurs

Pablo Picasso (1881-1973)
Intérieur au pot de fleurs, 1953.
Huile sur toile, 130 x 96.8 cm
Collection privée (Christie's London)

 Que voit-on ?  Une composition très élaborée du point de graphique et très maitrisée dans l'économie et l'efficacité des coloris. Jaune, rouge  et vert  sont en effet les trois  seuls coloris utilisés, soulignés et même quelquefois rehaussés par le noir et le blanc autour de ce pots de fleurs  dont jaillissent deux feuilles de philodendron et une mystérieuse fleur en forme d 'escargot....  

 Rappel biographique : le peintre espagnol Pablo Ruiz Picasso a commencé à peindre très tôt, au tournant du19e et du 20e siècle et n'a jamais cessé sa production, évaluée aujourd'hui a quelques 50.000 oeuvres. Utilisant tous les supports pour son travail, il est considéré comme le fondateur du cubisme avec Georges Braque auquel son nom est lié surtout dans le domaine des natures mortes. Il est considéré comme l'un des plus importants artistes du 20e siècle tant par ses apports techniques et formels que par ses prises de positions politiques et que par l'immensité de sa production tous genres confondus.
A partir des années 1920 ses natures mortes seront très proches, sur la même ligne de conception " cubiste analytique " que celles de George Braque, dont il devient un temps l'intime avant de s'en séparer définitivement. Il y eut une connivence d'inspiration très rare entre ces deux peintres pendant une certaine période de leur vie et en particulier dans le domaine particulier du traitement de la nature morte.
Picasso peint beaucoup d'autres natures mortes après la Seconde guerre mondiale et hors de la période cubiste, mais ce n'est pas un genre qui tient une place aussi essentielle dans son œuvre que dans l'œuvre de Georges Braque.

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Pierre Bonnard (1867-1947) - Nature morte avec bateaux au travers de la fenêtre

Pierre Bonnard (1867-1947)
Nature morte avec bateaux au travers de la fenêtre.
Collection privée.

 Que voit on ?  Si le titre fait bien allusion aux bateaux que l'on voit au mouillage dans un port à travers la fenêtre, il détaille peu le contenu de la nature morte elle-même qui comprend  pourtant :  une corbeille de pommes, une carafe de vin ou de liqueur vide, un verre et une cuillère sur une soucoupe (un nécessaire à absinthe ?)  et sur un plateau au premier plan,  une part de gâteau et une boîte en fer sans doute pleine de confiseries ou de biscuits...
 

 Rappel biographique : le peintre français Pierre Bonnard est connu pour ses peintures de personnages, ses nus, ses portraits, ses paysages animés, ses intérieurs et ses natures mortes de fleurs et fruits. Bonnard est un artiste post-impressionniste, membre du groupe des Nabis qui regroupait autour de Paul Serusier, Paul René Piot, Henri-Gabriel Ibels, Maurice Denis, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Paul Ranson, Jan Verkade, Félix Vallotton, Georges Lacombe, Mogens Ballin, József Rippl-Rónai, Charles Filiger, Adolf Robbi, ainsi que Georges Joseph Rasetti et le sculpteur Aristide Maillol. En réaction à l'impressionnisme, les Nabis veulent libérer leur peinture des exigences du réalisme : « Ensemble, nous avons méprisé l'école et les écoles, les rapins, leurs traditions, leurs farces et leurs bals inutilement nudistes. Ensemble nous nous sommes sérieusement amusés ». Les artistes nabis cherchent des voies plus spirituelles au contact de philosophies et de doctrines nouvelles teintées d'Orient, d'orphisme, d'ésotérisme, et de théosophie. Ils s'appliquent à retrouver le caractère « sacré » de la peinture et à provoquer un nouvel élan spirituel par le seul moyen de l'art.
Une fois devenu célèbre, Pierre Bonnard fut connu pour ne pouvoir s’empêcher de retoucher ses toiles une fois celles-ci achetées et exposées dans un musée. Ses amis appelaient ça « bonnarder » ou « bonnardiser ». Un journaliste relate cette attitude devenue visiblement coutumière. « Au musée de Grenoble et au Musée du Luxembourg, il arriva à Bonnard de guetter le passage d'un gardien d'une salle à l'autre, de sortir d'une poche une minuscule boîte garnie de deux ou trois tubes et, d'un bout de pinceau, d'améliorer furtivement de quelques touches un détail qui le préoccupait. Et, son coup fait, de disparaître, radieux, comme un collégien après une inscription vengeresse au tableau noir. »

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Paul Cézanne (1839-1906) - ‪Dahlias dans un grand vase de Delft

Paul Cézanne (1839-1906)
‪Dahlias dans un grand vase de Delft,‬ 1873‬
‪Huile sur toile, 73 x 54 cm.‬
Musée d'Orsay, Paris 

 Que voit on ? Un chef d'œuvre de la nature morte florale dû au grand Cézanne dont on reconnait la pâte épaisse et le pinceau inspiré dans chaque détail du vase de Delft et dans chaque pétales de fleurs. A l'origine dans la collection du Docteur Paul Gachet, cette œuvre passa ensuite  dans la collection du comte Isaac de Camondo à Paris jusqu'en 1911  date à laquelle l'Etat l'accepta à titre de legs aux Musées nationaux pour le musée du Louvre. 

Rappel biographique : Parmi les quelques 900 tableaux et 400 aquarelles que Paul Cézanne, ce sont les natures mortes qui arrivent en tête , et notamment les pommes qui arrivent en tête de ses premières « obsessions picturales ». Pour Cézanne, la nature morte est un motif comme un autre, équivalent à un corps humain ou à une montagne, mais qui se prête particulièrement bien à des recherches sur l'espace, la géométrie des volumes, le rapport entre couleurs et formes : « Quand la couleur, est à sa puissance, la forme est à sa plénitude » disait-il.
Incomprises en leur temps, les natures mortes de Cézanne sont devenues depuis lors l'un des traits caractéristiques de son génie.
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Georg Flegel (1566-1638) - Nature morte avec desserts et vase de fleurs

Georg Flegel (1566-1638)
Nature morte avec desserts et vase de fleurs
Kuntz Museum Neue Galerie, Vienna

Que voit-on ? Une somptueuse et éclatante composition de douceurs, friandises, sucreries et bouquets de fleurs printanières (clochettes de muguet en tête !) que seule l'amertume d'un citron coupé en deux vient tempérer... 

Rappel biographique : Le peintre allemand Georg Flegel, est un des peintres majeurs de natures mortes des 16e et 17e siècle. Né en Moravie, il déménage à Vienne,en 1580 et devient l'assistant de Lucas van Valckenborch peintre et dessinateur. En tant qu'assistant, son travail consiste à insérer dans les tableaux de son maître, des éléments " décoratifs " tels que des fruits, des fleurs et des ustensiles de table. Flegel et son employeur déménagent ensuite à Francfort, qui à cette époque là était un centre d'art très important. Puis on retrouve Flegel à Utrecht où il fait partie de la très influente Guilde de Saint-Luc qui compte parmi ses membres des grands maîtres de la nature morte tel que Roelandt Savery et Balthasar van der Ast. Georg Flegel a peint exclusivement des natures mortes, dont certaines très fournies, incluent des animaux, familiers et /ou exotiques, de riches mets, du gibier ou du poisson, des ustensiles de cuisine, de la vaisselle en métal précieux et en porcelaine, des fruits et des fleurs et des friandises. D'autres natures mortes qu'il a peintes détaillent avec la même richesse et le même soin quelques fruits, des coins de table ou des petits déjeuners, des goûters ou des collations modestes avec des bretzels aux formes étranges trempés dans du schnaps. Il fit école et eut parmi ses élèves ses deux fils, Friedrich et Jacob Leonhard, ainsi que le peintre floral Jacob Marrel.

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Ethel Sands (1873-1962) - Still Life with a View over a Cemetery

 

Ethel Sands (1873-1962)
Still Life with a View over a Cemetery, 1923
The Fitzwilliam Museum, Cambridge

Que voit-on  ? Il s'agit ici d'une nature morte à la toilette, devant une feêtre ouvrant sur un cimetière. Un Memento mori très direct adressé au moment des ablutions quotidiennes !

Rappel biographique : Ethel Sands était une artiste post-impressionniste et mécène d'origine américaine qui a vécu en Angleterre à partir de son enfance. Elle a étudié l'art à Paris, où elle a rencontré celle qui allait devenir la partenaire de sa vie, Anna Hope Hudson (Nan). Ses œuvres étaient généralement des natures mortes et des intérieurs, souvent du château d'Auppegard qu'elle partageait avec Anna. Ethel Sands était un membre du Fitzroy Street Group et du London Group. Ses œuvres sont aujourd'hui conservées notamment à la National Portrait Gallery de Londres. Grande mécène, elle fut surtout connue pour être la protectrice de de l'élite culturelle de l'Angleterre d'alors, notamment Henry James, Virginia Woolf, Roger Fry et Augustus John. En tant que peintre, Ethel Sands a surtout peint des natures mortes et des intérieurs. Selon la Tate Gallery, 'elle a été très inspirée par la technique du pinceau sec d'Edouard Vuillard, de même que par sa palette de couleurs et sa représentation de scènes de l'intimité. Sa première exposition a eu lieu au Salon d'Automne à Paris en 1904. En 1907, à l'invitation de Walter Sickert, elle en devient membre et expose des peintures qu'elle a réalisées au Fitzroy Street Group. Selon Kate Deepwell, ses œuvres et celles de Vanessa Bell ainsi que d'autres femmes peintres, étaient systématiquement sous évaluées par rapport à celles des hommes : la meilleure critique du travail des femmes consistait ainsi à écrire qu'elles avaient "une personnalité", mais jamais personne n'aurait considéré que leurs œuvres puissent être innovantes ou modernes comme celles des hommes ! C'est à Paris en 1911, qu'a lieu la première exposition consacrée aux oeuvres d'Ethel Sands. L'année suivante, elle participe à l'exposition des "Post-impressionnistes anglais, cubistes et autres" à Brighton. Sa première exposition personnelle à lieu à la galerie Goupil et en 1922. En 1920, Ethel Hudson acheta le château d'Auppegard près de Dieppe en France, un endroit qu'elle a peint à de multiples reprises, intérieurs comme extérieurs.


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Fairfield Porter (1907-1975) - Still life with "casse-croûte"

Fairfield Porter (1907-1975)
Still life with "casse-croûte", 1966
Private collection

Que voit-on ?  Un casse-croûte assez bizarre pour tout dire puisque essentiellement à base de foie gras de beurre et de café !   Avec un tel menu,  la digestion de l'ensemble n'est pas assurée mais la composition assez chargée, contrairement à l'habitude de ce peintre est un bel hommage pictural à la couleur blanche et à ses variations.

Rappel biographique : Fairfield Porter était un peintre et critique d'art américain, frère du photographe Eliot Porter. C’est en étudiant à Harvard, que Porter décida de se spécialiser dans les beaux-arts et de poursuivre, après son déménagement à New York en 1928, ses études à l'Art Students League. Son passage à l’Art Students League le formate plus ou moins pour produire un travail réaliste. Il sera d’ailleurs beaucoup critiqué et à la fois vénéré pour s'être obstiné dans ce style réaliste à une époque où l'expressionniste abstrait battait son plein dans le monde. Les sujets des tableaux de Porter sont principalement des paysages, des intérieurs, quelques natures mortes et beaucoup de portraits. Portraits de famille, portraits d'amis et de collègues artistes, dont beaucoup étaient affiliés à l’école littéraire de New York, comme John Ashbery, Frank O'Hara ou James Schuyler. Un grand nombre de ses peintures ont été réalisées dans ou autour de sa maison estivale de famille à Great Spruce Head Island, dans le Maine et dans sa maison de famille citadine à New York. Sa vision picturale englobe à la fois une réelle fascination pour la nature et la capacité de révéler tout ce qu’il peut y avoir d’exceptionnel dans la vie ordinaire. Très influencé par les peintres français Pierre Bonnard et Edouard Vuillard, il a même écrit " Quand je peins, je pense que ce qui peut me satisfaire est d'exprimer au mieux ce que Renoir conseillait à Bonnard : « Rendre tout plus beau » ".

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Fede Galizia (1578-1630) -) Altaza di porcellana bianca con pera

Fede Galizia (1578-1630)
Altaza di porcellana bianca con pera
Collection particulière

Que voit on ? Un des thèmes favori de cette peintre  :  un compotier  en porcelaine (il est aussi souvent en argent dans plusieurs de ses tableaux) remplis de fruits. Ici, ce sont des poires : charnues, colorées  et belles. Profitons en vite car sur l'entablement,  une d'entre elles coupée en deux, montre déjà des signes de pourrissement. Carpe diem...

Rappel biographique : Fede Galizia appelée aussi Fede Gallizi est une peintre italienne de l'époque baroque. Elle apprit à peindre dans l'atelier de son père le peintre miniaturiste Nunzio Galizia, qui travaillait à Milan. A 12 ans, elle maîtrise parfaitement l 'art de la gravure. A 20 ans, elle a déjà une réputation de portraitiste qui dépasse les frontières du duché de Milan. En 1596, elle réalise une Judith et sa servante qui lui assure une notoriété de peintre majeure. Elle exécute plusieurs commandes pour des églises de Milan dont un retable pour l'église Santa Maria Maddelena.
En 1630, elle meurt à Milan de la grande peste qui ravageait alors l'Italie.
C'est en 1965 seulement que Stefano Bottari constitue le catalogue de ses œuvres. A la surprise générale il lui attribue une majorité de natures mortes alors que sa réputation de son vivant était plutôt basée sur les portraits et les sujets sacrés (les plus nobles des genre picturaux de l'époque).
Ses natures mortes d'une très grande simplicité, empreintes du dépouillement prôné par la Contre-Réforme, font souvent penser à celles de Zurbaran. Fede Galizia est avec Clara Peeters à Anvers et Louyse Moillon à Paris l'une femmes premières peintres de natures mortes. 

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Eugène Delacroix (1798-1863) - Nature morte avec fleurs et fruits.

Eugene Delacroix (1798-1863)
Nature morte avec fleurs et fruits.
Huile sur toile 75 x 95 cm
Musée du Louvre, Paris

Que voit on ? Au Salon de 1849, au lendemain d’une nouvelle révolution, cinq tableaux de fleurs sont présentés par Delacroix. Habitué du parc du château de Nohant, où l’invitait George Sand, Delacroix  y peignit plusieurs natures mortes, avant d'acquérir sa  propre maison de  Champrosay. Presque irréel bien que dans la grande tradition française des fleurs et fruits du XVIIIe siècle, on sent en tout cas tout le plaisir que Delacroix a pris  à peindre ce bouquet, le plus coloré et le plus élaboré de ceux qu'il peignit à partir de 1833 inclus dans des frondaisons luxuriantes, qui ne sont guère avare en floraison de toute sorte sur fond de ciel bleu bienvenu  ! Une palette qui n'est pas sans rappeler celle de Monnoyer...

Rappel biographique : Le grand peintre romantique français Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix n'est a priori pas vraiment connu pour ses natures mortes et c'est un tort car il en peignit quelques unes de très remarquables ! On lui connait Nature morte aux homards (1826-27) conservée aussi au Louvre à l"époque où il il copiait les maîtres anciens dans les galeries du Louvre. Il peignit aussi plusieurs natures mortes florales dont quelques unes très spectaculaires à partir de 1844, quand il loue à Draveil au lieu-dit Champrosay, une « bicoque » où il se fait installer un atelier de 10 m2. En pleine campagne accessible par le train directement Delacroix vient s'y reposer à l'écart de Paris, où sévit le choléra. Là il peut, accompagné de sa gouvernante Jenny, faire de longues promenades dans la campagne pour soigner sa tuberculose. Il travaille de nombreux paysages, plusieurs vues de Champrosay tant au pastel (musée du Louvre) qu'à la peinture à l'huile (musée du Havre). Il réalise de nombreux tableaux de mémoire suivant ses notes et carnets du Maroc, interprétant des scènes antiques à la mode orientale. Son travail se fait plus intimiste, les tableaux de petite taille sont vendus par les marchands parisiens. Il peint également ses natures mortes florales, souvent composées de fleurs imaginaires, (comme ci dessus) affectionnant particulièrement les lys jaune à cinq pétales. Les relations avec George Sand quoique suivies, se distendent. Après avoir réalisé le portrait de l'écrivain en 1834, Delacroix vient régulièrement à Nohant-Vic où il peint pour l'église de Nohant une Éducation de la Vierge138. Il offre un Bouquet de fleurs dans un vase139 à l'écrivain, qui l'accroche140 au-dessus de son lit, mais quand celle-ci tombe amoureuse du graveur et élève de Delacroix, Alexandre Manceau, Delacroix en prend ombrage d'autant qu'il est opposé à la révolution de 1848 dont Sand a été une des figures. La rupture est consommée. Restent les natures mortes florales qui datant de cette idylle, ont traversé les temps.

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Joan Miró (1893-1983) - Fleurs et Papillons

 

Joan Miró (1893-1983),
Fleurs et Papillons, 1922-23
Tempera sur contreplaqué 81x65cm
Musée d'art de Yokohama, Japon

Que voit on ? Un vase de fleurs en verre décoré,  très typé année 20. On y trouve quelques détails  qui rendent cette composition surréaliste comme me papillon noire ou les branches mortes. Pour le reste : aucun points communs avec les compositions colorées  et totalement abstraites du Miró d'après guerre.

Rappel biographique : Le peintre espagnol Joan Miró, (Joan Miró i Ferrà) qui se définissait comme un « catalan international» fut l'un des principaux représentants du mouvement surréaliste.
Ses premières peintures dont on peut considérer que cette nature morte fait partie, dénotent une influence claire du fauvisme et du cubisme montrant une certaine proximité de couleurs avec Van Gogh et quelquefois même Cézanne.
Il abandonne leu à peu les couleurs et les formes dures utilisées jusqu'alors pour les remplacer par d'autres plus subtiles. Il explique cette démarche dans une lettre à son ami Ricart en date de 1918 :
« Pas de simplifications ni d’abstractions. En ce moment je ne m’intéresse qu’à la calligraphie d’un arbre ou d’un toit, feuille par feuille, branche par branche, herbe par herbe, tuile par tuile. Ceci ne veut pas dire que ces paysages deviendront cubistes ou rageusement synthétiques. Après, on verra. Ce que je me propose de faire est de travailler longtemps sur les toiles et de les achever autant que possible. À la fin de la saison et après avoir tant travaillé, peu importe si j'ai peu de toiles. L'hiver prochain, messieurs les critiques continueront à dire que je persiste dans ma désorientation. »
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Albert Eckhout (c.1610 – c. 1666) - Nature morte avec Ananas, Pastèques et autres fruits du Brésil

Albert Eckhout (c.1610 – c. 1666)
Nature morte avec Ananas, Pastèques et autres fruits du Brésil
Huile sur toile, 91 × 91 cm
National Museum of Denmark

Que voit-on ? Ce que décrit précisément le titre  dans une accumulation de fruits tropicaux qui à l'époque où ils furent présentés au public européen suscitèrent à la fois émerveillement et incrédulité.

Rappel biographique : Le peintre hollandais Albert Eckhout, est connu pour ses toiles de la flore, de la faune et des habitants du Brésil. Eckhout et Frans Post étaient les artistes les plus célèbres de l'entourage de Johan Maurits de Nassau alors qu'il était gouverneur général du Brésil néerlandais de 1637 à 1644. On sait peu de choses sur la formation d'Eckhout, ses débuts de carrière et les raisons de sa nomination, et on ne sait pas exactement quand il est arrivé au Brésil. Parce que certaines peintures attribuées à Eckhout représentaient des peuples Araucano et africains ainsi que des lamas, des plantes et des arbres, certains ont suggéré qu'Eckhout aurait pu faire partie de l'expédition de Hendrick Brouwer au Chili en 1643 ou aurait pu visiter l'Afrique de l'Ouest avec les forces du colonel Hans Coen qui a capturé Elmina en 1637. D'autres pensent qu'il faisait partie de l'expédition de l'amiral Cornelis Jol et du colonel James Henderson quand ils ont occupé l'Angola en 1641. Enfin, on ne sait pas exactement quand Eckhout est revenu en Europe ou combien de temps il est resté au service de Maurits, mais l'on sait qu'en 1645, Eckhout était de retour à Groningen. Entre 1648 à 1652, il vécut à Amersfoort avant de s'installer à Dresde, où il passa dix ans (1653 à 1663) comme peintre à la cour de l'électeur de Saxe, Johann Georg II. On pense qu'Eckhout est mort à Groningen en 1665.

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William Merritt-Chase (1849-1916) - Pink Azalea-Chinese Vase

William Merritt-Chase (1849-1916)
Pink Azalea-Chinese Vase,1880-90
Private collection

Que voit-on ? Une merveilleuse nature morte florale de ce très grand peintre impressionniste nord américain qui atteste  de son impeccable technique et de sa sensibilité particulière (eprceptible ici dans le rendu du vase chinois blanc bleu.  

Rappel biographique : Le peintre américain William Merritt-Chase était très connu outre Atlantique, pour ses talents de pédagogue et pour le rôle qu'il a joué dans l'introduction de l'impressionnisme aux Etats Unis. Il installa sa propre école à New York, la « Chase school » (aujourd'hui Parsons School), après avoir enseigné quelques années à l'Art Students League. Il a travaillé sur toutes sortes de supports : huile, pastel, encre et aborder de nombreux genre, paysages, natures mortes, portraits. Ce sont d'ailleurs surtout ses portraits de grandes personnalités de son temps qui le rendirent célèbre, au point que toute la bonne société de la Nouvelle-Angleterre et de New York se pressait à la porte de son atelier pour se faire peindre.
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Ryangina Seraphim Vassilievna (1891-1955) - Oeuf sur une assiette

Ryangina Seraphim Vassilievna (1891-1955)
Oeuf sur une assiette. 1924
Huile. sur contreplaqué, 23 x 32 cm
Musée régional des beaux-arts d'Orenbourg, Russie 

Que voit on ? Un œuf dur  ou mollet sur une assiette  blanche  posé sur une jolie  nappe un peu festive et prête à être dégusté avec une cuillère en argent.

Rappel Biographique : Serafima Ryangina est issue d'une génération d'artistes venus sur la scène artistique soviétique avec un bagage d'éducation artistique classique. Elle a commencé sa carriere d'artiste  dans un studio privé bien connu de Yan Tsionglinsky à Saint-Pétersbourg. A partir de 1912, elle étudia à l'Académie impériale des beaux-arts dans la classe de Dmitry Kardovsky.
Rtangina était membre de l'Association des artistes de la Russie révolutionnaire dès les premiers jours de sa fondation. En 1934, l'artiste a créé une peinture intitulée "Tout est mieux ! " qui est devenu un exemple archétypal du réalisme socialiste, dans lequel la jeunesse de l'URSS était personnifiée par les figures de ferronniers - les beaux jeunes hommes et femmes. Le motif principal de l'art de Ryangina était les scènes de la vie quotidienne moderne. Les peintures de Serafima Riangina sont conservées  à la Galerie nationale Tretiakov (Moscou), au Musée national russe (Saint-Pétersbourg) et dans de nombreux musées en Russie et dans l'ex-URSS.