Francisco de Goya (1746-1828) - Bodegón con salmón

Francisco de Goya (1746-1828)

Bodegón con salmón (1812)

Musée d'art, Winterthur

Que voit-on ?  Avec une vérité et une simplicité que ni Chardin ni Manet n'auraient renié, posées sur un entablement de pierre dont les contours sont maintenus dans le flou : trois tranches de saumon cru, plein cadre. Au contraire de ce qu'il fait à son habitude, dans ses natures mortes, Goya n'a pas jugé utile ici de disposer des traces de putréfaction sur ces trois tranches de saumon ! Elles sont même d'une fraicheur à faire plaire d'envie l'étal d'un poissonnier !

 

Rappel biographique : Le peintre et graveur espagnol  Francisco José de Goya y Lucientes, dit Francisco de Goya est surtout célèbres pour  peintures de chevalet, ses portraits, ses peintures murales, ses peintures de guerre, ses cènes espagnoles, ses gravures et ses dessins que pour ses natures mortes.  Il introduisit plusieurs ruptures stylistiques qui initièrent le  romantisme et annoncèrent le début de la peinture contemporaine.  L’art goyesque est considéré comme précurseur des avant-gardes picturales du 20e siècle et c'est sans doute la raison pour laquelle Pablo Picasso ne se privera pas de lui rendre hommage en copiant  trait pour trait une de ces natures mortes les plus célèbres et les plus fortes : la Nature morte avec des cotes et une  tête d'agneau, conservée au Musée du Louvre à Paris. 

Dans l’inventaire réalisé en 1812 à la mort de sa femme Josefa Bayeu, on a retrouvé 12  natures mortes de Goya. Toutes sont  postérieures à 1808 par leur style. A cette époque là, à cause de la guerre, Goya ne reçoit plus beaucoup de commandes, et c'est ce qui lui permet d'explorer des genres qu'il n’avait pas encore eu l'occasion de travailler jusque là, comme la nature morte.  On peut dire que quelque soit le sujet dont il s'empare, Goya en devient immédiatement le maître. La nature morte n'y échappe pas.  Les natures mortes  de Goya s'éloignent de la tradition espagnole de Juan Sánchez Cotán et Juan van der Hamen,  dont le principal représentant au 18e siècle est Luis Eugenio Meléndez (des natures mortes de ces quatre grands  peintres sont présentes dans cette collection virtuelle). Tous avaient présenté des natures mortes qui montraient l’essence des objets épargnés par le temps, a travers une beauté idéalisée, transcendée. Goya se focalise en revanche sur le temps qui passe, la dégradation, la mort, la pourriture. Ses dindes sont inertes, les yeux de l’agneau sont vitreux, la chair n’est pas fraîche.

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Jan Davidszoon de Heem (1606-1684)- Fruits et riche vaisselle sur une table

Jan Davidszoon de Heem (1606-1684)

Fruits et riche vaisselle sur une table

Musée du Louvre, Paris 

Notice du  Musée du Louvre sur ce tableau :
Sur une table s'entassent verrerie et vaisselle luxueuses débordant de mets, fruits divers et tourte entamée. Un luth et une flûte à bec sont appuyés contre la table. L'apparent désordre est en fait mûrement réfléchi par Jan Davidsz de Heem. Le peintre, essentiellement formé à Utrecht et à Leyde, est installé à Anvers depuis cinq ans lorsqu'il peint ce Dessert. Il réalise ici une brillante synthèse entre la précision technique hollandaise et le baroque flamand. De son apprentissage initial, il garde le goût du rendu des matières qu'il sublime par de savants jeux de lumière : douceur du velours au vert profond, éclat métallique de l'orfèvrerie, fragile transparence du verre, velouté d'une peau de pêche ou au contraire racornissement d'une pelure de citron... Cependant la composition est directement inspirée du baroque des disciples de Rubens comme Frans Snyders : théâtralité du grand rideau mauve, froissement des draperies, abondance décorative perpétuellement à la limite du déséquilibre.

Quel étrange repas, mêlant verres de vins, fruits de saisons différentes et instruments de musique !  En fait l'opulence décoratrice de ce Dessert  s'enrichit d'une symbolique que le peintre avait pu approfondir lors de son séjour à Leyde. Certains fruits évoquent en effet des valeurs chrétiennes : les cerises sont considérées comme des fruits du paradis, les pêches et les pommes incarnent le fruit défendu alors que les raisins symbolisent la rédemption. Le pain et le vin renvoient clairement à l'eucharistie. Tous ces mets sont encadrés de symboles forts que nous retrouvons fréquemment dans les vanités. Sur la gauche le luth et la flûte rappellent que les plaisirs des sens, qu'ils flattent l'oreille ou la bouche, sont aussi éphémères que la musique. Notre oeil est également subtilement attiré par le cordon bleu d'une montre, posée sur le rebord de la table. Évocation de la fugacité du temps, elle est aussi un symbole de la mesure qu'il faut savoir garder face à l'abondance des plaisirs sensuels. Sur la droite, le globe terrestre, que nous dévoile théâtralement le rideau, rend la portée de cette morale universelle.

Rappel biographique : Le peintre hollandais Jan Davidszoon de Heem est un des membres d'une véritable dynastie de peintres, dont quelques uns spécialisés exclusivement dans les nature mortes.  Ses premières œuvres sont dans le style de Balthasar van der Ast (1593/94-1657), son maître. Il travaille ensuite à Leyde et montre un style proche des toiles de Pieter Claesz (1595/97-1661) et de Willem Claesz Heda (1594-1680). En 1636 , il s'installe à Anvers dont il  devient citoyen de la ville, ce qui signifie qu'il y a acquiert respectabilité pour son métier et fortune relative.  Il est le fils du peintre David de Heem le vieux (1570 ?-1632 ?) et le père des peintres Cornelis de Heem (1631-1695) et Jan Jansz de Heem (1650-après 1695). On ne lui connait pas d'autres oeuvres que des natures mortes, le plus souvent florales et dans la grande tradition de la Nature morte hollandaise. Celle-ci qui est composée uniquement de vieux livres aux reliures défectueuses ou inexistantes est une exception dans sa thématique habituelle, même si le message délivré est toujours le même : celui de la fragilité de l'existence humaine, de ses activités... et du savoir. 

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Wayne Thiebaud (1920-2021) - Cakes

Wayne Thiebaud (1920-2021)

Cakes, 1981 

Wayne Thiebaud est un peintre américain dont les œuvres les plus célèbres sont des gâteaux, des pâtisseries, des boites, des  ustensiles de toilettes, des jouets et des tubes de rouge à lèvres. D'une famille venue de France, son nom de famille se prononce encore à la française.
 Il est couramment associé au Pop Art en raison de son intérêt pour les objets de la culture de masse, bien que ses œuvres, exécutées dans les années cinquante et soixante soient, de ce fait, antérieures aux œuvres des artistes emblématiques de ce mouvement. Thiebaud utilise les pigments et couleurs crues pour peindre ses sujets, qu'il ombre avec la précision caractéristique de la publicité de l'époque. C'est d'ailleurs sa marque de fabrique.

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Willem Van Aelst (1625-1683) - Nature morte avec équipement de chasse et oiseaux

Willem Van Aelst (1625-1683)
Nature morte avec équipement de chasse et oiseaux  (1668)
Staatliche Kunsthalle, Karlsruhe

Que voit-on ?  Dans le décor de sellerie de ce qui semble être un pavillon de chasse ou une écurie un grand oiseau pendu par la patte, un thème et une position habituelle dans les natures mortes de gibiers et en particulier dans ce que l'on appelle les triomphes de chasse, ce qui est le cas ici. L'oiseau au magnifique plumage a été identifié comme étant un pigeon, bien que sa tête soit partiellement masquée par une somptueuse besace posée sur l'entablement de bois. Les ailes de l'oiseau sont partiellement déployées et sur l'une d'elle (la droite), une mouche s'est posée. Le motif de la mouche, familier aux peintres de natures mortes depuis la fin du 16e siècle, se rencontre occasionnellement dans quelques trophées de chasse comme celui-ci de Willem van Aelst conservé à Karlsruhe (1668) ou un autre de Van Aelst conservé à La Haye (1671). Signe de corruption, la mouche noire ainsi placée sur l’aile blanche du pigeon, offre l’image du corps promis à la décomposition. Par le mouvement inéluctable et capricieux de sa chute, la plume fait allusion à la fuite du temps et au cours imprévisible du destin. Une accumulation de cors de chasse en corne ornés de riches passementeries  et d'autres ustensiles de chasse parachèvent ce décor de " trophée " et sont les symboles à peine masqués de la Vanité.

Rappel biographique : le peintre néerlandais Willem van Aelst, né à Delft,  est essentiellement un peintre de natures mortes, de fleurs et de chasse qui appartient à ce que l'on appelle le " Siècle d'or ". Il est célèbre pour avoir introduit l’asymétrie dans la nature morte mais aussi pour la savante harmonie des coloris déployée dans toutes ses compositions. Au cours de sa vie, Willem van Aelst a vécu et travaillé en France, à Rome et à Florence où, en compagnie de deux autres Néerlandais, Matthias Withoos et Otto Marseus Van Schrieck, il est actif à la cour de Ferdinand II de Medicis. Le grand-duc de Toscane lui remettra une médaille d’or comme récompense de ses services. Ont été conservées de cette époque plusieurs natures mortes de fleurs et de chasse, visibles au Palazzo Pitti à Florence. En 1856 il rentre au Pays Bas et se fixe à Amsterdam. Ses œuvres sont notamment conservées à la Mauritshuis de La Haye, à la National Gallery of Art de Washington et au  Rijksmuseum d’Amsterdam. Ses tableaux sont parfois signés Guill.mo (Gullielmo,  forme italienne de son prénom). Sa peinture se caractérise par une palette à la fois d'une grande fraicheur, baignant dans une lumière éclatante et argentée.
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Pompei - Nature morte aux poissons, seiches, écrevisses, canard, régime de dattes et bottes de céréales

Pompei 
Nature morte aux poissons, seiches, écrevisses, canard, régime de dattes et  bottes de céréales 

Mosaïque 

Museo archeologico  di Napoli

Que voit-on ?  La composition de cette mosaïque est divisée en deux parties horizontales et trois parties verticales. 
A gauche en bas : un panier d'osier tressé contenant des seiches et des écrevisses bien rangées. 
A gauche en haut : deux poissons et un canard déplumé pendus à un invisible crochet, les poissons semblant être accrochés à une des pattes du canard.
En bas au centre : un poisson, tête renversée et bouche fermée faisant pendant au poisson de la partie supérieure (celui qui est accroché à la patte de canard, gueule ouverte).
En haut à droite : un généreux régime de dattes et son ombre projetée, pendu à un crochet invisible. En bas à droite : une botte de céréales verte et son ombre projetée, maintenue et liée par un triple lien végétal. L'ombre projetée de la botte de céréales rejoint celle du poisson dont la tête est renversée et fermée.

Rappel historique : Pline l'Ancien raconte que dans la Grèce antique, le peintre Piraikos qui vivait au 3e siècle avant notre ère, vendait déjà fort cher ses " Provisions de cuisine ", des tableaux de chevalets représentant des victuailles ou des instantanés d'échoppes de cordonniers et de barbiers. Dans la hiérarchie des genres picturaux d'alors, ces représentations de provisions de cuisine sont déjà considérées comme un genre mineur... et  elles le resteront pendant de longs siècles... au moins jusqu'à Chardin, si ce n'est jusqu'à Cézanne. Genre mineur donc, loin derrière les sujets religieux, les portraits et les paysages, mais genre que les commanditaires s'arrachent pourtant !
Le grec Piraikos reste le plus célèbre des peintres de ce genre. Hélas, aucun exemple n'est parvenu jusqu'à nous de ces peintures des menus objets du quotidien par Piraikos,  peinture que l'on nommait à cette époque Rhyparographie .
A la même époque, un autre peintre grec, Zeuxis rivalisait avec la nature au point que des oiseaux voulaient picorer les raisins qu'il peignait et qu'il passe être l'inventeur du réalisme et  de l'illusionnisme en peinture, pour ne pas dire du premier trompe-l'oeil. Il faut là encore faire confiance au récit de Pline l'Ancien, car aucun exemple de cet art ne nous est parvenu.
Les premières natures mortes connues du monde occidental sont des fresques et des mosaïques du 1er siècle de l'ère chrétienne, provenant de Campanie (Herculanum et Pompéi) ou de Rome. Elles sont exécutées dans un style réaliste et illusionniste : fruits veloutés, poissons et volailles posés sur une marche de pierre ou sur deux étagères d'un garde manger, généralement en trompe l'œil avec des ombres portées, ou quelquefois dans des coupes en verre avec des transparences subtiles.
Ces peintures évoquent le xenion antique, un cadeau fait de denrées qu'un hôte doit offrir à ses invités. Pourtant la nature morte de l'Antiquité possède une autre ambition que celle du seul plaisir mimétique. Comme le précise Charles Sterling : « Il est clair que les natures mortes hellénistiques et romaines qui représentaient des mets prêts à être consommés comportaient une allusion épicurienne ». On trouve ainsi assez fréquemment des mosaïques de natures mortes et des vanités dans les atriums d'été romains, où les convives invités aux repas étaient ainsi encouragés à cueillir le jour qui passe, Carpe diem selon la célèbre formule d'Epicure, à profiter de la vie tant qu'il était encore temps de le faire. Une déclinaison plus sophistiquée de la tradition égyptienne pharaonique qui voulait que l'on fît passer un cadavre devant les convives avant de commencer un repas pour leur rappeler l'impermanence de la vie !  Les natures mortes garderont tout au long des siècles jusqu'à nos jours,  cette signification épicurienne.

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