Alexander Osmerkin (1892-1953) - Nature morte aux Grenades

Alexander Osmerkin (1892-1953),
Nature morte aux Grenades
Papier, aquarelle, stylo, gouache, 51 x 72 cm
Collection privée

Que voit on ?  Indéniablement une variation (somptueuse!) sur  toutes les nuances de rouges possibles  dont les grenades ne sont qu'un élément isolé parmi d'autres comme les poivrons, les aubergines et le vin.

 Rappel Biographique : Alexander Alexandrovich Osmerkin (Александр Александрович Осмеркин) était un peintre russe, graphiste, décorateur de théâtre et professeur d'art . Il était membre du groupe d' avant-garde Knave of Diamonds , AKhRR, et des groupes de la Society of Moscow Artists (OMKh). A partir de 1932, il fut membre de l' Union des artistes de Leningrad. Alexander Osmerkin a créé plus de 700 œuvres d'art dans des divers genres. En tant qu'artiste ayant participé à l'Avant Garde Russe, ses peintures et ses dessins se trouvent à la Galerie Tretiakov et au Musée des Beaux-Arts de Moscou, ainsi qu'au Musée national russe à Saint-Pétersbourg et dans de nombreux autres musées du monde, y compris dans des collections privées.

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Alberto Morrocco (1917–1998) - Still life with a slice of watermelon

 

Alberto Morrocco (1917–1998)
Still life with a slice of watermelon, 1996
Collection privée 

 

Que voit on ? Une explosion de couleurs  pour une thématique très classique. Seuls éléments détonants : la carreau  isolé et la pomme verte sur un tissu rayé noir et blanc. 

Rappel Biographique : Alberto Morrocco était un artiste et enseignant écossais, surtout connu pour ses scènes de plage et ses vues de Venise bien qu'il ait aussi peint de très beaux paysages d'Écosse, des natures mortes, des portraits et des intérieurs. Il a étudié à l'école d'art de Gray sous la direction de Robert Sivell entre 1932 et 1938.
Dans les années 1920 et 1930, Braque et Picasso ont eu une immense influence sur son oeuvre, une influence qui se prolongera tout au long de sa vie. Prisonnier pendant la Seconde Guerre mondiale,
Morrocco fut extraordinairement productif et surtout à la fin de sa vie, produisant certains de ses oeuvres les plus fortes entre1982 à sa mort. Même tard dans sa vie et gravement malade, il s'engagerait à exposer 30 à 40 nouvelles œuvres par an !

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Ben Nicholson (1894-1982) - French Still Life

 

Ben Nicholson (1894-1982)
French Still Life
Huile sur toile, 1933
Tate London

Que voit on ?  Un nature morte cubiste hommage à peine déguisée à celles que peignaient à la même époque, en France, entre autres, Georges Braque, Juan Gris et Pablo Picasso.

Rappel biographique : Le peintre britannique Ben Nicholson est connu pour être un des promoteurs de l'abstraction dans son pays. d'abord influencé par les cubistes. Au tournant des années 1928-30, son travail va progressivement évoluer du cubisme vers une abstraction géométrique proche de celle de Mondrian qu'il rencontre à Paris. Lauréat du premier prix Guggenheim en 1956, ses œuvres sont exposées dans les collections de la Tate Gallery de Londres.

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Claude Monet (1840-1926) Nature morte avec Fleurs et Fruits,1869

Claude Monet (1840-1926)
Nature morte avec Fleurs et Fruits,1869
Huile sur toile, 100.3 × 81.3 cm
Paul Getty Museum, Getty Center

Que voit on  ? Un chef d'œuvre de plus de Claude Monet qui mêle dans une même composition nature morte de fleurs et de fruits sur une nappe blanche dont les lis ont été très visible par le peintre.  Rien de révolutionnaire dans ce thème on ne peut plus classique qui produit cependant une explosion de couleurs et de formes tout à fait inédite. On note : le contraste des textures entre la céramique du pot de fleurs et la paille du panier tressé de fruits ;  le rassemblement sur la gauche de la composition de l'ensemble des éléments comme pour dégager un paysage de neige à l'endroit de la nappe ; la précision des reflets dans les grains de raisins ; la complémentarité des couleurs de ces soucis et chrysanthèmes que l'on rêve tous d'avoir sur sa table de salle à manger.... mais avec Monet on n'en finit pas de noter. La suite appartient  à chacun...

Rappel biographique : le peintre français Claude Monet, l'un des fondateurs de l'impressionnisme, est surtout connu pour ses paysages et ses portraits. " La couleur, disait-il " est mon obsession quotidienne, ma joie et mon tourment ". Claude Monet est l’un des fondateurs de l'impressionnisme. En 1859, il part à Paris tenter sa chance sur le conseil d'Eugène Boudin. Après des cours à l'académie Suisse puis chez Charles Gleyre et la rencontre de Johan Barthold Jongkind, le tout entrecoupé par le service militaire en Algérie, Monet se fait remarquer pour ses peintures de la baie d'Honfleur. En 1866, il connait le succès au Salon de la peinture. Toute cette période est cependant marquée par une grande précarité. Il fuit ensuite la guerre de 1870 à Londres puis aux Pays-Bas. Dans la capitale anglaise, il fait la rencontre du marchand d'art Paul Durand-Ruel qui lui assurera sa principale source de revenu pendant le reste de sa carrière. Revenu en France, la première exposition des futurs impressionnistes a lieu en 1874. À partir de 1890, Monet se consacre à des séries de peintures, c'est-à-dire qu'il peint le même motif à différentes heures de la journée, à diverses saisons. Il peint alors parfois des dizaines de toiles en parallèle, changeant en fonction de l'effet présent. La fin de sa vie est marquée par une maladie, la cataracte, qui affecte son travail.
Monet peint devant le modèle sur l'intégralité de sa toile dès les premières ébauches, il retouche ensuite de nombreuses fois jusqu'à ce que le résultat le satisfasse. Contrairement à ce qu'il affirme, il termine la plupart de ses toiles en atelier, prenant modèle sur les premières peintures d'une série pour peindre les autres. D'un caractère parfois difficile, prompt à la colère comme au découragement, Claude Monet était un grand travailleur qui n'hésitait pas à défier la météo pour pratiquer sa passion. Monet résume sa vie ainsi de la meilleure manière : « Qu'y a-t-il à dire de moi ? Que peut-il y avoir à dire, je vous le demande, d'un homme que rien au monde n'intéresse que sa peinture - et aussi son jardin et ses fleurs ».

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Stanislawa de Karlowska (1876 - 1952) - Green Apples

Stanislawa de Karlowska (1876-1952)
Green Apples, 1918-21
Huile sur toile, 33.7 x 38.7 cm.
York Museums Trust, United Kingdom

 Que voit on ? Sur un entablement recouvert d'une nappe à carreaux blancs délimitées de bleu, qui occupe l'essentiel du cadre,  des légumes et des fruits dont des pommes, des tomates et des fanes. Au fond du cadre l'amorce du panier en lamelles de bois ou de la cagette dont ces fruits ont  été extraits. 

Rappel biographique : Stanisława de Karłowska était une artiste d'origine polonaise, mariée au peintre Robert Bevan  du Camden Town Group. Elle était la fille d'Aleksander de Karłowski et de Paulina  Tuchołka. une  famille appartenant à la  noblesse polonaise qui  possédait d'importants domaines près de Łowicz, dans le centre de la Pologne. Sa famille avait une longue histoire  patriotique,  son père ayant lui même  combattu avec Lajos Kossuth et Józef Bem à la fin des années 1840. Il avait d'ailleurs à cette occasion  subi des pertes financières considérables dont il ne se relèvera jamais.  Stanisława avait suivi une formation d'artiste à Cracovie avant de s'inscrire à l' Académie Julian à Paris, en 1896. L'été suivant, en se  rendant à Jersey elle rencontre l'artiste anglais Robert Bevan. Ils se marient  à Varsovie puis s' installent au  Swiss Cottage, à Londres. Elle expose seule dès lors  avec le Women's International Art Club et le New English Art Club et avec son époux, à la Allied Artists 'Association en 1908. Cependant, étant une femme, elle n'était pas éligible pour devenir membre du Fitzroy Street Group ou du plus tard Camden Town Group. Karłowska était membre fondateur du London Group auquel elle est restée fidèle doute sa vie. Son travail combine un style moderniste avec des éléments d''art populaire polonais. Comme son mari, Karlowska a vendu peu d'œuvres de son vivant mais nombre de ses  œuvres se sont retourveés très vite après sa mort dans les collections publiques.

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Gino Severini (1883-1966) - Fleurs et masques

 

Gino Severini (1883-1966),
Fleurs et masques, 1930
Pochoir , 46,3 x 32,4 cm
Collection privée 

Que voit on ? Mandoline, bouquet de fleurs, raisins, melon, poire, pages de livres et compas sur fond  noir avec silhouette de maison fortifiée  ou de monastère.

Rappel biographique  : Gino Severini s'établit à Rome en 1899 où il travaille comme employé. Il fréquente l'école libre du nu à l'Académie et suit des cours de dessin le soir à l'école de la Villa Médicis. Il rencontre le peintre Giacomo Balla dont il devient l'élève. En 1900-1901, il est, avec Balla, à Fontenay-aux-Roses, chez Serafino Macchiati, peignant des paysages.
En 1905, il organise l'exposition des Refusés dans le foyer du théâtre Costanzi. Il s'installe à Paris en 1906 et fréquente l'avant-garde artistique. En 1910, il signe le manifeste pour la peinture futuriste avec Marinetti, Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Luigi Russolo et Carlo Carrà. En 1912, il participe à l'exposition des peintres futuristes organisée par le critique Félix Fénéon du 5 au 24 février à la Galerie Bernheim-Jeune à Paris et il est présent dans les expositions successives des futuristes en Europe et aux États-Unis. Très bon dessinateur, il combine dans son œuvre la science et l'art, la rigueur et l'imagination, pour atteindre le plus complet bonheur d'expression lorsqu'il lance, entre 1910 et 1915, les valeurs dynamiques du futurisme.
Il manifeste un grand intérêt pour la chronophotographie et, pour s'opposer au mimétisme de la peinture traditionnelle, il s'attache dans sa peinture à décomposer les différentes étapes du mouvement, ce qui se manifeste en particulier dans une toile comme La danseuse obsédante(1911). En 1913, il épouse Jeanne (1897-1992), la fille du poète Paul Fort. Après 1920, il se consacre notamment à l'art sacré et à la mosaïque. Il publie en 1921 un ouvrage intitulé Du cubisme au classicisme. En 1922, il décore de fresques une pièce du Château de Montegufoni à la demande d'Osbert Sitwell, propriétaire des lieux. Il est l'ami de l'architecte français Auguste Perret. Dans les années 1920, il partage son temps entre Paris et Rome. En 1956, il ouvre à Paris l’École d'Art italien avec Gio Colucci.

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Pierre Tal Coat (1905-1985) - Nature morte aux deux saladiers

Pierre Tal Coat (1905-1985)
Nature morte aux deux saladiers
Collection privée

Que voit on? Les deux saladiers y sont en effet, l'un jaune et l 'autre marron, de même qu'une carafe de vin à moitié vide et verre à moitié plein (!) , une cafae deau et un chinois (ou tamis). Une serviette blanche froissée est posée au premier plan...

Rappel biographique : Le peintre, graveur et illustrateur français Pierre Tal Coat (pseudonyme de Pierre Jacob pour éviter l'homonymie avec Max Jacob quimpérois comme lui) est apparenté au mouvement de l'École de Paris. Avec les artistes de ce mouvement, il exposa régulièrement à la Galerie de France (de 1943 а 1965), dans les galeries Maeght (de 1954 à 1974), Benador (de 1970 à 1980) puis à la Galerie H-Met et à la Galerie Clivages. En 1956, seize de ses peintures furent présentées à la Biennale de Venise. Aux côtés de Joan Miro et de Raoul Ubac, il collabore en 1963 aux réalisations pour la Fondation Maeght de Saint-Paul de Vence d'une mosaïque pour le mur d'entrée.
En 1968 il reçoit le Grand Prix National des Arts.
Une grande exposition rétrospective lui fut consacrée au Grand Palais à Paris en 1976.
А partir de 1961, Tal-Coat s'installа à la Chartreuse de Dormont près de Vernon (Eure), où il finira sa vie. Tal-Coat a illustré de nombreux livres d'art avec des gouaches, dessins, pointes sèches ou aquatintes, notamment de nombreux ouvrages d'André du Bouchet, Pierre Schneider, Pierre Torreilles, Philippe Jaccottet, Claude Esteban, Maurice Blanchot, Pierre Lecuire, Jacques Chessex...
Tal Coat a peint une série importante de natures mortes, toutes réalisées en 1942, en pleine guerre, alors qu'il se trouvait réfugié à Aix-en-Provence. De toutes ces peintures très dépouillées et exécutées avec une grande économie de moyens, il se dégage une grande force.

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Tamara de Lempicka (1898-1980) - Lemon

Tamara de Lempicka (1898-1980)
Lemon, 1941
Oil on canvas
Fundacion Victor Manuel Contreras, Mexico

Que voit on ? Un citron dans un plat mexicain en céramique vernissée, posé sur une  caisse dans un  lieu qui est vide.  Peut être une allégorie l 'amertume face à l'inconnu.

Rappel biographique : Tamara de Lempicka est une peintre polonaise représentative du mouvement Art déco. Fille de Boris Gorski, juif russe, et d'une mère polonaise, son enfance se passe dans un milieu aisé et cultivé entre Saint-Pétersbourg, Varsovie, Lausanne et Paris. En 1920, à l'Académie Ranson à Paris, elle reçoit l'enseignement de Maurice Denis et à l'Académie de la Grande Chaumière celui d'André Lhote. C'est là qu'elle forge petit à petit son style qui, dans une synthèse de l'art maniériste de la Renaissance et du néo-cubisme, va correspondre parfaitement à la mode de son temps. L'envol de sa carrière coïncide avec sa première exposition personnelle à Milan en 1925. En France, elle participe pleinement à la vie artistique et mondaine parisienne où elle rencontre André Gide, Suzy Solidor, de riches industriels, des princes russes émigrés, etc. En 1928, elle installe sa maison-atelier au no 7 de la rue Méchain, dans le 14e arrondissement, conçue par Robert Mallet-Stevens. A partir de 1929, elle expose simultanément en Pologne (médaille de bronze à l'exposition internationale de Poznan), à Paris (dans quatre salons et à la galerie Colette Weil) et aux États-Unis (Carnegie Institute de Pittsburgh).
Tamara de Lempicka occupe une place à part dans l'art du 20e siècle : malgré une production modeste (à peine 150 tableaux dans sa meilleure période, qu'on situe entre 1925 et 1935), ses œuvres évoquent et reflètent le style et la mode des années folles de l'entre-deux-guerres. Avec une stylisation néo-cubiste, ses œuvres, principalement des portraits, se caractérisent par un modelé accentué, des couleurs vives mais dans une gamme restreinte, mises en valeur par des fonds gris ou noirs. La composition très resserrée s'inspire du cadrage cinématographique. Bien que la nature morte ne soit pas sa spécialité, elle en a peint une vingtaine.

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Jacob van Walscapelle (1644-1727) - Still Life with Fruit

Jacob van Walscapelle (1644-1727)
Still Life with Fruit, 1675
Oil on panel, 40 x 34.7 cm
National Gallery of Art, Washington D.C.

Que voit on ? Bien que de taille modeste, il émane de cette nature morte de Jacob van Walscapelle une grandeur. peu commune. Avec  seulement quelques objets réunis sur un simple entablement de pierre, l'artiste a transmis une monumentalité que l'on retrouve habituellement dans des natures mortes beaucoup plus grandes et plus complexes. Baigné d'une douce lumière, chaque élément affirme  ses propriétés essentielles. Le verre de style vénitien rempli de vin scintille sur le fond sombre. La grenade aux graines gorgée de jus, invite le spectateur à en déguster le  goût, tout comme les raisins. Symboliquement,  les raisins et le vin évoquent l'Eucharistie, tandis que les grenades ont des associations complexes avec la souffrance du Christ et la Résurrection. Cette peinture de Van Walscapelle apparait donc comme uen allégorie du  sacrifice du Christ et s de a renaissance.

Rappel biographique : Jacob van Walscapelle fut un peintre de natures mortes accompli, bien que l'on sache peu de choses sur sa carrière. Né à Dordrecht en 1644, il s'établit à Amsterdam en 1673 et y resta jusqu'à la fin de sa vie. Son approche de la nature morte est liée à celle de Jan Davidsz de Heem (1606-1684), qui savourait de la même manière la beauté complexe du monde visible. Le travail de Van Walscapelle diffère néanmoins des peintures matures de De Heem par sa retenue de composition et son élégante simplicité

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Sôsos de Pergame (3e siècle- 2e s. av. J.C.) - Colombes buvant dans une vasque

Sôsos de Pergame  (3e siècle- 2e s. .av. J.C.)
Colombes buvant dans une vasque
Mosaïque 85 x 98 cm
Musei Capitolini, Roma

Que voit on ? Il ''agit ici d'une mosaïque représentant des colombes, copie romaine qui se trouvait dans la Villa Hadriana exécutée, d'après un original de Sosos de Pergame datant du II siècle av. J.-C. Cette œuvre œuvre exceptionnelle, rare témoignage du genre de   la nature morte hellénistique fut offerte aux musées du Capitole par le pape Clément XIII en 1762 et y est conservée depuis lors.

Rappel biographique  : Sôsos de Pergame était un mosaïste de l'époque hellénistique du 3e et 2e siècles av. J.-C., seul artiste de ce genre dont le nom soit passé à la postérité du fait qu'il est cité par Pline l'Ancien, (Histoire Naturelle, XXXVI, 60). Certains des thèmes sont connus par les copies de ses œuvres qui ont été réalisées à l'époque impériale. Son œuvre la plus connue aurait été ainsi nommée Asarotos oïkos ou « La chambre mal balayée »  connue par une copie du IIe siècle ap. J.-C. 

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Simone del Tintore (1630-1708) - Nature morte aux Fleurs et Champignons

Simone del Tintore (1630-1708)
Nature morte aux Fleurs et Champignons, 1708
Huile sur toile , 74.6 cm x100.3 cm
Collection privée (Sotheby's)

Que voit on ? Une belle composition mêlant  avec humour fleurs et champignons, ces derniersétant en nombre !   En effet c epeintre s'était fait une spécialité de la peinture des champignons qu'il rendaient avec une grande précision, et avec esprit. Les fonds sombres qu'il utilisait, rehaussaient assez subtilement et sans qu'il soit besoin d'effet, les couleurs et les formes de ces étranges organismes de la nature que sont les champignons.

Rappel biographique : Simone del Tintore est un peintre italien baroque actif principalement actif dans sa ville natale de Lucques. En 1652, il rejoint avec de nombreux artistes, comme Girolamo Scaglia, Antonio Franchi, l'académie sur le principe de la représentation de la nature (Accademia del Naturale) de Pietro Paolini. Il est surtout célèbre comme peintre de natures mortes, genre dans lequel il a tout à fait excellé ! Les œuvres de Simone del Tintore ont été redécouvertes assez tardivement,  dans les années 1960.et sont souvent difficile à distinguer de celle de Tommaso Salini (1575-1625). La redécouverte et l'attribution de ces  l'œuvre dà Simone del Tintore, s'appuient sur la Nature morte aux champignons et au chou (Florence, Collection Gregori) qui porte au revers la signature  "Simone del Tintore".  Del Tintore a évolué des natures mortes ("natura morta") à la "natura viva", des compositions qui comprenaient des animaux vivants et des personnages, parfois peints par son professeur Pietro Paolini . Le naturalisme caravagesque de Paolini est également reconnaissable dans l'œuvre de Simone del Tintore.   Les motifs de prédilection de Del Tintore sont des paniers d'osier chargés de fruits et de champignons parsemés de feuilles. Il ne fait pas de doute que Simone del Tintore était très apprécié de ses contemporains comme peintre de natures mortes, et es œuvres sont toutes soigneusement  répertoriées dans des inventaires de son temps. C'est ce qui rend son oubli jusqu'au 20e siècle d'autant plus mystérieux... 

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Paul Cézanne (1839-1906) - Nature morte (1892-94)

 

Paul Cézanne (1839-1906)
Nature morte (1892-94)
Huile sur toile, 73.3 × 92 cm
Barnes Foundation Philadelphia

Que voit on ? Une nature morte sur un entablement en bois, posée devant un rideau relevé... mais aussi   un véritable paysage dont les reliefs sont données par la nappe blanche qui alterne pics montagneux, vallées et collines  où roulent des pommes multicolores.  Surréaliste avant la lettre !

Rappel biographique : Les natures mortes furent un des thèmes favoris de Paul Cézanne, elles lui permirent de construire ses tableaux, d'approfondir les rapports entre les vides et les pleins, les figures et les fonds. Pour Cézanne, la nature morte est un motif comme un autre, équivalent à un corps humain ou à une montagne, mais qui se prête particulièrement bien à des recherches sur l'espace, la géométrie des volumes, le rapport entre couleurs et formes. Dans ces natures mortes, Cézanne place des objets de peu, faits à la main par l'artisanat local et paysan, et il les peints plus grands que nature en en accentuant les défauts, avec des torchons, nappes, fruits ou fleurs, le tout placé sur un coin de table. Incomprises en leur temps, ses natures mortes sont ensuite devenues l'un des traits caractéristiques de son génie. Les pommes sont un des éléments, avec les vases, qui forment ses « obsessions picturales ». Pour les philosophes, elles participent à l'établissement de sa personnalité et à sa quête de l'être. Les natures mortes, et notamment les pommes, sont le signe de sa nouvelle conquête picturale.
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Pierre Bonnard (1867-1947) - Nature morte - Salle à manger sur le jardin

 
Pierre Bonnard (1867-1947)
Salle à manger sur le jardin, 1934-35
Huile sur toile 135 x 127 cm
Solomon R. Guggenheim Museum

Que voit on ? Une étonnante nature morte de Bonnard non pas tant à cause de la situation dans une salle à manger donnant sur un jardin (ce n'est pas la première ni la dernière qu'il a peint ainsi), ni à cause  de la présence d'un personnage (ce qu'il réitéra souvent aussi) mais surtout  à cause du saisissant contraste qui existe entre la luminosité de l'intérieur et l'ombre de l'extérieur du jardin où pourtant le ciel et la mer sont limpides ... Un contre-jour sous lequel les couleurs explosent littéralement.

Rappel biographique : le peintre français Pierre Bonnard est connu pour ses peintures de personnages, ses nus, ses portraits, ses paysages animés, ses intérieurs et ses natures mortes de fleurs et fruits. Bonnard est un artiste post-impressionniste, membre du groupe des Nabis qui regroupait autour de Paul Serusier, Paul René Piot, Henri-Gabriel Ibels, Maurice Denis, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Paul Ranson, Jan Verkade, Félix Vallotton, Georges Lacombe, Mogens Ballin, József Rippl-Rónai, Charles Filiger, Adolf Robbi, ainsi que Georges Joseph Rasetti et le sculpteur Aristide Maillol. En réaction à l'impressionnisme, les Nabis veulent libérer leur peinture des exigences du réalisme : « Ensemble, nous avons méprisé l'école et les écoles, les rapins, leurs traditions, leurs farces et leurs bals inutilement nudistes. Ensemble nous nous sommes sérieusement amusés ». Les artistes nabis cherchent des voies plus spirituelles au contact de philosophies et de doctrines nouvelles teintées d'Orient, d'orphisme, d'ésotérisme, et de théosophie. Ils s'appliquent à retrouver le caractère « sacré » de la peinture et à provoquer un nouvel élan spirituel par le seul moyen de l'art.
Une fois devenu célèbre, Pierre Bonnard fut connu pour ne pouvoir s’empêcher de retoucher ses toiles une fois celles-ci achetées et exposées dans un musée. Ses amis appelaient ça « bonnarder » ou « bonnardiser ». Un journaliste relate cette attitude devenue visiblement coutumière. « Au musée de Grenoble et au Musée du Luxembourg, il arriva à Bonnard de guetter le passage d'un gardien d'une salle à l'autre, de sortir d'une poche une minuscule boîte garnie de deux ou trois tubes et, d'un bout de pinceau, d'améliorer furtivement de quelques touches un détail qui le préoccupait. Et, son coup fait, de disparaître, radieux, comme un collégien après une inscription vengeresse au tableau noir. »

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Jean-Baptiste Oudry (1686-1755) - La chocolatière

Jean-Baptiste Oudry (1686-1755)
La chocolatière, 1740
Toile d'une suite insérée dans des décors de boiserie, 160 x 83 cm
Collection privée

Que voit on ? Une nature morte à la chocolatière, figurant sur un décor peint sur toile destiné à figurer dans les boiseries d'un salon de jeu des appartements de la reine de France, Marie Leszczyńska.  Les cartes a jouer, et la petite bourse rouge remplie de Louis d'or atteste de l'affectation ludique de décor  décor au abs duquel figure une nature morte de fruits posés sur un rebord de velours arrangésdans le goût chinois alors très en vogue.  

Rappel biographique : Le peintre et graveur français Jean-Baptiste Oudry est surtout célèbre pour ses peintures de chiens de chasse, ses natures mortes animalières et ses animaux exotiques. Fils de Jacques Oudry, maître peintre et marchand de tableaux sur le Pont Notre-Dame, et de sa femme, Nicole Papillon, qui appartenait à la famille du graveur Jean-Baptiste-Michel Papillon, Jean-Baptiste Oudry étudia tout d'abord à l'Ecole de la Maîtrise de Saint-Luc, dont son père était directeur.
Il fut placé ensuite chez le grand peintre du roi Nicolas de Largillière, dont il devint bientôt l'ami. Après avoir peint quelques sujets religieux et un portait du Tsar Pierre 1er, il rencontre le marquis de Beringhen, premier écuyer du roi. Cette rencontre est décisive car le marquis commande à Oudry de nombreux ouvrages pour le roi. Dès lors on octroie à Oudry un atelier dans la cour des princes aux Tuileries et un logement au Palais du Louvre où il forma un cabinet renommé.
Oudry suivait les chasses royales et faisait de fréquentes études dans la forêt de Compiègne.
L'intendant des finances, Fagon, le prit à son service et le chargea de rétablir la manufacture de Beauvais, tombée en décadence. Oudry s'adjoignit Boucher et Natoire pour exécuter la copie des tableaux. On lui confia également l'inspection de la manufacture des Gobelins, où l'on exécutait les tapisseries des chasses du roi d'après ses tableaux.
Jean-Baptiste Oudry a peint le portrait, l'histoire, les chasses, le paysage, les animaux, les fruits, les fleurs ; il a imité les bas-reliefs ; il a fait du pastel, de la décoration ; il aussi gravé à l'eau-forte. On lui doit deux conférences qui furent lues à l'Académie, « Sur la manière d'étudier la couleur en comparant les objets les uns avec les autres » et « Sur les soins que l'on doit apporter en peignant ». Oudry a laissé un grand nombre de dessins dont les plus connus sont les 275 dessins qui servirent à l'édition dite des Fermiers généraux des Fables de La Fontaine, gravées par Charles-Nicolas Cochin. Il est également l'auteur d'un Almanach de rébus paru en 1716.
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Wilfredo Lam (1902-1982) - Nature morte 1938

Wilfredo Lam (1902-1982)
Nature morte, 1938
Collection privée

Qu voit on ? Le natures mortes de ce peinte cubain ne sont pas légions. Elles ses comptent même sur les 5 doigts d'une seule main !  Dans celle-ci apparait un poisson dans un plat  (à moins que ce ne soit le plat dont le dessin soit un poisson !), deux pommes (au fond),  une poire (à droite) posés sur une table de desserte carré dont un seul pieds est visible.    Des tissus  pièces de tissus à motifs géométriques  occupent le reste du cadre, de même que les volutes d'une rampe en fer forgé. 

Rappel biographique : Wifredo Lam est un peintre cubain, proche du mouvement surréaliste et des artistes Cobra. Marqué par l’identité de sa terre natale, Wifredo Lam réalise une œuvre singulière mêlant l’audace de la peinture d’avant-garde occidental et les symboles de la culture africaine et caribéenne.   De son oeuvre il écrira  " La seule chose, certainement, qu'il me restait, était mon désir ancien d'intégrer dans la peinture toute la transculturation qui avait eu lieu à Cuba entre Abioigènes, Espagnols, Africains, Chinois, immigrants français, pirates et tous les éléments qui formèrent la Caraïbe. Et je revendique pour moi tout ce passé. Je crois que ces transculturations ont fait de ces gens une entité nouvelle, d'une indiscutable valeur humaine. "
Très vite l’œuvre du peintre cubain Wifredo Lam gagne une renommée internationale. Ses œuvres sont présentées dans les galeries d’art et les musées du monde entier et il  reçoit de nombreuses distinctions dont le grand prix du Salon de La Havane en 1951 et le Guggenheim International Award en 1964.  Il participe aussi à de grandes manifestations internationales d’art, tels la Documenta II et III de Cassel en 1959 et 1964, la Biennale de Venise en 1972, le Salon de Mai à Cuba en 1967 au cours duquel une œuvre collective la Cuba Colectiva est réalisée. Après une attaque cérébrale survenue en août 1978, Wifredo Lam se retrouve en partie paralysé, en fauteuil roulant. Ce qui ne l’empêche pas de créer – principalement des dessins gravures, céramiques ou sculptures. Mais développe en lui la nostalgie du pays natal. Dès lors, il partage ces années entre Cuba et Albissola. Il meurt dans son appartement du boulevard de Beauséjour à Paris le 11 septembre 1982. Il a droit à des funérailles nationales qui lui sont organisées le 8 décembre 1982 à La Havane.

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