Konstantin Alexeevich Korovin (1861–1939) - Still life with red roses

Konstantin Alexeevich Korovin (1861–1939)
Still life with red roses 1914
Galerie Tretyakov, Moscou

Que voit on ? Une variation sur le thème cher et très souvent traité par ce peintre russe du "bouquet de fleurs devant la fenêtre" en hiver ou la nuit. Ici devant une fenêtre aux ferronneries ouvragées s'ouvrant sur un paysage citadin nocturne : un bouquet de roses rouges dans un vase en verre translucide.

Rappel biographique : Prenant le contrepied des influences impressionnistes des peintres russes de son temps, Korovin préfère à leurs palettes ternes et à leurs coups de pinceau méticuleux, un style plus expéditif fait de larges coups de pinceaux et de couleurs vives.
En 1888 et en 1894, avec Valentin Serov, il voyage dans le nord de la Russie et en Scandinavie. De ce voyage sont issus plusieurs grands paysages. En 1900, il décore le Pavillon russe de l'Exposition universelle de Paris et à cette occasion reçoit une Médaille d'or. Il est nommé chevalier de la Légion d'honneur par décret du 28 décembre 1900. A partir de 1901 il enseigne à l'école de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou avec son ami Serov et devient le décorateur attitré des théâtres impériaux et du Théâtre Bolchoï
Après la Révolution d'Octobre, il se dévoue activement à la conservation des œuvres d'art du patrimoine menacées par les événements et sauve de la destruction des tableaux de peintres emprisonnés, organise des ventes de toiles et des expositions en faveur de prisonniers politiques, tout en continuant à travailler pour le théâtre.En 1923, il émigre en France avec l'aide de Lounatcharski, commissaire du peuple à l'instruction, son activité principale restant le théâtre et le décor de théâtre. Dès 1923, l'année de son installation définitive à Paris, la galerie Tretyakov organisa une importante exposition sur son travail.

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Kazumasa Ogawa (1860 - 1929) - Group of Morning Glories

 

Kazumasa Ogawa (1860 - 1929)
Group of Morning Glories
Private collection

Rappel biographique : Ogawa Kazumasa, aussi connu sous le nom de Ogawa Kazuma ou encore de Ogawa Isshin, est un imprimeur, éditeur japonais et photographe pionnier de la photographie et de l'imprimerie photomécanique. Né chez des samouraïs du clan Matsudaira, il commence dès l'âge de 16 ans à étudier la photographie, notamment les procédés à base de collodion humide auprès de Yoshiwara Hideo ainsi que l'anglais grâce au missionnaire américain James Ballagh. En 1880, il s'installe à Tokyo pour parfaire sa maîtrise de l'anglais. L'année suivante, Ogawa est embauché comme interprète au département de la police de Yokohama, tout en continuant d'apprendre la photographie auprès de Shimooka Renjō. En 1877, il ouvre un studio et se sert de matériel usagé pour réaliser des portraits en amateur. Malgré son manque de moyens techniques, il produira des portraits de bonne qualité.
En 1882 il embraque à bord de l'USS Swatara et entreprend un voyage aux États-Unis. L'année suivante, il emménage à Boston où il apprend le portrait photographique avec Ernest Ferdinand Ritz. et Georges F. Hastings. Il apprend le procédé de la plaque sèche auprès de John Carbutt à Philadelphie et étudie la phototypie à la Albert Type Company. A son retour au Japon en 1884, il ouvre un le tout premier studio photographique de Tokyo, le Gyokujunkan.
Quatre ans plus tard, financé par Kajima Seibei et épaulé par le photographe écossais William Burton, il fonda la Tsukiji Kampan Seizō Kaishaqui fabriquait des plaques sèches pour les photographes, cette manufacture fermera ses portes en 1891, faute de financement suffisant.
En 1886, il va travailler pour l'armée au sein du département d'enquête de terrain, puis en 1888, il sera commissionné par le gouvernement afin de recenser et photographier tous les bien culturels du Japon. Les clichés qu'il va prendre avec son équipe paraitront en feuilletons dans les principales revues sur l'art du pays .
En 1889, il ouvre le premier atelier de phototypie du Japon, l'Ogawa Shashin Seihan jo aussi appelé Usine d'impression K. Ogawa. La même année, Ogawa fut éditeur du magazine Shashin Shinpō le seul journal photographique de cette époque, ainsi que du magazine Kokka. Il imprima ces deux magazines avec le procédé de la phototypie.
Ogawa fut membre fondateur de la Société photographique japonaise, qui réunissait les photographes amateurs de tout le Japon. En 1891, il fut chargé de prendre en photos les 100 plus belles geishas de Tokyo, pour commémorer l'ouverture du Ryōunkaku (le premier gratte-ciel du Japon).

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Karl Blossfeldt (1865-1932) - Untitled

Karl Blossfeldt (1865-1932)
Untitled, 1932
Private collection

Rappel biographique : Karl Blossfeldt est un photographe allemand. Représentant de la Nouvelle Objectivité (Neuen Sachlichkeit), surtout connu pour son inventaire des formes et des structures végétales fondamentales. On peut comparer le résultat de son travail à celui d'un herbier... mais photographique. Dans la préface de son livre Wundergarten der Natur, Blossfeldt écrit :
« Les documents imagés parlent d'eux-mêmes. »
« Mes documents sur les plantes doivent participer au rétablissement du lien avec la Nature. Ils devraient réveiller à nouveau le sens pour la Nature, indiquer les trésors riches dans la nature et favoriser l'observation de notre faune locale. »
L'image de la plante est agrandie entre 12 et 45 fois, а partir du négatif pris lui à l'échelle 1:1. Techniquement, les plantes devaient rester immobiles car le temps de pose était long. Blossfeldt s'est donc servi d'un coffrage en vitres placé autour de l'objet à photographier. Les reflets apparaissant sur l'image étaient supprimés durant le développement. Certaines photos comportaient des erreurs, mais il les conservait quand même dans sa collection. Ensuite, la photo était convertie en diapositive. Il a également utilisé des plantes synthétiques pour renforcer les contrastes de certaines images.
Il a utilisé une chambre photographique dite aussi chambre noire qu'il a probablement construite lui-même. Les négatifs ont plusieurs formats : 6x9, 9x12, 13x18, et plus rarement 9x18. Les plaques en verre étaient enduites généralement d'émulsions orthochromatiques plus rarement panchromatiques. C'est pourquoi les images des plantes sont si précises.

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Karel Appel (1921-2007) - Flowers, n.d.

Karel Appel (1921-2007)
Flowers, n.d.
Huile sur toile, 152.5 x 120 cm
Collection privée

Que voit on ? Ce qui frappe surtout dans ce bouquet de fleurs apparemment griffoné à la hâte, comme la majeure partie de son œuvre d'ailleurs, ce sont ses dimensions gigantesques.  En effet 1, 50 M pour une bouquet de fleurs c'est grand... et cela justifie presque  la critique de " peintre-décorateur "souvent adressée souvent à cet artiste 

Rappel biographique : Le peintre, sculpteur et poète hollandais, Christian Karel Appel a commencé à peindre à l'âge de 14 ans. En 1948, il fut l'un des fondateurs du mouvement d'avant garde CoBrA (pour : Copenhagen, Brruxelles, Amsterdam) qui voulut privilégier les thèmes et une esthétique d'inspiration nordique. Appel n'a pas peint beaucoup de natures mortes.

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Ogawa Kazumasa (1860-1929) - Tree Pæony, 1896

 

 

 

Ogawa Kazumasa (1860-1929)
Tree Pæony, 1896
Colotype colorié à la main
Getty Center, Los Angeles 

Rappel biographique : Ogawa Kazumasa, aussi connu sous le nom de Ogawa Kazuma ou encore de Ogawa Isshin, est un imprimeur, éditeur japonais et photographe pionnier de la photographie et de l'imprimerie photomécanique. Né chez des samouraïs du clan Matsudaira, il commence dès l'âge de 16 ans à étudier la photographie, notamment les procédés à base de collodion humide auprès de Yoshiwara Hideo ainsi que l'anglais grâce au missionnaire américain James Ballagh. En 1880, il s'installe à Tokyo pour parfaire sa maîtrise de l'anglais. L'année suivante, Ogawa est embauché comme interprète au département de la police de Yokohama, tout en continuant d'apprendre la photographie auprès de Shimooka Renjō. En 1877, il ouvre un studio et se sert de matériel usagé pour réaliser des portraits en amateur. Malgré son manque de moyens techniques, il produira des portraits de bonne qualité.
En 1882 il embraque à bord de l'USS Swatara et entreprend un voyage aux États-Unis. L'année suivante, il emménage à Boston où il apprend le portrait photographique avec Ernest Ferdinand Ritz. et Georges F. Hastings. Il apprend le procédé de la plaque sèche auprès de John Carbutt à Philadelphie et étudie la phototypie à la Albert Type Company. A son retour au Japon en 1884, il ouvre un le tout premier studio photographique de Tokyo, le Gyokujunkan.
Quatre ans plus tard, financé par Kajima Seibei et épaulé par le photographe écossais William Burton, il fonda la Tsukiji Kampan Seizō Kaishaqui fabriquait des plaques sèches pour les photographes, cette manufacture fermera ses portes en 1891, faute de financement suffisant.
En 1886, il va travailler pour l'armée au sein du département d'enquête de terrain, puis en 1888, il sera commissionné par le gouvernement afin de recenser et photographier tous les bien culturels du Japon. Les clichés qu'il va prendre avec son équipe paraitront en feuilletons dans les principales revues sur l'art du pays .
En 1889, il ouvre le premier atelier de phototypie du Japon, l'Ogawa Shashin Seihan jo aussi appelé Usine d'impression K. Ogawa. La même année, Ogawa fut éditeur du magazine Shashin Shinpō le seul journal photographique de cette époque, ainsi que du magazine Kokka. Il imprima ces deux magazines avec le procédé de la phototypie.
Ogawa fut membre fondateur de la Société photographique japonaise, qui réunissait les photographes amateurs de tout le Japon. En 1891, il fut chargé de prendre en photos les 100 plus belles geishas de Tokyo, pour commémorer l'ouverture du Ryōunkaku (le premier gratte-ciel du Japon).

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Juan Gris (1887-1927) - Echiquier, verre et assiette

Juan Gris (1887-1927)
Echiquier, verre et assiette, 1917
Philadelphia Museum of Art.

Que voit on ? Exactement ce que décrit le tire dans le styler cubiste de Juan Gris  qui inspira largement aussi bien Picasso et Braque.  La complémentarité, l'harmonie et la subtilité des couleurs atteint au sublime dans cette nature morte.

Rappel Biographique : Juan Gris vécut et travailla en France à partir de 1906. Il fut proche du mouvement cubiste mais il occupa en même temps une place très à part dans la peinture de son temps, sans doute toujours dans l'ombre de Picasso qui l'aurait volontiers " éliminé de la carte " selon les dires de Gertrude Stein. Salvador Dali disait de lui : « Juan Gris est le plus grand des peintres cubistes, plus important que Picasso parce que plus vrai. Picasso était constamment tourmenté par le désir de comprendre la manière de Gris dont les tableaux étaient techniquement toujours aboutis, d'une homogénéité parfaite, alors qu'il ne parvenait jamais à remplir ses surfaces de façon satisfaisante, couvrant avec difficulté la toile d'une matière aigre. Il interrogeait sans cesse : « Qu'est-ce que tu mets là ? — De la térébenthine. » Il essayait le mélange, échouait, abandonnait aussitôt, passant à autre chose, divin impatient. »
Aujourd'hui Juan Gris apparait comme un génie injustement resté dans l'ombre. Il a peint quasiment autant de natures mortes que de paysages ou de portraits.Jusqu’en 1920, sa peinture est encore marquée par l’Espagne, celle des natures mortes de l’école de Séville des 16e-17e siècles – d’un José Sanchez Cotan, d’un Valdes Léal ou d’un Zurbaran, par exemple – Gris aime profondément ces peintures des « blancs chartreux qui, dans l’ombre, glissent silencieux sur les dalles des morts ». Des blancs contrastant avec les noirs, il va donc tirer le parti le plus fort.

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Andrew Wyeth (1917-2009) - Albinos Study, 2002

Andrew Wyeth (1917-2009)
Albinos Study, 2002
Watercolor on paper
Private Collection

Que voit on ? Dans cette toile ce sont, bien entendu, les citrouilles qui sont devenues albinos en perdant leur couleur orange d'Halloween. Abandonnée dans un près pour non conformité aux standards, elles ont heureusement attiré l'attention de Wyeth qui les fait figurer comme des personnages dans cette nature morte qui n'en est pas vraiment une, puisqu'elle est peinte dans un champs ! 

Rappel biographique : Le peintre aquarelliste américain Andrew Newell Wyeth, classé parmi les peintres « régionalistes » et réalistes américains est issu d'une dynastie d'artistes dont son propre père Newell Convers Wyeth (1882-1945), illustrateur connu qui fréquenta des célébrités de son temps comme Francis Scott Fitzgerald et Mary Pickford. Décidant de ne pas confronter son fils aux systèmes de l'éducation nationale ou privée, c'est lui même qui se charge de son éducation à la maison, l’initie à l’art, et tout particulièrement à l'art du paysage rural américain. À cette époque, il admire et est sensible à l'œuvre du peintre Winslow Homer. Plus tard, il apprend à maîtriser les techniques associées à l’aquarelle à base d'œuf, la tempera.
Andrew Wyeth commence à peindre dans des nuances de bruns et de gris seulement. Il s’inspire de son entourage pour réaliser ses tableaux. Ses sujets préférés sont la terre et les habitants de sa ville natale, ainsi que ses proches. Sa grande maîtrise picturale lui permet de montrer sa réflexion mélancolique sur le temps qui passe et la faillibilité humaine.
Son fils Jamie, né en1946, est également un peintre et portraitiste reconnu.

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Cy Twombly (1928-2011) - St Barth's 2011

Cy Twombly (1928-2011)
St Barth's 2011
Color dry-print, 43.2 × 27.9 cm, edition of 3
Nicola Del Roscio Foundation

Que voit on ? Evoquant la forme d'une photo  polaroid, une lithographie représentant une nature morte de fleurs roses et blanches saisies dans un flou poétique et une douceur chère et propre à ce peintre dès qu'il  s'aventurait dans le champs du figuratif.

Rappel biographique : Edwin Parker Twombly Jr., dit Cy Twombly, est un peintre, dessinateur, sculpteur et photographe américain. Son œuvre croise les enjeux majeurs de l'art au 20 e siècle : le dilemme abstraction/figuration, l'intervention de la psychanalyse, le primitivisme, le rôle de l'écriture en peinture, l'hommage aux anciens (il choisit souvent ses thèmes dans l'Antiquité ou dans la littérature ancienne), les liens artistiques entre Europe et Amérique.
L'œuvre de Cy Twombly se développe en marge des courants dominants de l'art américain et s'organise en de vastes cycles qui alternent. Jamais illustratrice, ni uniquement abstraite, elle demeure en retrait des débats concernant la figuration, ce qui constitue un apparent paradoxe formel. Celui-ci lui confère un caractère multiple et unique а la fois, dont témoignent l'ampleur et la diversité de ses œuvres sur papier.
L'œuvre peinte montre une grande diversité dans ses techniques et ses enjeux. Nombre de ses toiles sont des surfaces blanches recevant toute sorte de traces : chiffres, croix, schémas géométriques, barbouillages réalisés au doigt, griffonnages en hachures ou en boucles, écoulements sanglants ou scatologiques et enfin quelques mots (noms de dieux ou de héros antiques, vers de poètes célèbres, etc.). La peinture а l'huile reprend les teintes des humeurs corporels (du blanc-crème au brun) L'écriture est heurtée, les lettres capitales se mélangent aux minuscules, les mots les plus simples sont raturés. L'œuvre achevée, l'essentiel de la surface de la toile reste vierge.
Au cours des dernières années, et malgré son âge avancé, l'artiste s'est considérablement renouvelé. Chaque motif apporte ses propres couleurs si bien que le bas de certains tableaux est une juxtaposition de coulures dont les teintes alternent aléatoirement. Le gribouillage énergique a laissé sa place а un geste plus ample avec une peinture liquide sur laquelle la gravité agit. De plus, la palette est plus riche et les couleurs (notamment les jaunes ou les rouges) atteignent une intensité rare. Twombly prouve ici ses qualités de coloriste. Un thème nouveau est venu accompagner cette entrée dans la couleur : les fleurs. Sur des toiles ou des planches de plusieurs mètres de long, Twombly peint des roses ou des pivoines hors d'échelle en de grands mouvements d'enroulement. Les vers d'Emily Dickinson ou de Ingeborg Bachmann accompagnent ces motifs. Reste une constante : le rejet de la maîtrise. L'écriture est raturée, biffée, parfois effacée sommairement ; les motifs feignent la maladresse ; la gravité, associée à la texture du support et а la viscosité de la peinture, déstructure les formes. Les cycles Lepanto, Blossoms, Roses témoignent le mieux de ces dernières nouveautés. Twombly est également photographe, activité dans laquelle on retrouve la modestie et la douceur poétique qui imprègne tout son œuvre.

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Suzanne Valadon (1865-1938) Nature morte à la corbeille de fruits, 1917 Collection privée

                       

Suzanne Valadon (1865-1938)
Nature morte à la corbeille de fruits, 1917
Collection privée

Que voit on ? Un guéridon très encombré ou voisine assiette de fruits, baguette de pain verre de vin vide, cruche a lait, compotier en porcelaine blanche vide et bouquet de fleur sauvages. Dans le fond de la toile :  une bouteille de vin vide.

Rappel biographique  

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Maurice Denis (1870-1943) - Hortensias dans un Vase en forme de Vierge à l'Enfant

Maurice Denis (1870-1943)
Hortensias dans un Vase en forme de Vierge à l'Enfant 1913.
Collection privée

Que voit- on ? Posé sur la table d'une salle a manger dans le style Art nouveau, un vase en forme de sculpture de Vierge à l'enfant contenant un bouquet d'hydrangeas bleus. Un rayon de lumière tombe sur la sculpture en provenance d'une fenêtre a vitraux  et accentue l'aspect sacrée de cette nature morte.que d'aucunes mauvaises langues qualifièrent ,en leurs temps, de "nature morte de presbytère" !  

 Rappel biographique : Après des études au lycée Condorcet où il rencontre Édouard Vuillard et Paul Sérusier, Maurice Denis se forme en fréquentant le musée du Louvre où les œuvres de Fra Angelico déterminent sa vocation de peintre chrétien, marquée ensuite par la découverte de Pierre Puvis de Chavannes. Il étudie simultanément à l’École des beaux-arts et à l’Académie Julian en 1888 mais il quitte rapidement la première, la jugeant trop académique. Il rencontre cette même année Paul Sérusier qui lui offre son tableau, Le Talisman. Il fonde avec ce dernier le groupe des nabis et en devient le théoricien. Détachés ou non du christianisme, les Nabis cherchent des voies spirituelles au contact de philosophies et de doctrines teintées d’Orient, d’orphisme et d’ésotérisme. En 1892, au Salon des indépendants, il présente un tableau énigmatique, Mystère (Matin) de Pâques, signé en bas à droite du monogramme « Maud » qui ajoute encore au mystère de l’œuvre. Denis découvre la peinture de Paul Gauguin, dont l’influence sera déterminante pour la suite de son œuvre, lors de l’Exposition universelle de 1889. Il acquiert d’ailleurs l’une de ses peintures en 1903, l'Autoportrait au Christ jaune (Paris, musée d'Orsay).
D’abord symboliste et synthétique, sa peinture s’oriente ensuite vers un classicisme renouvelé. Les thèmes religieux, les scènes intimistes et familiales, les paysages d’Italie et de Bretagne sont très présents dans l’œuvre de Denis, qui, outre des tableaux de chevalet, comporte de nombreux décors muraux, des vitraux, des illustrations de livres et extrêmement peu de natures mortes.
Politiquement, Maurice Denis est proche de l'Action française, mouvement royaliste, qu'il quitte après la condamnation du mouvement par Rome. Lorsqu'éclate l'affaire Dreyfus, à la fin du 19e siècle, il fait partie, comme les peintres Edgar Degas, Auguste Renoir ou Jean-Louis Forain, des artistes antidreyfusards et antisémites. En 1941, sous le régime de Vichy, il est nommé membre du Comité d'organisation professionnelle des arts graphiques et plastiques. Il meurt le 13 novembre 1943, renversé par un camion, ce qui lui évitera d'être jugé pour collaboration avec l'ennemi à la fin de la guerre.
A Saint-Germain-en-Laye, où il a passé toute sa vie, Maurice Denis acheta en 1914 l’ancien hôpital construit sous Louis XIV pour y installer sa famille et son atelier, une demeure d’artiste aujourd’hui devenue le musée qui porte son nom.

 

Sebastian Stoskopff (1597-1657) - Nature morte avec Coquillages et boite en écorce de bois

Sebastian Stoskopff (1597-1657)
Nature morte avec Coquillages et boîte en écorce de bois, c.1620
Musée de l'oeuvre Notre Dame, Strasbourg

Que voit on ? Exactement ce que décrit le titre posé sur un entablement de bois sombre et sur un fond noir, comme d'habitude chez ce peintre  qui cultive souvent le contraste violent des ombres, des lumières  et des textures. Le verre, qui est sa matière favorite ,est ici troquée contre des nacres.

Rappel biographique : le peintre alsacien Sébastien Stoskopff a été formé par Frédéric Brentel puis par Daniel Soreau. Sébastien Stoskopff vit à Paris entre 1621 et 1641 environ et voyage en Italie vers 1629.  Très apprécié à son époque, il est considéré comme l'un des maîtres européens de la nature morte très à l'aise dans le traitement des textures opposées comme le verre et l'osier d'un côté, ou le verre et l'étain etc...  L'œuvre de Sebastian Stoskopff a été redécouverte très tardivement, au milieu du 20e siècle, dans les années 1930, ce qui signifie qu'elle est restée dans l'ombre pendant plus de 3 siècles !   Il reste de l’œuvre de Stoskopff entre 60 et 69 tableaux, selon les critiques. 10 d’entre eux sont datés et 26 à 29 sont signés de la main du maître. Toutes les œuvres signées sont des natures mortes. Mais des correspondances attestent que Stoskopff était aussi portraitiste, et qu’il a notamment exécuté un double portrait du comte Jean de Nassau-Idstein et de son épouse Anna. Pour la plupart, les œuvres de l’artiste ont pour thème la représentation d’objets quotidiens, très souvent dans le domaine de la cuisine ou de la nourriture.

En 1640, lorsqu'il revient à Strasbourg, les peintres locaux jalousent cet artiste apprécié, célibataire de surcroît. On lui interdit de porter le titre de maître peintre. Qu'importe! Son insolence et la beauté de ses oeuvres le rendent intouchable et la protection de Jean de Nassau fait le reste. Avec de l'huile et quelques pigments, il s'attaque au clair-obscur. Dans la Corbeille de verres vénitiens, son chef-d'oeuvre, les très fines lignes blanches et les légers reflets d'un verre brisé procurent la même émotion qu'un tableau religieux.

Sébastien Stoskopff meurt assassiné chez Jean de Nassau au terme d'une messe noire où il aurait abusé de drogue et d'alcool. L'organisateur du sabbat finira brûlé sur le bûcher pour sorcellerie. La vie de Stoskopff reste donc un mystère. 

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Luis Meléndez (1716-1780) - Bodegón con pan, cajas de fruta confitada y dos tarros de miel

Luis Meléndez (1716-1780)
Bodegón con panes, cajas de dulces 1770-1771
Óleo sobre lienzo, 37 x 49 cm.
Coleccion particular

Que voit-on ?  Des pains dodus  et bien dorés disposés au premier plan sur un  entablement de bois  à côté de deux boites plates contenant des pâtes de fruits et deux pots de miel recouvert d'un couvercle de papier entouré d'une ficelle, destinés à conserver les aliments qui ne sont pas consommés immediatement. 

Rappel biographique : Le peintre espagnol d'origine napolitaine, Luis Egidio Melendez a fait carrière presque exclusivement à Madrid. Contemporain de Goya, il est considéré aujourd'hui comme l’un des meilleurs peintres de natures mortes du 18e siècle, réputation qu'il n'avait pas de son vivant qu'il a passé dans une misère noire. C'est son père, Francisco Meléndez et Louis Michel van Loo (dont il est l'assistant de 1742 à 1748) qui assurent sa formation de peintre.
Le futur Charles IV d'Espagne lui commanda une grande série de natures mortes (dont celle ci-dessus) dont une partie importante est aujourd'hui conservée au musée du Prado à Madrid.
Ses toiles peintes dans de petits formats (jamais plus de 50 cm) dans la grande tradition de l'austérité espagnole, n'en foisonnent pas moins d'une minutie des détails. toujours peints avec une absolue perfection. La composition simple et le contraste clair-obscur, s’inscrivent dans la tradition des natures mortes baroques de Zurbaran et de Cotan. Comme eux, Meléndez étudia les effets de lumière, la texture et la couleur des fruits et des légumes, ainsi que celles des récipients en céramique, verre et cuivre ou pailles. À la différence des maîtres du 17e siècle, il présente le sujet plus près du spectateur, en légère plongée. Ce sont des objets disposés sur une table, ce qui donne à ses formes une certaine monumentalité. Le genre permet au spectateur d’étudier l’objet par lui-même. Les fonds sont neutres, et c'est un puissant éclairage qui mettent valeur les contours de l’objet. C’est ainsi qu’il représente le duvet des fruits, les transparences des peaux des raisins, les intérieurs brillants des pastèques et quelquefois les accidents présents à la surface des fruits (comme ici avec les figues vertes).
Chaque toile de Meléndez est minutieusement composée et fait l'objet d'un mise en scène précise afin de créer le plus grand réalisme possible. Les « grands thèmes » n’intéressèrent jamais Meléndez qui portent surtout son attention sur les choses de la vie quotidienne, sur l’observation et l’étude de la nature. Il fut souvent comparé à Chardin, jusqu'à être même parfois surnommé le « Chardin Espagnol » ce qui est assez stupide eut égard au caractère unique de son style et à tout ce qui différencie ces deux grands peintres.

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David Hockney (bn. 1937) - Pretty Tulips, 1969

 

David Hockney (bn. 1937)
Pretty Tulips, 1969,
Lithograph in colours
Collection privée (Christie's)

 Que voit on ?  Posé sur un entablement en verre qui réfléchissant,  un  vase rond et bleu contenant des tulipes roses  et bicolores rouges et blanches. 

Rappel biographique : David Hockney, est un peintre, dessinateur, graveur, décorateur et photographe britannique, né en 1937 dans une famille anglaise modeste, quatrième enfant d’une fratrie de cinq. Son père ayant été un objecteur de conscience pendant la seconde guerre mondiale, David Hockney a refusé de faire son service militaire entre 1957 et 1959. Après des études au Royal College of Art de Londres, il en sort diplômé en 1962.
Il commence sa carrière comme dessinateur de presse pour le Sunday Times, au cours d’un voyage en Egypte. En 1964, il découvre la Californie, les polaroids, la peinture acrylique, les belles villas et leur piscine qui deviennent un des motifs principaux de ses œuvres. Eloigné des courants les plus-avant-gardistes, Hockney pratique un art figuratif presque expressionniste où se mêlent portraits, photographies et videos. En 1963, à New York, il rencontre Andy Warhol qui lui rendra plus tard plusieurs fois visites à Los Angeles. La légende veut que ce soit Warhol qui ait conseillé à Hockney de faire sa célèbre série sur les piscines. Homosexuel parmi les premiers à se revendiquer comme tel, David Hockney revient vivre à Londres en 1968 et prend pour compagnon le réalisateur John Schlesinger, auteur notamment de Midnight Cow Boy (1969) ou Sunday Bloody Sunday (1971) autant de films militant ouvertement pour les droits des homosexuels dans une Angleterre qui assimile toujours en justice l'homosexualité à un crime. En 1973, Jack Hazan réalise un documentaire-fiction qui lui est consacré intitulé "A Bigger Splash" qui assoit sa notoriété internationale naissante (le film est primé au Festival international du film de Locarno) Entre 1974 et 1977, David Hockney s'installe à Paris où son travail tourne un peu en rond, avant de repartir en Californie en 1978. En 1974, le Musée des Arts Décoratifs de Paris organise sa première rétrospective David Hockney. Il est considéré désormais comme une des figures du mouvement Pop Art des années 1960 et à ce titre, s'intéressa à peu près à tous les genres picturaux, bien qu'ayant développé, surtout ces dernières années, une prédilection pour les paysages. Il a cependant peint beaucoup de nature mortes (surtout dans les années 1980) toujours traitée à sa façon, c'est à dire de manière décalée, anecdotique et toujours avec un indéniable talent de coloriste.
En 2010, il expose à Paris, à la Fondation Pierre Bergé - Yves Saint-Laurent, ses œuvres réalisées sur iPhone et iPad, il met aussi en avant la possibilité de rediffuser le processus créatif, à travers des logiciels déclarant « La seule expérience semblable est celle où l’on voit Picasso dessiner sur du verre pour un film » (en référence au film « Le Mystère Picasso » d'Henri-Georges Clouzot).
Le 2 janvier 2012, il a été nommé par la reine Elizabeth II, membre de l’Ordre du mérite britannique. Une grande exposition s'est ouverte le 23 janvier 2012 à la Royal Academy de Londres et au Musée Guggenheim de Bilbao où elle restée en place pendant tout l'été 2012 et a connu un immense succès.
Depuis 2019, David Hockney a choisi de vivre une grande partie de l'année en France, en Normandie pour être précis, dont il dit préférer la nature variée à celle de l'Angleterre.

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Renato Guttuso (1912 - 1987)- Natura morta con la scure

Renato Guttuso (1912 - 1987)
Natura morta con la scure. Grande natura morta con fiaschi e bricco, 1947
Collection privée 

 Que voit on ? Une nature morte cubiste  où tous les objets sont cependant clairement identifiables : trois bouteilles de chianti, une théieèe, une cruchetà eau, une orange, un citron, une citrouille, une paire de tenaille et une hache posée sur le bord droit de l'entablement....

Rappel biographique : Renato Guttuso est une figure extrêmement importante de la peinture italienne contemporaine, représentant du réalisme pendant les périodes fasciste et communiste de l'histoire italienne. Résistant, antifasciste, très tôt engagé aux côtés des communistes, l'art de Guttuso transcende toute considération politique et bien que faisant constamment référence à une identité sicilienne, se situe aux antipodes du régionalisme.

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Sir William Nicholson (1872-1949) - Still Life with Geraniums and Other Flowers

William Nicholson (1872-1949)
Still Life with Geraniums and Other Flowers, 1913
National Trust, Fenton House, U. K.

Que voit on ?   Dans une pénombre très savamment mise en scène, posés sur une nappe blanche distendue,  deux bouquets de fleurs dans deux vases différents l'un blanc et l'autre noir qu'un effet de perspective fait apparaitre l'un  derrière l'autre, alors qu'ils sont sans doute en réalité l'un à coté de l'autre.  Parmi toutes les fleurs contenues dans ces vases, seuls les géraniums sont identifiés nomméement par l'artiste.

Rappel biographique : Le peintre britannique Sir William Nicholson est surtout connu pour les illustrations qu'il a réalisées pour des livres destinés à la jeunesse. Il illustra ainsi notamment Peter Pan de J.M. Barrie au tournant du 20e siècle. A partir de 1900, encouragé et protégé par Whistler, il se consacre à la peinture et commence à exposer ses premières toiles, essentiellement des portraits, des natures mortes et des paysages. Et ce fut une très grande réussite !

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Alberto Giacometti (1901-1966) - Bouquet de Physalis

Alberto Giacometti (1901-1966)
Bouquet de Physalis, c. 1963
Huile sur toile 42 × 25.5 cm
Collection privée 

Que voit-on ?  Sur un toile déjà munie d'un cadre peint en gris foncée, deux vase dont l'un vase en verre transparent contient des Physalis, une plante décorative que l'on appelle aussi Lanterne Japonaise en raison de l'enveloppe  translucide de ses fruits rouges.  

Rappel biographique : Alberto Giacometti est un sculpteur et un peintre suisse dont les peintures et dessins représentent un part importante de l'œuvre. Fils du grand peintre de montagnes Giovanni Giacometti, Alberto est connu essentiellement pour ses portraits, bien qu'il ait peint également peint quelques paysages, des natures mortes avec une prédilection pour les pommes (et pas seulement dans sa jeunesse) et des tableaux abstraits (entre 1920 et 1930).
L'atelier représenté ici est « la caverne-atelier » dans lequel il a aménagé en décembre 1926 au n° 46, rue Hippolyte-Maindron dans 14e arrondissement de Paris. Malgré la petite taille et l'inconfort du lieu, il ne le quittera plus jamais. Son frère Diego, sculpteur et designer de meubles et luminaires, l'y rejoint de façon permanente en 1930. Bien que l'essentiel de sa production soit fait à Paris, Alberto Giacometti retourne régulièrement en Suisse, où il travaille dans les ateliers de son père, à Maloja, hameau de Stampa. C'est en 1946-1947 que s'affirme le nouveau style de Giacometti, caractérisé par de hautes figures filiformes. Sa production est stimulée par les relations qu'il renoue avec le marchand new-yorkais Pierre Matisse, qui accueille sa première exposition personnelle d'après-guerre en janvier 1948. En juin 1951 a lieu sa première exposition d'après-guerre à Paris, à la galerie Maeght, où son ami Louis Clayeux l'a convaincu d'entrer. Il y présente des œuvres déjà montrées à la galerie Matisse, et plusieurs œuvres nouvelles, toutes en plâtre, dont Le Chat et Le Chien. Contrairement à une légende qui veut que Giacometti ait peint des natures mortes uniquement que dans sa jeunesse, les faits, têtus, prouvent le contraire puisque certaines d'entre elles passées récemment en vente chez Christie's sont datées et signées de 1957  et même celle ci -dessus datée de 1963 !

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René Magritte (1898-1967) - La Chambre d'Ecoute

René Magritte (1898-1967)
La Chambre d'Ecoute, 1952
The Menil collection, Houston 

Que voit-on ?  Il y a en réalité deux toiles de Magritte qui porte ce même titre  de La Chambre d'Écoute L'une peinte en 1952 (ci-dessus) et l'autre  réalisée en 1958.  Les deux peintures présentent des pommes vertes identiques (ou presque identiques), mais les placent dans des lieux légèrement différents. Dans la version de 1952, il s'agit d'une chambre avec un  parquet et une fenêtre donnant sur un paysage maritime. Dans la version 1958, il s'agit d'une chambre  en briques grises. Ces deux  peintures traitent du thème  de la pomme  très fréquemment utilisé dans l'œuvre de Magritte  comme dans Les Belles Réalités (1964) ou  Memory of Voyage ( 1952), Le Fils de l'homme (1964) dans laquelle la pomme masque le visage d'un homme au chapeau melon et dans This is not an Apple (1964),en référence à Duchamp.    La Chambre d'Ecoute est aussi aussi l'une des nombreuses toiles de Magritte  à jouer avec le concept d'échelle en juxtaposant des objets normalement de tailles différentes.

Rappel Biographique : René-François-Ghislain Magritte, est un peintre surréaliste belge. La peinture de Magritte s’interroge sur sa propre nature, et sur l’action du peintre sur l’image. La peinture n’est jamais une représentation d’un objet réel, mais l’action de la pensée du peintre sur cet objet. Magritte réduisait la réalité à une pensée abstraite rendue en des formules que lui dictait son penchant pour le mystère : « Je veille, dans la mesure du possible, à ne faire que des peintures qui suscitent le mystère avec la précision et l’enchantement nécessaire à la vie des idées », déclara-t-il. Son mode de représentation, qui apparaît volontairement neutre, académique, voire scolaire, met en évidence un puissant travail de déconstruction des rapports que les choses entretiennent dans la réalité. Magritte excelle dans la représentation des images mentales. L’élément essentiel chez Magritte, c’est son dégoût inné de la peinture plastique, lyrique, picturale. Magritte souhaitait liquider tout ce qui était conventionnel. « L’art de la peinture ne peut vraiment se borner qu’à décrire une idée qui montre une certaine ressemblance avec le visible que nous offre le monde » déclara-t-il. La réalité ne doit certainement pas être approchée sous l’angle du symbole.

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Emil Nolde (1867-1956) - Goldfish

Emil Nolde (1867-1956)
Goldfish,
Aquarelle
Collection privée

Que voit-on ? Deux poissons rouges  occupant le premier plan alors que quatre autres  poissons occupent  le fond  du tableau 

Rappel biographique : L'aquarelliste et peintre expressionniste allemand Emil Nolde pratique la sculpture ornementale avant de s'intéresser à la peinture La partie la plus connue de son œuvre reste ses tableaux de style expressionniste. Ses thématiques sont variées, allant du religieux aux paysages et aux nature mortes d'objets. Quelques thèmes sont plus développés, comme la danse ou les masques. Emil Nolde a souvent peint à l'aquarelle mêlant aux couleurs diluées dans l'eau de l'encre de Chine ou de la craie. Il utilise particulièrement ces techniques durant la Seconde Guerre mondiale où il peint plus de 1300 œuvres. Le peintre a eu une activité importante de gravure dont la lithographie. Une seule toile de lui est conservée dans les collections publiques en France, il s'agit de Nature morte aux danseuses, 1914, au Musée National d'art moderne du Centre Georges Pompidou.

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Gerard van Spaendonck (1746-1822)- Nature morte florale

 

Gerard van Spaendonck (1746-1822)
Nature morte florale
Rijksmuseum, Amsterdam

Que voit on ? Un somptueux bouquet de fleurs blanches, roses et bleues, présentées dans un arrangement tres mouvementée à l'intérieur et a l'extérieur d'un vase en Onyx posé sur un piedestal en marbre  orné de motifs d'enfants, le tout posé sur une entablement de marbre précieux. Un  panier d'osier et un petit nid ornée contenant des oeufs  complètent cette composition dans le plus pu style baroque hollandais.

Rappel biographique : Gérard van Spaendonck est un peintre et graveur d'origine néerlandaise installé en France, spécialiste des peintures de fleurs. Il est l'un des premiers peintres à avoir introduit dans un autre pays d'Europe la tradition de la peinture florale néerlandaise, parvenue à son apogée avec Jan van Huysum. Spécialiste de la technique du crachis, consistant à ajouter à la gravure des petits points destinés à affiner le rendu des détails et à nuancer les couleurs, il privilégiait l'aquarelle plutôt que la gouache Gérard van Spaendonck a produit une cinquantaine d'aquarelles pour les Vélins du Roi, une collection de peintures botaniques créée un siècle plus tôt à l'initiative de Gaston de France, frère de Louis XIII. Il a aussi réalisé de nombreux dessins pour la Manufacture de Sèvres dans les années 1780. Entre 1799 et 1801, il a fait paraître une collection de 24 gravures intitulée Fleurs dessinées d'après nature, considérée comme l'une de ses œuvres majeures.

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James Paterson (1854-1932) - Still Life with Three pots

James Paterson (1854-1932)
Still Life with Three pots
Private collection 

 Que voit-on  ? Une nature morte  à trois pots comme son titre l'indique, comprenant un petit vase noir au long col évasé rempli de fleurs blanche, une grosse potiche orientale en céramique vernissée  présentée sur un socle en ébène  ouvragée;   un petit  pot carré contenant les pinceaux du peintre. Le tout est posés sur une soierie chinoise à décor de fleurs peinte avec minutie de façon à ce que les reflets de la soie apparaissent clairement au spectateur. 

Rappel biographique  :  James Paterson, est un peintre paysagiste et portraitiste écossais. Il étudia à la Glasgow School of Art avec Robert Greenlees et ensuite à Paris avec Louis Jacquesson de la Chevreuse et Jean-Paul Laurens (1838-1921). Pendant les vingt-deux années qu'il passe dans le  Dumfriesshire.,où il est installé, Paterson ne cesse de peindre les collines de Nithsdale et d'Ayrshire, le Firth de Solway, capturant les couleurs et la lumière de la campagne écossaise. C'est durant cette période qu'il noue des liens avec un groupe d'artistes connu sous le nom de Glasgow Boys : James Guthrie, Edward Arthur Walton, William York MacGregor, Edward Atkinson Hornel. Il est élu à la Société royale écossaise des peintres en aquarelles (RSW) en 1885, devient membre associé en 1896 puis membre à part entière en 1910 de l'Académie royale écossaise (Royal Scottish Academy). Il s'installe à Édimbourg en 1906. Il devient président de la Société royale écossaise des peintres en aquarelles en 1922, bibliothécaire de l'Académie royale écossaise entre 1910 et 1924, et secrétaire de 1924 jusqu'à quelques semaines avant sa mort en janvier 1932.

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Edouard Vuillard (1868-1940) - Fleurs

 

Edouard Vuillard (1868-1940)
Fleurs, 1928-30
Pastel sur papier
Collection privée

Que voit on ? Un pastel très relevé de Vuillard dans lequel un bouquet de fleurs ds champs dans un pot rond en porcelaine blanche à liserés bleu, voisine sur une table avec un théière dont on aperçoit que la moitié ; les lambris de la pièce et le parquet occupent la majeure partie de l'espace de cette composition au cadrage angulaire très fréquent chez ce peintre

Rappel biographique : Jean-Édouard Vuillard, connu pour être le fondateur du mouvement Nabis, a peint aussi bien des portraits que des intérieurs, des natures mortes, des compositions murales et des décors de théâtre. Vuillard exposa pour la première fois au Salon des Indépendants en 1901 et au Salon dAutomne en 1903. C'est dans le années 1890 qu'il fit la connaissance des frères Alexandre et Thadée Natanson, les fondateurs de la Revue Blanche, et en 1892, sous leur conseil, il fit ses premières décorations (fresques d'appartements) pour la maison de Madame Desmarais. Plus tard il reçut de nombreuses commandes semblables. En 1895 pour Alexandre Natanson, en 1898 pour Claude Anet, en 1908 pour Bernstein et en 1913 pour Bernheim et pour le Théâtre des Champs Elysées. Les dernières commandes qu'il reçut datent de 1937 (Palais de Chaillot à Paris, avec Bonnard) et de 1939 (Palais des Nations à Genève, avec Maurice Denis, Roussel et Roger Chastel).

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Marc Chagall (1887-1985) - Nature morte florale

 

Marc Chagall (1887-1985)

Nature morte florale, 1955-57

Gouache et pastel sur papier

The Kreeger Art Museum, Washington DC.

 Que voit on ?   Exprimée à travers une explosion  joyeuse de jaunes, de  blancs et de bleus concentré dans un vase noir :  une composition florale très poétique élaborée à partir de chrysanthèmes (qui finissent par ressembler à des mimosas), et des feuillages dont certains sont peints avec une extrême précision. Un personnage à droite du cadre, observe ce bouquet un peu comme l'on observerait un paysage. 

Rappel biographique : Le peintre français d'origine biélorusse Marc Chagall est l'un des plus célèbres artistes installés en France au 20e siècle avec Pablo Picasso. Son œuvre, sans se rattacher à aucune école, présente des caractéristiques du surréalisme et du néo-primitivisme. Inspirée par la tradition juive, la vie des villages juif en Europe de l'Est et le folklore russe, elle élabore sa propre symbolique, autour de la vie intime de l'artiste. L'emploi de la couleur chez Chagall est très personnel. Dans ses illustrations de La Bible et Le Message biblique, notamment, on voit qu'une barbe peut être tour à tour violette, bleue ou verte. Il renverse les impressions chromatiques habituelles, et emploie la palette pour structurer l'espace de la toile davantage que pour traduire la réalité. " Mon cirque se joue dans le ciel, disait il, il se joue dans les nuages parmi les chaises, il se joue dans la fenêtre où se reflète la lumière " .

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Henri Fantin-Latour (1836-1904) - Cyclamens

Henri Fantin-Latour (1836-1904)
Cyclamen, 1860
Collection privée 

 Que voit on ? Des fleurs de Cyclamen blanc saisies en gros blanc. Une composition et une façon de peindre d'une modernité tout à fait stupéfiante, qui n'étonnera cependant pas tout ceux qui connaissent l'œuvre de ce très grand maître de la nature morte que fut Fantin-Latour.
 

Rappel biographique : Le peintre et lithographe français Henri Fantin-Latour était plus connu de son vivant pour ses portraits de femmes, ses portraits de groupes dont il rénova le style compassé et pour ses peintures allégoriques que pour ses natures mortes, pourtant admirables. Aujourd'hui c'est exactement le contraire ! Membre du groupe dit « de 1863 », puis du Cénacle des Batignolles où l'Impressionnisme serait né, Fantin-Latour fait souvent figure de chaînon entre la peinture romantique et l'impressionnisme. Ses natures mortes, fleurs ou fruits, ont souvent trouvé acquéreur grâce à son ami Whistler qui a attiré en l'attention en Angleterre sur Fantin, à une époque où la peinture impressionniste française était peu appréciée dans ce pays.
Son père Théodore Fantin-Latour fut aussi un peintre de natures mortes, assez similaires à celles de son fils, si bien que attribue régulièrement aujourd'hui à tort des œuvres du père à son fils (mais rarement l'inverse !)
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Johann Wilhelm Preyer (1803-1889) - Weinblatt (Feuille de vigne)

Johann Wilhelm Preyer (1803-1889)
Weinblatt (Feuille de vigne)
huile sur toile (11,5 x 9,5 cm)
Collection privée

Que voit on ? Une  feuille de vigne, représentée isolée détachée de son sarment par le vent d'automne. 

Rappel biographique : Le peintre allemand Johann Wilhelm Preyer est né dans une famille qui comptait plusieurs artistes dont Gustav et Louise, qui eurent un atelier commun dans la vieille ville d'Eschweiler. La fille de Johann Wilhelm, Emilie, peignit aussi des natures mortes et son fils, Paul, des scènes de genre et des portraits.
Johann Wilhelm Preyer a surtout peint des natures mortes d'après nature, souvent en isolant des sujets ou détails qu'il peignait avec avec un traitement minutieux  (comme ci-dessus).
La plupart de ses tableaux, qui sont associés à l'école de peinture de Düsseldorf, se trouvent aux États-Unis, plusieurs à la National Galerie allemande et dans la Collection Ravené à Berlin.

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Jean Picart-Le-Doux (1902-1982)- Nature morte aux Coquillages

Jean Picart-Le-Doux (1902-1982)
Nature morte aux Coquillages
Sérigraphie
Collection privée

Que voit on ? Des coquillages présentées sur deux plans (supérieurs et inférieurs) selon la tradition des natures mortes romaines antiques auxquelles cette sérigraphie se réfère implicitement.

Rappel biographique : Jean Picart Le Doux est un grand maître de la tapisserie d'Aubusson, qui a produit plus de 400 tapisseries originales. Plusieurs de ses œuvres furent sélectionnées pour la décoration du paquebot France, dont la célèbre tapisserie monumentale Les Phases du Temps placée dans le fumoir des Première classe. Sans formation professionnelle spécialisée, Jean Picart-Le-Doux fait ses débuts dans la reliure et l'édition, puis il s'oriente vers la publicité et les arts graphiques et publie ses premières œuvres en 1935. Ses premiers cartons de tapisserie datent de 1943 après avoir remporté le Grand prix de l’affiche de théâtre au Salon de l'imagerie.
En 1947, il rencontra Jean Lurçat et, avec Marc Saint-Saëns, ils fondent l’Association des peintres-cartonniers de tapisserie. En 1950, Picart-Le-Doux rencontre deux graphistes français, Jean Colin et Jacques Nathan, et deux graphistes suisses, Fritz Bühler et Donald Brun, à l'occasion d'une exposition de leurs travaux à Bâle. Il projette alors l'idée d'une Alliance graphique internationale (AGI). Celle-ci est fondée officiellement le 22 novembre 1952 et Picart-Le-Doux en sera le premier président. Il est membre du conseil d'administration de la Société Nationale des Beaux-Arts dans la section Art Décoratif de 1975 à 1980.

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David Hockney (bn. 1937) - Paint Trolley

David Hockney (bn. 1937)
Paint Trolley, 1985
Collage photographique
Collection Privée

Que voit-on ? Une nature morte d'objets qui représente un chariot à peinture chargé de choses très diverses. A l'étage supérieur : livre sur Picasso, tube de colle- glu, petites toiles encollées et encore vierges, chiffons souillés de peinture.  A l'étage intermédiaire : enveloppes, boites, tubes et godets à couleurs. A l'étage inférieur une multitude de pinceau et des magazines (Vogue)...  L'ensemble  n'est pas peint mais réalisé avec des photos découpées et collées.

Rappel biographique : David Hockney, est un peintre, dessinateur, graveur, décorateur et photographe britannique, né en 1937 dans une famille anglaise modeste, quatrième enfant d’une fratrie de cinq. Son père ayant été un objecteur de conscience pendant la seconde guerre mondiale, David Hockney a refusé de faire son service militaire entre 1957 et 1959. Après des études au Royal College of Art de Londres, il en sort diplômé en 1962.
Il commence sa carrière comme dessinateur de presse pour le Sunday Times, au cours d’un voyage en Egypte. En 1964, il découvre la Californie, les polaroids, la peinture acrylique, les belles villas et leur piscine qui deviennent un des motifs principaux de ses œuvres. Eloigné des courants les plus-avant-gardistes, Hockney pratique un art figuratif presque expressionniste où se mêlent portraits, photographies et videos. En 1963, à New York, il rencontre Andy Warhol qui lui rendra plus tard plusieurs fois visites à Los Angeles. La légende veut que ce soit Warhol qui ait conseillé à Hockney de faire sa célèbre série sur les piscines. Homosexuel parmi les premiers à se revendiquer comme tel, David Hockney revient vivre à Londres en 1968 et prend pour compagnon le réalisateur John Schlesinger, auteur notamment de Midnight Cow Boy (1969) ou Sunday Bloody Sunday (1971) autant de films militant ouvertement pour les droits des homosexuels dans une Angleterre qui assimile toujours en justice l'homosexualité à un crime. En 1973, Jack Hazan réalise un documentaire-fiction qui lui est consacré intitulé "A Bigger Splash" qui assoit sa notoriété internationale naissante (le film est primé au Festival international du film de Locarno) Entre 1974 et 1977, David Hockney s'installe à Paris où son travail tourne un peu en rond, avant de repartir en Californie en 1978. En 1974, le Musée des Arts Décoratifs de Paris organise sa première rétrospective David Hockney. Il est considéré désormais comme une des figures du mouvement Pop Art des années 1960 et à ce titre, s'intéressa à peu près à tous les genres picturaux, bien qu'ayant développé, surtout ces dernières années, une prédilection pour les paysages. Il a cependant peint beaucoup de nature mortes (surtout dans les années 1980) toujours traitée à sa façon, c'est à dire de manière décalée, anecdotique et toujours avec un indéniable talent de coloriste.
En 2010, il expose à Paris, à la Fondation Pierre Bergé - Yves Saint-Laurent, ses œuvres réalisées sur iPhone et iPad, il met aussi en avant la possibilité de rediffuser le processus créatif, à travers des logiciels déclarant « La seule expérience semblable est celle où l’on voit Picasso dessiner sur du verre pour un film »  (en référence au film « Le Mystère Picasso » d'Henri-Georges Clouzot).
Le 2 janvier 2012, il a été nommé par la reine Elizabeth II, membre de l’Ordre du mérite britannique. Une grande exposition s'est ouverte le 23 janvier 2012 à la Royal Academy de Londres et au Musée Guggenheim de Bilbao où elle restée en place pendant tout l'été 2012 et a connu un immense succès.
Depuis 2019, David Hockney a choisi de vivre une grande partie de l'année en France, en Normandie pour être précis, dont il dit préférer la nature variée à celle de l'Angleterre.

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Jopie Huisman (1922-2000) - Halve Houtsnip

Jopie Huisman (1922-2000)
Halve Houtsnip
Jopie Huisman Museum, Workum, Pays-Bas  

Que voit on ? Un sandwich au fromage  et viande fait avec du pain de mie. Le traitement de cette oeuvre peinte s'inspire d'une technique de photographies  ancienne.

Rappel biographique : Jotje (Jopie) Huisman était un peintre et dessinateur néerlandais autodidacte.
Il conservait des chaussures, des chiffons, des chapeaux, des vieux imperméables, des poupées... bref tout ce qui attirait son attention et qu'il peignait méticuleusement.
Avant qu'il ne soit connu, il échangeait ses tableaux contre un paquet d’anguilles ou de harengs. Une partie de ce travail a fini par arriver sur le marché de l'art et ses tableaux ont commencé à ses vendre. Plus tard, dans sa carrière, il s'appliqua à surtout ne pas vendre de tableaux, mais à les donner à des amis et à des personnes qui, selon lui, le méritaient. Ses peintures sont exposées au musée Jopie Huisman depuis 1986.
À partir des années 90, en partie à cause ses problèmes cardiaques, le travail méticuleux est devenu trop ardu et il est passé aux dessins à la plume et à l'aquarelle. Huisman a peint sa dernière toile en mars 2000. Cette petite aquarelle a été trouvée en 2010 dans sa maison natale sur le Trekweg.

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Jean Picart-Le-Doux (1902 - 1982) - Nature morte au Treillage Bleu sur Fond Aubergine

Jean-Picart-Le-Doux (1902 - 1982)
Nature morte au Treillage Bleu sur Fond Aubergine
Tapisserie d'Aubusson, manufacture de Pinton Frères
Collection particulière


Que voit on ? Sur un fond de triple treillage auquel s'accroche une vigne aux feuilles déjà dorées un entablement lui aussi doré sur lequel sont posées divers fruits du sud (melons, raisons,pastèques, figues...), un compotier lui aussi gorgé de fruits de soleil et une mandoline aux couleurs de ciel bleu et déclipse de soleil. Une de ses compositions somptueuses de Picar-Le-Doux qui firent et font toujours la gloire de l'art de la lisserie française (l'art de la tapisserie) d'Aubusson

Rappel biographique : Jean Picart Le Doux est un grand maître de la tapisserie d'Aubusson, qui a produit plus de 400 tapisseries originales. Plusieurs de ses œuvres furent sélectionnées pour la décoration du paquebot France, dont la célèbre tapisserie monumentale Les Phases du Temps placée dans le  fumoir des Première classe. Sans formation professionnelle spécialisée, Jean Picart-Le-Doux fait ses débuts dans la reliure et l'édition, puis il s'oriente vers la publicité et les arts graphiques et publie ses premières œuvres en 1935. Ses premiers cartons de tapisserie datent de 1943 après avoir remporté le Grand prix de l’affiche de théâtre au Salon de l'imagerie.
En 1947, il rencontra Jean Lurçat et, avec Marc Saint-Saëns, ils fondent l’Association des peintres-cartonniers de tapisserie. En 1950, Picart-Le-Doux rencontre deux graphistes français, Jean Colin et Jacques Nathan, et deux graphistes suisses, Fritz Bühler et Donald Brun, à l'occasion d'une exposition de leurs travaux à Bâle. Il projette alors l'idée d'une Alliance graphique internationale (AGI). Celle-ci est fondée officiellement le 22 novembre 1952 et Picart-Le-Doux en sera le premier président. Il est membre du conseil d'administration de la Société Nationale des Beaux-Arts dans la section Art Décoratif de 1975 à 1980.

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Jean-Baptiste Olive (1848-1936) - ature morte à la Courge et aux Melons

Jean-Baptiste Olive (1848-1936)
Nature morte à la Courge et aux Melons
Collection particulière

Que voit on ? Que dire de cette nature morte, sinon que la symbolique sexuelle en est eéidente à gauche comme à droite ! Sans doute une commande de bourgeois qui aura voulu se faire des émotions dans sa salle à manger !

Rappel biographique : Jean-Baptiste Olive est un peintre français d'origine provençale à distinguer de son homonyme Henri Olive-Tamari dit Olive des Martigues. Jean-Baptiste Olive laissa perplexes aussi bien les critiques et les galeristes de son temps que ses amis et mécènes, fascinés par le contraste entre sa peinture éblouissante de clarté et sa personnalité complexe et introvertie à l'extrême... pour ne pas dire asociale ! Il a su cependant se faire une place d’honneur dans la vie et le cœur des personnes rencontrées au cours de sa carrière et de nombreux mécènes l’ont soutenu. En 1948, dix ans après sa disparition, le musée Cantini à Marseille lui consacra l’exposition du centenaire de sa naissance en présentant 82 œuvres. Il a peint quelques natures mortes, toutes somptueuses.

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Henri Fantin-Latour (1836-1904) - Pots de Chrysanthèmes

 

Henri Fantin-Latour (1836-1904)
Pots de Chrysanthèmes, 1904
Collection privée

Que voit on ? Deux pots de chrysanthèmes (blanc et roses) et un troisième (jaune) presque hors champs, les chrysanthème étant sans doute la fleur  la plus peinte par Fantin-Latour qui adorait cette fleur emblématique du Japon dont il appréciait particulièrement la délicatesse et la grande variété de formes des pétales.

Rappel biographique : Le peintre et lithographe français Henri Fantin-Latour était plus connu de son vivant pour ses portraits de femmes, ses portraits de groupes dont il rénova le style compassé et pour ses peintures allégoriques que pour ses natures mortes, pourtant admirables. Aujourd'hui c'est exactement le contraire ! Membre du groupe dit « de 1863 », puis du Cénacle des Batignolles où l'Impressionnisme serait né, Fantin-Latour fait souvent figure de chaînon entre la peinture romantique et l'impressionnisme. Ses natures mortes, fleurs ou fruits, ont souvent trouvé acquéreur grâce à son ami Whistler qui a attiré en l'attention en Angleterre sur Fantin, à une époque où la peinture impressionniste française était peu appréciée dans ce pays.
Son père Théodore Fantin-Latour fut aussi un peintre de natures mortes, assez similaires à celles de son fils, si bien que attribue régulièrement aujourd'hui à tort des œuvres du père à son fils (mais rarement l'inverse !)

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