Eero Nelimarkka (1891-1977) - Still life, 1939

Eero Nelimarkka (1891-1977)
Still life, 1939
Oil on canvas, 55x65 cm
Collection privée
Que voit-on ?  Dans le style dépouillé qui est le sien  il s'agit  d'une des natures mortes les plus fournies  mais aussi les plus classiques de cet artiste qui adopte même le  recours au couteau pour marquer la perspective comme les peintres de l'âge d'or hollandais. Du pain, du beurre et une liqueur passée de la bouteille au verre sur fond de rideau blanc encadrant une hypothétique fenêtre...

Rappel biographique : Le peintre finlandais Eero Aleksander Nelimarkka est connu pour ses paysages plats d' Ostrobotnie (les Lakeus), mais également pour ses nombreux autoportraits, portraits de notables Finlandais et de membres de leur famille et pour ses natures mortes aux sujets souvent inhabituels. En 1912, Nelimarkka vient étudier à Paris à l'Académie de la Grande Chaumière et à l' Académie Julian. En 1945, devenu un artiste connu, il se consacre à l'enseignement et crée la "Fondation Nelimarkka" avec mission de préserver et de promouvoir la production et le travail de la vie d'Eero Nelimarkka. En 1964, la fondation construit le Musée Nelimarkka dans la ferme de son père à Alajärvi, dans le sud de l'Ostrobotnie. Sa collection est riche d'environ 1700 œuvres.

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Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) - Vase de fleurs et femme

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)
Vase de fleurs et femme, n.d
Huile sur toile, 35.5 x 35.2 cm
Collection privée

Que voit on ? Un bouquet de fleuts dans un vase avec médaillon représentant une maison ou un temple et une silhouette suspendue dans les airs. A l'arrière du vase, un buste de femme nu apparait.Elle est peinte en réalité sur un tableau qui sert de fond à la nature morte.Sur la gauche du cadre, en haut du buste de la femme, un Putti ou plutôt un Amour décochant une flèche apparait. Cette nature morte au vase de fleurs pourrait donc être  le prétexte à une allégorie un peu mièvre ( il faut le dire !) de l 'Amour., la femme étant Vénus, incarnée par Gabrielle Renard  l'une des modèles les plus célèbres de Renoir qui fut aussi la nourrice de son fils Jean.

Rappel biographique : L'un des plus célèbres peintres français, Pierre-Auguste Renoir, membre éminent s'il en est du mouvement impressionniste a peint beaucoup de natures mortes, comme l'ensemble des impressionnistes d'ailleurs qui ont participé au renouveau de ce genre vieux de plus de 3000 ans. La dernière toile qu'il aurait voulut peindre serait une nature morte florale. Sur son lit de mort, Renoir aurait demandé une toile et des pinceaux pour peindre le bouquet de fleurs qui se trouvait sur le rebord de la fenêtre. En rendant pour la dernière fois ses pinceaux à l'infirmière, il aurait déclaré : « Je crois que je commence à y comprendre quelque chose ».

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Henry Villierme (1926-2013) - Mums

Henry Villierme (1926-2013)
Mums
Private collection

Que voit on ?  Une variété particulière de chrysanthèmes dans un vase, sur un fond orange, saisis dans un style proche de l'abstraction.

Rappel Biographique : Henry Pierre Villierme était un peintre américain associé à l'expressionnisme abstrait et au mouvement figuratif Bay Area. Villierme était considéré comme l'un des membres de la «deuxième génération» du mouvement Bay Area. Villierme s'est fait connaître pour la première fois avec une série d'expositions à succès à la fin des années 1950. Des années 1960 aux années 1980, ila continué à peindre et à sculpter dans son atelier, et à la fin des années 1980, il est revenu aux expositions publiques. Au California College of Arts and Crafts, Villierme a étudié avec David Park, Harry Krell, Elmer Bischoff et Richard Diebenkorn. Il subit aussi l'influence de la calligraphe abstraite nippo-américaine Saburo Hasegawa.

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Marc Chagall (1887-1985) - Nature Morte, 1910-11

Marc Chagall (1887-1985),
Nature Morte, 1910-11
Huile sur Toile, 62,9 x 50,2 cm
Collection Privée.

Que voit on ? A la fois une nature morte florale et une nature morte de table avec ce bol et ces radis et de pot à eau a anse sur la coté de la composition, bien que ce soit la nature morte florale qui occupe l'essentiel du cadre. 

Rappel biographique : Le peintre français d'origine biélorusse Marc Chagall est l'un des plus célèbres artistes installés en France au 20e siècle avec Pablo Picasso. Son œuvre, sans se rattacher à aucune école, présente des caractéristiques du surréalisme et du néo-primitivisme. Inspirée par la tradition juive, la vie des villages juif en Europe de l'Est et le folklore russe, elle élabore sa propre symbolique, autour de la vie intime de l'artiste. L'emploi de la couleur chez Chagall est très personnel. Dans ses illustrations de La Bible et Le Message biblique, notamment, on voit qu'une barbe peut être tour à tour violette, bleue ou verte. Il renverse les impressions chromatiques habituelles, et emploie la palette pour structurer l'espace de la toile davantage que pour traduire la réalité. " Mon cirque se joue dans le ciel, disait il, il se joue dans les nuages parmi les chaises, il se joue dans la fenêtre où se reflète la lumière " .

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Frans Mortelmans (1865-1936) - Branches de Pommier dans un Vase

Frans Mortelmans (1865-1936)
Branches de Pommier dans un Vase
Huile sur toile 100.5 x 61 cm
Collection privée

Que voit on ? sur une guéridon de salon en acajou, un précieux vase en porcelaine de Chine contenant des banches de pommiers en pleine floraison.  La façon extrêmement précise de rendre les fleurs de pommiers retient l'attention  chez ce peintre belge spécialisé dans les natures mortes et plutôt rattaché au mouvement ipressionniste et post impressionniste.

Rappel biographique : Frans Mortelmans, est un peintre belge de portrait et de nature morteAîné de six enfants, Frans Mortelmans se forme à l'Académie d'Anvers, entre autres chez Charles Verlat, puis à l'Institut Supérieur d'Anvers chez Albrecht De Vriendt. Il est également en apprentissage auprès de Frans Van Leemputten. Il peint des portraits et quasi exclusivement des natures mortes dans sa première période. Ses œuvres sont harmonieuses, dans un style réaliste, mais dont la facture se rapproche de l'impressionnisme. Une rétrospective lui est consacrée en 1897 à Anvers. Il a été professeur à l'académie de Berchem.


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Richard Diebenkorn (1922-1993) - Cups II

Richard Diebenkorn (1922-1993)
Cups II, 1957
Oil on canvas,
Private collection

Que voit-on ? Sur un tabouret en métal peint en bleu deux mugs  vide, deux crayons à papiers  impeccablement taillé (pointe vers le bas) et  un cendrier plein de mégots de cigarettes. 

Rappel biographique : Richard Diebenkorn est un peintre américain du 20e siècle dont le style oscille entre l’abstrait et le figuratif en fonction des périodes qu’il a traversées. Après une première exposition au California Palace of the Legion of Honor à San Francisco en 1948, ses débuts sont associés à l'expressionnisme abstrait et à l'Ecole de San Francisco, mouvement figuratif des années 1950-1960. De 1955 à 1966, il vit à Berkeley (Californie), change de style et devient un peintre figuratif important, dans un genre qui réunit à la fois la manière de Henri Matisse qu’il admire et l'expressionnisme abstrait. Diebenkorn, Elmer Bischoff, Henry Villierme, David Park, James Weeks participent ensemble à une renaissance de la peinture figurative, qu'on appelle l'École de San Francisco (Bay Area Figurative Movement). En 1967, Diebenkorn s'installe à Santa Monica et devient professeur à UCLA. Il installe son atelier dans le même immeuble que son vieil ami Sam Francis. Pendant l'hiver 1966-1967, il revient une nouvelle fois à l'abstraction, cette fois avec une vision très personnelle, un style géométrique qui se démarque clairement de ses débuts de la période expressionniste abstraite. La série Ocean Park, qu’il commence en 1967 se poursuit pendant les dix-huit années suivantes. Elle est devenue la partie de son œuvre la plus célèbre aujourd’hui. Elle se compose d'environ 135 peintures. Basées sur le paysage vu depuis la fenêtre de son atelier, ses compositions abstraites à grande échelle sont nommées d'après une communauté de Santa Monica où il a eu un temps son atelier. A la même époque, il peint aussi ce qu’il appelle des found still life, c’est à dire des toiles d’après ce qu’il trouve sur sa table sans rien retoucher à l’arrangement qu’il voit.
La première rétrospective importante de son oeuvre a eu lieu à la Albright–Knox Art Gallery а Buffalo en 1976 et 1977. En 1989, John Elderfield, conservateur au MOMA (New York) organise une exposition d’oeuvres de Diebenkorn sur papier, qui constitue d’ailleurs la partie la plus prolifique de sa production.
En 2012, l'exposition Richard Diebenkorn : The Ocean Park Series, organisée par Sarah C. Bancroft, a lieu simultanément à la Corcoran Gallery of Art, à l'Orange County Museum of Art et au Forth Worth Museum of Modern Arts de Washington.

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Edouard Vuillard (1868-1940) - Aux Clayes, géranium sur une table bleue, devant une fenêtre

Edouard Vuillard (1868-1940)
Aux Clayes, géranium sur une table bleue, devant une fenêtre, 1932
Huile sur toile 92 x 53.3 cm
Collection particulière

Que voit on ? Une nature morte d'objets, comme Vuillard les aimait,  qui comprend une table peinte en gris bleu, quelques livres, des boites, des dessins et toiles (on reconnait plusieurs toiles représentant des tables posés devant les fenêtres), une corbeille à papiers vide, divers vases et petits bouquets de  fleurs devant une fenêtre dont la vue s'ouvre sur un jardin...  mais c'est le pot  de terre où pousse une bouture de géraniums, posé sur un catalogue un peu gondolé, qui attire l'attention du spectateur. 

Rappel biographique : Jean-Édouard Vuillard, connu pour être le fondateur du mouvement Nabis, a peint aussi bien des portraits que des intérieurs, des natures mortes, des compositions murales et des décors de théâtre. Vuillard exposa pour la première fois au Salon des Indépendants en 1901 et au Salon dAutomne en 1903. C'est dans le années 1890 qu'il fit la connaissance des frères Alexandre et Thadée Natanson, les fondateurs de la Revue Blanche, et en 1892, sous leur conseil, il fit ses premières décorations (fresques d'appartements) pour la maison de Madame Desmarais. Plus tard il reçut de nombreuses commandes semblables. En 1895 pour Alexandre Natanson, en 1898 pour Claude Anet, en 1908 pour Bernstein et en 1913 pour Bernheim et pour le Théâtre des Champs Elysées. Les dernières commandes qu'il reçut datent de 1937 (Palais de Chaillot à Paris, avec Bonnard) et de 1939 (Palais des Nations à Genève, avec Maurice Denis, Roussel et Roger Chastel).

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Giorgio Morandi (1890-1964) - Nature morte avec fleur

Giorgio Morandi (1890-1964),
Nature morte avec fleur, 1928
Collection privée

Que voit on ? Une nature morte de Morandi, avant qu'il ne  fasse une fixation durable (puisqu'elle se poursuivra jusqu'à la fin de sa vie et le rendra célèbre) sur l'unique reproduction de formes  au détriment de l'identité des contenus. ici on peut encore reconnaitre clairement une casserole,  une pomme de terre, du pain et une fleur qui donne d'ailleurs son titre a cette nature morte.

Rappel biographique : Le peintre italien Giorgio Morandi bien que qualifié de futuriste ne peut être identifié à aucun mouvement pictural du 20e siècle en particulier. Ayant peint de très nombreuses natures mortes, l’œuvre de Cézanne représente évidemment une influence majeure pour lui ; il lui emprunte la monumentalité des formes et les zones denses de couleurs. Mais simultanément, il développe une approche beaucoup plus intime de l’art. Les natures mortes de Giorgio Morandi représentent des objets toujours ordonnés avec soin sur une table dans l'atelier, pour être observés et peints. Ces objets qu'il a lui même achetés chez des brocanteurs, qui lui ont été donnés par des amis ou qu'il a ramassés dans la rue, sont facilement identifiables de toile en toile ; ce sont des bouteilles, cubes, entonnoirs auxquels viennent se mêler, à l'occasion mais rarement, un coquillage ou un fruit. Le positionnement des objets dans le cadre est réalisé avec une attention particulière portée à la " géométrisation" de l'espace qui peut alors se lire en carrés et diagonales. Un lent travail de maturation est mis en œuvre par le dessin et la peinture par reprises successives, superpositions de couleurs faites d'une pâte ample avec des dégradés de gris d'une extrême sensibilité, qu'amplifie une sorte de délectation morose. Morandi avait la réputation de broyer lui-même ses couleurs.
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Consuelo Kanaga 1894-1978) - Still life,1927

Consuelo Kanaga 1894-1978)
Still life, 1927
Private collection
 

Que voit on :  Cette magnifique photographie à la chambre de Consuelo Kanaga  représente une fleur de camélia blanc conservée dans un verre d'eau. Quelques pétales de la fleur sont déjà un peu abimés voir fanés, symbole de la  fragilité humaine. Cette nature morte, comme presque toutes les autres qu'elle photographia, lui fut directement inspirée parce ce qu'elle voyait en pénétrant dans les maisons des Afro- américains dont elle faisait les portraits. Les portraits s'accompagnaient ainsi souvent d'une scène d'intérieur ou d'une nature morte saisie sur place.

Rappel biographique : Consuelo Delesseps Kanaga (1894–1978) est un artiste américaine plus cèlebre pour ses photographies des Afro Americians que pour ces natures mortes ! Consuelo Kanaga a été qualifiée récemment de " photographe parmi les plus importantes d'Amérique mai étonnamment restant parmi les moins connus aujourd'hui ." Son éventail d'activités artistiques éttait plus large et couvrait à la fois la peinture, le photojournalisme le portrait, le paysage urbain et les natures mortes qui restent la partie de son ouvre la plus notoirement inconnue. Elle avait la réputation de célébrer l'humain dans chaque photo qu'elle prenait que ce soit des images de fermiers leurs maisons du Sud ou dans ses natures mortes (principalement de fleurs) Elle fut également une très grande technicienne de la photo de avec une appareil a chambre. Elle realisa les portraits de nombreux artistes et écrivains connus des années 30 et 40, dont Milton Avery, Morris Kantor, Wharton Esherick, Mark Rothko et W. Eugene Smith.
Kanaga, qui était blanche, était l'un des rares photographes des années 1930 à réaliser des portraits artistiques de Noirs. Kanaga a également photographié des écrivains et intellectuels noirs, parmi lesquels Langston Hughes et Countee Cullen. En 1949, elle a été incluse dans la très importante exposition 50 Photographies de 50 Photographes: Repères dans l'histoire de la photographie au Museum of Modern Art de New York.

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Estêvão Silva (1844-1891) - Natureza morta com melancia

 

Estêvão Silva (1844-1891)
Natureza morta com melancia, 1889
Musueu Afro Brasil, Sao Paulo

 Que voit on ?  Une pastèque  soigneusement coupée au couteau et non cassé comme dans les natures mortes européennes. Le sujet est peint à même le sol et en plein air, ce qui est assez fréquent pour ces natures mortes brésiliennes.  D'autre fruits tropicaux entourent la pastèque, comme un avocat coupé en deux... Les couleurs sont frances et vives et se détachent nettement d'un paysage de jungle amazonienne,  plus en demi-teinte.

Rappel biographique : Stephen Roberto da Silva plus connu sous le nom d' Estêvão Silva est né et mort  au Brésil. Peintre, dessinateur et professeur, il eut une importance majeure dans son pays dans la seconde moitié du 19e siècle. Premier éminent peintre d'origine africaine diplômé de l'Académie impériale des Beaux-Arts du Brésil, il fut célèbre pour ses natures mortes, dont il est considéré comme l'un des plus grands maîtres brésiliens. A l'Académie impériale des Beaux-Arts de Rio de Janeiro, il fut été très influencé par son professeur Agostinho José da Mota, le tout premier peintre de natures mortes brésiliennes. Dans les années 1880, il se joint au groupe Grimm, renforçant la proposition novatrice de ses membres : l'étude de la nature par l' observation directe et la peinture en plein air.

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Ethel Sands (1873-1962) - Still Life with book and flowers

 

 

 

Ethel Sands (1873-1962)
Still Life with book and flowers
Guildhall Art Gallery, London

Que voit-on ? Un dessus de cheminée passé au crible d'un œil qui sait trouvé la poésie dans toute choses. Vuillard, Bonnard, Matisse ou Marius Borgeaud ... (pour ne citer que quelques uns) s'étaient déjà essayé à ces natures matures d'objets qui explore les recoins oubliés d'une pièce ou la banalité qui est juste devant nos yeux mais que l'on ne voit plus par la force de l'habitude. Ethel Sands fait ici la démonstration, dans un style plus impressionniste qu'à l'accoutumé, qu'il n'y pas de banalité dans les objets et leur disposition. Elle a pris soin toutefois d'y ajouter à sa composition une jolie nature morte florale dans un vase.

Rappel biographique : Ethel Sands était une artiste post-impressionniste et mécène d'origine américaine qui a vécu en Angleterre à partir de son enfance. Elle a étudié l'art à Paris, où elle a rencontré celle qui allait devenir la partenaire de sa vie, Anna Hope Hudson (Nan). Ses œuvres étaient généralement des natures mortes et des intérieurs, souvent du château d'Auppegard qu'elle partageait avec Anna. Ethel Sands était un membre du Fitzroy Street Group et du London Group. Ses œuvres sont aujourd'hui conservées notamment à la National Portrait Gallery de Londres. Grande mécène, elle fut surtout connue pour être la protectrice de de l'élite culturelle de l'Angleterre d'alors, notamment Henry James, Virginia Woolf, Roger Fry et Augustus John. En tant que peintre, Ethel Sands a surtout peint des natures mortes et des intérieurs. Selon la Tate Gallery, 'elle a été très inspirée par la technique du pinceau sec d'Edouard Vuillard, de même que par sa palette de couleurs et sa représentation de scènes de l'intimité. Sa première exposition a eu lieu au Salon d'Automne à Paris en 1904. En 1907, à l'invitation de Walter Sickert, elle en devient membre et expose des peintures qu'elle a réalisées au Fitzroy Street Group. Selon Kate Deepwell, ses œuvres et celles de Vanessa Bell ainsi que d'autres femmes peintres, étaient systématiquement sous évaluées par rapport à celles des hommes : la meilleure critique du travail des femmes consistait ainsi à écrire qu'elles avaient "une personnalité", mais jamais personne n'aurait considéré que leurs œuvres puissent être innovantes ou modernes comme celles des hommes.! C'est à Paris en 1911, qu'a lieu la première exposition consacrée aux oeuvres d'Ethel Sands. L'année suivante, elle participe à l'exposition des "Post-impressionnistes anglais, cubistes et autres" à Brighton. Sa première exposition personnelle à lieu à la galerie Goupil et en 1922. En 1920, Ethel Hudson acheta le château d'Auppegard près de Dieppe en France, un endroit qu'elle a peint à de multiples reprises, intérieurs comme extérieurs.


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Édouard Vuillard (1868-1940) - Nature Morte avec Prunes

Édouard Vuillard (1868-1940)
Nature Morte avec Prunes, c.1888
Huile sur toile 20 × 25.7 cm
Collection privée

Que voit-on ? Cette nature morte de Vuillard me rappelle beaucoup celle de Chardin, Poires, Noix et Verre de Vin bien que rien ne soit similaire ni dans la composition dans les éléments puisqu il s'agit ici d'un verre d'eau et de prunes. 

Rappel biographique : Jean-Édouard Vuillard, connu pour être le fondateur du mouvement Nabis, a peint aussi bien des portraits que des intérieurs, des natures mortes, des compositions murales et des décors de théâtre. Vuillard exposa pour la première fois au Salon des Indépendants en 1901 et au Salon dAutomne en 1903. C'est dans le années 1890 qu'il fit la connaissance des frères Alexandre et Thadée Natanson, les fondateurs de la Revue Blanche, et en 1892, sous leur conseil, il fit ses premières décorations (fresques d'appartements) pour la maison de Madame Desmarais. Plus tard il reçut de nombreuses commandes semblables. En 1895 pour Alexandre Natanson, en 1898 pour Claude Anet, en 1908 pour Bernstein et en 1913 pour Bernheim et pour le Théâtre des Champs Elysées. Les dernières commandes qu'il reçut datent de 1937 (Palais de Chaillot à Paris, avec Bonnard) et de 1939 (Palais des Nations à Genève, avec Maurice Denis, Roussel et Roger Chastel).

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Albrecht Dürer (1421-1528) - Primula veris (Primevères)

Albrecht Dürer (1421-1528)
Primula veris (Primevères), 1526
Gouache on pergament, 16,8 x 19,3 cm)
National Gallery of Art, Washington DC

Rappel biographique : Si l'on ne connait pas Dürer comme peintre de natures mortes c'est tout simplement parce qu'il n'en pas peint. Les quelques dessins d'animaux qu'il a laissés sont tous des dessins d'animaux vivants et les aquarelles de plantes, crustacés ou de poissons et autres objets qu'il a laissés peuvent être assimilés à des natures sans pour autant en être stricto sensu.
« L'art d'Albrecht Dürer marque l'apogée de la peinture à la sortie du Moyen Âge. Sa maîtrise absolue du dessin rigoureux et d'une coloration sensuelle fascinent aujourd'hui comme de son temps ». Dürer travaille sa peinture dans la continuité de Van Eyck en tentant de reproduire le plus fidèlement possible la nature et les paysages ; ses nombreuses esquisses indiquent bien tout l'intérêt que portait l'artiste à ce travail. Formé dans la tradition médiévale allemande en vigueur à son époque, il acquiert grâce à ses voyages en Italie une profonde indépendance, plus grande peut-être que les artistes italiens eux-mêmes, puisqu'il ne relevait lui-même d'aucune tradition moderne, l'allemande appartenant déjà au passé. Il a représenté à sa manière une avant-garde.

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Pierre Lesieur (1922-2011) - Nature morte au guéridon jaune

Pierre Lesieur (1922-2011)
Nature morte au guéridon jaune
Collection privée

Que voit on ? Devant un mur rose parcouru d'une large fente, un guéridon recouvert d'un châle jaune à longues franges, sur lequel on a posé un plateau jaune à décor de paysage et une broc à eau à décor de fleurs. Le mur  sa couleur, ses accidents est un élément aussi important dans cette nature morte que le guéridon et son contenu.

Rappel biographique :  Pierre Lesieur présenta une première exposition à Paris en 1952. Le baron Mollet, à qui il offrit durablement l'hospitalité (durant trente ans, selon Claude Roy), lui fit rencontrer la directrice de la nouvelle Galerie Coard qui exposera régulièrement ses peintures. En 1958, il reçut le prix de la critique, qui lança sa carrière internationale. Travaillant entre Paris et Saint-Rémy-de-Provence, il réalisa par la suite une trentaine d'expositions personnelles en France ou à l'étranger (Tokyo, New York ou Londres). D'abord très colorée dans la lignée de Matisse et Bonnard, la peinture de Pierre Lesieur se développe au long des années 1950 en surfaces très épurées qui touchent, vers 1960, à la non figuration, puis en reviennent à une figuration allusive. À partir des années 1970, il réalise, souvent dans de très grands formats, de nombreux portraits de sa femme, mais aussi des nus, debout ou allongés. Autour de ces figures, l'univers des Intérieurs de Lesieur se caractérise par la présence lumineuse des objets du quotidien, canapés et coussins (sur lesquels repose le chat Utopia), chaises, fauteuils et guéridons, vitrines et bibliothèques, bouteilles, cruches ou carafes, verres, assiettes, compotiers ou théières, lampes et miroirs. De nombreuses peintures abordent les thèmes voisins des Fenêtres ouvertes sur la nuit et des Toiles dans l'atelier. Plus rarement paysagiste, Lesieur a également peint, dans le souvenir transposé de ses voyages, les maisons du Yémen, les architectures d'Istanbul, les buildings de New York, les murs de Tabriz ou les façades de Jaïpur.

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Johann Gustav Hoch (1726-1779) - Johann Gustav Hoch (1726-1779) - 20 Coquillages Tropicaux

Johann Gustav Hoch (1726-1779)
20 Coquillages Tropicaux, 1770
Aquarelle,  39,7 w 27,2 cm
Rijksmuseum, Amsterdam

Que voit on ? Une planche de conchyliologie réalisée par une artiste et non par un scientifique, ce qui  rend cette planche plus proche de la nature morte que du compte-rendu scientifique stricto sensu.  Nous sommes plus ici dans le domaine du cabinet de curiosités que de l'analyse scientifique  mais le réalisme extrême du dessin peut permettre toutefois à un scientifique qui le voudrait de se livrer à une étude  détaillée de ces coquillages exotiques,  comme s'il venait de les prendre en mer.

Rappel biographique : Johann Gustav Hoch né à Reutlingen en 1716, était avant tout un peintre de portraits, de paysages et de scènes historiques. Elève de Leibold, il a beaucoup voyagé en Europe avant de s'établir à Mayence. Dans sa préface manuscrite à ces planches de conchyliologie, Hoch reconnaît l'intérêt de son époque pour les collections de coquillages et l'utilité de leur publication en gravures sur plaque de cuivre, mais  il précise que, dans ses aquarelles,  son intention est de rendre justice à leur variété de couleur, un aspect  très  mal servie par  le procédé de la gravure. En tant qu'artiste, Hoch était peu préoccupé par la classification scientifiques des mollusques, mais il prend soin toutefois d'organiser ses aquarelles par catégorie comme  Volutae, Cochleae, Porcelanae, Bivalviae et Stellae Marinae. En cela, il suit les classificateurs antérieurs des mollusques, comme  Jacob Theodor Klein, qui s'opposait à toute méthode basée sur des caractéristiques non visibles de l'extérieur. 

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Wayne Thiebaud (1920-2021) - Hat, 1972

Wayne Thiebaud (1920-2021)
Hat, 1972
Oil on canvas
Private collection

Que voit on ? Un chapeau gris sur un fond blanc peint dans le style hyperréaliste spécifique de Wayne Thiebaud, peintre majeur du PopArt  qui a peint, en 2018, une autre version sur le même thème avec son Yellow Hat conservé au Crocker Art Museum. Wayne Thiebaud est aujourd'hui âgé de 101 ans. Chapeau donc !

Rappel biographique : Le peintre américain d'origine Wayne Thiebaud, dont une célèbre toile avait été publiée au début de ce blog en 2014, est un artiste discret, de plus en plus considéré comme un des artistes majeurs du 20e et 21e siècle aux Etats-Unis.
Le travail de Wayne Thiebaud se caractérise par des peintures d'objets alimentaires de grande consommation, comme des pâtisseries, vues dans des cafétérias. Les experts se sont souvent demandés en examinant l'œuvre de Thiebaud s'il n'avait pas passé beaucoup de temps dans l'industrie agro-alimentaire pour se familiariser avec son sujet ? Et en effet c'est exactement ce qu'il a fait en ayant comme premier emploi un job de serveur à Long Beach, dans le café « Mile High and Red Hot » (Glace et hot-dog). Cet intérêt pour les objets du quotidien, confondus ensuite avec ceux de la culture de masse, associa son nom au mouvement du Pop-Art. Cependant, une fois réduit le tapage médiatique autour du pape du pop art (Andy Warhol), on remarqua - non sans stupeur - que les œuvres de Wayne Thiebaud, effectuées dans les années 50 et 60 étaient légèrement antérieures à celles des autres artistes de cette tendance... de là à lui attribuer une influence définitive comme précurseur de ce mouvement, il n'y avait qu'un pas qui, aujourd'hui, est franchi avec justesse.
Outre les pâtisseries, Wayne Thiebaud a également peint des paysages, des rues, ainsi que des personnages populaires, comme Mickey. Certaines de ses toiles récentes, comme Sunset street (1985) ou Flatland river (1997) sont remarquables pour le traité hyper réaliste, et se rapproche du travail d'un Edward Hopper, qui était tout aussi fasciné par ces scènes du quotidien américain.
Dans sa peinture, Wayne Thiebaud se concentre sur la banalité de façon à suggère l'ironie et la distance vis-à-vis de son sujet.
Wayne Thiebaud se considère comme un peintre, mais paradoxalement pas comme un artiste. C'est un lecteur vorace, qui a l'habitude de lire de la poésie, celle de son poète préféré William Carlos Williams par exemple, à ses élèves.
En septembre 2010, alors qu'il fêtait son 90e anniversaire, Wayne Thiebaud réalisa un dessin pour le 12e anniversaire de Google qui l'afficha sur sa page d'accueil. Le dessin était exécuté dans le style bien reconnaissable de Wayne Thiebaud, et montrait un gâteau sur lequel est écrit Google et où le "l" était remplacé par une bougie.

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Vincent van Gogh (1853-1890) - Verre avec Roses Jaunes

Vincent van Gogh (1853-1890)
Verre avec Roses Jaunes , 1886
Huile sur carton , 35 x 27cm
Van Gogh Museum, Amsterdam 

Que voit on ?  Dans une atmosphère assez sombres et des couleurs éteintes  (principalement dues à la mauvaise qualité des pigments utilisés et au support (en carton) : deux roses jetées aàla hâte dans un verre d'eau.

Rappel biographique : Le peintre franco-hollandais Vincent van Gogh a peint énormément de natures mortes dont les plus célèbres sont sans doute constituées par la série des sept tableaux "Les Tournesols " qu'il peignit à Arles entre Août 1888 et Janvier 1889. et par Les Iris. D'autres natures mortes moins célèbres permettant de passer en revue à peu près tous les styles du peintre, ont été exécutées à diverses époques de sa vie. Van Gogh peignait sur des toiles souvent déjà apprêtées, qu'il pouvait réutiliser, soit en grattant l'œuvre précédente, soit en la recouvrant d'une nouvelle couche. Il employait certains pigments instables, entraînant une modification des couleurs sous l'effet de la lumière, dont la laque géranium qui perd sa teinte rouge avec le temps. Les couleurs originelles sont donc souvent perdues, entraînant des difficultés de restauration. Pour certains tableaux les restaurateurs ont décidé de ne pas « recoloriser » le tableau, mais se sont contenté de stopper les dégradations et de proposer un éclairage avec des filtres colorés pour restituer les teintes d'origine.
Pour les historiens de l’art, Van Gogh est un précurseur qui a ouvert à la peinture de nouvelles voies. Par exemple, Derain et Vlaminck sont directement rattachés à l'art de Van Gogh « par l'emploi de couleurs pures en larges touches ». Pour les amateurs d'art, il reste un maître à l’égal de Leonard de Vinci ou de Rembrandt avec une production très importante et une trajectoire artistique fulgurante en durée et par ses styles. Pour d'autres par contre, comme Salvador Dali, dont les avis à l'emporte pièce étaient connus, Van Gogh était " tout sauf un peintre ". Pour le grand public, l'œuvre de Van Gogh est aujourd'hui accessible dans les plus grands musées du monde.
Dans sa dernière lettre, trouvée dans sa poche le jour de son suicide, Vincent van Gogh écrit : « Eh bien vraiment nous ne pouvons faire parler que nos tableaux »

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Orsola Maddalena Caccia (1596 -1676) - Fleurs dans un vase à décor de grotesque

 

 

 

Orsola Maddalena Caccia (1596 -1676)
Fleurs dans un vase à décor de grotesque, c. 1635.
Huile sur toile, 102, 5cm x 81cm
The MET Museum

Que voit on ? Dans le couvent dont elle était abbesse et où elle avait crée un école de peinture, Orsola Maddalena Caccia avait à cœur de ne peindre que des sujets qui soient le mieux adaptés à la méditation religieuse. Cet ordonnancement floral d'une grande rigueur  et ce minimalisme dans le décor dont le seul élément saillant est le vase,  fut probablement inspiré par l'étude détaillée des estampes botaniques de Hollande et d'Allemagne. 

Rappel biographique : Orsola Maddalena Caccia de son vrai nom Theodora Caccia (1596 -1676), est une peintre italienne baroque spécialisée dans la peinture de thèmes religieux, de retables et surtout de natures mortes tres ordonnancéés, un peu sur le modèle hollandais et espagnol. Orsola Maddalena Caccia fut la fille et l'élève du peintre Guglielmo Cacci de même que ses autres sœurs Agata Rosa Anna, Laura Margherita, Cristina Serafina et Anna Guglielma (Francesca) et ses frères ! Un véritable dynastie de peintres, donc ! Son prénom de naissance étant Theodora, elle l'échange contre celui de Orsola Maddalena lors de ses vœux à son entrée au couvent des Orsolines de Bianzè (avec sa sœur Anna Guglielma sous le nom de Francesca). Orisla Maddalnea devient abbesse du couvent en 1620. En 1625, elle rejoint le couvent des Ursulines fondé par l'évêque de Casale à la suite du don à la congrégation de la maison familiale par son père. Les deux sœurs ont réalisé des peintures pour le monastère à Moncalvo. Ses tableaux sont identifiés par une signature ne forme de fleurs . À l'intérieur du monastère, elle organisa une petite école et un atelier de peinture. Les peintres Laura et Angelica Bottero furent ses élèves. Orsola est morte en 1676 à l'âge de 80 ans. 

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Willem Gabron (1619-1678) Nature morte avec fruits, vaisselles d'apparat, écureuil sur une table et tapis persan

Willem Gabron (1619-1678)
Nature morte avec fruits, vaisselles d'apparat, écureuil sur une table et tapis persan.
Huile sur toile, 119 x 152 cm
Herzog Anton Ulrich Museum
-
Que voit on ? ce que le titre décrit avec précision,  l'écureuil visiblement peu farouche occupant le premier plan de la composition  dont les trois quart sont pris par le somptueux tapis persan dont les poins sont décrits  avec un luxe de détails stupéfiants qui rappellent très fortement les tapis  du peintre maltais Francesco Noletti.

Rappel biographique : Willem Gabron ou Guiliam Gabron (1619-1678), était un peintre de natures mortes baroque flamand qui a exploré toute la diversité des genres de natures mortes qui étaient pratiquées en son temps de la peinture de fruits, à celle des Vanité,en passant par les bouquets de fleurs t les tables d'apparat. Gabron était aussi un peintre animalier doué et incluait souvent des animaux vivants dans ses scènes de nature morte, ce qui n'était pas très habituel à cette époque. Il a d'abord travaillé dans un style très monochrome avant de développer une palette beaucoup colorée après un long séjour en Italie. Comme d'autres peintres de natures mortes de sa génération, son travail a été influencé par le principal peintre néerlandais du genre Jan Davidsz de Heem qui a longtemps travaillé à Anvers. Seules quelques-unes de ses œuvres ont été conservées.

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Eliot Hodgkin (1905-1987) - Two Passion Fruits

Eliot Hodgkin (1905-1987)
Two Passion Fruits.1965.
Tempera, 9.5 x 9.5 cm
Private Collection (Roundtree Tryon Galleries)

 Que voit on ?  Semant le trouble sur l'époque de leur facture, avec leur touche académique qui peut laisser penser qu'il s 'agit de natures mortes anciennes, ces petites illustrations minimalistes botaniques datent bien de la fin du XXe siècle et font  partie des grandes réussites de ce peintre  dont le succès va croissant au fil des ans depuis sa disparition.  La même année, en 1965 il avait peint avec la même technique ce même fruit groupés par quatre, publié dans ce blog voici quelques années déjà...  

Rappel biographique : Le peintre britannique Eliot Hodgkin a réalisé de nombreuses natures mortes de plantes, de fruits, de légumes et d'autres objets inanimés avec une précision digne des grands illustrateurs botaniques des siècles passés. Cette grande précision et le luxe de détails de ces planches l'ont rendu grandement apprécier des botanistes et des scientifiques agissant dans le domaine environnemental. Après sa mort, plusieurs œuvres de sa collection furent vendues par les soins de Christie's. Son prix record est une nature morte intitulée Violet II, tempera sur panneau, 7 par 15 cm, vendu 51 700 £ chez Christie's South Kensington, le 6 septembre 2000. Hodgkin occupe une place réellement à part dans l'histoire de la nature morte au 20e siècle. La Royal Academy of Arts conserve, et aussi plusieurs dessins et tableaux de ce peintre dont l'oeuvre est hommage frontal, obstiné et très figuratif à l'environnement dans un siècle qui a grandement participé à sa destruction.

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Jean-Baptiste Oudry (1686-1755) - Nature Morte à la Mésange, aux Souris, aux Noix, aux Insectes et au Vase de Jasmin

Jean-Baptiste Oudry (1686-1755)
Nature Morte à la Mésange, aux Souris, aux Noix, aux Insectes et au Vase de Jasmin, vers 1712-1713
Huile sur toile 32 x 24,5 cm.
Collection particulière (France) 

Que voit on ? Dans ce petit  (par la taille) chef d'œuvre de l'immense peintre français  Jean-Baptiste Oudry, une mésange charbonnière est suspendue à un clou par la patte ; sur la margelle, aux côtés d’un vase contenant du jasmins : deux souris très occupées à déguster des noix ; enfin l’on découvre pas moins de cinq insectes volant, dont trois papillons, une mouche et un moucheron près d'une fleur de jasmin. La simplicité apparente de l’œuvre ne fait qu’accentuer la perfection de sa mise en scène ainsi que la profession de foi qu’elle semble exprimer. " Le charme de ce tableau procède de l’aisance avec laquelle Oudry manie le trompe l’oeil, développant tout un camaïeu dominé par les bleus et les gris et relevé de teintes sourdes et de blancs éclatants. L’effet de profondeur dans cet espace restreint est rendu sensible par la délicatesse des zones d’ombre qui font comme un halo autour de l’oiseau et des musaraignes. Par contraste, les insectes semblent voler entre le mur et notre regard. Les souris accentuent le caractère familier de cette toile: la mésange comme le papillon sont des bêtes très communes." Il semble que comme le comme le fit  Chardin après lui Oudry  ait voulu révéler la beauté de l’ordinaire . La souris est également un symbole de vanité : associée aux dépouilles d’oiseaux, ce petit rongeur évoque l’action du temps qui dévore toute chose (elle apparaît dans un contexte similaire dans les natures mortes hollandaises).

Rappel biographique : Le peintre et graveur français Jean-Baptiste Oudry est surtout célèbre pour ses peintures de chiens de chasse, ses natures mortes animalières et ses animaux exotiques. Fils de Jacques Oudry, maître peintre et marchand de tableaux sur le Pont Notre-Dame, et de sa femme, Nicole Papillon, qui appartenait à la famille du graveur Jean-Baptiste-Michel Papillon, Jean-Baptiste Oudry étudia tout d'abord à l'Ecole de la Maîtrise de Saint-Luc, dont son père était directeur.
Il fut placé ensuite chez le grand peintre du roi Nicolas de Largillière, dont il devint bientôt l'ami. Après avoir peint quelques sujets religieux et un portait du Tsar Pierre 1er, il rencontre le marquis de Beringhen, premier écuyer du roi. Cette rencontre est décisive car le marquis commande à Oudry de nombreux ouvrages pour le roi. Dès lors on octroie à Oudry un atelier dans la cour des princes aux Tuileries et un logement au Palais du Louvre où il forma un cabinet renommé.
Oudry suivait les chasses royales et faisait de fréquentes études dans la forêt de Compiègne.
L'intendant des finances, Fagon, le prit à son service et le chargea de rétablir la manufacture de Beauvais, tombée en décadence. Oudry s'adjoignit Boucher et Natoire pour exécuter la copie des tableaux. On lui confia également l'inspection de la manufacture des Gobelins, où l'on exécutait les tapisseries des chasses du roi d'après ses tableaux.
Jean-Baptiste Oudry a peint le portrait, l'histoire, les chasses, le paysage, les animaux, les fruits, les fleurs ; il a imité les bas-reliefs ; il a fait du pastel, de la décoration ; il aussi gravé à l'eau-forte. On lui doit deux conférences qui furent lues à l'Académie, « Sur la manière d'étudier la couleur en comparant les objets les uns avec les autres » et « Sur les soins que l'on doit apporter en peignant ». Oudry a laissé un grand nombre de dessins dont les plus connus sont les 275 dessins qui servirent à l'édition dite des Fermiers généraux des Fables de La Fontaine, gravées par Charles-Nicolas Cochin. Il est également l'auteur d'un Almanach de rébus paru en 1716.

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Pierre Roy (1881-1950) - La Naissance de Vénus

 

Pierre Roy (1881-1950)
La Naissance de Vénus, 1920
Huile sur toile,  60 x 75cm
Collection privée 

Que voit on ?  Posé sur une pierre ponce ronde, un vase  et une coquille. Dans la coquille  : deux œufs d'oiseaux de mer, l'un bleu et l'autre blanc.  Dans le vase  : un corail mort planté dans un fragment de bois flotté.  Une écorce de bois flottée nouée par un ruban bleu complète cette nature morte crépusculaire, évocation  véritablement surréaliste de la naissance de Vénus.

Rappel biographique : « Pierre Roy est le plus grand méconnu du surréalisme » selon Louis Aragon et bien que la Revue de France l'ait affublé du titre de « père du surréalisme » , lui-même disant « détester les groupes et les appartenances » !!! Surréaliste ? Sans d aucun oute !!! Car dès 1925, Pierre Roy participe à la première exposition des peintres surréalistes aux côtés de Giorgio De Chirico, Max Ernst, Pablo Picasso  En 1926, il réalise sa première exposition particulière dont le catalogue est préfacé par Louis Aragon. En 1933, il est nommé pour cinq ans, peintre de la Marine. Il connaît le succès lors d'une exposition qui lui est consacrée à la Galerie des Beaux-Arts à paris en 1935. Il expose à l'Exposition universelle de 1937 et à la Galerie Montaigne en 1938 à Paris. Ces tableaux sont des mises en scène d'objets courants, représentés le plus fidèlement possible. Coquillages, légumes et fruits, bobines de laine, épis et graines, œufs, rubans sont assemblés, mélangés pour créer des scènes poétiques. En 1947, à un questionnaire du Museum of Modern Art de New York, il répond : « Je n'ai absolument, comme peintre, aucune philosophie. Quand je peins quoi que ce soit, je suis tout entier au plaisir de peindre. Je n'ai pas la moindre intention de symbolisme. Mais très souvent, parfois longtemps après avoir achevé mon tableau, je prends conscience de ce qui m'a inspiré et de ce que ma toile signifie. » Pierre Roy réalisa aussi de nombreuses couvertures sous forme de nature mortes surréalistes pour le magazine Vogue, des affiches publicitaire ou encore des décors de théâtre.

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Léon Spilliaert (1881-1946) - Boîtes devant une glace

Léon Spilliaert (1881-1946)
Boîtes devant une glace, 1904
Pastel, fusain sur papier, 585 x 401 mm
MRBA, Bruxelles

 Que voit-on ? Sur un entablement en marbre blanc, un empilement de quatre boites dont deux blanches, une bleu et une orange se reflètent dans un miroir posé sur une cheminée où trône, au dessus d’ un cartel, un globe ovale en verre. Des petites bouteilles qui semblent être des bouteilles de parfums sont posées devant les cartons. Somme- nous chez un gantier qui exerçaient aussi simultanément la profession de parfumeurs, les paires de gants se devant d'être vendues parfumées ?

Rappel Biographique : Léon Spilliaert est un peintre belge ayant fréquenté le milieu du symbolisme belge, dont Maurice Maeterlinck et Emile Verhaeren furent les membres les plus connus. Ses influences vont de Edvard Munch à Fernand Khnopff, mais aussi Nietzsche et Lautréamont, tandis que ses peintures ainsi que les thèmes qu'elles représentent peuvent être rapprochés de ceux d'Edward Hopper, contemporain de Spilliaert. Il fut proche de James Ensor, autre peintre belge. La plupart de ses œuvres sont datées, ce qui en facilite la reconstruction chronologique. Il signe ainsi sa première toile en 1899. Ses toiles se caractérisent par une évidente mélancolie, voir de tristesse, à travers la représentation de larges espaces vides (plages et étendues maritimes), ou d'autoportraits jouant sur les ombres dans les crevasses du visage, un traitement de la lumière façon clair-obscur et une sorte d'irradiation. Certaines de ses œuvres confinent à l'abstraction, par des structures géométriques (diagonales et courbes en cercles concentriques). Son inspiration vient sans doute de la ville où il est né, Ostende, et d'errances nocturnes dans la cité balnéaire au long des plages et des digues. Une ambiance de cauchemar et un certain tragique émanent parfois de ses toiles, ou tout au moins un profond et vague sentiment d'errance et de perdition, de solitude. Les matériaux utilisés sont l'aquarelle, la gouache, le pastel, les crayons de couleur et l'encre de Chine. Ses œuvres sont exposées à Ostende (Beaux-Arts) et à Bruxelles (Musées royaux des beaux-arts de Belgique). On peut voir son Clair de lune et lumières au Musée d'Orsay à Paris.
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Jan Laurensz van der Vinne (1699-1753) - Tulip "Grand Roy de France"

Jan Laurensz van der Vinne (1699-1753)
Tulip "Grand Roy de France", 1728
Aquarelle sur papier, 413 x 270 mm
Rijksmuseum

Rappel biographique  : La «tulip mania», période pendant laquelle la vente de bulbes de fleurs atteignaient des sommes énormes, est un épisode bien connu de l'histoire de l'horticulture hollandaise, surtout pour le krach financier que cela provoqua. Pourtant il y avait déjà un précédent en Hollande : une pratique similaire avait concerné les bulbes de jacinthes qui, dans certains cas, changèrent de mains pour des sommes similaires à celles d'une maison à Amsterdam Le peintre Jan Laurensz van der Vinne et un de ses frères du célèbre Vincent II van der Vinnen rejeton d'une dynastie de peintre de l'âge d'or extrêmement célèbre à Amsterdam, participèrent grandement par leurs dessins à l'essor de la tulip mania.

Kees van Dongen (1877-1968) - Prunus

Kees van Dongen (1877-1968)
Prunus, circa 1922-32
Huile sur toile, 61,27 x 38,1 cm
Collection Privée

Que voit on ? Deux  branches de prunus en fleurs délicatement peintes sur un fond bleu  dans une manière qui ne cherche pas à cacher pas l'influence japonaise. 

Rappel biographique : Kees van Dongen, de son nom de naissance Cornelis Théodorus Marie van Dongen, fut un peintre néerlandais naturalisé français, plus connus pour ses peintures des dames de la haute société d'avant la Deuxième guerre mondiale, ou ses peintures de marins et de prostituées du quartier rouge du port de Rotterdam que pour ses natures mortes ! D'inspiration anarchiste, il illustre en 1895 avec Jan Krulder l’édition hollandaise de l'ouvrage de Pierre Kropotkine, L’Anarchie.
En 1904, il expose au Salon des indépendants et se lie avec Maurice de Vlaminck et Henri Matisse. Bientôt, il commence à exposer ses œuvres à Paris, notamment à l’exposition controversée de 1905 du Salon d'automne, où se trouvait  également, entre autres, Henri Matisse. Les couleurs vives de leurs œuvres seront à l’origine du nom de ce groupe de peintres : les fauves. Après la Première Guerre mondiale, il s'installe près du bois de Boulogne, notamment à la villa Said, et fréquente les milieux privilégiés et devient un peintre mondain apprécié. Il vécut notamment dans le palais Rose du Vésinet, avec la marquise Luisa Casati. En octobre 1941, en compagnie des peintres et sculpteurs Charles Despiau, Paul Belmondo, Louis-Aimé Lejeune, André Derain, Dunoyer de Ségonzac, Maurice de Vlaminck  Van Dongen accepta de participer à un « voyage d’études » en Allemagne organisé par Arno Breker. La contrepartie de ce déplacement, vivement « conseillé » par le gouvernement allemand, devait être la libération d'artistes français alors prisonniers de guerre. Ce voyage dans l'Allemagne nazie très largement exploité par la propagande leur fut à tous sévèrement reproché.
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Katsushika Hokusai - 葛飾 北斎 (1780-1849) Two cups

 

 
Katsushika Hokusai - 葛飾 北斎  (1780-1849)
Two cups
Ink and color on paper
The MET

Que voit on ?   C'est une nature morte d'une rare délicatesse - même chez Hokusai qui en est pourtant le roi -  où le spectateur est invité à identifier dans le motif de chaque bol une plante et une fleur particulière : une graminée  peinte à l'or dans la bol en laque rouge ; une fleur de type anémone dans le  magnifique bol en porcelaine écaillée retourné sur lui-même. Un papier de soie protège partiellement le bol en laque, ce qui permet à Hokusai de montrer sa parfaite maîtrise du jeu des transparences. Un chef-d'œuvre que le MET garde jalousement dans ses collection et n'expose pas dans ses salles.

Rappel biographique : Connu sous le surnom de "Vieillard fou du dessin ", une signature qu'il employa lui même à partir de 1800, le dessinateur et peintre japonais Katsushika Hokusai fut le grand spécialiste de l’ukiyo-e, graveur et auteur d'écrits populaires. On sait aujourd'hui qu'il changea de signatures plusieurs fois au gré des styles assez variés qu'il adopta au cours de ces 88 années d'existence ; il faut un tableau d'une centaine de lignes pour recenser tous les noms et signatures qu'il employa ! Son œuvre immense (près de 30 000 dessins) influença de nombreux artistes, en particulier Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Claude Monet et Alfred Sisley, et le mouvement artistique appelé japonisme. Certains historiens d'art le voient comme le père du manga, mot qu'il a inventé et qui signifie à peu près : « Esquisse spontanée ».
Sur son lit de mort, il prononça ces dernières paroles : « Si le ciel m'avait accordé encore dix ans de vie, ou même cinq, j'aurais pu devenir un véritable peintre ».
Sur sa pierre tombale il laissa cette épitaphe : « Oh ! La liberté, la belle liberté, quand on va aux champs d'été pour y laisser son corps périssable ! »

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Eliot Hodgkin (1905-1987) - Hyacinth flowers

Eliot Hodgkin (1905-1987)
Hyacinth flowers
Watercolor on paper
Private collection 

 Que voit- on  ? Sur un fond gris, des fleurs de hyacinthes éparses : jacinthes bleues, roses et blanches tombées de la tige très floriflère. Dans le langage des fleurs, la jacinthe symbolise la bienveillance ou la joie du cœur.

Rappel biographique : Le peintre britannique Eliot Hodgkin a réalisé de nombreuses natures mortes de plantes, de fruits, de légumes et d'autres objets inanimés avec une précision digne des grands illustrateurs botaniques des siècles passés. Cette grande précision et le luxe de détails de ces planches l'ont rendu grandement apprécié des botanistes et des scientifiques agissant dans le domaine environnemental. Hodgkin occupe une place réellement à part dans l'histoire de la nature morte au 20e siècle. La Royal Academy of Arts conserve, et aussi plusieurs dessins et tableaux de ce peintre dont l'oeuvre est hommage frontal, obstiné et très figuratif à l'environnement dans un siècle qui a grandement participé à sa destruction. Après sa mort, plusieurs œuvres de sa collection furent vendues chez Christie's.

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Francesco Hayez (1791-1882) - Vase de fleurs à la fenêtre du Harem

Francesco Hayez (1791-1882)
Vase de fleurs à la fenêtre du Harem, 1881.
Huile sur toile, 124 x 95cm
Pinacoteca di Brera

Que voit on ? Le titre est très descriptif mais  permet d'imaginer toutes sortes de scénarii. L'imagination du spectateur peut gambader d'autant que, dans l'ombre, derrière les mains qui tiennent ce vase au-dessus du tapis du balcon du Harem, apparait le visage enturbanné d'une servante ou d'un eunuque.  Le romantisme de l'exotisme frappe alors l'Europe de plein fouet et l'on s'enturbanne gaiement de Paris à Rome et de Munich à Londres...  On peut  aussi tout simplement imaginer que le bouquet a été placé sur la fenêtre pour échapper, l'espace d'une nuit,  à la touffeur du harem. Pas certain d 'ailleurs que ce soit un  scénario plus apaisant  !

Rappel biogaphique : Francesco Hayez (1791-1882)  est un artiste majeur du romantisme historique italien du milieu du 19e siècle à Milan, il est reconnu pour ses grandes peintures d'histoire, inspirées du Moyen Âge et de la Renaissance, ses allégories politiques,  pour la grande finesse de ses portraits..et pour quelques natures mortes  dont les cadrages sont souvent surprenants (comme ici). Hayez a laissé à la postérité ses mémoires, publiés en 1890 à Milan sous le titre Le mie memorie avec une préface d'Emilio Visconti Venosta. De nombreux détails de sa vie entre 1791 et 1840 proviennent de cet ouvrage, fruit d'une collaboration avec la comtesse Giuseppina Negroni Prati Morosini, une amie, à qui il dicta ses souvenirs, entre 1869 et 1875, et qui légua le manuscrit à l'Académie des beaux-arts de Brera.

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Balthasar van der Ast (1593-1657) - Nature Morte de Fleurs et de Fruits

Balthasar van der Ast (1593-1657)
Nature Morte de Fleurs et de Fruits (c. 1620-21)
Huile sur panneau , 39.2 x 69.8 cm.
Mauritshuis, The Hague

 Que voit-on ? Tout dans cette nature morte de "l'Age d'or "hollandais, qui mêle fleurs et fruits,  coquillages et insectes est admirable ! A commencer par le petit bouquet de fleurs printanières (tulipes et roses)  dans le vase en porcelaine de Chine blanc-bleu sur le côté droit de la composition  et constituant une nature morte à part entière.  Mais c'est bien entendu, la nature morte de fruits présentée dans la coupe en porcelaine de même facture que le vase, qui occupe le centre du cadre, bien qu'elle soit en réalité décalé sur la droite. On notera les divers coquillages, et insectes au premier plan qui rappelle l'impermanence de toute matière vivante et l'on sera peut être sensible au petit vers blanc qui trottine non sans humour près de la signature du peintre apposée à même la nappe sur la gauche du cadre !   

Rappel biographique : Balthasar van der Ast est un peintre néerlandais qui est un des maîtres de l'âge d'or de la peinture hollandaise et notamment dans le domaine des natures mortes. Les collections publiques françaises conservent plusieurs œuvres de de Balthasar van der Ast, les musées du Nord de la France (Lille, Arras Calais, Douai) étant, dans ce domaine, mieux dotés que les autres à l'exception du musée du Louvre. A propos de Balthasar van der Ast, on peut lire dans le Petit Larousse de la peinture (tome 1, p. 84, Paris 1979) : « Curieux de perspective, exécutant raffiné, sensible à l'éclat des tons comme aux nuances de la lumière, préoccupé de recherches décoratives parfois très proches de celles des Flamands Snyders et Adriaen Van Utrecht, il a joué un rôle déterminant dans l'évolution de la nature morte néerlandaise en accordant la même importance aux considérations picturales et au simple naturalisme. J. D. de Heem, son disciple, et plus tard J. Van Huysum lui devront beaucoup. »


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Wayne Thiebaud (1920-2021) - Two hamburgers

Wayne Thiebaud (1920-2021)
Two hamburgers, 1971
Collection privée

Que voit on ? Deux burgers peints de façon hyper-réaliste par les précurseur américain du Pop art et aussi son dernier survivant, puisque ce peintre moins connu en Europe que Warhol ou d'autres est toujours en vie et vient de fêter ces 101 ans ! 

Rappel biographique : Le peintre américain Wayne Thiebaud, dont une célèbre toile avait été publiée au début de ce blog en 2014, est un artiste discret, de plus en plus considéré comme un des artistes majeurs du mouvement hyper-réaliste et comme le précurseur du Pop Art.
Le travail de Wayne Thiebaud se caractérise par des peintures d'objets alimentaires de grande consommation, comme des pâtisseries, de la fast food ou des objets de consommation courantes vues dans dans les vitrines des cafétérias ou dans le rayons des grands magasins.  Son premier emploi  fut un job de serveur à Long Beach, dans le café « Mile High and Red Hot » (Glace et hot-dog) qui le amrqua durablement !  Son intérêt pour les objets du quotidien, confondus ensuite avec ceux de la culture de masse, associa immmédiatement son nom au mouvement du Pop-Art. Une fois éteint le tapage médiatique autour du pape supposé  du pop art (Andy Warhol), on remarqua - non sans stupeur - que les œuvres de WayneThiebaud, effectuées dans les années 50 et 60 étaient légèrement antérieures à celles de Warhol et des autres artistes de ce mouvement, mais n'en portaient pas encore le nom ! De là à lui attribuer une influence définitive comme précurseur dumouvement, il n'y avait qu'un pas qui, aujourd'hui, est enfin franchi avec justice !
Outre les pâtisseries, Wayne Thiebaud,a également peint des paysages, des rues, ainsi que des personnages populaires, comme Mickey. Certaines de ses toiles récentes, comme Sunset street (1985) ou Flatland river (1997) sont remarquables pour le traité hyper réaliste, et se rapproche du travail d'un Edward Hopper, qui était tout aussi fasciné par ces scènes du quotidien américain.
Dans sa peinture, Wayne Thiebaud se concentre sur la banalité de façon à suggère l'ironie et la distance vis-à-vis de son sujet.
Wayne Thiebaud,se considère comme un peintre, mais paradoxalement pas comme un artiste. C'est un lecteur vorace, qui a l'habitude de lire de la poésie, celle de son poète préféré William Carlos Williams par exemple, à ses élèves.
En septembre 2010, alors qu'il fêtait son 90e anniversaire,  Wayne Thiebaud, réalisa un dessin pour le 12e anniversaire de Google qui l'afficha sur sa page d'accueil. Le dessin était exécuté dans le style bien reconnaissable de Wayne Thiebaud, et montrait un gâteau sur lequel est écrit Google et où le "l" était remplacé par une bougie.

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