Levi Wells Prentice (1850-1935) - Apples in a Tin Pail

Levi Wells Prentice (1851-1935)
Apples in a Tin Pail (1892)
Oil on canvas, 41.3 x 33.7 cm.
The Boston Museum of Fine Arts

Que voit-on ?   Sur un entablement de bois  peint avec un grand réalisme : une marmite en fer blanc et une casserole contenant des pommes piquetées de blessures occasionnées par des becs d'oiseaux et des vers. Jeu de reflets d'un réalisme saisissant et contraste entre la matière, lisse, brillante et inalterable du fer blanc et la chair accidentée des pommes.

Rappel biographique : Levi Wells Prentice était un peintre américain de natures mortes et de paysages, associé à la Hudson River School. Autodidacte, il entama un voyage dans les montagnes Adirondack,  dans le but de les peindre d'après nature.  Dès 1875,  Il ouvre son premier atelier en tant que peintre paysagiste à Syracuse, New York et commence a peindre des portraits et des paysages tres réalistes.
Adepte d'un rapport réaliste à la nature,  inspiré des principes posés par John Ruskin dans son livre Modern Painters, Prentice ne peut cependant pas être considéré comme un disciple de Ruskin au sens propre. A partir de 1883, Prentice se mit  à peindre beaucoup de natures mortes d'un réalisme saisissant, en se concentrant surtout sur les fruits généralement empilés dans des pots, dans des environnements naturels ou dans des contenants assez variés.
En plus de ses talents artistiques, il aimait fabriquer ses propres pinceaux, palettes et cadres.
L’historien de l’art, William H. Gerdts, a observé que plusieurs œuvres de Prentice lui  ont permis d’atteindre,  par le rendu des couleurs, des formes et des textures, un réalisme inégalé qualifié "d'illusionisme".  En 1993, cet  "illusionnisme" si particulier à Levi Wells Prentice et assez différent des trompes-l'oeil de William Harnett si appréciés à la fin du 19e siècle, a été célébré lors d'une exposition rétrospective à l'Adirondack Museum de New York.

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Bruno Saetti (1902-1984) - Composizione 1980

Bruno Saetti (1902-1984)

Composizione 1980  

Casa d'Aste, Firenze

Que voit-on  ?  Dans une composition abstraite d'une grande rigueur qui utilise la technique de la fresque antique : une nature morte de fruits (orange, citron vert, raisins,) groupés dans une coupe blanche sur le côté droit de la toile.

Rappel biographique : Le peintre et graveur italien Bruno Saetti fit ses études  à l'Académie des beaux-arts de Bologne. En 1928, il fut admis à la Biennale de Venise avec Le Jugement de Pâris,  et participa à cette manifestation sans discontinuer pendant 14 éditions, avec une édition en 1938 où une salle lui fut entièrement consacrée.

En 1929, il remporte avec Bagnanti le prix Baruzzi et expose à l'Exposition internationale de Barcelone, ce qui  le consacre sur la scène artistique internationale. En 1930, il devient professeur à l' Académie des Beaux-Arts de Venise et occupe le poste de directeur de 1950 à 1956. 

En 1931, il participe pour la première fois à la Quadriennale de Rome et poursuit cette participation jusqu'en 1972.
À partir de 1935, après une visite à Pompei, il s'essaie à reproduire la technique de la fresque, technique dans la quelle il va devenir le plus grand maitre contemporain. Parmi ses plus célèbres fresques, La Sainte Famille (1958, Université de Padoue), Colloque avec l'ange (1974).  Il va dès lors travailkler pour ne  nomrbeux edifices sacrés italiens, comme San Martino di Lupari,  la basilique de Sant'Eugenio à Rome,  l'église Santa Maria delle Grazie à Bologne... 

 Saetti est également célèbre pour ses  toiles  sur lesquelles il applique la technique de la fresque comme par exemple, Mère vénitienne, 1937. Pour retrouver cet effet dans ses lithographies, il prépare  le papier pour qu'il  reproduis la surface rugueuse d'un mur. 

Il s'est également essayé au graphisme (dessins, gravures, lithographies), à la décoration sur verre et à la mosaïque.
Après sa mort, le Palazzo Strozzi de Florence organisa une vaste retrospective. Ses œuvres figurent dans les principaux musées italiens (dont le Museo Novecento à Florence et le MAMbo à Bologne) et à l'étranger (Amsterdam, Madrid, Varsovie, Zagreb, Zurich, Tokyo). 

En 2002, à l’occasion du centenaire de sa naissance, la galerie "56" de Bologne lui a rendu hommage. En 2004 - 2005, un autre Une  grande retrospective  de ses oeuvres a eut lieu sous le titre  Entre intimisme et sublimation.

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Willem van Aelst  (1627-1683)
Peaches, Chestnuts and Grapes in an Overturned Basket, 1677
Private collection

Que voit-on ? Sur un  entablement de marbre rose, partiellement recouvert d'une précieuse pièce  de velours de soie violet qui présentant alternativement son envers (mat) et son endroit (brillant) : un panier en osé tressé, penché pour déverser des fruits d'été  (pêches, raisins, figues...) aux somptueuses couleurs. Deux intrus viennent cependant semer le trouble dans tant de beautés : un escargot  (réputé être l'ennemi des jardins) et un papillon  (merveilleux quant  il sort de la chrysalide mais larve redoutablement vorace tant qu'il en est encore prisonnier. Ces deux éléments sont, dans les natures mortes  de cette époque,  symboles de dégradations de la matière, de putréfaction, rappelant le message Memento mori (Souviens toi que tu vas mourir) présente dans la plupart des natures mortes des 16e et 17e siècles.     

Rappel biographique : le peintre néerlandais Willem van Aelst, né à Delft, est essentiellement un peintre de natures mortes, de fleurs et de chasse qui appartient à ce que l'on appelle le " Siècle d'or ". Il est célèbre pour avoir introduit l’asymétrie dans la nature morte mais aussi pour la savante harmonie des coloris déployée dans toutes ses compositions. Au cours de sa vie, Willem van Aelst a vécu et travaillé en France, à Rome et à Florence où , en compagnie dedeux autres Néerlandais, Matthias Withoos et Otto Marseus Van Schrieck, il est actif à la cour de Ferdinand II de Medicis. Le grand-duc de Toscane lui remettra une médaille d’or comme récompense de ses services. Ont été conservées de cette époque plusieurs natures mortes de fleurs et de chasse, visibles au Palazzo Pitti à Florence. En 1856 il rentre au Pays Bas et se fixe à Amsterdam. Ses œuvres sont notamment conservées à la Mauritshuis de La Haye, à la National Gallery of Art de Washington et au Rijksmuseum d’Amsterdam. Ses tableaux sont parfois signés Guill.mo (Gullielmo, forme italienne de son prénom).

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Jean-Baptiste Oudry (1686–1755) - Le Canard blanc

                           

 

Jean-Baptiste Oudry (1686–1755)
Le Canard blanc, 1753
Huile sur toile, 95,3 x 63,5 cm,
The Cholmondeley Collection, Houghton Hall

Que voit on ? Cette somptueuse  nature morte de Jean-Baptiste Oudry, volée en 1992 à Houghton et jamais réapparue depuis lors, représente un canard blanc et divers autres objets tous dans la tonalité de blanc (bougie, terrine contenant sans doute un pâté de foie de canard recouvert de graisse de canard, linge de table et bougeoir en argent).  Volé en 1992 et jamais retrouvé depuis, ce tableau est considéré comme disparu. Ce chef-d'œuvre  avait pour pendant Faisan, lièvre et perdrix rouge actuellement conservé au Musée du Louvre à Paris.
Il a été exposé au Salon de 1753 (pièce ou n° 23 / 184) en même temps qu’un Canard de Bachelier.

Rappel biographique : Le peintre et graveur français Jean-Baptiste Oudry est surtout célèbre pour ses peintures de chiens de chasse, ses natures mortes animalières et ses animaux exotiques. Fils de Jacques Oudry, maître peintre et marchand de tableaux sur le Pont Notre-Dame, et de sa femme, Nicole Papillon, qui appartenait à la famille du graveur Jean-Baptiste-Michel Papillon, Jean-Baptiste Oudry étudia tout d'abord à l'Ecole de la Maîtrise de Saint-Luc, dont son père était directeur.
Il fut placé ensuite chez le grand peintre du roi Nicolas de Largillière, dont il devint bientôt l'ami. Après avoir peint quelques sujets religieux et un portait du Tsar Pierre 1er, il rencontre le marquis de Beringhen, premier écuyer du roi. Cette rencontre est décisive car le marquis commande à Oudry de nombreux ouvrages pour le roi. Dès lors on octroie à Oudry un atelier dans la cour des princes aux Tuileries et un logement au Palais du Louvre où il forma un cabinet renommé.
Oudry suivait les chasses royales et faisait de fréquentes études dans la forêt de Compiègne.
L'intendant des finances, Fagon, le prit à son service et le chargea de rétablir la manufacture de Beauvais, tombée en décadence. Oudry s'adjoignit Boucher et Natoire pour exécuter la copie des tableaux. On lui confia également l'inspection de la manufacture des Gobelins, où l'on exécutait les tapisseries des chasses du roi d'après ses tableaux.
Jean-Baptiste Oudry a peint le portrait, l'histoire, les chasses, le paysage, les animaux, les fruits, les fleurs ; il a imité les bas-reliefs ; il a fait du pastel, de la décoration ; il aussi gravé à l'eau-forte. On lui doit deux conférences qui furent lues à l'Académie, « Sur la manière d'étudier la couleur en comparant les objets les uns avec les autres » et « Sur les soins que l'on doit apporter en peignant ». Oudry a laissé un grand nombre de dessins dont les plus connus sont les 275 dessins qui servirent à l'édition dite des Fermiers généraux des Fables de La Fontaine, gravées par Charles-Nicolas Cochin. Il est également l'auteur d'un Almanach de rébus paru en 1716.
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Henri Matisse (1869-1954) - Les Pivoines

Henri Matisse (1869-1954)
Les Pivoines, Collioure, 1907
Huile sur toile, 65 x 54,6 cm
Collection privée

Que voit on ? Un bouquet de pivoines et de diverses autres fleurs non nommées, dans un pot  à motif de carreaux bleu et blanc,  dans le gout de la vaisselle de cuisine fréquemment utilisée à cette époque là ne france.  On remarque le fond  (un mur) dans lequel se déchaine une débauche de couleurs qui bousculent les règles de la perspective...

Rappel Biographique : Henri Matisse, peint son premier tableau, Nature morte avec livres et chandelle en juin 1890. Peu après, il se rend à Paris. En 1892, il rencontre Albert Marquet à l'École des Arts déco puis s'inscrit en 1895, à l'École des beaux-arts, dans l'atelier de Gustave Moreau. L'enseignement du maître encourage ses élèves à penser leur peinture, à la rêver, au-delà de la virtuosité technique. Matisse, comme ses condisciples, Georges Rouault, Léon Lehmann, Simon Bussy, Eugène Martel, Albert Huyot ou Henri Evenepoel, est stimulé par cette conception de la peinture et entend développer la sienne selon son individualité. Gustave Moreau, lors d'une correction, lui dit : « Vous allez simplifier la peinture. »
Cette prophétie peut être considérée comme le programme esthétique de l'œuvre d'Henri Matisse.
En 1896, Matisse expose pour la première fois au Salon des Cent et au Salon de la Société nationale des beaux-arts, dont il devient membre associé sur proposition de Pierre Puvis de Chavannes. Cette fonction lui permet notamment d'exposer sans passer par un jury. Il passe l'été à Belle-Île-en-Mer et rencontre l'Australien John Peter Russell, qui l'introduit auprès d'Auguste Rodin et Camille Pissarro. Il commence à s'intéresser à la peinture impressionniste qu'il découvre en 1897 au musée du Luxembourg. Il est alors un peintre classique de natures mortes réalistes aux textures amples. Pour gagner sa vie, Matisse et Marquet travaillent comme peintre décorateurs à la journée, pour les décorateurs de théâtre.
En voyage à Londres, sur les conseils de Pissarro, Matisse découvre la peinture de Joseph Mallord William Turner, puis il part s'installer en Corse où il habite dans la Villa Rocca. A Ajaccio, il peint une cinquantaine de toiles dont Le Mur rose qui représente l'arrière de l'hospice Eugénie vu depuis la Villa de la Rocca. Matisse s'inspire alors de Turner.
En 1899, il découvre le traité de Paul Signac, d’Eugène Delacroix au néo-impressionnisme.
À partir de 1900, Matisse travaille la sculpture et le modelage, à l'Académie de la Grande Chaumière, sous la direction d'Antoine Bourdelle et fréquente également l'atelier d'Eugène Carrière. Il y fait la connaissance d'André Derain et de Jean Puy. Derain lui présente Maurice de Vlaminck. Il expose au Salon des indépendants (1901) et participe à la première édition du Salon d'automne (1903)

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Tsuchida Bakusen (1887-1936) - Stil life with salmon slices and sardines

Tsuchida Bakusen (1887-1936)
Stil life with salmon slices and sardines
Private Collection

Que voit on ? Des tranches de saumon et ds sardines  posée dans cette gravure comme des éléments d'une calligraphie. Un pot de sauce soja en terre cuite semble attendre  la main qui viendra le saisir pour en arroser les poissons. Le style est celui d'un compromis assez savant entre la façon de peindre occidentale et  la composition très architecturée des travaux nippons.

Rappel biographique : Le peintre japonais Tsuchida Bakusen, de son nom de naissance  Tsuchida Kinji fait partie de de l'école Nihonga.  

Il fut actif au cours des ères Taishō et début Shōwa.
En 1918, Bakusen fonde un collectif de peinture avec appelé la société Kokuga (Kokuga Sōsaku Kyōkai, ou « Société pour la création de la peinture nationale »), utilisée comme un moyen de diffusion du style éclectique du groupe combinant les techniques et les styles occidentaux yōga et japonais (nihonga). Ses thèmes favoris sont les femmes (bijinga), en particulier les portraits de maikos, mais il peint également des fleurs et quelques natures mortes. En 1918 la société Kokuga met sur pied sa propre exposition annuelle, la Kokuten (abréviation pour Kokuga Sōsaku Kyōkai Tenrankai). Sept expositions Kokuten sont organisées entre 1918 et 1928 Un des tableaux de Tsuchida Bakusen  Jeune fille du bain public,  peint en 1918 est conservé  aujourd'hui au Musée d'art moderne de Tokyo et enregistré comme « bien culturel important du Japon » (BCJ) par l'Agence des affaires culturelles. Sa toile Maiko au jardin de 1923, propriété du même musée, est considérée comme son chef-d’œuvre.

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Aimé-Victor Barraud (1902-1954) - Nature morte avec poires

Aimé-Victor Barraud (1902-1954) 

Nature morte avec poires, 1937

Huile sur toile 

Galantica Collection, Suisse 

Que voit on ?  Sur un  entablement de bois qui porte la signature du peintre un bol en céramique a motifs contenant 4 poires piquées de vers et portant des blessures à plusieurs endroits. Deux autres poires tout aussi piquées de vers et blettes gisent sur l'entablement avec quelques feuilles de poiriers rougies et déjà pourrissantes. 

Rappel biographique : Le peintre suisse Aimé-Victor Barraud  a été affilié par les spécialistes de l'art au mouvement de la Nouvelle objectivité.   Son père, sa mère et son grand-père maternel travaillaient comme graveurs et concevaient des décorations pour les boîtiers métalliques des montres de poche. La précision artisanale et le sens de la décoration étaient cultivés dans la famille et Aimé-Victor suivaient régulièrement  des cours du soir dans la prestigieuse école d'art et d'artisanat local.
Dans sa carrière picturale, il s'est limité à un petit nombre de sujets, peignant  principalement des portraits (y compris des autoportraits et des portraits doubles de lui-même et de sa femme), des nus, des natures mortes et quelques rares paysages. Grâce à un dessin précis et à des couleurs claires appliquées avec douceur, il a atteint un degré de réalisme extrême, voit meme d'hyperréalisme avant la lettre.  Il décrit souvent dans ses natures mortes un monde en putréfaction, l'un des symboles favori de ce genre pour décrire la vanité de la vie sur terre et sa fragile destinée.

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Odilon Redon (1840-1916) - Marguerites

Odilon Redon (1840-1916)
Marguerites, 1901
Huile, détrempe, fusain et pastel sur toile, 123 x 149,5 cm
Musée d'Orsay, Paris.

Que voit-on ?  Sept marguerites  qui ne sont pas groupées en bouquet mais isolées sur un fond neutre et bizarrement habillées d'une sorte de fraise en papier ou dentelle comme préparées pour être offertes au moment d'une fête.

Rappel biographique : le peintre français Odilon Redon (né Bertrand-Jean Redon) est un peintre rattaché au mouvement symboliste et coloriste de la fin du 19e siècle. Son art explore les aspects de la pensée, l'aspect sombre et ésotérique de l'âme humaine, empreinte des mécanismes du rêve. Il a peint assez peu de natures mortes, La Coquille, exécutée au pastel en 1912 et présentée aussi sur ce blog, figure au nombre de ses plus célèbres toiles.
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Adriaen Coorte (1665–1707) - Nature morte avec Cinq Abricots

Adriaen Coorte (1665–1707)
Nature morte avec Cinq Abricots
Huile sur toile, 1704
Mauritshuis, The Hague

Que voit on ? Il ya des toiles devant lesquelles il n'est pas opportun de dire quoi que ce soit. Celle si en fait partie... Peur être juste conseiller de le regarder longuement encore et encore et d'en détailler l'impressionnante  palette de couleurs.

Rappel biographique : le peintre hollandais Adriaen Coorte est spécialisé exclusivement dans la peinture de natures mortes. Au contraire de la tendance de l'époque en Europe du Nord qui déployait argenterie et cristaux dans les natures mortes monumentales, Coorte a peint des natures mortes de petits formats et au sujets très intimistes pour ne pas dire minimalistes.
On sait très peu de sa vie, si ce n'est qu'ill fut l'élève de Melchior d'Hondecoeter vers 1680 à Amsterdam et qu'il a installé son petit atelier de natures mortes à Middelburg, en 1683. Il peignait souvent sur du papier (quelquefois au dos de simples feuilles de compte) qu'il collait ou que l'on colla par la suite sur un panneau de bois ou sur un canevas pour mieux les préserver.
Environ 80 oeuvres signées par lui ont été cataloguées, et presque toutes suivent la même composition à savoir de très petites quantités de fruits, de légumes ou coquillages, voir même quelquefois un seul fruit ou légume (comme ici) , posés le rebord d'une dalle de pierre, éclairé par le haut, avec le fond sombre typique de natures mortes du début du 17e siècle.
Les fraises des bois et les asperges sont ses motifs les plus fréquents. Les premières sont parfois représentées soit dans le même pot en terre cuite, soit dans de jolis bols bleus et blancs en porcelaine Wan-Li importés de Chine par la Compagnie des Indes. Quelques rares papillons brisent la noirceur de l'arrière-plan, ajoutant une tâche de couleur à ces compositions d'une magnifique austérité. Le fait qu'elle soient peintes sur du papier ajoutent à leur fragilité et à leur délicatesse infinie.
Coorte ne fut pas très connu de ses contemporains en dehors de la petite ville de Middelburg et, comme Vermeer un siècle avant, il est totalement tombé dans l'oubli jusqu'à ce que les années 1950, l'historien d'art hollandais Laurens J. Bol, publie une première monographie suivie en 1977 d'un catalogue raisonné de l'oeuvre de Coorte.
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Suzanne Valadon (1865 -1938) - Deux Bouquets de Fleurs sur une table

Suzanne Valadon (1865 -1938)
Deux Bouquets de Fleurs sur une table, 1930
Huile sur toile
Collection privée

Que voit on ? Ce que décrit le titre à ceci près que l'un des bouquets n'en est pas un mais une fleur toute seule (une rose) dans un vase rond assez rustique en grés émaillé alors que l'autre bouquet se déploie dans un vase plus contourné un peu comme ces vases que l'on trouve sur les autels dans les églises ou dans les cimetières. C'est du contraste assez saisissant entre les deux que pourrait naitre une émotion, une préférence, un discours.

Rappel biographique : Suzanne Valadon est une des plus importantes peintres françaises du 20e siècle et la premiere femme admise, en 1894, à la Société nationale des beaux-arts. Elle a commencé sa carrière comme acrobate de cirque en 1880, jusqu’à ce qu’une chute mette fin prématurément à cette activité. Dans le quartier de Montmartre où elle habite avec sa mère, puis avec son fils naturel, le futur peintre Maurice Utrillo, né 1883, elle a la possibilité de s’initier à l’art. Devenue modèle d’artistes, elle les observe en posant, et apprend ainsi leurs techniques. Modèle de Pierre Puvis de Chavannes, Pierre-Auguste Renoir, Henri de Toulouse-Lautrec, elle noue des relations avec certains. Habituée des bars de Montmartre où la bourgeoisie parisienne vient s’encanailler, Toulouse-Lautrec durant cette période, fait d’elle le portrait intitulé Gueule de bois. Edgar Degas (pour qui elle n'a jamais posé), remarquant les lignes vives de ses dessins et de ses peintures, encourage ses efforts. Elle connaît de son vivant le succès et réussit à se mettre à l’abri des difficultés financières de sa jeunesse. Suzanne Valadon peint des natures mortes, des bouquets et des paysages remarquables par la force de leur composition et leurs couleurs vibrantes. Elle est aussi connue pour ses nus. Ses premières expositions au début des années 1890 comportent principalement des portraits, dont celui d’Erik Satie avec qui elle a une relation en 1893. Il lui propose le mariage au matin de leur première nuit.
Suzanne Valadon est alors connue pour travailler plusieurs années ses tableaux avant de les exposer.
La peintre trouve dans la galeriste Berthe Weill, une alliée solide qui soutient son travail. La marchande fait ainsi participer l'artiste à près de dix-neuf expositions entre 1913 et 1932, dont trois rétrospectives personnelles. Son mariage, en 1896, avec un agent de change, prend fin en 1909, Suzanne quitte son mari pour l'ami de son fils, le peintre André Utter (1886-1948), qu’elle épouse en 1914. Cette union, houleuse, dure près de trente ans. André Utter en Adam et elle-même en Eve figurent sur l’une de ses toiles les plus connues, Adam et Eve. En 1923 elle achète avec Utter le château de Saint-Bernard, au nord de Lyon, pour couper son fils Maurice Utrillo de ses penchants pour l'alcool. Ce dernier qui signait ces toiles Maurice Utrillo V. (pour Valadon) peint le château ainsi que l’église ou encore le restaurant du village. Suzanne Valadon morte, le 7 avril 1938, entourée de ses amis peintres André Derain, Pablo Picasso et Georges Braque, est enterrée au cimetière parisien de Saint-Ouen.
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Childe Hassam (1859-1935) - Geraniums

Childe Hassam (1859-1935)
Geraniums, 1888
The Hyde Collection Museum, Glens Falls

Que voit on ? Une magnifique nature morte  (bien que cela n'en soit pas une au sens strict du terme!) aux pots de géraniums et arrosoirs, qui protègent une belle liseuse des insectes de l'été. 

Rappel biographique :  le peintre, graveur, dessinateur, illustrateur et lithographe américain Frederick Childe Hassam est un impressionniste, membre du groupe des Ten American Painters. Peintre de scènes de genre, figures, nus, intérieurs, paysages, paysages urbains, marines, il a aussi bien utilisé  l'huile, la gouache, l'aquarelle ou  le pastel. De 1886 à 1889, il séjourne à Paris  où il étudie l'art à  l'Académie Julian. Ses professeurs sont Gustave Boulanger et Jules Joseph Lefebvre. L'impressionnisme français et l'art de Claude Monet ont une forte influence sur lui. Parmi ses œuvres les plus connues, réalisées à la fin de sa vie, figure la Flag series. Il s'agit d'une trentaine de tableaux qu'il commença en 1916, inspirés par la parade de préparation des engagés volontaires américains pour la Première Guerre mondiale sur la Cinquième avenue. Le tableau le plus célèbre de la série, The Avenue in the Rain (1917), représentant des drapeaux américains et leur reflets sous la pluie, fait partie de la collection de la Maison Blanche. Le président Barack Obama l'avait  fait installer dans le bureau ovale dès le début de sa  présidence. 
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Euphémie Muraton (1836-1914) - Nature morte avec pêches, grenades, raisons, glaïeuls et coffret à bijoux

Euphémie Muraton (1836-1914)
Nature morte avec pêches, grenades, raisons, glaïeuls et coffret à bijoux
Huile sur toile (89 x 116.5 cm), 1868
courtesy John Mitchell Fine Arts London

 Que voit on ? Peu de choses a été oublié dans le titre à l'exception des tissus : pièce de soierie à motif japonisant et précieuse dentelle de Calais...

Rappel biographique : Née Camille Euphémie Duhanot, cette peintre française épouse en 1854 le peintre Alphonse Muraton dont elle est l'élève. Elle débute au Salon de 1868 et se spécialise d'emblée dans les natures mortes de compositions florales ainsi que des portraits d'animaux de compagnie, principalement des chiens de petites tailles (chihuahuas, caniches nains,  dogues français, etc...). Ses portraits d'animaux  la rendront rapidement célèbre auprès de toutes les parisiennes qui voudront avoir le portait de leur animal de compagnie dans un coin de salon.   

Malgré son succès rapide et certain (ou peut être à cause de cela !)  la critique de son temps est très sévère avec elle et juge que "ses compositions  manquent de relief ".
Deux ventes importantes de ses œuvres sont effectuées à Drouot par Eugène Féral en 1888 et 1890, mais sa carrière en France ne va pas se développer. 
En 1893, elle expose parmi 30 femmes peintres françaises à l'Exposition universelle de Chicago au Pavillon des Femmes, ce qui lui vaut une notoriété Outre-Atlantique puis Outre-Manche qui ne s'est pas démentie depuis lors alors qu'aujourd'hui  plus personne en France ne sait qui elle fut ! 

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Nicolas-Henri Jeaurat de Bertry (1728-1796) - Nature morte de table de cuisine...

Nicolas-Henri Jeaurat de Bertry  (1728-1796)

Nature morte de table de cuisine avec  poissons et oeufs, 1756

Collection particulière (vente Sotheby's)

 Que voit on ? Sur un buffet de cuisine plus que sur une table (comme l'indique le titre), une accumulation d'ustensiles de cuisine dont un torchon blanc qui déroule son magnifique drapé exactement au centre de la composition ! De part et d'autre du torchon : deux belles truites, un panier en osier tressé  rempli d'oeufs et de fruits, un bouquet d'oignons en pleine germination et pour faire bonne mesure quelques jarres  et plats en matériaux divers (osiers, étain, cuivre...). On remarque en haut de la composition un petit pot à lait en étain et deux gros fromages de type Brie...

Rappel biographique : Fils d’Edme Jeaurat, graveur du Roy, Jeaurat de Bertry a étudié avec son oncle, le peintre Etienne Jeaurat. Il a établi sa réputation dans la nature morte, genre où il excellait, réussissant à saisir les objets de la vie quotidienne avec un détail et une vitalité rappelant le maitre du genre, Chardin, mais pour un critique comme Théodore Lejeune : « Autant Chardin excelle dans le clair-obscur, autant Jeaurat est cru et sec. » Fait remarquable et rare,  il a été à la fois nommé et reçu, par accord verbal de l’assemblée, académicien et professeur à l’Académie royale de peinture et de sculpture, le même jour, le 31 janvier 1756, avec deux natures mortes comme morceaux de réception : l’un, Ustensiles de cuisine près d’un petit fourneau en terre allumé qui rappelle l’esprit de Chardin et l’autre ses trophées militaires.
L’année suivante, il a prйsentй au Salon de 1757 trois natures mortes représentant des instruments de musique, une allégorie de la guerre, une de la science, qui ont attiré une critique favorable du Mercure d’octobre : « On a vu avec plaisir trois tableaux de M. Jeaurat de Bertry : ils sont d’une belle imitation et bien grouppés. » 
On ignore où se trouvent ses dernières oeuvres, mais le tableau aux instruments de musique, signé et daté de 1756, actuellement dans les collections du musée Carnavalet, semble être le premier de ces trois tableaux au Salon. Quelques natures mortes de la Réunion des Musées Nationaux (dont celui de Cambrai) attribuées un temps par erreur à Chardin et à Henri- Horace Roland de La Porte, l’un contenant même son monogramme  "JB", lui ont récemment été réattribués.
En 1761, il est nommé peintre et pensionnaire de Marie Leszczynska et signe ses lettres du titre de « peintre de la Reine ». Reconnu, il quitte Paris pour s’installer Versailles où il résidera jusqu’à la mort de la reine en juin 1768. Le 1er juillet de la même année, il reçoit une pension de 400 livres de gratification annuelle, « en considération des services qu’il a rendus а la feue Reine, pour l’amusement de cette princesse dans l’art de la peinture. » Il repart alors pour Paris d’où il ne sortira plus , exception faite d’un second séjour de quatre ans à la cour.
Pendant la Révolution, il se concentrera sur le portrait, certains de nature satirique voilée, ainsi que sur les constructions allégoriques comportant des portraits, le drapeau tricolore, les pyramides et l’oeil maçonnique. Au Salon de 1796, il expose le Portrait du Citoyen Gelé à l’instant où il reçoit le brevet d’imprimeur de la Gendarmerie nationale. Au même Salon, il expose encore une Vue de la collégiale et du pont de Corbeil, où il évoque  sa propre disparition avec un coche descendant passant sous le porche de la collégiale.
Le fait qu'il fut comblé d'honneur par la reine, ne lui valut pas que des amis et l'on fut bien sévère avec ce peintre dont le talent mérite aujourd'hui largement d'être débarrassé des jalousies opportunistes de son époque.
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Alexander Alexandrovitch Deïneka (1899-1969) - View from the Artist's Studio

Alexander Alexandrovitch Deïneka (1899-1969) 

View from the Artist's Studio (1947) 

Oil on canvas, 65.5 x 90 cm

Private Collection

Que voit on ?  L'intérieur de l 'atelier du peintre ou règne une  grande variété de couleurs, la chaleur et la vie à travers un bouquet de lilas (annonciateur du printemps) posé sur une boite de couleurs en bois , un pot rempli de pinceaux propres et une tasse. Pour cette nature morte Deneika ne choisit pas n'importe quel fond neutre de murs ou d'accumulation de toiles, mais le monde extérieur, visible par la baie vitrée de son atelier... monde extérieur uniformément blanc, froid  et sans âmes qui vivent...

Rappel biograhique : Alexander Alexandrovitch Deïneka (Алекса́ндр Алекса́ндрович Дейне́ка) est un peintre, graphiste et sculpteur russe. Membre fondateur des groupes Ost (« Être ») et Octobre, il réalisa la première grande œuvre historique révolutionnaire en 1928 : La Défense de Petrograd.
Vers 1931, il devient membre de l'Association des artistes prolétariens (AKhRR).
Pendant la Seconde Guerre mondiale, il réalise des peintures monumentales et dramatiques, dont Banlieue de Moscou, Novembre 1941  constitue la première œuvre. Il parvient à faire pénétrer une grande souffrance dans son travail (Le Village brûlé, 1942), autant que l'enthousiasme héroïque (La Défense de Sébastopol, 1942).
Après la guerre, il continue de peindre et reprend son travail de mosaïque, notamment pour le palais des congrès du Kremlin.

Il a peint quelques  rares natures mortes longtemps restées dans le secret de son atelier...  

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2019 - Men Portraits 

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John Ruskin (1819-1900) - Study of a Velvet Crab

John Ruskin (1819-1900)
Study of a Velvet Crab
Bodycolour over graphite, c. 1870
Ashmolean Museum, Oxford

Que voit-on ? Ce que décrit le titre...et ce qu'il ne décrit pas : une précision du dessin et des couleurs donc seul Ruskin était capable avec de pareils sujets comme dans ce post déjà publié il y a quelques années ou encore ici.  

Rappel biographique : John Ruskin fut un écrivain, poète, peintre et critique d'art britannique.
Fils unique d'une riche famille, il fut éduqué à domicile, avec une insistance particulière sur l'art et la religion. Il poursuivit son éducation en dilettante, en tant qu'auditeur libre à Oxford. Malgré des problèmes de santé, il y obtint son MA en 1843. Surtout, il s'y lia d'amitié avec nombre d'intellectuels. Il fut publié dès son adolescence. Grâce а la fortune de sa famille, il put consacrer sa vie à l'écriture. Il devint rapidement célèbre dans les années 1840 grâce à son travail de critique dans Modern Painters (1843 à 1860) où il proposait une nouvelle façon d'appréhender l'art. Il écrivit ensuite The Seven Lamps of Architecture en 1849 et surtout The Stones of Venice en 1853. Il fit aussi passer ses idées par l'enseignement. Il participa à la création de l'University Museum, donna des cours de dessin au Working Men's College, un établissement de formation continue fondé par ses amis socialistes chrétiens. Il en donna aussi dans une école pour jeunes filles et par correspondance. En1870, il devint le premier titulaire de la chaire Slade à Oxford.
Son mariage avec Effie Gray annulé pour non-consommation continue à alimenter de nos jours des légendes nombreuses et des suppositions sur l'homosexualité contrariée de Ruskin. Effie épousa très vite le peintre John Everett Millais, un membre du mouvement préraphaélite dont Ruskin fut le mécène et le soutien après s'être engagé pour Turner. Grâce aux cours de dessin qu'il reçut lors de son enfance, avec James Duffield Harding par exemple, John Ruskin fut un dessinateur de talent. Même s'il ne se considéra jamais comme un artiste en tant que tel ou exposa peu, il produisit quelques toiles et aquarelles. Il fut ainsi élu membre honoraire de la Royal Watercolour Society en 1873.
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Henri Rousseau (1844-1910) dit " Le Douanier " - Bouquet de fleurs avec une branche de lierre

Henri Rousseau (1844-1910) 

Bouquet de fleurs avec une branche de lierre 

Huile sur toile (45,4 x 32,7 cm), 1909 

Albright-Knox Art Gallery, Buffalo

Que voit on ? Sur un entablement orange et devant un fond vert  : un vase conique en verre transparent contenant un bouquet de  fleurs du jardin  (hortensias, tulipes, chrysanthèmes, marguerites, fleurs de seringat, pensées et mimosa) rassemblées dans ce vase en dépit des saisons différentes pendant lesquelles elles poussent en réalité et selon la seule fantaisie de ce peintre... qui en avait beaucoup.
Devant le vase, une branche de lierre coupée, clin d'oeil à ce parasite des jardins que l'on préfère toujours voir coupé que rampant dans les parterres ou l'assaut des arbres et qui pourtant symbolisait dans la Grèce antique l'attachement, l'amitié, la fidélité, l 'éternité (" Je meurs ou je m'attache ") mais aussi... les excès d'alcool (c'était la plante de Bacchus !) contre lesquels le lierre était censé avoir un pouvoir protecteur.  Dans la mythologie celte par contre, le lierre était l'attribut de Donar (le fils d'Odin) et promettait, à qui la consommait, d'ouvrir les portes de l’au-delà.

Une nature morte qui, comme toujours chez Henri Rousseau, recèle beaucoup plus de poésie qu'il ne parait au premier coup d'oeil.

Rappel biographique : Le peintre français Henri Rousseau (Henri-Julien-Félix Rousseau) dit  "Le Douanier Rousseau " est considéré comme un représentant majeur de l'art naïf. Issu d'une famille modeste, il étudie le droit avant de partir à Paris, où il travaille dans un octroi d'où son surnom de " douanier ".
Il apprend lui-même la peinture sans le recours à un quelconque enseignement et produit un grand nombre de toiles qui représentent souvent des paysages de jungle, bien qu'il n'ait jamais quitté la France.

 Il s'inspire en réalité de livres illustrés, des jardins botaniques et de rencontres avec des soldats qui ont participé à des expéditions exotiques et qui lui racontent les paysages lointains. Ses toiles montrent une technique élaborée, mais leur aspect enfantin a valu beaucoup de moqueries et de mépris  professionnel à Henri Rousseau pensant de nombreuses décennies. Ses premières critiques positives arrivent à partir de 1891. A la fin de sa vie il rencontre même quelques autres artistes de son temps  (et pas des moindres) qui lui reconnaissent publiquement un talent certain, comme, entre autres, Robert Delaunay, Paul Gauguin, Toulouse-Lautrec ou Pablo Picasso....
Son travail est aujourd'hui considéré comme crucial pour l'art naïf et il a influencé de nombreux artistes, notamment surréalistes et l'autodidacte Henri  Rousseau occupe une des premieres places  dans le Panthéon pictural du 20e siècle. 

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Jean-Etienne Liotard (1702-1789) (follower of) - A Still Life of Porcelain and Fruit on a Marble Top Table

Jean-Etienne Liotard (1702-1789) (follower of)

A Still Life of Porcelain and Fruit on a Marble Top Table

Pastel on vellum  (36, 9 x48cm)

Courtesy John Mitchell Gallery, London 

Que voit-on  ? Etrange toile que cette nature dans le goût  de Liotard et dont l'arrière plan noyé dans  un  " flou " assez curieux  peut laisser perplexe. Au premier plan les contrastes des matières (porcelaines, argenterie, marbres, bois et fruits, sont par contre intelligemment rendus. Le jeu des divers  reflets à la surface du  vase de porcelaine noir  sont magnifiques et tout a fait dans le genre de ce que Liotard aurait pu peindre.

Rappel biographique : Le peintre genevois Jean-Etienne Liotard (1702-1789) a voyagé à Naples, à Rome, à Constantinople, à Vienne, en Hollande et à Londres. Surnommé le peintre turc à cause du costume oriental qu'il avait choisi de porter depuis son passage à Constantinople, il a peint beaucoup de portraits (dont celui d'un pape) et un nombre très restreint de natures mortes. Collectionneur, expert en peintures pour les anciens maîtres, il est également l'auteur d'un Traité des principes et des règles de la peinture (1781). Son œuvre varié et prolifique est reconsidéré depuis les années 2000 à travers de nombreuses rétrospectives. Jean-Étienne Liotard est né en république de Genève le dernier né d'une fratrie, dont un frère jumeau, Jean-Michel (1702-1796), sera  un célèbre dessinateur et graveur. Peu de détails semblent nous être parvenus sur son enfance. En 1720, Antoine, son père est en partie ruiné à la suite du krach du système de Law3. Malgré tout, Jean-Étienne Liotard reçoit l'enseignement du miniaturiste et professeur de dessin genevois Daniel Gardelle (1673-1753), qu'il surpasse au bout de quelques mois dans l'art de la copie1. Puis, il entre au service de Jean-Louis Petitot (1692-1730), dont il copie les émaux et des miniatures avec une remarquable compétence. Par la suite, il mèna une vie de voyages et d'aventures toujours abondamment nourrie de portraits des célébrités ou  des anonymes qu'il  croisait  et qui le conduisirent à devenir un des peintres les plus célèbres de son temps.
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Nicolas-Henri Jeaurat de Bertry (1728–1796) - Nature morte à la palette du peintre...

Nicolas Henri Jeaurat de Bertry (1728-1796) 
Nature morte à la palette du peintre, pinceaux, tampon, couteaux et portfolios,  1756
Collection Particulière


Que voit-on ? A quelqu'un qui affirmait au peintre  : " Mais cette palette n'est pas une nature morte ! " Il répondit  aussitôt : " Mais oui c'en est une,  puisqu'il y a un couteau ". Réponse presque aussi saugrenue que la question  et magnifique petite toile, composée sans doute pour fêter la réception  du peintre à L'Académie Royale de peinture en cette même année 1756. Cette œuvre à la fois ironique et émouvante est toujours restée dans des collections privées et son passage récent dans une salle des ventes française la conforter dans cette belle carrière !

Rappel biographique : Fils d’Edme Jeaurat, graveur du Roy, Jeaurat de Bertry a étudié avec son oncle, le peintre Etienne Jeaurat. Il a établi sa réputation dans la nature morte, genre où il excellait, réussissant à saisir les objets de la vie quotidienne avec un détail et une vitalité rappelant le maitre du genre, Chardin, mais pour un critique comme Théodore Lejeune : « Autant Chardin excelle dans le clair-obscur, autant Jeaurat est cru et sec. » Fait remarquable et rare,  il a été à la fois nommé et reçu, par accord verbal de l’assemblée, académicien et professeur à l’Académie royale de peinture et de sculpture, le même jour, le 31 janvier 1756, avec deux natures mortes comme morceaux de réception : l’un, Ustensiles de cuisine près d’un petit fourneau en terre allumé qui rappelle l’esprit de Chardin et l’autre ses trophées militaires.
L’année suivante, il a prйsentй au Salon de 1757 trois natures mortes représentant des instruments de musique, une allégorie de la guerre, une de la science, qui ont attiré une critique favorable du Mercure d’octobre : « On a vu avec plaisir trois tableaux de M. Jeaurat de Bertry : ils sont d’une belle imitation et bien grouppés. » 
On ignore où se trouvent ses dernières oeuvres, mais le tableau aux instruments de musique, signé et daté de 1756, actuellement dans les collections du musée Carnavalet, semble être le premier de ces trois tableaux au Salon. Quelques natures mortes de la Réunion des Musées Nationaux (dont celui de Cambrai) attribuées un temps par erreur à Chardin et à Henri- Horace Roland de La Porte, l’un contenant même son monogramme  "JB", lui ont récemment été réattribués.
En 1761, il est nommé peintre et pensionnaire de Marie Leszczynska et signe ses lettres du titre de « peintre de la Reine ». Reconnu, il quitte Paris pour s’installer Versailles où il résidera jusqu’à la mort de la reine en juin 1768. Le 1er juillet de la même année, il reçoit une pension de 400 livres de gratification annuelle, « en considération des services qu’il a rendus а la feue Reine, pour l’amusement de cette princesse dans l’art de la peinture. » Il repart alors pour Paris d’où il ne sortira plus , exception faite d’un second séjour de quatre ans à la cour.
Pendant la Révolution, il se concentrera sur le portrait, certains de nature satirique voilée, ainsi que sur les constructions allégoriques comportant des portraits, le drapeau tricolore, les pyramides et l’oeil maçonnique. Au Salon de 1796, il expose le Portrait du Citoyen Gelé à l’instant où il reçoit le brevet d’imprimeur de la Gendarmerie nationale. Au même Salon, il expose encore une Vue de la collégiale et du pont de Corbeil, où il évoque  sa propre disparition avec un coche descendant passant sous le porche de la collégiale.
Le fait qu'il fut comblé d'honneur par la reine, ne lui valut pas que des amis et l'on fut bien sévère avec ce peintre dont le talent mérite aujourd'hui largement d'être débarrassé des jalousies opportunistes de son époque.
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Robert Falk (1886-1958) - Nature morte au Trèfle

Robert Falk  (1886-1958)
Nature morte au Trèfle, 1910-11
Huile sur toile, 54 x 61 cm
Collection particulière

Rappel biographique  : Le peintre russe Robert Rafaïlovitch Falk (Роберт Рафаилович Фальк) est un des représentants majeurs de  l'avant-garde russe. Entrainant dans son sillage plusieurs autres jeunes peintres de son pays, il est l'initiateur, en 1910, du Valet de Carreau et l'un de ses représentants principaux. Fasciné à ses débuts par l'oeuvre de Paul Cézanne, il défend le postimpressionnisme.  En 1918, au debut de la révolution bolchevique,  il rejoint la section Arts plastique (Izo) créée par le Commissariat populaire à l'instruction, au collège du Narkompros à Moscou.

Entre 1918 et 1928, il enseigne la peinture  à l’Institut supérieur d’art et de technique (Vkhoutein). En 1928, il se rend en France, théoriquement pour un séjour censé être de courte durée mais il refuse de repartir et s'installe à Paris jusqu'en  ou il travaille pendant 10 ans. 1938,
Entre  1938 et 1958, il revient à Moscou vit dans un relatif isolement et  travaille, principalement pour le théâtre.  Les œuvres de cette période sont néo-impressionnistes, assez proches des dernières peintures de son ancien professeur Valentin Serov Après la la déstalinisation, Robert Falk devint très populaire parmi les jeunes peintres et beaucoup l'ont considéré comme un trait d'union entre les traditions nationales russes et l'art moderne français du début du 20e siècle  mais aussi  entre la première avant-garde russe et la deuxième, celle des années 1960.

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Jean-Baptiste Oudry (1686-1755) - Nature morte avec un épagneul pourchassant un canard

Jean-Baptiste Oudry  (1686–1755)
Nature morte avec un épagneul pourchassant un canard 
Huile sur toile, 1719 ( 141x 114cm)
Nationalmuseum Stockholm

Que voit on ? Sous le titre assez anodin de Nature avec  épagneul poursuivant des canards, ce qui est en effet une partie du sujet, c'est bien d'une nature morte aux poissons que propose là Oudry, le maître français du genre ....et quelle !   Rarement une telle profusion et  une telle variété d'espèces se seront retrouvées ensemble dans un si petit espace (pas is petit d'ailleurs puisque la toile mesure 1mètre 41 sur 1 mètre 14, ce qui est plutôt grand pour une nature morte. Comme d'habitude chez Oudry, il faut se méfier de ce que l'on voit car le plus important étant ce que l'on ne voit pas  !
Ainsi outre les canards et l'épagneul  fou annoncé :  des anguilles, une raie, (qui annonce déjà celle de Chardin,  des saumons (entiers et découpés), des truites, et même une mouette qui s'est trouvée sans doute prise au piège de ce massacre savamment orchestré ! Un chef d'oeuvre  absolu du genre, bien  digne de l'extraordinaire collection de toiles d'Oudry que possède le le Musée national de Suède à Stockholm. 

Rappel biographique : Le peintre et graveur français Jean-Baptiste Oudry est surtout célèbre pour ses peintures de chiens de chasse, ses natures mortes animalières et ses animaux exotiques. Fils de Jacques Oudry, maître peintre et marchand de tableaux sur le Pont Notre-Dame, et de sa femme, Nicole Papillon, qui appartenait à la famille du graveur Jean-Baptiste-Michel Papillon, Jean-Baptiste Oudry étudia tout d'abord à l'Ecole de la Maîtrise de Saint-Luc, dont son père était directeur.
Il fut placé ensuite chez le grand peintre du roi Nicolas de Largillière, dont il devint bientôt l'ami. Après avoir peint quelques sujets religieux et un portait du Tsar Pierre 1er, il rencontre le marquis de Beringhen, premier écuyer du roi. Cette rencontre est décisive car le marquis commande à Oudry de nombreux ouvrages pour le roi. Dès lors on octroie à Oudry un atelier dans la cour des princes aux Tuileries et un logement au Palais du Louvre où il forma un cabinet renommé. 

Oudry suivait les chasses royales et faisait de fréquentes études dans la forêt de Compiègne.
L'intendant des finances, Fagon, le prit à son service et le chargea de rétablir la manufacture de Beauvais, tombée en décadence. Oudry s'adjoignit Boucher et Natoire pour exécuter la copie des tableaux. On lui confia également l'inspection de la manufacture des Gobelins, où l'on exécutait les tapisseries des chasses du roi d'après ses tableaux.

Jean-Baptiste Oudry a peint le portrait, l'histoire, les chasses, le paysage, les animaux, les fruits, les fleurs ; il a imité les bas-reliefs ; il a fait du pastel, de la décoration ; il aussi gravé à l'eau-forte. On lui doit deux conférences qui furent lues à l'Académie, « Sur la manière d'étudier la couleur en comparant les objets les uns avec les autres » et « Sur les soins que l'on doit apporter en peignant ». Oudry a laissé un grand nombre de dessins dont les plus connus sont les 275 dessins qui servirent à l'édition dite des Fermiers généraux des Fables de La Fontaine, gravées par  Charles-Nicolas Cochin. Il est également l'auteur d'un Almanach de rébus paru en 1716.

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Nicolas de Largillière (1656-1746) - Perdrix rouge dans une Niche

Nicolas de Largillière (1656-1746)
Perdrix rouge dans une Niche, ca.1680-1685
Huile sur toile, 71 x 58 cm
Musée du Petit Palais, Paris

Que voit-on ? Encore une nature morte pas "politiquement correcte"  du tout, puisque l'on y voit la présence d'oiseaux morts mis en scène de façon assez macabre (pendu par une patte ou entassés sur un rebord de niche). Cette composition était cependant  tout à fait séduisante à l'époque où elle fut peinte ! Replaçons la donc dans son contexte historique et admirons sans remords la maitrise des couleurs déployée par Nicolas de Largillière plus enclin à brosser des portraits des grands de son temps qu'à s'abîmer dans le genre, alors mineur, de la nature morte.

Rappel biographique : Avec Hyacinthe Rigaud, Nicolas de Largillière (ou Largillierre) est le grand maître du portrait en France à la fin du règne de Louis XIV et au début de celui de Louis XV. On peut toutefois dire presque sans exagération, bien qu'il soit né à Paris, que ce n'est pas un peintre français. Sa formation se fit, en effet, d'abord à Anvers, puis surtout en Angleterre, où il séjourna six ans, travaillant dans l'atelier de Sir Peter Lely. À travers Lely, c'est la leçon de Van Dyck qu'il recueille, pour ensuite introduire cet enseignement dans le climat parisien. A l'exclusion de son célèbre  portrait de LouisXIV et de ses enfants, conservé à la Wallace Collection (Londres),  c'est surtout la bourgeoisie qu'il peindra, laissant l'aristocratie au pinceau de Hyacinthe Rigaud, le portraitiste officiel de Versailles.  

À sa mort, Largillière laisse derrière lui une tradition renouvelée pour le portrait ; il est en outre le maître de Jean-Baptiste Oudry, le grand maître français de la nature morte au 17e et 18e siècle et l'un de ceux qui ont le mieux contribué à enrichir la peinture française, à la fin du XVII^e siècle, en y faisant pénétrer les leçons flamandes. Il a peint très peu de natures mortes. Toutes sont des exemples de quasi perfection picturale. 

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Lilly Martin Spencer (1822-1902) - Still Life with Watermelon, Pears, and Grapes

Lilly Martin Spencer (1822-1902) 

Still Life with Watermelon, Pears, and Grapes (c. 1860) 

Oil on canvas, 33.3 x 43.5 cm.

 National Museum of Women in the Arts, Washington DC

Que voit on ? Sur un entablement de pierre légèrement brisé et présentant une encoignure : pêches, raisins, poires mais surtout une tranche de pastèque délicieusement (le mot est choisi à dessein) rendue ! 

Rappel biographique : Angelique Marie Martin dite "Lilly" est l'aînée des enfants de Gilles et d'Angélique LePetit-Martin, des intellectuels français de Bretagne qui enseignent à Exeter en Angleterre. Ses parents sont profondément engagés dans la réforme sociale, travaillant pour la tempérance, l'abolition et le suffrage féminin.
Alors qu'Angélique est âgé de de huit ans, sa famille émigre aux États-Unis et l'emmène dans ses bagages. A Marietta (Ohio) où la famille s'installe, la jeune Angelique dessine beaucoup et avec un talent tel qu'elle finit par attirer l'attention de Sala Boswort alors professeur à la Pennsylvania Academy of Fine Arts et  de Charles Sullivan (1794-1867) dont l'influence est très sensible dans les premiers tableaux de Lilly. Le mécène local Nicholas Longworth, s'intéresse enfin à elle et décide de lancer sa carrière.
Une exposition de ses peintures à Marietta en 1841 alors qu'elle est à peine âgée de 19 ans est un succès, et à l'automne de la même année, elle s'installe à Cincinnati  (Ohio).
En 1844 ,elle épouse Benjamin R. Spencer et en 1848, s'installe à New York, où son travail est exposé avec succès à la National Academy of Design et à l'American Art Union. 

Sa peinture se caractérise par des scènes de genre, des paysages et quelques natures mortes puis - après la  Guerre de Secession- par des sujets plus patriotiques.  

Comme beaucoup d'artistes américains de son temps, Lilly Martin Spencer  est a peu près inconnue du public français.

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Henri Fantin-Latour (1836 -1904) - Nature morte avec pêche et raisins

Henri Fantin-Latour (1836 -1904)
Nature morte avec pêche et raisins
Collection privée

Que voit on ? Une version différente d'un thème déjà traité par Fantin Latour en 1870. Dans la version ci dessus, la table n'est pas recouverte d'une nappe blanche comme dans la version de 1870 mais présente sion entablement en bois à l' assiette en porcelaine blanche contenant une grappe de raison blanc et une grappe de raisins rouges séparées par une pêche,et non pas une pomme comme dans la version de 1870.

Rappel biographique : Le peintre et lithographe français Henri Fantin-Latour était plus connu de son vivant pour ses portraits de femmes, ses portraits de groupes dont il rénova le style compassé et pour ses peintures allégoriques que pour ses natures mortes, pourtant admirables. Aujourd'hui c'est exactement le contraire ! Membre du groupe dit « de 1863 », puis du Cénacle des Batignolles où l'Impressionnisme serait né, Fantin-Latour fait souvent figure de chaînon entre la peinture romantique et l'impressionnisme. Ses natures mortes, fleurs ou fruits, ont souvent trouvé acquéreur grâce à son ami Whistler qui a attiré en l'attention en Angleterre sur Fantin, à une époque où la peinture impressionniste française était peu appréciée dans ce pays.

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Patrick William Adam (1854-1930) - The dinner table

Patrick William Adam (1854-1930)
The dinner table
Private collection

Que voit on ?  Une nature morte dans la nature morte à savoir  : un élégant intérieur de maison avec sa table de salle à manger  dressée pour un diner à quatre et  un somptueux bouquet de fleur au centre de cette belle table sur laquelle rien ne manque...

Rappel biographique : Né à Edimbourg en Ecosse en 1854, Patrick William Adam a déclaré que l'idée de peindre lui est venue en observant " par les paysages émeraude luxuriants de sa patrie ". Fils d'un célèbre avocat, Patrick choisit une carrière dans les arts plutôt que dans le droit ou la politique. Après des études sous la direction de G.P. Chalmers et W. McTaggart, il partit en voyage en Italie comme à peu près tous les jeunes artistes de son temps, mais aussi en Russie. Exposé à la RSA à l'âge de 18 ans, il en devenant plus tard un membre éminent en y exposant au total plus de 164 peintures là-bas. C'est par l 'art d'un portrait qu'il commence son métier de peintre avant de se spécialiser dans la peinture de paysage. En 1902, Adam déménagea dans une maison nommée Ardilea dans Dirleton Road, à North Berwick et y resta jusqu'à sa mort en 1929. C'est dans cette maison qu'il peignit ce qui fut la marque de son oeuvre : des scènes d'intérieurs intimistes où se mêlent nature morte et paysage. La plupart de ses célèbres intérieurs ont été peints entre 1904 et 1910. Ces intérieurs, toujours réalisés d'une touche légère et aérienne ne sont pas sans rappeler le style impressionniste de Berthe Morisot, de Claude Monet et surtout d'Henri Le Sidaner. Ls sujets des intérieurs n'étant pas particulièrement courant à la RSA, les tableaux d'Adam se vendirent comme des petits pains !
« Les exemples qu'il a envoya à la Royal Academy de Londres datent de ses premières oeuvres, et il est intéressant de noter comment il créa véritablement une mode pour ce type d'oeuvre » (Patrick J. Ford, Peintures intérieures de Patrick W. Adam, RSA, 1920, p.4).
En 1913, un groupe d'artistes partageant les mêmes idées sur l'esthétique qu'Adam fondèrent avec la Société des Huit Parmi eux : F.C.B. Cadell, Sir John Lavery et James Paterson. Leur but était d'organiser des expositions privées pour montrer eux-mêmes leurs oeuvres en dehors du circuit habituels des galeries, des académies et des marchands. Les intérieurs très glamour que Cadell peignit dans les Annes 1920 trouvent sans conteste leur inspiration dans les tableaux d'Adam.
Patrick Adam exposa à la Royal Academy de Londres ainsi qu'à la RSA.

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Olle Hjortzberg (1872-1959) - Still life

Olle Hjortzberg (1872-1959)
Still life, 1940
Private owner

Que voit on ? Une nature morte particulièrement appropriée à l'été  dans laquelle l' artiste  explore son thème favori (les transparences des  deux objets en verre au premier plan et à l'arrière plan) en le confrontant à la diversité des textures décrite par ailleurs: bois laqué noir du plateau rond et porcelaine blanche  du bol et céramique du vase de verdure...

Rappel biographique : Gustaf Olof (Olle) Hjortzberg était un peintre et illustrateur suédois surtout connu pour ses  fresques murales dans les églises suédoises, un genre au renouveau duquel il a largement contribué. À partir de 1892, il étudie à l' Académie royale des arts de Suède. Après son mariage en 1898, il voyage avec sa femme à Paris et, en 1899, en Italie où il se rend à Florence et à Pérouse. Il s'est ensuite rendu en Syrie et en Palestine, où l'environnement oriental a influencé son art. En 1902, il visite Londres avant de retourner en Italie où il séjourne quelques temps à Rome où  il étudie les maîtres anciens avant de se rendre à Ravenne pour découvrir l'art byzantin.
En 1905, il rentre en Suède où il se consacre  presque exclusivement à l'art religieux (chrétien en particulier) concevant des vitraux pour l' église Katarina de Stockholm, puis décorant le plafond de l' église Klara avec des scènes de la vie du Christ.
Hjortzberg a également été un  illustrateur actif en contribuant à la Bible de Gustav V (publiée en 1925), en créant une affiche pour les Jeux olympiques de Stockholm (1912) et en concevant des timbres commémoratifs. Il a enseigné à l'Académie de 1911 à 1937 et a été directeur jusqu'en 1941.
Son oeuvre compte quelques natures mortes où il explore le thème de la transparence et de la diversité des textures.

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Odilon Redon (1840-1916) et Paul Cézanne (1839-1906) - Vases de fleurs

Odilon Redon (1840-1916)
Vases de fleurs, 1896
The Norton Simon Foundation

Que voit-on ? la copie presque à l'identique d'un tableau de Cézanne conservé (par bonheur) dans le même musée américain que lui ( illustration ci-dessous), ce qui permet de les comparer facilement.
Redon, premier peintre de fleurs de sa génération, admirait les natures mortes de Cézanne au point de les copier de temps en temps.
Cette copie faite 15 ans après l'original de Cézanne fut confiée temporairement par Redon à Andries Bonger, son deuxième propriétaire, en même temps que Le Vase de fleur de Cézanne. De retour à l'atelier de l'artiste pour prendre son Cézanne, Bonger aurait confondu la copie de Redon avec l'original en s'exclamant: «Tu es vraiment trop gentil de l'avoir nettoyé ».
Un examen attentif révèle des différences évidentes entre les deux toiles : le coup de pinceau de Cézanne (ci dessous) est plus anguleux et plus expressif, sa palette plus variée et plus brillante (si un tableau a l'air "nettoyé" c'est plutôt celui de Cézanne que celui d'Odilon Redon !!!)
La toile d'Odilon Redon par contre est plus douce et plus chaude, les fleurs sont peintes avec des touches floues et plumeuses. Cézanne invente ses formes ; Redon les imite et les interprète.
Toutes les deux sont aujourd'hui également interessantes et émouvantes.

Paul Cézanne (1839-1906)

Vases de fleurs, 1880-81 

The Norton Simon Foundation 

Rappels biographiques :
- le peintre français Odilon Redon (né Bertrand-Jean Redon) est un peintre rattaché au mouvement symboliste et coloriste de la fin du 19e siècle. Son art explore les aspects de la pensée, l'aspect sombre et ésotérique de l'âme humaine, empreinte des mécanismes du rêve. Il a peint assez peu de natures mortes, La Coquille, exécutée au pastel en 1912 et présentée aussi sur ce blog, figure au nombre de ses plus célèbres toiles.

-  Parmi les quelques 900  tableaux et 400 aquarelles que Paul Cézanne,  ce sont  les natures mortes qui arrivent en tête , et notamment les pommes qui arrivent en tête de ses premières « obsessions picturales ». Pour Cézanne, la nature morte est un motif comme un autre, équivalent à un corps humain ou à une montagne, mais qui se prête particulièrement bien à des recherches sur l'espace, la géométrie des volumes, le rapport entre couleurs et formes : « Quand la couleur, est à sa puissance, la forme est à sa plénitude » disait-il. Incomprises en leur temps, les natures mortes de Cézanne sont devenues depuis lors l'un des traits caractéristiques de son génie.
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2019 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau