Pablo Picasso (1881-1973) - Verre de vin et fruits

Pablo Picasso (1881-1973) 

Verre de vin et fruits, 1908  

Barnes Foundation Philadelphia.

Que voit on ? On peut difficilement imaginer plus simple et de plus graphique... sachant que  le vin se cache secrètement ans le verre  et que ce fruit vert peut faire l'objet de toutes les interprétations.

Rappel biographique : lUtilisant tous les supports pour son travail, il est considéré comme le fondateur du cubisme avec Georges Braque auquel son nom est lié surtout dans le domaine des natures mortes. Il est considéré comme l'un des plus importants artistes du 20e siècle tant par ses apports techniques et formels que par ses prises de positions politiques et que par l'immensité de son production tous genre confondus, que l'on chiffre à près de 50 000 œuvres.

Les premiers collages et assemblages sont réalisés pendant l'hiver 1912, Nature morte à la chaise cannée (Paris, Musée Picasso), Guitare(s) en carton (Paris, Musée Picasso). A partir des années 20 ses natures mortes seront très proches, sur la même ligne de conception " cubiste analytique " que celles de George Braque, dont il devient un temps l'intime avant de s'en séparer définitivement.  Il y eut une connivence d'inspiration très rare entre ces deux peintres pendant une certaine période de leur vie et en particulier dans le domaine particulier du traitement de la nature morte. 

Picasso peint  beaucoup d'autres natures mortes après la Seconde guerre mondiale et hors de la période cubiste, mais ce n'est pas un genre qui tient une place aussi essentielle dans son oeuvre que dans l'oeuvre de Georges Braque.

2018 - A Still Life Collection
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Pieter Gerritsz van Roestraten (1630-1700) - Still life with cups, peaches and sugar

Pieter Gerritsz van Roestraten (1630-1700) 

Still life with cups, peaches and sugar

Private collection, UK 

Que voit-on ? A côté de la peinture de ces  superbes d'argenterie précieuses et de porcelaines qui constituèrent  le fond de commerce de l'art de Pieter Gerritsz van Roestraten, on sera sensible dans cette composition à la délicatesse des textures des éléments apparemment  moins précieux comme l'aspect soyeux de ces quatre pêches assemblées en pyramide sur un compotier d'argent dans le fond du tableau ou comme la limpidité diamantine des fragments de cristaux de sucres gisant à l'extrême droite de l'entablement de marbre... ou encore à cette branche de laurier dont les feuilles sont déjà bien plus que fanées...  La gloire du propriétaire de ces richesses semblent menacé de se ternir rapidement comme l'atteste l'impact noir de putréfaction  sur la peau soyeuse d'une des pêches. Memento mori...

Rappel biographique : Le peintre hollandais Pieter Gerritsz van Roestraten a été actif dans le domaine des natures mortes et des scènes de genre pendant la période de ce qu'il est convenu d'appeler l'Age d'or néerlandais. Elève de Frans Hals dont il épousa la fille en 1654,  il vécut à Amsterdam avant de déménager à Londres en 1666. Dans cette ville, Roestraten acquit très rapidement la réputation d'être le meilleur peintre de natures mortes à sujet d'orfevrerie qui soit.  Sir Peter Lely lui fit un véritable pont d'or pour qu'il abandonne la peinture des portraits qui était sa spécialité à son arrivée à Londres. Et c'est ce qu'il fit pour la somme alors importante de quarante à cinquante livres sterling par tableau.

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Clément Serveau (1886-1972) - Nature morte au moulin à café et aux figues

Clément Serveau (1886-1972)
Nature morte au moulin à café et aux figues
Collection privée

Que voit on ? Sur un enablement peu défini :  un verre vide, un compotier rempli de poires et de raisin, une assiette de figues, un grand pot noir (qui occupe tout le centre de la composition) une bouteille de vin blanc, et un moulin a café d'un modèle que seuls ceux et celles qui sont né(e)s avant 1960 peuvent reconnaitre.

Rappel biographique : Ce peintre et graveur français connu pour avoir notamment dessiné  les billets de 1000 francs (Minerve et Hercule) de 1945 avait commencé sa carrière en suivant, entre 1904 et 1914,  les cours de l'Ecole des arts décoratifs puis de l'Ecole des beaux-arts à Paris de 1904 а 1914 tout en  débutant en 1905 au Salon des Indépendants et en participant aux Salons des artistes français, aux Salons d'automne et  aux Salons des Tuileries.  Dès 1919 il est directeur artistique des éditions Ferenczi, une maison dont Colette fut la directrice littéraire, et illustre, à l'aide de sa technique du bois gravé, 78 ouvrages du Livre moderne illustré.  Apres la seconde guerre mondiale sa carrière devient internationale et il participe à de nombreuses expositions d'art français en Suède,  à Londres,  aux États-Unis,  au Canada... où chaque fois il réalise et vend des œuvres dans des styles trés variées qui vont du réalisme au post cubisme.

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René Magritte (1898-1967) - Memory of a Voyage

René Magritte (1898-1967)

 Memory of a Voyage, 1952

 Collection privée

Que voit on ? S'agit-il d'une nature morte ? Dans l'esprit du surréaliste qu'est Magritte  : sans doute pas! mais il n'empêche qu'il s'agit bien d'une pomme et d'une poire (même en béton !)  posées sur une plage devant la mer et les fameux nuages si chers à ce peintre.  Cette image - car comme pour la célèbre Pipe ou pour  La saucisse casquée, il s'agit ici de l'image d'une pomme et de l'image d'une poire non des fruits eux mêmes . Le système Magritte consiste tà prendre des éléments banaux et de les rendre irréels par le traitement qu'il leurs fait subir... ici le béton appliqué à la texture des fruits. Magritte a lui-même argumenté ce système d'une phrase simple : " Je me suis fixé comme défi de transformer le quotidien en non quotidien ." 

Rappel Biographique :  René-François-Ghislain Magritte, est un peintre surréaliste belge.  La peinture de Magritte s’interroge sur sa propre nature, et sur l’action du peintre sur l’image. La peinture n’est jamais une représentation d’un objet réel, mais l’action de la pensée du peintre sur cet objet. Magritte réduisait la réalité à une pensée abstraite rendue en des formules que lui dictait son penchant pour le mystère : « je veille, dans la mesure du possible, à ne faire que des peintures qui suscitent le mystère avec la précision et l’enchantement nécessaire à la vie des idées », déclara-t-il. Son mode de représentation, qui apparaît volontairement neutre, académique, voire scolaire, met en évidence un puissant travail de déconstruction des rapports que les choses entretiennent dans la réalité. Magritte excelle dans la représentation des images mentales.  L’élément essentiel chez Magritte, c’est son dégoût inné de la peinture plastique, lyrique, picturale. Magritte souhaitait liquider tout ce qui était conventionnel. « L’art de la peinture ne peut vraiment se borner qu’à décrire une idée qui montre une certaine ressemblance avec le visible que nous offre le monde » déclara-t-il. La réalité ne doit certainement pas être approchée sous l’angle du symbole. 

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Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779) - Table de cuisine avec marmite de cuivre, chou, égrugeoir et réchaud

Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779)  

Table de cuisine avec marmite de cuivre, chou, égrugeoir et réchaud 1732-1740 

Barnes Foundation  Philadelphia.

Que voit on ? Une composition  aux ustensiles de cuisine qui ressemble beaucoup à la Nature morte avec chaudron, fourneau de terre, poêlon, nappe, chou, pain, deux oeufs, poireau, et trois harengs suspendus à la muraille (1731-33) conservée au  Musée des Beaux-Arts d'Amiens de déjà postée sur ce blog en  2015 (cf. ce lien). Celle de la Barnes Foundation pourrait lui être contemporaine et pourrait même avoir eta son "pendant comme cela se pratiquait assez souvent dans des commandes de tableaux par paire. 

Rappel biographique : Chardin vu par Marcel Proust  dans  Chardin et Rembrandt, écrit en 1895 et publié en premier dans Le Figaro Littéraire, 27 mars 1954 (éd. La Pléiade, Contre Sainte-Beuve, 1971, p. 373) :

« Si je connaissais ce jeune homme, je ne le détournerais pas d'aller au Louvre et je l'y accompagnerais plutôt ; mais le menant dans la galerie Lacaze et dans la galerie des peintres français du xviiie siècle, ou dans telle autre galerie française, je l'arrêterais devant les Chardin. Et quand il serait ébloui de cette peinture opulente de ce qu'il appelait la médiocrité, de cette peinture savoureuse d'une vie qu'il trouvait insipide, de ce grand art d'une nature qu'il croyait mesquine, je lui dirais : Vous êtes heureux ? Pourtant qu'avez-vous vu là ? qu'une bourgeoise aisée montrant à sa fille les fautes qu'elle a faites dans sa tapisserie (la Mère laborieuse), une femme qui porte des pains (la Pourvoyeuse), un intérieur de cuisine où un chat vivant marche sur des huîtres, tandis qu'une raie morte pend aux murs, un buffet déjà à demi dégarni avec des couteaux qui traînent sur la nappe (Fruits et Animaux), moins encore, des objets de table ou de cuisine, non pas seulement ceux qui sont jolis, comme des chocolatières en porcelaine de Saxe (Ustensiles variés), mais ceux qui vous semblent le plus laids, un couvercle reluisant, les pots de toute forme et toute matière (la Salière, l'Écumoire), les spectacles qui vous répugnent, poissons morts qui traînent sur la table (dans le tableau de la Raie), et les spectacles qui vous écœurent, des verres à demi vidés et trop de verres pleins (Fruits et Animaux). Si tout cela vous semble maintenant beau à voir, c'est que Chardin l'a trouvé beau à peindre. Et il l'a trouvé beau à peindre parce qu'il le trouvait beau à voir. »

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Egon Schiele (1890-1918) - Ceramics

Egon Schiele (1890-1918) 

Ceramics, 1918

Private collection 

 Que voit on ?  Une des rares natures mortes d'Egon Schiele qui ne s'est pas beaucoup essayé à ce genre pictural. Ce que cette nature morte de poteries nous révèle laisse bien entendu regretter que nous n'ayons pas plus d'exemples d'incursions (même inavouées) de ce très grand peintre dans ce domaine. Il faut noter que ce tableau a été peint l'année même de sa mort. Le bougeoir sans bougie au premier plan en est-il le symbole ? 

Rappel biographique  : Egon Schiele est un peintre,  poète et un dessinateur autrichien qui a laissé 300 peintures, 17 gravures et lithographies, 2 gravures sur bois, de nombreuses sculptures et 3 000 dessins, aquarelles ou gouaches.

Tout au long de son oeuvre le dessin  se caractérise toujours par sa netteté,  avec un trait marqué, énergique et sûr, parfois même violent. 

 Il est surtout connu pour ses portraits, autoportraits et nus  saisis dans des poses insolites, voire caricaturales, qu'il avait étudié sur certains déments dans un asile psychiatrique, ainsi que sur des positions des marionnettes manipulées.

Il faut préciser  enfin la part allégorique très importante de l'oeuvre de Schiele. Les titres de certains tableaux (Agonie, Résurrection…) et certains de ses propos abondent dans ce sens. Le célèbre tableau, La Famille (1918), affirme cette part allégorique : Schiele se représente avec sa femme et son enfant, alors même qu'il n'est pas encore père et ne le sera jamais, car lui, tout comme sa femme enceinte, meurent de la grippe espagnole avant de voir  naitre l'enfant. Ce tableau non achevé sera son dernier.

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Paul Klee (1879-1940) - Fish Magic

Paul Klee (1879-1940)

Fish Magic, 1925

Private collection 

Que voit-on ?  C'est bien  une nature morte à sujet de poissons même si Paul Klee n'en revendique pas clairement l'appartenance au genre ! Les poissons,  au nombre de six (dont un poisson rouge), flottent dans un espace indéfini qui pourrait êrte aussi le ciel que la mer ou une nappe... Ses six poissons sont accompagnés d'un grand vase de fleurs (en bas à droite de la composition) et de plusieurs autres fleurs isolées mais toujours groupées sur la droite de la composition. 

En bas de cadre : deux personnages appararaissent : un clown coiffé d'un chapeau pointu qui montre le bout se son nez (sur le coin  gauche de la composition) et  une sorte de maîtresse de cérémonie à deux visages qui  semble designer à l'attention du spectateur la scène déroulée au-dessus et à côté d'elle.

Rappel biographique : Le peintre allemand Paul Klee a peint très peu de natures de mortes revendiquées comme telles... une seule de lui étant clairement intitulée : Fruits on red 
Le cheminement peu commun et inclassable que suit son œuvre a posé bien des questions aux critiques d'art de la première moitié du 20e siècle.  Constructiviste au temps du Bauhaus, son oeuvre devient graduellement plus intuitive voir abstraite en tout can plus spirituelle. selon la définition du peintre Antoni Tapies qui écrivait  de lui  : « Klee est en occident un de ces privilégiés qui ont su donner au monde de l'art la nouvelle orientation spirituelle qui manque aujourd'hui où les religions semblent faire faillite. On pourrait voir en lui le parfait représentant de ce que Mircea Eliade  appelle l'unique création du monde moderne occidental. »

Voici l'épitaphe qu'il voulait que l'on grave sur sa tombe  :

Ici repose le peintre Paul Klee, né le 18 décembre 1879, mort le 29 juin 1940.

Ici-bas je ne suis guère saisissable car j'habite aussi bien chez les morts que chez ceux qui ne sont pas nés encore, un peu plus proche de la création que de coutume, bien loin d'en être jamais assez proche. 

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Anne Vallayer-Coster (1744-1818) - Nature morte avec buste de femme, lièvre, faisan, cardons, courges, chou, melon, tomate, et ustensiles de jardinage

Anne Vallayer-Coster (1744-1818)
Nature morte avec buste de femme, lièvre, faisan, cardons, courges, chou, melon, tomate,  et ustensiles de jardinage

 Que voit on  ? On peut difficilement un assemblage d"éléments  plus hétéroclite dans une nature morte classique ?  Devant un arbre sur les marches et la balustrade d'un perron : à l'extrême droite de la composition : un lièvre et un faisan récemment abattus ; plus  bas,  une faucille qui voisine une énorme citrouille, des cardons,  un choux frisé  une tomate (une seule) et un melon duquel perle étrangement mais nettement une goutte de miel  ; au centre de la composition  : un buste de femme encadré de  quelques ustensiles de jardinages (binette, râteau, faulx ...

Rappel biographique : L'artiste peintre française Anne Vallayer-Coster, fille d'un orfèvre connu, fut, en peinture, l'élève de Madeleine Basseporte et de Claude Joseph Vernet.  Elle est admise à l'Académie royale de peinture et de sculpture en 1779 en tant que peintre de natures mortes et elle expose au Salon dès l’année suivante.  Elle devient chef du cabinet de peinture de la reine Marie-Antoinette qui la prit sous sa protection ainsi que son professeur de dessin. Un appartement lui est même attribué au Louvre sous la Grande Galerie. D'abord spécialisée dans le portrait, elle abandonne ce genre pour ce consacrer au nature morte vers la fin de sa vie et s’illustre aussi dans les tableaux de genre et la miniature. Elle poursuit sa carrière avec succès jusqu’à sa mort.

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Gino Severini (1883-1966) - Natura morta e gallo

Gino Severini (1883-1966)
Natura morta e gallo
Private collection

Que voit on ? Une poule vivante au milieu d'une nature morte qui  compacte un ensemble assez hétéroclite composée d'une  verre d'eau (vide)  au citron, une pipe, un instrument de musique, un compotier et une bouteille de vin.

Rappel biographique  : Gino Severini est un peintre italien faisant partie du mouvement futuriste.
Il s'établit à Rome en 1899 oщ il travaille comme employé. Il fréquente l'école libre du nu à l'Académie et suit des cours de dessin le soir а l'Ecole de la Villa Medicis. Il rencontre le peintre Giacomo Balla dont il devient l'élève. Il rencontre également le peintre et sculpteur Umberto Boccioni avec qui il organise en 1905 l'Exposition des Refusés dans le foyer du théвtre Costanzi. Il s'installe а Paris en 1906 et fréquente l'avant-garde artistique. En 1910, il signe le manifeste pour la peinture futuriste avec Marinetti, Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Luigi Russolo et Carlo Carrа. En 1912, il participe а l'exposition des peintre futuristes à la galerie Bernheim-Jeune а Paris et il est prйsent dans les expositions successives des futuristes en Europe et aux Etats-Unis.
Très bon dessinateur, il combine dans son oeuvre la science et l'art, la rigueur et l'imagination, pour atteindre le plus complet bonheur d'expression lorsqu'il lance, entre 1910 et 1915, les valeurs dynamiques du futurisme.
Il manifeste un grand interêt pour la chronophotographie et, pour s'opposer au mimétisme de la peinture traditionnelle, il s'attache dans sa peinture à décomposer les différentes étapes du mouvement
En 1913, il épouse Jeanne (1897-1992), la fille du poète Paul Fort.
Aprиs 1920, il se consacre notamment а l'art sacré et а la mosaîque. Il publie en 1921 un ouvrage intitulé Du cubisme au classicisme. En 1922, il décore de fresques une pièce du Castello di Montegufoni à la demande d'Osbert Sitwell, propriétaire des lieux. Il est l'ami de l'architecte français Auguste Perret. Dans les ann"es 1920, il partage son temps entre Paris et Rome.
En 1956, il ouvre а Paris l’Ecole d'Art italien avec Gio Colucci.

 

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Henri Matisse (1869-1954) - Nature morte au citron

Henri Matisse (1869-1954)
Nature morte au citron, 1917
Barnes Foundation Philadelphia

Que voit-on ? Sur un plateau en céramique blanche de style baroque : un verre d'au (à moitié plein ou a moitié vide selon al formule consacrée !) un citron et une cuillère en argent.  La potion peut se révéler amère ; est-ce celle de la vie ?...
L'utilisation du noir est typique de cette période chez Matisse. Au journaliste Ragnar Hoppe, qui l'avait interviewé en 1919, Matisse expliquait : " Je n’ai jamais été aussi conscient que récemment, de la beauté de la couleur noire, de tout ce qu’elle peut offrir, à la fois comme contraste et en soi ".
Du point de vue de la couleur, cette Nature morte au citron est aussi un  référence à Edouard Manet, que Matisse a toujours admiré. Matisse était fasciné par le caractère définitif du trait de Manet :  " l'application de la couleur en une seule opération, sans retouche ". 

Rappel Biographique : Le peintre français Henri Matisse, chef de file du Fauvisme et figure majeure de l'art du 20e siècle a peint tout au long de sa vie un très grand nombre de natures mortes dans des styles aussi différents que les périodes qu'il a traversées. Il aimait particulièrement ce genre à tel point qu'une de ses toutes premières peintures connues, actuellement conservée au Musée Malraux du Havre (France) est une nature morte, Nature morte au pichet peinte en 1896-97. Les animaux marins, les poissons et les mollusques dont les huitres, fréquents chez Matisse, sont toujours des signes de son évolution vers une peinture simplifiée et synthétique. Son maître, Gustave Moreau lui avait dit avec clairvoyance et d’un léger ton de reproche : « Vous allez simplifier la peinture… » ou encore, « Vous n’allez pas simplifier la peinture à ce point-là, la réduire à ça. La peinture n’existerait plus… ». Il a aussi beaucoup regardé les estampes d’Hiroshige ou d’Hokusaï, dont on retrouve souvent  l’influence chez lui dès lors qu'il s 'agit de peindre la mer et les poissons, mais pas seulement...


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Cuno Amiet (1868 -1961)

Cuno Amiet (1868 -1961)
Stillleben mit drei Orangen, 1907-08
Private collection

Rappel biographique : Cuno Amiet est un peintre suisse, qui reçut une première formation artistique auprès de Frank Buchser, à Feldbrunnen (canton de Soleure) En 1886, il part étudier à l'Académie de Munich où il rencontre Giovanni Giacometti. En 1888, il se rendent tous deux  à Paris. Les deux amis s'inscrivent à l'Académie Julian. S'inspirant de la vie de Paul Gauguin, Cuno Amiet passe une année à Pont-Aven en 1892, où il rencontre les disciples du maître et découvre également les œuvres de Vincent van Gogh. ll y rencontre également Armand Seguin qui l’initie а la gravure. Durant son sйjour en Bretagne, il pose les bases de son art de coloriste.
En 1893, Cuno Amiet retourne en Suisse. En 1897, il fait la connaissance de Ferdinand Hodler. En 1898, il s'installe  à Oschwand, un village bernois qui devient un centre de création et de villégiature artistique dès 1908.
Plsu connu pour ses paysages que pour ses natures mortes, Cunu Amiet, par sa maîtrise de la couleur, a imprimé, après Ferdinand Hodler, une nouvelle impulsion à la peinture suisse. Il fut membre de la Commission fédérale des beaux-arts (1911-1915 et 1931-1932) et du Moderner Bund (1912). En 1919, il fut nommé docteur honoris causa de l'université de Berne.

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Edgar Fernhout (1912 - 1974) - Stilleven met peren

Edgar Fernhout (1912 - 1974) 

Stilleven met peren, 1932.

Rappel biographique : Edgar Richard Johannes Fernhout est un peintre hollandais,  fils de l'artiste Charley Toorop et du philosophe Henk Fernhout.  Comme sa mère et son grand-père, Jan Toorop, il fit essentiellement carrière dans la peinture.  Edgar Fernhout peignit surtout des natures mortes et des portraits.  Beaucoup ont été peints dans le style de sa mère  Charley Toorop, d'autre part amie de Jean Arp, Alexander Calder, Max Ernst et Piet Mondriaan  dont les influences dans l'oeuvre d' Edgar restèrent longtemps visibles.

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Paul Cézanne (1839-1906) - Nature morte avec poires et pommes, pot en céramique bleu et bouteille de vin

Paul Cézanne (1839-1906) 

Nature morte avec poires et pommes, pot en céramique bleu et  bouteille de vin 

(Aquarelle c.1902-1906) 

Morgan Library and Museum 

 Que voit on  ? Ce que décrit précisément le titre, les poires étant relégué a l'arrière plan de la composition et Cézanne ayant pris soin placer le couteau dans le sens précis de la perspective comme dans les règles les plus strictes de la nature morte l'exigeait au 17e siècle.

Rappel historique : Cézanne pratique le dessin au crayon noir pendant toute sa vie, dans des carnets de notes, aussi bien au Louvre que dans la nature. Les aquarelles, qui sont une part importante de son œuvre, sont autant des œuvres abouties que des études.
Les natures mortes sont un de ses grands thèmes favoris qui permettent au peintre de construire ses tableaux, d'approfondir les rapports entre les vides et les pleins, les figures et les fonds. Pour Cézanne, la nature morte est un motif comme un autre, équivalent à un corps humain ou à une montagne, mais qui se prête particulièrement bien à des recherches sur l'espace, la géométrie des volumes, le rapport entre couleurs et formes : « Quand la couleur est à sa puissance, la forme est à sa plénitude », disait-il. Dans ces natures mortes, Cézanne place des objets de peu, faits à la main par l'artisanat local et paysan, et il les peints plus grands que nature en en accentuant les défauts, avec des torchons, nappes, fruits ou fleurs, le tout placé sur un coin de table. Incomprises en leur temps, ses natures mortes sont ensuite devenues l'un des traits caractéristiques de son génie.
Les pommes sont un des éléments, avec les vases, qui forment ses « obsessions picturales ». Pour les philosophes, elles participent à l'établissement de sa personnalité et à sa quête de l'être. Les natures mortes, et notamment les pommes, sont le signe de sa nouvelle conquête picturale.

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Paul Klee (1879-1940) - Fish 1928

Paul Klee (1879-1940)

Fish 1928 

Private collection

Le peintre allemand Paul Klee a peint très peu de natures de mortes revendiquées comme telles... une seule de lui étant clairement intitulée : Fruits on red 
Le cheminement peu commun et inclassable que suit son œuvre a posé bien des questions aux critiques d'art de la première moitié du 20e siècle.  Constructiviste au temps du Bauhaus, son oeuvre devient graduellement plus intuitive voir abstraite en tout can plus spirituelle. selon la définition du peintre Antoni Tapies qui écrivait  de lui  : « Klee est en occident un de ces privilégiés qui ont su donner au monde de l'art la nouvelle orientation spirituelle qui manque aujourd'hui où les religions semblent faire faillite. On pourrait voir en lui le parfait représentant de ce que Mircea Eliade  appelle l'unique création du monde moderne occidental. »

Voici l'épitaphe qu'il voulait que l'on grave sur sa tombe  :

Ici repose le peintre Paul Klee, né le 18 décembre 1879, mort le 29 juin 1940.

Ici-bas je ne suis guère saisissable car j'habite aussi bien chez les morts que chez ceux qui ne sont pas nés encore, un peu plus proche de la création que de coutume, bien loin d'en être jamais assez proche. 

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Ignacio Zuloaga y Zabaleta (1870-1945) - Bodegon con uvas y manzanas

Ignacio Zuloaga y Zabaleta (1870-1945)
Bodegon con uvas y manzanas
Private collection

Que voit on ?  Des pommes et des raisins disposés comme les personnages en action sur une scène de theatre et saisis dans une lumière sanguine de couchant très spectaculaire

Rappel biographique  : Ignacio Zuloaga y Zabaleta, fut l'un des plus importants peintres espagnols de la fin du 19e et du début du 20e siècle. Son père était le remarquable damasquineur Placido Zuloaga dans l'atelier duquel il travailla, enfant, et  où il s'initia au dessin et à la gravure. Sa formation scolaire se fit en France chez les jésuites puis à Madrid et à Rome.
 Il fut principalement connut comme portraitiste de tous les personnages importants de l'Espagne de son temps et comme il était un grand aficionado  pour ses portraits de toreros célèbres ou inconnus et plus rarement pour ses scènes de corrida. Il est aussi l'auteur du portrait du collectionneur d'art Carlos de Beistegui qui est exposé au Louvre, dans la Salle Beistegui au 2eme étage du pavillon Sully ; selon les volontés de son commanditaire ce portrait doit y être exposé en permanence au sein de l'importante  collection de sa donation au Louvre. Zuloaga figure également aux musée d'Orsay.
 Il a peint très peu de natures mortes.

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William Scott (1913-1989) - Still Life (Dish and Eggs) 1947

William Scott (1913-1989) 

Still Life (Dish and Eggs), 1947

Private collection 

 Que voit on ?  Le thème favori de ce peintre (les œufs) est traité ici dans la tonalité monochrome qui était la sienne à la fin des années 1940.  Cette nature morte comme souvent chez lui comporte uniquement des formes rondes et le seul angle que l'on peut éventuellement y trouver (celui de l'entablement en haut à gauche de la composition) est soigneusement arrondi pour éviter d'être un angle droit...

Rappel biographique : le peintre britannique William Scott est à la fois célèbre pour ses natures mortes et ses toiles abstraites. Il séjourna un peu à Pont Aven (France) mais c'est pendant son séjour Etats-Unis où il rencontra Jackson Pollock, Elaine de Kooning, Franz Kline et Mark Rothko qu'il évolua vers l'abstraction. En 1958, il représenta la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise. Ses natures mortes sont généralement la propriété des plus grands musées de la planète. 

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Giovanna Garzoni (1600-1670) - Natura morta con zucche fiori e foglie di vite

Giovanna Garzoni (1600-1670) 

Natura morta con zucche fiori e foglie di vite

(Nature morte a ec fleurs de courges et feuilles de vigne) 

(gouache sur parchemin) 

Palazzo Pitti, Firenze

Rappel biographique : Giovanna Garzoni est sans aucun doute l'une des plus extraordinaires peintres de nature morte de l'Ecole Napolitaine non seulement par sa façon de peindre (par petites touches rapprochées immédiatement identifiable) et par  les supports sur lesquels elle a peint (toujours des petits formats sur parchemin ou papier) que par l'immense  célébrité qu'elle acquit de son vivant,  faisant d'elle, l''une des peintres les plus adulées et les plus demandées de son époque.
Après un premier séjour à Venise entre 1625 et 1630,  où ses premières oeuvres la font immédiatement remarquer de quelques grandes familles de la ville, elle commence très rapidement à travailler pour les grandes cours d'Italie. A Rome, elle reçoit des commandes de la famille Colonna. A Naples, elle entre  au service du vice-roi. Entre 1632 et 1637,  elle est employée par Victor-Amédée Ier de Savoie.... Toutes les cours de la péninsule se l'arrachent et veulent posséder des oeuvres d'elle. Giovanna Garzoni passe d'une cour à l'autre, consciente de sa valeur et de son succès et travaillant toujours pour le plus offrant !
Entre 1642 et 1651, on la retrouve comme peintre de la prestigieuse cour grand-ducale de Florence, où elle restera le plus longtemps, forte de l'infaillible soutient et de l'admiration (presque sans limite) d'une bonne partie de la famille Medicis  Le grand-duc Ferdinand II  de Medicis et son épouse Vittoria della Rovere, son cousin le prince Laurent, et les cardinaux Carlo, Giovancarlo et Leopoldo, furent ses grands admirateurs, et ses soutiens constants, à tel point que les galeries florentines conservent encore aujourd'hui un nombre considérable de ses oeuvres.  Bien avoir quitté la  cour  Florentine pour retourner à Rome en 1650, elle continue à travailler pour elle, comme si un lien indefectible les liait.  C'est ainsi qu'entre  1650 et 1670,  sur  commande de Ferdinand II de Médicis  pour la  Villa di Poggio Imperiale, elle exécuta vingt petits natures mortes absolument qui restent parmi les plus belles  de son époque ;  plusieurs sont aujourd'hui conservées au Palais Pitti à Florence.
En 1666,  Giovanna Garzoni, sans enfants,  légua toute sa succession à l'association romaine de peinture Accademia di San Luca, à condition que celle ci lui fasse construire un  tombeau dans l'église Santi Luca e Martina.  On peut toujours voir aujourd'hui ce monumental tombeau, oeuvre de Mattia de Rossi, à la droite de l'entrée de cette église.
Largement autodidacte,  il est probable que  Giovanna Garzoni ait été influencée par  plusieurs de ses contemporains à commencer par la peintre Fede Galizia mais aussi sans doute par le napolitain Giovanni Battista Ruoppolo ou par  Jacopo Ligozzi (présent dans les collections grand-ducales florentines). Outre ses natures mortes, elle fut aussi  l'auteur d'illustrations botaniques, de petits portraits, de copies de tableaux, privilégiant toujours la technique de la détrempe sur parchemin et les petits formats.

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Fede Galizia (1578-1630) - Alzata d'argento con prugne, pere e una rosa

Fede Galizia (1578-1630)

Alzata d'argento con prugne, pere e una rosa, 1602

Compotier d'argent avec prunes, poires et une rose, 1602

Collection privée

Que voit on ? Une coupe centrée au milieu de la composition comme c'est invariablement le cas dans  toutes les natures mortes de cette grande peintre italienne. Celui-ci, en argent ciselé,   contient des prunes et des pruneaux. Sur l'entablement,  d'une grande sobriété, une poire et une moitié coupée qui commence à montrer des signes d'oxydation pour illustrer le Tempus fugit ou Memento Mori  que toute nature morte doit véhiculer.   Une rose ponctue la  composition exactement comme chez Zurabran ! 

Rappel biographique : Fede Galizia appelée aussi Fede Gallizi est une peintre italienne de l'époque baroque. Elle apprit à peindre  dans l'atelier de son père le peintre miniaturiste Nunzio Galizia, qui travaillait  à Milan. A 12 ans, elle maîtrise parfaitement l 'art de la  gravure. A 20 ans, elle a déjà une réputation de portraitiste qui dépasse les frontières du duché de Milan. En 1596, elle réalise une Judith et sa servante qui lui assure une  notoriété de peintre majeure. Elle exécute plusieurs commandes pour des églises de Milan dont un retable pour l'église Santa Maria Maddelena.
En 1630, elle meurt à Milan de la grande peste qui ravageait alors l'Italie.
C'est en 1965 seulement que Stefano Bottari constitue le catalogue de ses œuvres. A la surprise générale il lui attribue une majorité de natures mortes alors que sa réputation de son vivant était plutôt basée sur les portraits et les sujets sacrés (les plus nobles des genre picturaux de l'époque).
Ses natures mortes d'une très grande simplicité, empreintes du dépouillement prôné par la Contre-Réforme,  font  souvent penser à celles de Zurbaran. Fede Galizia est avec Clara Peeters à Anvers et Louyse Moillon à Paris l'une femmes premières peintres de natures mortes.

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Claude Monet (1840-1926) - Nature morte aux pommes et raisins

Claude Monet (1840-1926)  

Nature morte aux  pommes et raisins, 1879 

Collection particulière

Que voit on ? Des pommes et des raisins  (et sans aucun doute des tomates aussi !) alignés comme des barques en partance sur une nappe blanche plissée dont  la surface est ridée comme celle d'une  d'une mer  amicale.

Rappel biographique : le peintre français Claude Monet, l'un des fondateurs de l'impressionnisme, est surtout connu pour ses paysages et ses portraits.  " La couleur, disait-il " est mon obsession quotidienne, ma joie et mon tourment ".   Claude Monet est l’un des fondateurs de l'impressionnisme. En 1859, il part à Paris tenter sa chance sur le conseil d'Eugène Boudin. Après des cours à l'académie Suisse puis chez Charles Gleyre et la rencontre de Johan Barthold Jongkind, le tout entrecoupé par le service militaire en Algérie, Monet se fait remarquer pour ses peintures de la baie d'Honfleur. En 1866, il connait le succès au Salon de la peinture. Toute cette période est cependant marquée par une grande précarité. Il fuit ensuite la  guerre de 1870  à Londres puis aux Pays-Bas. Dans la capitale anglaise, il fait la rencontre du marchand d'art Paul Durand-Ruel qui lui assurera sa principale source de revenu pendant le reste de sa carrière. Revenu en France, la première exposition des futurs impressionnistes a lieu en 1874. À partir de 1890, Monet se consacre à des séries de peintures, c'est-à-dire qu'il peint le même motif à différentes heures de la journée, à diverses saisons. Il peint alors parfois des dizaines de toiles en parallèle, changeant en fonction de l'effet présent. La fin de sa vie est marquée  par une maladie, la  cataracte, qui affecte son travail.
Monet peint devant le modèle sur l'intégralité de sa toile dès les premières ébauches, il retouche ensuite de nombreuses fois jusqu'à ce que le résultat le satisfasse. Contrairement à ce qu'il affirme, il termine la plupart de ses toiles en atelier, prenant modèle sur les premières peintures d'une série pour peindre les autres. D'un caractère parfois difficile, prompt à la colère comme au découragement, Claude Monet était un grand travailleur qui n'hésitait pas à défier la météo pour pratiquer sa passion. Monet résume sa vie ainsi de la meilleure manière : « Qu'y a-t-il à dire de moi ? Que peut-il y avoir à dire, je vous le demande, d'un homme que rien au monde n'intéresse que sa peinture - et aussi son jardin et ses fleurs ».

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Alexej Von Jawlensky (1864-1941) - Stilleben mit Äpfeln und Violet Fruit Stand

Alexej Von Jawlensky (1864-1941) 

Stilleben mit Äpfeln und Violet Fruit Stand, 1912

Que voit on ? Une des plus belles natures mortes de ce grand peintre russe expressionniste à peu près inconnu en France.  Rappeler que cette oeuvre  a été peinte en 1912, en dit assez sur la capacité imaginative et sur le génie visionnaire de ce peintre  qui a peint plus de portraits et de paysages que que de natures mortes. On la la savourera d'autant plus a sa juste valeur  !   Quand au reste on ne peut qu'être fasciné par cet éclatement de couleurs que Matisse a du adorer lorsqu'il a rencontré Jawlensky à Paris au Salon d'Automne de 1905. 

Rappel Biographique  : Initialement  destiné à devenir militaire, Alexej von Jawlensky poursuit ses études à  l'Ecole des Cadets de Moscou où il a l'occasion de voir pour la première fois une exposition de peinture... c'est un évènement qui va bouleverser sa vie. Il commence dès lors à  peindre et va faire de fréquente visites à la Galerie Tretiakov.
 En 1884 il est nommé lieutenant, en poste à Moscou. Il peint des paysages et la steppe tatare et, en 1898, il obtient son transfert pour Saint-Pétersbourg où se trouve l'Acadйmie impйriale des beaux-arts dont il suit les cours. En 1890, il rencontre Ilia Répine, le grand peintre russe réaliste et romantique de l'époque.  En 1905, il travaille а Carantec, en Bretagne, et grâce а l'intervention de Diaghilev, il envoie six toiles au Salon d'automne qui sont exposées dans la section russe.
A Munich, il fait la connaissance du « nabi » et peintre-moine et mystique Jan Verkade1 et de Paul Sérusier. Il achète en 1908 un tableau de Van Gogh et rencontre le danseur russe Alexandre Sakharoff qui devient son ami intime.
Jawlensky passe ses été à Murnau, dans le sud de la Bavière, dans la « Maison des Russes », en compagnie de Werefkin, Kandinsky, autant de peintres qui font partie des fondateurs de la Nouvelle Association des Artistes de Munich (Neue Kunstlervereinigung Munchen) ou NKVM, qui donne naissance en 1912 au groupe nommé « Der Blaue Reiter » (Le Cavalier Bleu). А cette époque, Jawlensky rencontre Franz Marc et Emil Nolde.
En 1914, première exposition de la Sécession munichoise (Neue Munchner Sezession), puis, après la déclaration de la guerre, Jawlensky se réfugie en Suisse а Saint-Prex. Dans un grand isolement, il commence à peindre la vue qu'il a de sa fenêtre : c'est la série des Variations.
А Zurich, qui est devenu un lieu de rencontre pour les artistes et écrivains européens fuyant la guerre, Jawlensky fait la connaissance de Jean Arp, Wilhelm Lehmbruck et Marie Laurencin. Il commence ses séries des Têtes mystiques et des Visions du Messie. De 1918 à 1921, il s'installe à Ascona et commence la série des Têtes Abstraites. Il rencontre avec le poete Rainer Maria Rilke et le sculpteur Archipenko. En 1921, il quitte Ascona et s'installe à Wiesbaden.
 En 1938, il cesse de peindre.

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William Nicholson (1872-1949), Sun Fish

William Nicholson (1872-1949) 

Sun Fish, 1935

Que voit on ? Un poisson solitaire entouré de blocs de glaces dans un plat en porcelaine blanche  Il semble être posé sur un coin de table et attendre que l'on s'occupe de lui !  Ce sujet est surtout une nouvelle opportunité pour Nicholson de traiter les transparences (ici celles de la glace) dans lesquelles il excelle.

Rappel biographique : Le peintre britannique William Nicholson (1872-1949)  est surtout connu pour les illustrations qu'il a réalisées pour des livres destinés à la jeunesse. Il illustra ainsi notamment Peter Pan de J.M. Barrie. au tournant du 20e siècle. A partir de 1900, encouragé et protégé par Whistler, il se consacre à la peinture et commence d'exposer ses premières toiles, essentiellement des portraits, des natures mortes  et des paysages. Et ce fut une très grande réussite !

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Félix Vallotton (1865-1925) - Anémones et Oranges

Félix Vallotton (1865-1925) 

Anémones et Oranges

Que voit on ? ce que décrit le titre posé sur un tissu qui rappelle certains motifs de Vuillard, recouvrant un bureau sécrétaire dans lequel on aperçoit aussi deux livres.

Rappel biographique : Félix Vallotton, peintre d'origine suisse naturalisé français en 1900, est un artiste à cheval sur deux siècles, deux pays et plusieurs tendances esthétiques, des Nabis à la Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité). S'il est aujourd'hui moins connu en France qu'en Suisse, c'est pourtant à Paris, dans les années 1890, que ses gravures sur bois novatrices lui ont valu une renommée qui s'est rapidement étendue à l'Europe entière. Tout au long de sa vie le " Nabi étranger ", comme il était surnommé, s'est intéressé à une gamme étendue de sujets récurrents - intérieurs, toilettes, nus féminins, paysages, natures morte, rendus étranges par son style lisse et froid, aux couleurs raffinées, aux découpages et aux cadrages audacieux. Et bien qu'il ne fût pas toujours compris par la critique de son temps, Vallotton a su s'imposer comme une figure en vue de la scène artistique parisienne et trouver sa place dans le courant moderne, notamment en participant à de nombreuses manifestations internationales d'avant-garde devenues mythiques. C'est surtout à  partir de 1910, que Félix Vallotton s’intéresse au genre de la nature morte et le transforme dans chacune de ces toiles.

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Alexandre Isidore Leroy de Barde (1777-1828) - Nature morte aux oiseaux exotiques I

Alexandre Isidore Leroy de Barde  (1777-1828)

Nature morte aux oiseaux exotiques I
Musée du Louvre, Paris 

Rappel biographique :  Peintre de natures mortes, de paysages, aquarelliste, collectionneur de curiosités et initiateur des cabinets de curiosités, Alexandre-Isidore Leroy de Barde étudie en 1797 à l'Académie Royale. Le roi Louis XVIII achète certaines de ses toiles et le nomme "Premier peintre d'histoire naturelle". Il voyage dans le monde entier pour rechercher des objets, des minéraux, des fossiles, sa grande passion. Il ouvre, à Paris, un Cabinet de Curiosités constitué de tous ses spécimens d'histoire naturelle (oiseaux, coquillages, animaux, minéraux), de vases et objets d'antiquités et d'objets provenant des mers du Sud (armes, habillement, ustensiles, instruments de marine, de musique). L'artiste expose à la Royal Academy de Londres à partir de 1797, et devient membre de la Société des aquarellistes anglaise. 

Il lègue en 1823, son immense collection à la ville de Boulogne-sur-Mer.

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Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610) dit Le Caravage - Canestra di frutta

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610)  

Canestra di frutta (1594)

 Pinacoteca Ambrosiana, Milano.

Que voit on ? Une des rares, très rares nature mortes de ce peintre majeur du 17e siècle, maître du clair obscur et du traitement des sujets religieux, le plus nobles des genre picturaux d'alors.  Le sujet est banal : des pommes, des raisins, des figues et des poires, le tout dans une nuage de feuillage rongé par les insectes et reposant dans une corbeille d'osier où la maitrise du clair obscur du maitre apparait dans toute sa force. 

Rappel biographique  : Michelangelo Merisi da Caravaggio, en français Caravage ou le Caravage, est un peintre milanais. Son œuvre puissante et novatrice  a révolutionné la peinture du 17e siècle par son caractère naturaliste, son réalisme parfois brutal et l'emploi appuyé de la technique du clair-obscur allant jusqu'au ténébrisme. Il connaît la célébrité de son vivant et il influence nombre de grands peintres après lui, comme en témoigne l'apparition du caravagisme.

Il obtient en effet un succès foudroyant au début des années 1600 : travaillant dans un milieu de protecteurs cultivés, il obtient des commandes prestigieuses et des collectionneurs de très haut rang recherchent ses peintures. Mais ensuite Caravage entre dans une période difficile. En 1606, après de nombreux démêlés avec la justice des États pontificaux, il blesse mortellement un adversaire au cours d'un duel. Il doit alors quitter Rome et passe le reste de sa vie en exil, à Naples, à Malte et en Sicile. Jusqu'en 1610, l'année de sa mort à l'âge de 38 ans, ses peintures sont en partie destinées à racheter cette faute. Toutefois, certains éléments biographiques portant sur ses mœurs sont aujourd'hui revus, car des recherches historiques récentes remettent en cause le portrait peu flatteur qui a été longtemps propagé par des sources du 17e siècle et sur lesquelles on ne peut plus désormais se fonder.
Après une longue période d'oubli critique, il faut attendre le début du 20e siècle pour que le génie de Caravage soit pleinement reconnu, indépendamment de sa réputation sulfureuse. Son succès populaire donne lieu à une multitude de romans et de films, à côté des expositions et des innombrables publications scientifiques qui, depuis un siècle, en renouvellent complètement l'image. Il est actuellement représenté dans les plus grands musées du monde, malgré le nombre limité de peintures qui ont survécu. Toutefois certains tableaux que l'on découvre depuis un siècle posent encore des questions d'attribution.

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Childe Hassam (1859-1935) - A favorite corner

Childe Hassam (1859-1935)

A favorite corner,  1892

Private collection 

Que voit on ?  Ce grand peintre que fut Childe Hassam a peint un nombre extrêmement restreint de natures mortes qu'il traitait toutes comme des paysages, quand il ne les insérait pas l'intérieur de paysages et quelquefois même de portraits... c'est dire le peu de goût qu'il avait pour le genre en tant que tel. Pourtant toutes sont magnifiques.! Comme celle-ci  par exemple ,qui ne veut pas surtout pas dire son nom,  et qui décrit son coin favori avec une accumulation de pots, de fleurs, de flacons,  de pièces de tissus  et de divers objets posés sur un entablement à tréteaux recouvert d'une nappe blanche, le tout posé devant une fenêtre. 

Rappel biographique :  le peintre, graveur, dessinateur, illustrateur et lithographe américain Frederick Childe Hassam est un impressionniste, membre du groupe des Ten American Painters. Peintre de scènes de genre, figures, nus, intérieurs, paysages, paysages urbains, marines, il a aussi bien utilisé  l'huile, la gouache, l'aquarelle ou  le pastel. De 1886 à 1889, il séjourne à Paris  où il étudie l'art à  l'Académie Julian. Ses professeurs sont Gustave Boulanger et Jules Joseph Lefebvre. L'impressionnisme français et l'art de Claude Monet ont une forte influence sur lui. Parmi ses œuvres les plus connues, réalisées à la fin de sa vie, figure la Flag series. Il s'agit d'une trentaine de tableaux qu'il commença en 1916, inspirés par la parade de préparation des engagés volontaires américains pour la Première Guerre mondiale sur la Cinquième avenue. Le tableau le plus célèbre de la série, The Avenue in the Rain (1917), représentant des drapeaux américains et leur reflets sous la pluie, fait partie de la collection de la Maison Blanche. Le président Barack Obama l'avait  fait installer dans le bureau ovale dès le début de sa  présidence. 

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Paul Gauguin (1848-1903) - Nature morte avec mangues

Paul Gauguin (1848-1903)

 Nature morte avec mangues, 1901 

Collection  privée

Rappel biographique : le peintre français Paul Gauguin est un peintre post impressionniste, chef de file bien connu de l'École de Pont-Aven et inspirateur des Nabis. Il est considéré comme l'un des peintres français majeurs du 19e siècle. En 1874, la connaissance qu'il fait de Camille Pissaro et la première exposition du courant impressionniste, l'inclinent à devenir amateur d'art et à s'essayer alors à la peinture. En 1882, il abandonne son emploi de courtier en bourse pour se consacrer uniquement à sa nouvelle passion, la peinture. De janvier à novembre 1884, il s'établit à Rouen où Pissaro vivait également. Pendant ces 10 mois passés à Rouen, il réalise près de quarante tableaux, principalement des vues de la ville et de ses alentours et quelques natures mortes très classiques. Cela ne suffit pas pour vivre et il part avec sa femme et ses enfants dans la famille de celle-ci à Copenhague.
Ses affaires ne vont pas bien et il revient à Paris en 1885 pour peindre à plein temps, laissant femme et enfants au Danemark, n'ayant pas les moyens d'assurer leur subsistance. Il est déchiré par cette situation. Il expose avec les impressionnistes régulièrement de 1876 à 1886.
C'est en juillet 1886 que Paul Gauguin effectue un premier séjour en Bretagne. Il s'installe pour 3 mois à la pension Le Gloanec, à Pont-Aven où vit une colonie d'artistes. Il y rencontre le très jeune peintre (et écrivain) Emile Bernard adepte du " Cloisonnisme ", une technique picturale cernant chaque plan de couleur d'une fine cloison, un peu à la manière de la technique du vitrail ou des estampes japonaises.
Influencé par Emile Bernard et par le courant symboliste, Paul Gauguin renonce à l'impressionnisme pour élaborer, une nouvelle théorie picturale, le " Synthétisme ". Sa recherche va alors dans le sens d'une simplification des formes, il élimine les détails pour ne garder que la forme essentielle, simplification obtenue par l'usage du cerne et de l'aplat de couleur.  Nabis et Synthétistes, inspirés également par Stéphane Mallarmé et les symbolistes littéraires, partageront pendant quelques temps des convictions communes sur la nécessité de libérer la peinture de sa sujétion au réel et de laisser davantage de place à l'idée ou à la symbolique. Maurice Denis, Paul Sérusier, Édouard Vuillard, Pierre Bonnard, Odilon Redon font partie de ce mouvement.
Gauguin retournera en Bretagne en 1889 et 1890, au Pouldu, tout proche de Pont-Aven, deux lieux où chaque été une importante colonie d'artistes tentera d'élaborer une nouvelle peinture. Il y loge à " la Buvette de la Plage " de Marie Henry, en compagnie des peintres Meyer de Haan, Sérusier et Filiger.

En 1891, ruiné, il s'embarque pour la Polynésie, grâce à une vente de ses œuvres dont le succès a été assuré par deux articles enthousiastes d'Octave Mirbeau. Il s'installe à Tahiti où il espère pouvoir fuir la civilisation, tout ce qui est artificiel et conventionnel.
Influencé par l'environnement tropical et la culture polynésienne, son œuvre gagne en force, il réalise des sculptures sur bois et peint ses plus beaux tableaux, notamment son œuvre majeure, aujourd'hui au Musée des Beaux arts de Boston au titre explicite de D'où venons nous? Que sommes sommes, Où allons nous ? qu'il considère lui-même comme son testament pictural. En 1901, il va vivre a Atuona dans les îles Marquises. Il lui semble être au paradis. Il va vite déchanter en se rendant compte des abus des autorités et en essayant de se battre pour les indigènes. Malgré ce combat auprès des autorités, Gauguin reste peu apprécié des Polynésiens en général et des Marquisiens en particulier, qui ont l'impression d'avoir eu affaire à un homme qui s'est servi d'eux, de leur culture ancestrale et surtout des femmes, comme si cela lui était dû. Affaibli, fatigué de lutter, il meurt au printemps 1903. Il est enterré dans le cimetière d'Atuona. La tombe du chanteur Jacques Brel est juste à côté de la sienne.

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Rudolph Thygesen (1880-1953)

Rudolph Thygesen (1880-1953) 

Oppstilling med krukker, karaffel og frukt, 1924

 (Nature morte avec pot, carafe et fruits)

Rappel biographique :  Rudolph Thygesen était un peintre norvégien, élève de Harriet Bailey et de Kristian Zahrtmann à Copenhague en 1901et 1902 mais il semble que ce soit Edvard Munch  qui ait exercé la plus forte influence sur lui  Entre 1906 et 1910, il  se rendit souvent à Paris et se laissa influencer par l'art français de cette époque et en particulier par Paul Gauguin, comme en témoignent plusieurs de ses tableaux de silhouettes de femmes  nues saisies dans des paysages exotiques, peuplés d'une faune et d'une flore pour le moins tropicale.  Il  joua aussi un rôle déterminant dans le domaine des  arts décoratifs à la La Remfabrik d' Oslo.

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Eugène Baboulène (1905-1994) - Bouillabaisse

Eugène Baboulène (1905-1994) 

Bouillabaisse, 1964

Collection particulière

Que voit on ? Tous les ingrédients pour réussir une bonne bouillabaisse, les rougets de roche, les oursins et l'huile d'olive figurant en bonne place sur  le linge de présentation.  Une nature morte  qui est à la fois  un bien précieuses" recette de cuisine " pour qui saura en relever tous les ingrédients. 

Rappel biographique : Eugène Baboulène est ce qu'il était  convenu d'appeler il n'y a pas si longtemps encore (avant que le terme ne devienne presque péjoratif!), un peintre régionaliste.  Présenté  aujourd'hui comme « le plus songeur des figuratifs », il est considéré de nos jours comme un des meilleurs peintres de l’Ecole provençale contemporaine.
Né dans une maison située Place du Pavé d'Amour à Toulon, il resta attaché toute sa vie à ce grand port méditerranéen.  Après l'Ecole des beaux-arts de Toulon, il suit à Paris les cours de Pierre Laurent а l'Ecole nationale des beaux-arts, tout en s'inscrivant а l'Ecole nationale supérieure des arts décoratifs.  De famille modeste, Pour subvenir а ses besoins quotidiens, il travaille comme retoucheur de nuit au journal L'Intransigeant.
Il revient à Toulon en 1931 et vit de son travail de décorateur qu'il exerce aussi bien dans les maisons closes les plus célèbres de  ce port (qui en comptait un très grand nombre) qu'au grand théâtre de la ville.
En 1936, il est nommé professeur de décoration а l'Ecole des beaux-arts de Toulon.  En 1946, ses rencontres avec les grands peintres catalans Antoni Clavé et Antoni Tаpiès vont être déterminantes sur son oeuvre. Il suit leur conseil de délaisser la décoration pour se consacrer uniquement à la peinture.
А partir de 1950, il est présent dans toutes les manifestations artistiques importantes. De nombreuses expositions lui sont consacrées, tant en France (Paris, Nice, Rouen, Nantes, Strasbourg, Le Havre, Bordeaux, Lyon) qu'à l'étranger ( Londres, Oran, Genève, New York, Berlin, Tokyo, Madrid).
l affectionne plus particulièrement les marines et les paysages provenзaux, les ambiances simples et chaleureuses, qu'il peint avec finesse dans des harmonies de couleurs aux tons pastels. Ses natures mortes quoique rares reflètent toutes la force et les couleurs de la Provence.
 En 1979, Il fut élu membre de l'Académie du Var. Une place et une maison de Toulon portent son nom.

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