Maximilian Pfeiler (1656-1746) - Nature morte au Pastèques, Grenades, Figues et Raisins

Maximilian Pfeiler (1656-1746)
Nature morte au Pastèques, Grenades, Figues et Raisins
Palais Fesch, Ajaccio

Que voit-on ?  Exactement ce que décrit le titre à quoi servi avec un raffinement  absolu : raisins présentés dans un linge bordé de dentelles délicates, pastèque découpée "à la tranche" avec un couteau-pelle à manche d'ivoire et non brisée à la main comme cela se pratiquait au XVIIIe siècle...  le tout dans un paysage de montagnes dans le lointain. 

Rappel biographique : Par une curieuse ironie de l'histoire, la biographie de Maximilien Pfeiler, peintre allemand de l'abondance et du faste est très peu documentée ! En 1683 on trouve une première trace de lui comme membre de la Guilde des Peintres à Prague. Puis on le retrouve à Rome où il est actif de 1694 à 1721 uniquement. On sait cependant que tout ce que la Ville éternelle comptait de gens importants lui passa commandes de somptueuses compositions florales ou de natures mortes très extravagantes dont il était un spécialiste reconnu. On sait aussi qu'il fut l'élève de Christian Berentz par lequel il fut très influencé et qu'il collabora avec Francesco Trevisani et Michele Rocca. Bien que la postérité l'ait oublié, sa notoriété de son vivant devait être immense puisque l'on retrouvait ses compositions chez les amateurs d'art les plus éclairés de son temps, comme dans la collection du cardinal Fesch par exemple.

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Maria Blanchard (1881-1932) - Nature morte Cubiste

 

Maria Blanchard (1881-1932)
Nature morte Cubiste
Collection privée

Que voit on ?  Une composition résolument cubiste et qui s'affiche comme telle, comme une sorte de manifeste avec des codes graphiques que l'on retrouve chez tous les grands maîtres du genre et notamment chez Braque, Picasso ou Juan Gris.  On identifie ici une bouteille, un verre à pied, un manche de casserole ou de poële, les deux gordrons d'une verre égaré... 

Rappel biographique : La peintre espagnole María Gutierrez Cueto y Blanchard, plus connue sous le nom de Maria Blanchard, est handicapée dès sa naissance par une très lourde difformité physique, provoquée par une chute de sa mère enceinte. C'est un handicap dont elle souffrira jusqu'à sa mort.  En 1902 avec l'aide de sa famille, elle s'installe à Madrid pou suivre des études de peinture avec notamment Emilio Sala Francés (1850-1910), Fernando Alvarez de Sotomayor (1875-1960) et Manuel Benedito Vives (1875-1963). Après la mort de son père en 1904, sa mère et ses quatre frères la rejoignent à Madrid. En 1909, María Blanchard obtient une bourse pour poursuivre sa formation à Paris. Elle travaille alors auprès du peintre espagnol Hermen Anglada-Camarasa (1871-1959) et de Kees van Dongen. Rentrée à Madrid en 1913, elle partage un moment un atelier avec Diego Rivera, et fait en 1914 la connaissance de Jacques Lipchitz.
Professeur de dessin durant quelques mois à Salamanque, elle peint en 1916 ses premières compositions cubistes et décide cette même année de s'installer définitivement à Paris où elle se fait remarquer par la façon originale dont elle développe l’esthétique cubiste. Maria Blanchard donne en effet à la figure humaine une place inhabituelle dans le cubisme classique.  C'est alors qu'elle se lie d'un profonde amitié avec Juan Gris et André Lhote, faisant un moment partie des peintres soutenus par Léonce Rosenberg dans sa galerie L'Effort Moderne.  À partir de 1920, María Blanchard délaisse le cubisme revient à la figuration.  Avec le décès en 1925 du mécène belge Frank Flaush qui lui assure un contrat et  le décès en 1926 de Juan Gris, Maria Blanchard traverse de longues périodes de problèmes économiques, aggravés par la charge de sa sœur et de ses enfants.
En 1927, elle s'engage dans une crise mystique qui lui fait songer à entrer dans un couvent mais elle en est dissuadée par son confesseur.
Surtout intéressée par la représentation de la figure humaine, elle a cependant peint plusieurs natures mortes, souvent très proches de celles de Juan Gris dans leur composition mais radicalement opposées du point de vue de la palette de couleurs. Son oeuvre est aujourd'hui comme une des plus importantes de la première moitié du 20e siècle et elle est présente dans les collections des plus grands musées d'art moderne de la planète.

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Pablo Picasso (1881-1973) - Pots et fruits

Pablo Picasso (1881-1973)
Pots et fruits, 1908-1909
Huile sur toile,
Barnes Foundation Philadelphia

 
Que voit on ?  Exactement ce que décrit le titre  dans un style qui montre très clairement l'influence africaine et notamment celle de l'art congolais,  sous laquelle Picasso se trouve à cette période de son oeuvre.

Rappel biographique : le peintre espagnol Pablo Ruiz Picasso a commencé à peindre très tôt, au tournant du19e et du 20e siècle et n'a jamais cessé sa production, évaluée aujourd'hui a quelques 50.000 œuvres. Utilisant tous les supports pour son travail, il est considéré comme le fondateur du cubisme avec Georges Braque auquel son nom est lié surtout dans le domaine des natures mortes. Il est considéré comme l'un des plus importants artistes du 20e siècle tant par ses apports techniques et formels que par ses prises de positions politiques et que par l'immensité de sa production tous genres confondus.
A partir des années 1920 ses natures mortes seront très proches, sur la même ligne de conception " cubiste analytique " que celles de George Braque, dont il devient un temps l'intime avant de s'en séparer définitivement. Il y eut une connivence d'inspiration très rare entre ces deux peintres pendant une certaine période de leur vie et en particulier dans le domaine particulier du traitement de la nature morte.
Picasso peint beaucoup d'autres natures mortes après la Seconde guerre mondiale et hors de la période cubiste, mais ce n'est pas un genre qui tient une place aussi essentielle dans son œuvre que dans l'œuvre de Georges Braque.

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Nicolas de Staël (1914-1955) - Bol Gris

 

 

Nicolas de Staël (1914-1955)
Bol Gris, 1954
Huile sur toile, Collection privée.

Que voit on ? Exactement ce que décrit le titre, bien que ke bol soit plus blanc que gris. La palette est résolument monochrome et la touche hésitante entre abstraction et figuration. Un très belle œuvre   de Nicolas  de Staël, minimaliste avant la lettre. 

Rappel biographique : Le peintre français d'origine russe Nicolas de Staël, né baron Nicolaï Vladimirovitch Staël von Holstein, est issu d'une branche cadette de la famille de Staël-Holstein. Plus d'un demi siècle après sa mort, il reste l'un des peintres les plus marquants du 20e siècle posant un problème aux historiens de l'art qui ne savent pas dans quelle catégorie le classer, ce qui doit le réjouir post mortem, lui qui détestait les catégories et les courants.
La réinvention de la figuration opérée par Staël a été mal comprise alors qu'elle anticipait d'une vingtaine d'année l'évolution générale de l'art. Il a « retrouvé le visible sans renoncer aux possibilités expressives et à la liberté d'action qui définissent la peinture contemporaine » alors que Paris perd sa place de capitale des arts, dès les années 1960, sous l'effet du marché de l'art et de la surenchère :
" On y est devenu incapable de discerner le pastiche de l'original " selon Umberto Eco.
Selon Marcelin Pleynet et Michel Seuphor : « ...il faut tenir compte de Nicolas de Staël, vu et revu souvent avec et travers l'avant-garde américaine de années cinquante. Ces nouveaux mouvements d'abstraction suivent le cheminement de Staël, délaissant la peinture gestuelle pour une peinture brossée, voir maçonnée ». Peu exposé de son vivant, son œuvre a donné lieu à de nombreuses manifestations posthumes qui ont confirmé sa stature sur le plan international. " Staël fut le plus puissant créateur de sa génération dans l'École de Paris de l'après-guerre, sur laquelle il a exercé une forte influence Il a été le premier à dépasser l'antinomie abstraction-figuration ".
Nicolas de Staël meurt à 41 ans en se jetant de la terrasse de l'immeuble où il avait son logement et un de ses ateliers à Antibes. L'ensemble de son œuvre s'étend sur 15 années. Il a peint, à partir de 1952, plusieurs natures mortes dont quelques unes sont aujourd'hui conservées et exposées au Musée Picasso d'Antibes à quelques pas de son ancien atelier. Plusieurs sont présentées sur ce blog.

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Pierre Bonnard (1867-1947) - Nature morte aux fruits et café

 

Pierre Bonnard (1888-1890)
Nature morte aux fruits et café
Huile sur toile
Collection privée. 

 

 Que voit on ? Une des plus délicieuses ses nature morte de Bonnard qui soit - et pourtant il en a peint beaucoup de merveilleuses !  Doit on la commenter ou la regarder suffit?

Rappel biographique : le peintre français Pierre Bonnard est connu pour ses peintures de personnages, ses nus, ses portraits, ses paysages animés, ses intérieurs et ses natures mortes de fleurs et fruits. Bonnard est un artiste post-impressionniste, membre du groupe des Nabis qui regroupait autour de Paul Serusier, Paul René Piot, Henri-Gabriel Ibels, Maurice Denis, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Paul Ranson, Jan Verkade, Félix Vallotton, Georges Lacombe, Mogens Ballin, József Rippl-Rónai, Charles Filiger, Adolf Robbi, ainsi que Georges Joseph Rasetti et le sculpteur Aristide Maillol. En réaction à l'impressionnisme, les Nabis veulent libérer leur peinture des exigences du réalisme : « Ensemble, nous avons méprisé l'école et les écoles, les rapins, leurs traditions, leurs farces et leurs bals inutilement nudistes. Ensemble nous nous sommes sérieusement amusés ». Les artistes nabis cherchent des voies plus spirituelles au contact de philosophies et de doctrines nouvelles teintées d'Orient, d'orphisme, d'ésotérisme, et de théosophie. Ils s'appliquent à retrouver le caractère « sacré » de la peinture et à provoquer un nouvel élan spirituel par le seul moyen de l'art.
Une fois devenu célèbre, Pierre Bonnard fut connu pour ne pouvoir s’empêcher de retoucher ses toiles une fois celles-ci achetées et exposées dans un musée. Ses amis appelaient ça « bonnarder » ou « bonnardiser ». Un journaliste relate cette attitude devenue visiblement coutumière. « Au musée de Grenoble et au Musée du Luxembourg, il arriva à Bonnard de guetter le passage d'un gardien d'une salle à l'autre, de sortir d'une poche une minuscule boîte garnie de deux ou trois tubes et, d'un bout de pinceau, d'améliorer furtivement de quelques touches un détail qui le préoccupait. Et, son coup fait, de disparaître, radieux, comme un collégien après une inscription vengeresse au tableau noir. »

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Raimonds Staprans (b.1926) - Still Life With Bottles

Raimonds Staprans (b.1926)
Still Life With Bottles, 1965
Huile sur toile  56.8 x 63.2 cm
Collection privée (Christie's) 

Que voit-on ? Quatre bouteilles impeccablement alignées,  de formes et de couleurs différentes dont il émane une force singulière.

Rappel biographique  : Raimonds Staprans est un artiste et dramaturge bien connu aux États-Unis et dans sa Lettonie natale.  Après avoir vécu en Lettonie occupée et dans un camp de personnes déplacées pendant la Seconde Guerre mondiale, Staprans a immigré aux États-Unis avec sa famille en 1947. Il  étudie l'art à l' Université de Washington sous Alexander Archipenko et Mark Tobey. Puis il déménage dans la baie de San Francisco. où il  commencer des études supérieures à l' Université de Californie, Berkeley  Il  y  étudie avec Hans Hofmann et Karl Kasten, entre autres, et obtient une maîtrise en beaux-arts en 1954. Staprans commence alors à exposer à San Francisco. Il expose actuellement au Hackett Galerie du moulin à San Francisco et à la Peter Mendenhall Gallery à Los Angeles.
Les oeuvres de Staprans sont conservées dans les collections permanentes des Beaux-Arts Museums de San Francisco  du Los Angeles County Museum of Art, du  San Jose Museum of Art et du Portland Art Museum  entre autres. Une rétrospective a eut lieu  au  Pasadena Museum of California Art en mars 2006.
Les natures mortes et les peintures de paysages de Staprans sont remarquables par leur rapport  sensible à la lumière et à la couleur. qui rappelle la manière de Cézanne.  ON n'a pas hesité non plus a comprarer certaines de ces compositions a celles de Nicoals de Stael. Staprans décortique  "l'architecture" des objets quotidiens en utilisant des couleurs explosives et des compositions aplaties, créant une "tension entre la représentation et l'abstraction qui joue avec les attentes des spectateurs."
En 2003, Staprans a reçu la plus haute distinction civile de Lettonie, l' Ordre des trois étoiles  l'équivalent letton de la Médaille présidentielle de la liberté des États-Unis .
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Tamara de Lempicka (1898-1980) - Le moulin a café

Tamara de Lempicka (1898-1980)
Le moulin à café
Huile sur toile, 1941
Musée des beaux Arts de Nantes

Que voit on ? Posé sur un coin de table, un moulin à café mécanique en bois comme il en existait dans la première moitié du 20eme siècle avant que les moulins électriques ne les supplantent ; un broc à eau en métal aux reflets cuivrés, une serviette blanche qui tranche avec la tonalité sombre de l'ensemble. Au mur : un autre serviette ou plutoô un torchon et un petit mot épinglé sur la boiserie du mur, sur lequel figure, en réalité, la signature de l'artiste.

Rappel biographique : Tamara de Lempicka est une peintre polonaise représentative du mouvement Art déco. Fille de Boris Gorski, juif russe, et d'une mère polonaise, son enfance se passe dans un milieu aisé et cultivé entre Saint-Pétersbourg, Varsovie, Lausanne et Paris. En 1920, à l'Académie Ranson à Paris, elle reçoit l'enseignement de Maurice Denis et à l'Académie de la Grande Chaumière celui d'André Lhote. C'est là qu'elle forge petit à petit son style qui, dans une synthèse de l'art maniériste de la Renaissance et du néo-cubisme, va correspondre parfaitement à la mode de son temps. L'envol de sa carrière coïncide avec sa première exposition personnelle à Milan en 1925. En France, elle participe pleinement à la vie artistique et mondaine parisienne où elle rencontre André Gide, Suzy Solidor, de riches industriels, des princes russes émigrés, etc. En 1928, elle installe sa maison-atelier au no 7 de la rue Méchain, dans le 14e arrondissement, conçue par Robert Mallet-Stevens. A partir de 1929, elle expose simultanément en Pologne (médaille de bronze à l'exposition internationale de Poznan), à Paris (dans quatre salons et à la galerie Colette Weil) et aux États-Unis (Carnegie Institute de Pittsburgh).
Tamara de Lempicka occupe une place à part dans l'art du 20e siècle : malgré une production modeste (à peine 150 tableaux dans sa meilleure période, qu'on situe entre 1925 et 1935), ses œuvres évoquent et reflètent le style et la mode des années folles de l'entre-deux-guerres. Avec une stylisation néo-cubiste, ses œuvres, principalement des portraits, se caractérisent par un modelé accentué, des couleurs vives mais dans une gamme restreinte, mises en valeur par des fonds gris ou noirs. La composition très resserrée s'inspire du cadrage cinématographique. Bien que la nature morte ne soit pas sa spécialité, elle en a peint une vingtaine.

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Théodore-Charles-Ange-Coquelin (actif de 1885 à 1901) - Nature morte avec prunes

Théodore-Charles-Ange-Coquelin (actif de 1885 à 1901),
Nature morte avec prunes
Huile sur toile, 15,7 x 26,8 cm
Collection privée

Que voit on ? A peine une douziane de prunes, magnifiquement peintes, dont l'une a été gâtée par le bec d'un oiseau.

Rappel biographique : Théodore Coquelin est un peintre français a peu près sans aucune notoriété dans son pays et dont le travail a été redécouvert lors de la mise en vente publique de certaines d'un lot de ses natures mortes en 2013 aux Etat-Unis puis en Europe. On ignore à peu près tout de sa vie si ce n'est qu'il vécut au 19 e siècle et franchit à peine le seuil du 20e, malgré un style qui rappelle  beaucoup celui de Courbet. Le prix record de cet artiste aux enchères est de 15 450 $ US pour Nature morte aux prunes, vendu à  Grisebach en 2017. Selon Benezit, Le Musée de Tourcoing (MUba)  conserverait une nature morte de Coquelin de même que le Musée Bonnat Helleu de Bayonne.

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Willy Boers (1905-1978) - Bloeiende cactus

Willy Boers (1905-1978)
Bloeiende cactus, 1933
Cobra Museum, Amstelveen.

Willy Boers est un artiste hollandais. Il a suivi une formation de restaurateur mais est devenu un peintre, dessinateur et sculpteur autodidacte. Willy a également créé des portraits, des paysages, des paysages urbains, des natures mortes et de l'art abstrait. Il signait son travail du nom de  «WBoers». Il a été membre du Haagse Kunstkring jusqu'en 1940 et entre 1929 et 1941, il a rejoint la société d'art De Onafhankelijken. En 1946, il fonde, avec Ger Gerrits, le groupe Vrij Beelden qui comprend les artistes Willem van Hussem, Piet Ouborg et Jan Roëde.En 1950, il crée le groupe Creatie. Ses œuvres font partie des collections du Rijksmuseum d'Amsterdam et du Cobra Museum d'Amstelveen.

Vincent van Gogh (1853-1890) - Nature morte aux sabots

Vincent van Gogh (1853-1890)
Nature morte aux sabots
Collection privée

Que voit on ? Toute sa courte vie durant, Vincent Van Gogh fut fasciné par le motif des chaussures, sabots et godillots qu'il peignit beaucoup et dans tous leurs  états... avec une nette préférence pour les états délabrés plutôt que pour le flambant neuf ! Ainsi dans le genre le plus bas de la hiérarchie picturale qu'étaient les natures mortes, Van Gogh choisit) à certains moments de sa vie de peindre (surtout autour de 1888) le sujet le moins noble qui soit et dans l'état le plus pitoyable que l'on puisse imaginer !   Une excellente indication de ce qui pouvait se passer à l'intérieur de sa personne à la fin de sa vie et de la perception du monde qu'il pouvait alors avoir. 

Rappel biographique : Au début du mois de mars 1886, Vincent rejoint son frère Theo à Montmartre, avec l'envie de s'informer sur les nouveautés de la peinture impressionniste. À l'époque, Theo est gérant de la galerie montmartroise Boussod, Valadon & Cie. Seule la connaissance du milieu artistique parisien peut véritablement permettre à Van Gogh de renouveler et d'enrichir sa vision. Cette année-là est celle de la dernière exposition impressionniste que Vincent découvre, et en 1887 doit avoir lieu la première rétrospective de l’œuvre de Millet. Paris se prépare alors à accueillir plusieurs expositions : en plus du Salon, où sont exposées les œuvres de Puvis de Chavannes, Van Gogh visite les salles de la cinquième exposition internationale à la galerie Georges Petit, qui présente des toiles d'Auguste Renoir et de Claude Monet. Ces derniers n'avaient pas souhaité participer à la huitième et dernière exposition des impressionnistes, qui offrait le spectacle d'un groupe déchiré, entre les défections et les nouvelles arrivées, et ouvrait ses portes à la nouveauté du moment, le néo-impressionnisme, avec la toile de Georges Pierre Seurat, Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte. À Paris dans les années 1886-1887, Van Gogh fréquente un moment l’Académie du peintre Cormon, où il fait la connaissance de Henri de Toulouse-Lautrec, de Louis Anquetin, d’Émile Bernard ainsi que de John Peter Russell. Ce dernier réalise son portrait. Il rencontre également, par l’intermédiaire de son frère, presque tous les impressionnistes, en particulier Georges Seurat et Camille Pissarro, ainsi que Paul Gauguin. Dans la boutique du père Tanguy, il devient l'ami de Paul Signac. Sous l’influence des estampes japonaises, ses compositions acquièrent peu à peu davantage de liberté et d’aisance, tandis qu’il s’essaie à la technique de l’aplat coloré. Pissarro l’initie également aux théories nouvelles sur la lumière et au traitement divisionniste des tons. La palette de l'artiste s’enrichit alors de couleurs vives et sa touche s’anime et se fragmente, ceci grâce également à Signac avec qui il travaille en 1887. Exalté par la ferveur du climat artistique parisien, Van Gogh brûle les étapes de son renouvellement artistique grâce à la fréquentation des peintres les plus anticonformistes du moment : il s'essaye au néo-impressionnisme auprès de Signac et Pissarro, enquête sur les profondeurs psychologiques du portrait avec son ami Toulouse-Lautrec, est précocement informé de la synthèse du cloisonnisme par ses compagnons Louis Anquetin et Émile Bernard, et peut apprécier les toiles exotiques réalisées par Gauguin en Martinique. Régénéré par cette modernité, il est prêt à réaliser son rêve méditerranéen, à la recherche de la lumière aveuglante de la Provence, qui fait resplendir les couleurs pures de la nature, étudiées jusque-là dans sa collection d'estampes japonaises. C'est une période très fertile où son art s'oriente vers l'impressionnisme, mais l'absinthe et la fatigue aggravent son état mental. Le 19 février 1888, il quitte Paris....

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Nicolas-Henri Jeaurat de Bertry (1728–1796) - Buste de femme et panier d’osier rempli de feuilles de musique disposés près d’un bureau en marqueterie

Nicolas Henri Jeaurat de Bertry (1728-1796)
Buste de femme et panier d’osier rempli de feuilles de musique disposés près d’un bureau en marqueterie, 1777
Collection particulière

Que voit on ? Exactement ce que décrit le titre très précis donné par le peintre à cette  nature morte d'objets, dont  certains cependant échappent à sa description, comme ce cachet de cire sur un bureau surchargé de documents en tous genres qui vont du Dictionnaire de l'Industrie à une Oraison Funèbre ( si  l'on en juge par ce que l'on lire !).  Nous sommes visiblement dans le bureau de quelqu'un de très affairé et qui n'aime pas avoir froid, la présence d'une  pince à bûches à droite de la composition  attestant de la proximité de la cheminée, que l'on imagine ronronnante.... à moins que ce monsieur ne collectionne les papiers à brûler ! 

Rappel biographique : Fils d’Edme Jeaurat, graveur du Roy, Jeaurat de Bertry a étudié avec son oncle, le peintre Etienne Jeaurat. Il a établi sa réputation dans la nature morte, genre où il excellait, réussissant à saisir les objets de la vie quotidienne avec un détail et une vitalité rappelant le maitre du genre, Chardin, mais pour un critique comme Théodore Lejeune : « Autant Chardin excelle dans le clair-obscur, autant Jeaurat est cru et sec. » Fait remarquable et rare, il a été à la fois nommé et reçu, par accord verbal de l’assemblée, académicien et professeur à l’Académie royale de peinture et de sculpture, le même jour, le 31 janvier 1756, avec deux natures mortes comme morceaux de réception : l’un, Ustensiles de cuisine près d’un petit fourneau en terre allumé qui rappelle l’esprit de Chardin et l’autre ses trophées militaires.
L’année suivante, il a prйsentй au Salon de 1757 trois natures mortes représentant des instruments de musique, une allégorie de la guerre, une de la science, qui ont attiré une critique favorable du Mercure d’octobre : « On a vu avec plaisir trois tableaux de M. Jeaurat de Bertry : ils sont d’une belle imitation et bien grouppés. »
On ignore où se trouvent ses dernières oeuvres, mais le tableau aux instruments de musique, signé et daté de 1756, actuellement dans les collections du musée Carnavalet, semble être le premier de ces trois tableaux au Salon. Quelques natures mortes de la Réunion des Musées Nationaux (dont celui de Cambrai) attribuées un temps par erreur à Chardin et à Henri- Horace Roland de La Porte, l’un contenant même son monogramme "JB", lui ont récemment été réattribués.
En 1761, il est nommé peintre et pensionnaire de Marie Leszczynska et signe ses lettres du titre de « peintre de la Reine ». Reconnu, il quitte Paris pour s’installer Versailles où il résidera jusqu’à la mort de la reine en juin 1768. Le 1er juillet de la même année, il reçoit une pension de 400 livres de gratification annuelle, « en considération des services qu’il a rendus а la feue Reine, pour l’amusement de cette princesse dans l’art de la peinture. » Il repart alors pour Paris d’où il ne sortira plus , exception faite d’un second séjour de quatre ans à la cour.
Pendant la Révolution, il se concentrera sur le portrait, certains de nature satirique voilée, ainsi que sur les constructions allégoriques comportant des portraits, le drapeau tricolore, les pyramides et l’oeil maçonnique. Au Salon de 1796, il expose le Portrait du Citoyen Gelé à l’instant où il reçoit le brevet d’imprimeur de la Gendarmerie nationale. Au même Salon, il expose encore une Vue de la collégiale et du pont de Corbeil, où il évoque sa propre disparition avec un coche descendant passant sous le porche de la collégiale.
Le fait qu'il fut comblé d'honneur par la reine, ne lui valut pas que des amis et l'on fut bien sévère avec ce peintre dont le talent mérite aujourd'hui largement d'être débarrassé des jalousies opportunistes de son époque.
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Rodolphe-Théophile Bosshard (1889-1960) - Nature morte aux citrons et raisins

Rodolphe-Théophile Bosshard (1889-1960)
Nature morte aux citrons et raisins, 1954
Huile sur toile
Collection particulière

Que voit on ? Sur un entablement blanc que (presque) rien ne différencie du fond blanc et dans une atmosphère résolument neigeuse, posées sur une nappe : quelques grappes de raisins motif préféré de ce peintre tout au loàng de ses natures mortes, une verre vide, transparent et cristallin  et des citrons.. seule touche de couleurs qui cette toile qui comme presque toutes autres peintes par Bosshard tendent  vers une évidente recherche de l'abstraction.

Rappel biographique : Rodolphe-Théophile Bosshard est un artiste-peintre suisse qui fut actif à Paris entre les deux guerres mondiales et se spécialisa plutôt dans les nus féminins. Considéré comme une figure majeure de la peinture suisse de la première moitié du 20e siècle, il s' installa à Montparnasse seulement pendant quatre petites années mais pendant lesquelles il attira l'attention des critiques par une peinture originale et novatrice. Il noua des amitiés avec Chagall, Zadkine, Derain ou Lurçat. Beaucoup de ses natures mortes ont des similitudes avec celles de Jean Fautrier qui est son exact contemporain. Après sa période parisienne où il vivait de façon très miséreuse, Bosshard retourne s'installer en Suisse où il mène une carrière prolifique etcouronnée de succès. En 1947, la Galerie Denise René, rue de la Boétie, ramène Bosshard à Paris avec une quarantaine d’huiles, gouaches et dessins. Son style s 'approche alors de l'abstraction. Puis sa passion des voyages et des paysages l’entraîne à Ravenne, à Florence (où il expose en 1953), à Camogli sur la côte Ligure, à Gordes et enfin à Majorque.

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René Magritte (1898 - 1967) - Variante de la Tristesse

René Magritte (1898 - 1967)
Variante de la Tristesse,
Huile sur toile
Perth Fine Art Museum 

 Que voit on ?  Une composition  qui représente une poule regardant un œuf dans un coquetier rose sur fond de paysage de montagne à l'aurore !  Son œuf ? Sans doute ! sinon pourquoi serait elle triste ?

Rappel Biographique : René-François-Ghislain Magritte, est un peintre surréaliste belge. La peinture de Magritte s’interroge sur sa propre nature, et sur l’action du peintre sur l’image. La peinture n’est jamais une représentation d’un objet réel, mais l’action de la pensée du peintre sur cet objet. Magritte réduisait la réalité à une pensée abstraite rendue en des formules que lui dictait son penchant pour le mystère : « Je veille, dans la mesure du possible, à ne faire que des peintures qui suscitent le mystère avec la précision et l’enchantement nécessaire à la vie des idées », déclara-t-il. Son mode de représentation, qui apparaît volontairement neutre, académique, voire scolaire, met en évidence un puissant travail de déconstruction des rapports que les choses entretiennent dans la réalité. Magritte excelle dans la représentation des images mentales. L’élément essentiel chez Magritte, c’est son dégoût inné de la peinture plastique, lyrique, picturale. Magritte souhaitait liquider tout ce qui était conventionnel. « L’art de la peinture ne peut vraiment se borner qu’à décrire une idée qui montre une certaine ressemblance avec le visible que nous offre le monde » déclara-t-il. La réalité ne doit certainement pas être approchée sous l’angle du symbole.

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Richard Diebenkorn (1922 - 1993) - The Table

Richard Diebenkorn (1922 - 1993)
The Table, 1957
Private collection

Que voit on ? Une table nue  recouverte d'une nappe blanche... pour  commencer une onzième année  de natures mortes dans ce blog, en compagnie des plus grands peintres de l'histoire de ce genre  ! 

Rappel biographique : Richard Diebenkorn est un peintre américain du 20e siècle dont le style oscille entre l’abstrait et le figuratif en fonction des périodes qu’il a traversées. Après une première exposition au California Palace of the Legion of Honor à San Francisco en 1948, ses débuts sont associés à l'expressionnisme abstrait et à l'Ecole de San Francisco, mouvement figuratif des années 1950-1960. De 1955 à 1966, il vit à Berkeley (Californie), change de style et devient un peintre figuratif important, dans un genre qui réunit à la fois la manière de Henri Matisse qu’il admire et l'expressionnisme abstrait. Diebenkorn, Elmer Bischoff, Henry Villierme, David Park, James Weeks participent ensemble à une renaissance de la peinture figurative, qu'on appelle l'École de San Francisco (Bay Area Figurative Movement). En 1967, Diebenkorn s'installe à Santa Monica et devient professeur à UCLA. Il installe son atelier dans le même immeuble que son vieil ami Sam Francis. Pendant l'hiver 1966-1967, il revient une nouvelle fois à l'abstraction, cette fois avec une vision très personnelle, un style géométrique qui se démarque clairement de ses débuts de la période expressionniste abstraite. La série Ocean Park, qu’il commence en 1967 se poursuit pendant les dix-huit années suivantes. Elle est devenue la partie de son œuvre la plus célèbre aujourd’hui. Elle se compose d'environ 135 peintures. Basées sur le paysage vu depuis la fenêtre de son atelier, ses compositions abstraites à grande échelle sont nommées d'après une communauté de Santa Monica où il a eu un temps son atelier. A la même époque, il peint aussi ce qu’il appelle des found still life, c’est à dire des toiles d’après ce qu’il trouve sur sa table sans rien retoucher à l’arrangement qu’il voit.
La première rétrospective importante de son oeuvre a eu lieu à la Albright–Knox Art Gallery а Buffalo en 1976 et 1977. En 1989, John Elderfield, conservateur au MOMA (New York) organise une exposition d’oeuvres de Diebenkorn sur papier, qui constitue d’ailleurs la partie la plus prolifique de sa production.
En 2012, l'exposition Richard Diebenkorn : The Ocean Park Series, organisée par Sarah C. Bancroft, a lieu simultanément à la Corcoran Gallery of Art, à l'Orange County Museum of Art et au Forth Worth Museum of Modern Arts de Washington.

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2022 - A Still Life Collection
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Raoul Dufy (1877-1953) - Fleurs

Raoul Dufy (1877-1953)
Fleurs
Aquarelle sur papier
Collection privée (Christie's)

Que voit on ?  Un nature florale de Dufy, qui n'en peignit pas énormément, préférant souvent ne pas isoler ce sujet mais le mêler comme partie de compositions où le paysage avait aussi la part belle.... 

Rappel biographique : le peintre français Raoul Dufy était aussi dessinateur, graveur, illustrateur de livres, créateur de tissus, céramiste, créateur de tapisseries et de mobilier, décorateur d'intérieur, décorateur d'espaces publics et décorateur de théâtre. Raoul Dufy a produit plus 3 000 toiles, 6 000 grandes aquarelles, 6 000 dessins et en a détruit presque autant. Ses natures mortes ne constituent pas l'essentiel de sa production très largement consacrée aux paysages, aux évènements de son temps, aux portraits de femme et surtout... à la musique et aux concerts qu'il est presque parvenu à faire entendre à travers ses toiles. Dessinateur hors pair - certains l'aurait même vu dessiner avec ses deux mains à la fois - c'était aussi un merveilleux coloriste, un coloriste du bonheur et de la magie, tant il est vrai que la joie de vivre et l'ode constante à la vie soutiennent chaque tableau, chaque gouache, chaque dessin. Dufy promène un regard émerveillé sur le monde et nous invite à une fête qui n’a rien de superficiel ou de mondain, comme on l'a dit un peu trop hâtivement. « Si je pouvais exprimer toute la joie qui est en moi ! » disait-il. Il y est largement parvenu, et peu d’œuvres sont une telle invitation à cheminer vers le bonheur... au point qu'elles pourraient presque nous faire croire qu'il existe ! 

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2021 - A Still Life Collection
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Balthasar van der Ast (1593-1657) - Nature morte au paniers de fruits et à la cafetière turque sur une table

Balthasar van der Ast (1593-1657)
Nature morte au paniers de fruits et à la cafetière turque sur une table
Huile sur panneau, 73 x105 cm
Collection privée (France)

Que voit on ? Nous voici donc avec une œuvre du beau-frère  d' Ambrosius Bosschaert publié sur ce blog  précédemment dont van der Ast fut aussi l'éléve. On reconnait  a même touche et la même exigence dans le traitement du détail.

Rappel biographique : Balthasar van der Ast est un peintre néerlandais qui est un des maîtres de l'âge d'or de la peinture hollandaise et notamment dans le domaine des natures mortes. Les collections publiques françaises conservent plusieurs œuvres de de Balthasar van der Ast, les musées du Nord de la France (Lille, Arras Calais, Douai) étant, dans ce domaine, mieux dotés que les autres à l'exception du musée du Louvre. A propos de Balthasar van der Ast, on peut lire dans le Petit Larousse de la peinture (tome 1, p. 84, Paris 1979) : « Curieux de perspective, exécutant raffiné, sensible à l'éclat des tons comme aux nuances de la lumière, préoccupé de recherches décoratives parfois très proches de celles des Flamands Snyders et Adriaen Van Utrecht, il a joué un rôle déterminant dans l'évolution de la nature morte néerlandaise en accordant la même importance aux considérations picturales et au simple naturalisme. J. D. de Heem, son disciple, et plus tard J. Van Huysum lui devront beaucoup. »

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Ambrosius Bosschaert ( 573-1621) - Nature morte de fruits avec une sauterelle

Ambrosius Bosschaert (1573-1621)
Nature morte de fruits avec une sauterelle  vers 1635-40
(FrüchteStillleben mit Heuschrecke)
Huile sur panneau,  49 × 59 cm
Collection privée du marchand d'art Hans M. Cramer

Que voit on ? Une des rares natures mortes de fruits d'Ambrosius Bosschaert qui était plutôt spécialisé dans les natures mortes florales. Pour le titre de cette œuvre, c'est la sauterelle qui est au premier plan  qui retient l'attention du peintre. Sans doute pour sa capacité à détruire l'ensemble des fruits présents sur cette tzble. N'en réchapperaient que le verre de vin et le magnifique plateau en argent, incliné pour l'on puisse y apercevoir les reflets des pommes.

Rappel biographique : Né à Anvers, où il amorce sa carrière, il réside néanmoins la plus grande partie de sa vie à Middelbourg, où sa famille déménage en 1587 à cause des menaces de persécution religieuse. À l'âge de vingt-et-un ans, il devient membre de la Guilde de Saint-Luc de la ville et en devint, plus tard, le doyen. Peu après, il se marie et s'impose comme un spécialiste de la peinture de natures mortes avec des fleurs, qu'il signe de son monogramme AB (le B dans le A). Il devient le fondateur de l'école de peinture de Middlebourg. Son beau-frère Balthasar van der Ast (1594-1657), qui épouse Marie Bosschaert, la sœur d'Ambrosius, est d'abord apprenti dans son atelier, avant d'y travailler à l'égal du maître. Les deux hommes entreprennent d'ailleurs quelques voyages ensemble. Bosschaert se déplace en effet à plusieurs reprises pour obtenir des commandes et travaille notamment à Amsterdam(1614), Bergen op Zoom (1615-1616), Utrecht (1616-1619) et Breda (1619). Son beau-frère Balthasar s'installe définitivement è Utrecht en 1619, où il rencontre le peintre Roelandt Savery(1576-1639), qui entre à peu près au même moment dans la guilde de Saint-Luc d'Utrecht et qui aura une influence considérable sur les Bosschaert. Lorsque Ambrosius Bosschaert meurt à La Haye alors qu'il exécute une commande, Balthasar van der Ast achève le travail. Son style sera poursuivi par ses trois fils Ambrosius II  (1609-1645), Johannes (v. 1610-v. 1650) et Abraham (1613-1643), tous devenus des peintres de compositions florales, ainsi que par son beau-frère Balthasar van der Ast qui aura lui-même un atelier et plusieurs élèves.

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Paul Cézanne (1839-1906) - Nature morte à la Cruche verte

 

Paul Cézanne (1839-1906)
Nature morte à la Cruche verte,
Huile sur toile , 53 x 71cm, vers 1893
Collection privée

Que voit on ? Au-delà de la représentation d'objets et de fruits, c'est surtout le geste du peintre de génie qui transparait dans cette nature morte. Un geste d'esquisse, rapide et souple qui trace sans la moindre hésitation les contours... à la peinture liquide . C'est exactement que disait Le Bail qui avait observé Cézanne commencer ainsi un de ses tableaux . « Il dessinait au pinceau avec l’outremer dilué dans de l’essence de térébentine, mettant en place avec fougue, sans hésitation. » ( (Rewald, Cézanne et Zola, p. 170.) On remarque ici trois tonalités de couleurs : un vert sourd tirant sur le gris, des bruns rougeâtres, et un blanc bleuté . Les fruits qui en chevauchent d’autres sont finis au sommet, ce qui, comme le fait remarquer Chambon dans son blog, "les situe en relation les uns aux autres précisément exactement de la même façon que ce qui conduira Cézanne aux taches de ses derniers paysages". Force est de constater qu'avec cette nature morte peinte comme un paysage, Cézanne est plus proche de l'abstraction que du cubisme ou de l'impressionnisme. L'aurait-il inventée aussi ?

Rappel biographique : Parmi les quelques 900 tableaux et 400 aquarelles que Paul Cézanne, ce sont les natures mortes qui arrivent en tête, et notamment les pommes qui arrivent en tête de ses premières « obsessions picturales ». Pour Cézanne, la nature morte est un motif comme un autre, équivalent à un corps humain ou à une montagne, mais qui se prête particulièrement bien à des recherches sur l'espace, la géométrie des volumes, le rapport entre couleurs et formes : « Quand la couleur, est à sa puissance, la forme est à sa plénitude » disait-il.  Incomprises en leur temps, les natures mortes de Cézanne sont devenues depuis lors l'un des traits caractéristiques de son génie.
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Pieter van Boucle (1610-1673) - Grande nature morte de cuisine

Pieter van Boucle (1610-1673)
Grande nature morte de cuisine
Collection privée

Que voit-on ? Rien ne manque: poissons et leurs poches d'œufs (dans la peinture desquels Van Boucle est un virtuose absolu)  crustacés, légumes,  et sur l'entablement : gibiers à plumes et à fourrure de toute sortes et quartier de bœuf bien persillé. Le reflet d'une époque ou festoyer passait forcément par une abondance de nourriture à disposition. On relève au passage la précision du pinceau, la richesse nuancée de la palette et l'impeccable composition.   

Rappel biographique : Pieter van Boucle (ou Pieter van Bœcle) est un peintre d'origine flamande qui a travaillé durant une longue période à Paris où il est mort. Essentiellement consacré aux natures mortes, son œuvre associe la manière flamande (lumière frontale, opulence, surabondance) et la manière française (délicatesse du pinceau, jeu sur les nuances de couleurs) dans une recherche réaliste. Ses tableaux sont le plus souvent de grandes dimensions et présentent des tables garnies de fruits ou de gibier avec des signes de luxe. Leur attribution est parfois discutée : sa signature PVB (pas toujours présente d'ailleurs) a pu amener à des confusions avec Pieter van Boel ou Pieter Van den Bos par exemple.Certains de ses tableaux comportent des personnages (marchande de légumes, jeune garçon) mais on soupçonne l'intervention d'autres peintres dans ces œuvres. Les compositions assez monumentales de Pieter van Boucle sont aussi souvent animées par des animaux vivants (chat, singe, chien, Nature morte aux fruits, au gibier et à la chèvre) mais le thème des animaux est aussi exploité pour lui-même (Poulailler, Combat de coqs) et surtout sous l'aspect de gibier mort.
Ces toiles aux éléments accumulés (qui ne semblent pas toujours respecter le calendrier des productions : asperges et raisin réunis par exemple) renseignent sur l'alimentation de l'époque en donnant une impression de corne d'abondance. Cependant certaines de ses toiles peuvent être interprétées comme des vanités, par exemple le fruit croqué dans Pommes, poires, pêches, ou dans Perroquet, urnes et fruits sur un entablement en pierre, où l'urne renversée renvoie au thème baroque de la mort cachée dans les plaisirs de la vie. Le thème du panier renversé se retrouve dans plusieurs de ses toiles comme la présence du perroquet associé usuellement à l'idée de couple ou d'épouse, d'autant qu'il ne s'agit pas dans ce tableau d'un perroquet multicolore et flamboyant mais d'un perroquet blanc isolé.

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Pieter Gerritsz van Roestraten (1630–1700) - Nature morte avec tasse de thé

Pieter Gerritsz van Roestraten (1630–1700)
Nature morte avec tasse de thé, 1670–1685
Huile sur toile,  24.8 x 36.6 cm
Museums Sheffield

Que voit-on ? Un sujet très fréquemment traité par ce peintre : des bols à thé en porcelaine chinoise accompagnés d'un somptueux sucrier en argent, d' ne théière en terre cuite laissée. Une cuillère en vermeil et deux gros morceaux de sucre cristal parachève la somptuosité de ces compositions toutes un peu semblables.

Rappel biographique : Le peintre hollandais Pieter Gerritsz van Roestraten a été actif dans le domaine des natures mortes et des scènes de genre pendant la période de ce qu'il est convenu d'appeler l'Age d'or néerlandais. Elève de Frans Hals dont il épousa la fille en 1654, il vécut à Amsterdam avant de déménager à Londres en 1666. Dans cette ville, Roestraten acquit très rapidement la réputation d'être le meilleur peintre de natures mortes à sujet d'orfevrerie qui soit. Sir Peter Lely lui fit un véritable pont d'or pour qu'il abandonne la peinture des portraits qui était sa spécialité à son arrivée à Londres. Et c'est ce qu'il fit pour la somme alors importante de quarante à cinquante livres sterling par tableau.
 

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Piet Mondrian (1872-1944) - Gladiolus

Piet Mondrian (1872-1944)
Gladiolus, c. 1930-33
Huile sur toile  collée sur carton
Collection privée 

 Que voit-on ?  Une nature morte florale de  Piet Mondrian, un genre pictural qu'il alimentera  très régulièrement  tout au long de sa carrière et plus particulièrement entre 1900 et 1930. Dans celle-ci perce déjà son attirance pour l'abstraction, dont il fut un des grands maitres.

Rappel biographique : Dans la structure des peintures datant d'avant 1900, Mondrian vise des effets d'ensemble : effets de lumière, effets linéaires, groupes de troncs d'arbres et branches en contre-jour sont des motifs récurrents. Ce sont des qualités morales qui s'inscrivent dans ces choix de couleurs et ces motifs. L'art de tradition romantique-nordique produisit vers 1900 beaucoup de paysages de sous bois. En octobre 1892, il s'inscrit à l'Académie royale des beaux-arts d'Amsterdam.
Après 1900, les tableaux de Mondrian cherchent à faire voir des idées, et semblent proches du mouvement symboliste. Son nouveau style, comme cristallisé sur des formes-idées, déjà visible dans Passiebloem (Passiflore), vers 1901, s'est manifesté d'autant plus vigoureusement qu'il rencontra en juin 1908 le peintre Jan Toorop, personnage central du Symbolisme hollandais connu par ses curieuses compositions de figures curvilignes très homogènes, comme fondues dans les plissements géologiques du dessin.
Connu pour être un des pionniers de l'abstraction, il écrit dès janvier 1914 écrit : « Je construis des lignes et des combinaisons de couleurs sur des surfaces planes afin d'exprimer, avec la plus grande conscience, une beauté générale. La nature (ou ce que je vois) m'inspire, me met, comme tout peintre, dans un état émotionnel qui me pousse à créer quelque chose, mais je veux rester aussi près que possible de la vérité et à tout extraire, jusqu'à ce que j'atteigne au fondement (qui ne demeure qu'un fondement extérieur !) des choses […]. Je crois qu'il est possible, grâce à des lignes horizontales et verticales construites en pleine conscience, mais sans ‘‘calcul’’, suggérées par une intuition aigüe et nées de l'harmonie et du rythme, que ces formes fondamentales de la beauté, complétées au besoin par d'autres lignes droites ou courbes, puissent produire une œuvre d'art aussi puissante que vraie »

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Ragnar Sandberg (1902-1972) - Skuggan på matbordet, 1941-43- (L'ombre sur la table de la salle à manger 1941-43)

Ragnar Sandberg (1902-1972)
Skuggan på matbordet, 1941-43
(L'ombre sur la table de la salle à manger 1941-43)
Collection privée

Que voit on ?  L'ombre en question est celle d'un feuillage extérieur qui s'agite derrière la fenêtres et qui se projette sur la table de la salle à manger autour de  laquelle se tiennent deux personnages. Couvrant les ombres des feuilles, : une nature morte composée de cinq plats,  deux tasses, une théière et une bouteille.

Rappel Biographique: Ragnar Sandberg est un peintre, dessinateur écrivain et éducateur artistique suédois. Il poursuivit ses études artistiques à l’Ecole de Valand où il fit la connaissance de Nils Nilsson et David Larsson, qui devinrent ses amis proches. Ensemble, ils partirent en voyage aux Indes orientales et au Japon en 1922 en tant que mousse à bord du navire S / S Formosa. Après ses études d'art, il se consacra а la philosophie et aà la littérature, mais Ivan Ivarson l' encouragea à reprendre la peinture. Avec Ivarson, il exposa à la Galerie Moderne de Stockholm en 1933 et avec Evald Bjцrnberg а la galerie d'art de Gцteborg en 1936, mais son art n'attire pas beaucoup l'attention.
Ses premiers succès furent enregistrée lors d'expositions personnelles à la Galerie d'art franco-Sudédoise en 1939 et à la galerie Matthiesen de Londres,
Dans les années 40 et 50 Sandberg fait partie du groupe d'artistes appelé "The Gothenburg Colors ", issu des travaux de Tor Bjurstrцm. Dans ce groupe Sandberg faisait figure d'intellectuel. Parmi ses commandes publiques on peut citer une peinture murale al secco pour la salle de banquet de Lorensberg à Göteborg et une fresque décorative pour le département de zoo-physiologie d’Uppsala. Son oeuvre comporte des paysages de la côte ouest et de la Scanie, des paysages urbains, des personnages, des observations de la réalité et quelques natures mortes. Il est présent dans les plus grands musées du Monde et le Centre Pompidou de Paris lui a consacré une exposition remarquable.

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William John Wainwright (1855- 1931) - Still Life with Mushrooms and Fruits in a Landscape

William John Wainwright (1855-1931)
Still Life with Mushrooms and Fruits in a Landscape
Royal Albert Memorial Museum 

Que voit on? Une mise en scène faussement improvisée de végétaux aux substances actives reconnues : champignons, coquelicots, mûres...  Il s 'agit surtout d'une explosion de couleurs très victoriennes pour une nature morte beaucoup moins académique qu'il n'y parait. 

Rappel Biographique : William John Wainwright (1855-1931) était un peintre britannique qui a passé la majeure partie de sa vie à Birmingham  qu'il n'a quasiment jamais quitté. Formé à la Birmingham School of Art sous la direction d' Edward R. Taylor, il et a commencé sa carrière en tant qu'apprenti dans une entreprise de vitraaux,  Hardman & Co.  En 1879, Wainwright a fondé le Birmingham Art Circle avec quatre autres artistes. Wainwright a été associé à la Royal Birmingham Society of Artists (RBSA) pendant 50 ans jusqu'à sa mort en 1931.

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Edouard Vuillard (1868-1940) - Bouquet de marguerites et de coquelicots

Edouard Vuillard (1868-1940)
Bouquet de marguerites et de coquelicots
Collection privée 

Que voit-on ? Ce que décrit le titre  en effet, comme posé dans une composition que l'on peut sans mal qualifier d'abstraite, bien qu'il s'agisse d'une décor de fenêtre ouverte sur la campagne. Encore un chef d'œuvre... quasiment inconnu de Vuillard.

Rappel biographique : Jean-Édouard Vuillard, connu pour être le fondateur du mouvement Nabis, a peint aussi bien des portraits que des intérieurs, des natures mortes, des compositions murales et des décors de théâtre. Vuillard exposa pour la première fois au Salon des Indépendants en 1901 et au Salon dAutomne en 1903. C'est dans le années 1890 qu'il fit la connaissance des frères Alexandre et Thadée Natanson, les fondateurs de la Revue Blanche, et en 1892, sous leur conseil, il fit ses premières décorations (fresques d'appartements) pour la maison de Madame Desmarais. Plus tard il reçut de nombreuses commandes semblables. En 1895 pour Alexandre Natanson, en 1898 pour Claude Anet, en 1908 pour Bernstein et en 1913 pour Bernheim et pour le Théâtre des Champs Elysées. Les dernières commandes qu'il reçut datent de 1937 (Palais de Chaillot à Paris, avec Bonnard) et de 1939 (Palais des Nations à Genève, avec Maurice Denis, Roussel et Roger Chastel).
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Wayne Thiebaud (1920-2021) - Desk Set, 1971

Wayne Thiebaud (1920-2021)
Desk Set, 1971
Santa Barbara Museum of Art

Que voit on ? Une  nature morte de bureau avec au premeir plan une règle en bois ; au deuxième plan une agraffeuse, un bloc de papier blanc et un stylo à encre dans son reposoir ; à l'arrière plan, un tampon encreur.

Rappel biographique : Le peintre américain d'origine Wayne Thiebaud, dont une célèbre toile avait été publiée au début de ce blog en 2014, est un artiste discret, de plus en plus considéré comme un des artistes majeurs du 20e et 21e siècle aux Etats-Unis.
Le travail de Wayne Thiebaud se caractérise par des peintures d'objets alimentaires de grande consommation, comme des pâtisseries, vues dans des cafétérias. Les experts se sont souvent demandés en examinant l'œuvre de Thiebaud s'il n'avait pas passé beaucoup de temps dans l'industrie agro-alimentaire pour se familiariser avec son sujet ? Et en effet c'est exactement ce qu'il a fait en ayant comme premier emploi un job de serveur à Long Beach, dans le café « Mile High and Red Hot » (Glace et hot-dog). Cet intérêt pour les objets du quotidien, confondus ensuite avec ceux de la culture de masse, associa son nom au mouvement du Pop-Art. Cependant, une fois réduit le tapage médiatique autour du pape du pop art (Andy Warhol), on remarqua - non sans stupeur - que les œuvres de Wayne Thiebaud, effectuées dans les années 50 et 60 étaient légèrement antérieures à celles des autres artistes de cette tendance... de là à lui attribuer une influence définitive comme précurseur de ce mouvement, il n'y avait qu'un pas qui, aujourd'hui, est franchi avec justesse.
Outre les pâtisseries, Wayne Thiebaud a également peint des paysages, des rues, ainsi que des personnages populaires, comme Mickey. Certaines de ses toiles récentes, comme Sunset street (1985) ou Flatland river (1997) sont remarquables pour le traité hyper réaliste, et se rapproche du travail d'un Edward Hopper, qui était tout aussi fasciné par ces scènes du quotidien américain.
Dans sa peinture, Wayne Thiebaud se concentre sur la banalité de façon à suggère l'ironie et la distance vis-à-vis de son sujet.
Wayne Thiebaud se considère comme un peintre, mais paradoxalement pas comme un artiste. C'est un lecteur vorace, qui a l'habitude de lire de la poésie, celle de son poète préféré William Carlos Williams par exemple, à ses élèves.
En septembre 2010, alors qu'il fêtait son 90e anniversaire, Wayne Thiebaud réalisa un dessin pour le 12e anniversaire de Google qui l'afficha sur sa page d'accueil. Le dessin était exécuté dans le style bien reconnaissable de Wayne Thiebaud, et montrait un gâteau sur lequel est écrit Google et où le "l" était remplacé par une bougie.

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Clay Vase with Flowers

 

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Clay Vase with Flowers, 1966.
Huile sur toile , 85 x 70 cm.
Collection privée

Que voit -on ? Sur un entablement de marbre et un fond en contreplaqué (peints tous deux avec une belle maitrise du trompe l'œil) un vase en terre cuite  partiellement vernissée contenant une très belles composition d'arums et d'iris mauves presque noirs.   

Rappel biographique : Yannis Tsarouchis (1910-1989) ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées.
Il a peint cependant quelques nature mortes, aujourd'hui moins célèbres que ses portraits

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Juan van der Hamen y Leon (1596-1631) - Bodegon con uvas, higos y peras en una cuenca lapi lazzuli

 

Juan van der Hamen y Leon (1596-1631)
Bodegon con uvas, higos y peras en una cuenca lapi lazzuli, 1622
Collection privée

Que voit on ? Les compositions sont toutes un peu les mêmes chez ce peintre. Seules les positions des objets des objets varient selon les commandes. Ainsi cette composition qui ressemble à s'y méprendre à la une autre nature morte déjà publiée dans ce blog a ceci pès que la corbeille en osier qui contient le raisin a été remplacé par une somptueuse vasque en bronze et lapis lazzuli...

Rappel biographique : le peintre espagnol Juan van der Hamen y Leon - dont un grand nombre de natures mortes ont été publiées dans ce blog - est surtout connu pour être un maître de ce genre, bien qu'il ait peint aussi des motifs religieux, des paysages et des portraits. Influencé autant par Juan Sanchez Cotan que par la peinture flamande de Frans Snyders dans ses premières natures mortes, il opta finalement pour un naturalisme plus italien et introduisit beaucoup de fraîcheur dans ses compositions. Sa touche est d'une grande délicatesse et d'un absolue précision. Van der Hamen emprunte à Sánchez Cotán le style apparemment sobre de ses compositions mais aussi cette façon systématique de détacher les objets sur un fond sombre et de les éclairer d'une lumière puissante. Les arrangements en quinconces et les ombres portées renforcent l'impression de précision et révèlent que ces compositions sont finalement tout sauf simples ! A partir de 1626, Van der Hamen peint des natures mortes plus complexes que ses premières en plaçant les objets sur différents niveaux. Ce type de composition que l'on retrouve à Rome au début des années 1620 dans les œuvres de Tomasso Salini et d'Agostino Verrocchi, était déjà présent dans les natures mortes de l'Antiquité que l'on découvrira à Pompei et Herculanum au 18e siècle. Les natures mortes de Juan van der Hamen ont exercé une grande influence sur ses contemporains comme Francisco de Zurbarán et plus tard chez des peintres comme Antonio Ponce et Juan Arellano. Une des caractéristiques de la peinture de Van der Hamen, pour laquelle il était surtout connu de son vivant, résidait dans la représentation des coûteuses et luxueuses verreries de Venise ou d'Allemagne. Très préoccupé par l'agencement harmonieux des objets et la représentation précise des textures et des lumières, Van der Hamen livre toujours des compositions très géométriques où les cercles et les sphères ont un rôle primordial.
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James Ensor (1860-1949) - Nature morte au canard

James Ensor (1860-1949)
Nature morte au canard, 1880
Huile sur toile
Triennale Design Museum, Milan.

 Que voit on ? Une magnifique nature mrote d'Ensor... qui en peint beaucoup !  Le canard, dont on le bec jaune au bout du long cou déplumé, trône au centre de a composition dans un plat blanc qui ressemble un peu à un navire en partance sur les flots bleus de cette table de cuisine, patiente dans une lumière presque surréelle en compagnie des navets, carottes et choux et marmite en cuivre....

 
Rappel biographique : Le peintre belge James Ensor se revendiquait du mouvement anarchiste et a laissé une œuvre expressionniste très importante. Il est un des membres fondateurs du groupe bruxellois d'avant garde Les Vingt. En 1898, il est l'un des instigateurs du bal du Rat mort qui a lieu à la fin du carnaval d'Ostende. Ensor doit attendre le début du 20e siècle pour assister à la reconnaissance de son œuvre : expositions internationales, visite royale, anoblissement avec titre de baron, Légion d'honneur ... on le surnomme alors le prince des peintres. Et c'est précisément ce moment qu'il choisit pour abandonner la peinture et consacrer les dernières années de sa vie exclusivement à la musique !
Dans beaucoup de ses tableaux Ensor est fasciné par la lumière d'Ostende, sa ville natale, qui lui inspire des pâleurs secrètes : « La lumière déforme le contour. Je vis là-dedans un monde énorme que je pouvais explorer, une nouvelle manière de voir que je pouvais représenter. »
C'est entre 1887 et 1893 qu'il peint ses plus beaux tableaux : la gamme chromatique prend feu au milieu des nacres translucides des ciels et des marines. Contemporaine de Vincent Van Gogh et d'Edvard Munch, son œuvre contient beaucoup des futures révolutions du Fauvisme au Mouvement Cobra.
Il va s'appliquer à mettre en évidence les aspects grotesques des choses, et s'orienter vers une vision radicale, sarcastique et insolente du monde. Comme chez Pieter Brueghel l'Ancien ou Jérôme Bosch, l'inanimé respire et crie. Ses obsessions et ses peurs jouent un rôle manifeste dans les traits menaçants qu'il attribue aux objets utilitaires, aux revenants et aux masques. Ces derniers, à partir des années 1880 dominent son inspiration et renvoient au carnaval, ce « monde à l'envers », anarchique où les rapports sociaux sont démontrés par l'absurde.
Artiste pluraliste, il l'est également dans son style et ses techniques: toile, bois, papier, carton, couteau à palette, pinceau fin ou spatule… : « Chaque œuvre devrait présenter un procédé nouveau », écrit-il.
Dans un but purement alimentaire, il édite des eaux-fortes, les fameux « biftecks d'Ensor », œuvres purement commerciales mais qui ont fait alors la fierté des marchands de souvenirs. Il réalise aussi des caricatures à la manière de Bruegel et de Bosch.
Par sa prédilection pour les personnages masqués, les squelettes, qui, dans ses tableaux, grouillent dans une atmosphère de carnaval, Ensor est le père d'un monde imaginaire et fantastique qui annonce le surréalisme.
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2021 - A Still Life Collection
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Nicolas de Staël (1914-1955) - Nature morte aux poivrons,

Nicolas de Staël (1914-1955)
Nature morte aux poivrons, 1953
Collection particulière

Que voit on ? Sur une surface partagé en une zone sombre et une zone claire, des taches de couleurs rouges orange et vert  évocatrice de poivrons

Rappel biographique : Le peintre français d'origine russe Nicolas de Staël, né baron Nicolaï Vladimirovitch Staël von Holstein, est issu d'une branche cadette de la famille de Staël-Holstein. Plus d'un demi siècle après sa mort, il reste l'un des peintres les plus marquants du 20e siècle posant un problème aux historiens de l'art qui ne savent pas dans quelle catégorie le classer, ce qui doit le réjouir post mortem, lui qui détestait les catégories et les courants.
La réinvention de la figuration opérée par Staël a été mal comprise alors qu'elle anticipait d'une vingtaine d'année l'évolution générale de l'art. Il a « retrouvé le visible sans renoncer aux possibilités expressives et à la liberté d'action qui définissent la peinture contemporaine » alors que Paris perd sa place de capitale des arts, dès les années 1960, sous l'effet du marché de l'art et de la surenchère :
" On y est devenu incapable de discerner le pastiche de l'original " selon Umberto Eco.
Selon Marcelin Pleynet et Michel Seuphor : « ...il faut tenir compte de Nicolas de Staël, vu et revu souvent avec et travers l'avant-garde américaine de années cinquante. Ces nouveaux mouvements d'abstraction suivent le cheminement de Staël, délaissant la peinture gestuelle pour une peinture brossée, voir maçonnée ». Peu exposé de son vivant, son œuvre a donné lieu à de nombreuses manifestations posthumes qui ont confirmé sa stature sur le plan international. " Staël fut le plus puissant créateur de sa génération dans l'École de Paris de l'après-guerre, sur laquelle il a exercé une forte influence Il a été le premier à dépasser l'antinomie abstraction-figuration ".
Nicolas de Staël meurt à 41 ans en se jetant de la terrasse de l'immeuble où il avait son logement et un de ses ateliers à Antibes. L'ensemble de son œuvre s'étend sur 15 années. Il a peint, à partir de 1952, plusieurs natures mortes dont quelques unes sont aujourd'hui conservées et exposées au Musée Picasso d'Antibes à quelques pas de son ancien atelier. Plusieurs sont présentées sur ce blog.

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