Vladimir Malagis (1902 -1974) - Nature morte au hareng,1925

Vladimir Malagis (1902 1974)
Nature morte au hareng,1925
Huile sur toile, 65 x 53 cm.
State Russian Museum, Saint-Petersbourg

Que voit on ? une composition d'inspiration cubiste mais dont toute figuration n'a pas disparu. Grand talent de coloriste. 

Rappel Biographique  : À partir de 1916, il vécut à saint Petersburg. Il reçut ses premiers enseignement artistiques dans un  atelier privé artisanal sur la Perspective Nevski. Parallèlement, il suit des cours du soir de l' École de la Société pour l'encouragement des arts (1918).
En 1919-1920, il fait  son  service militaire à Moguilev. Il prend des cours de formation avancée d'artistes à l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture de Leningrad (1932-1933)  A partir  de 1924, til travaille pour la maison d'édition "Surf" où il réalise principalement des logos. En 1920 il devient membre de l'Institut décoratif puis entre au conseil d'administration des artistes de Leningrad. Il a peint principalement des  compositions de genre, des paysages, des natures mortes et des portraits.

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Georg Flegel (1566-1638) - Nature morte aux oeillets, orange, friand, noix et un bol de fruits séchés avec chardonnerets

Georg Flegel (1561-1638)
Nature morte avec oeillets, orange, noix et un bol de fruits séchés avec chardonnerets
Collection privée 

Que voit on ? Un bol de fruits séchés que l'on retrouve exactement à l 'identique dans au moins une autre nature morte de Flegel, ICI

Rappel biographique : Le peintre allemand Georg Flegel, est un des peintres majeurs de natures mortes des 16e et 17e siècle. Né en Moravie, il déménage à Vienne,en 1580 et devient l'assistant de Lucas van Valckenborch peintre et dessinateur. En tant qu'assistant, son travail consiste à insérer dans les tableaux de son maître, des éléments " décoratifs " tels que des fruits, des fleurs et des ustensiles de table. Flegel et son employeur déménagent ensuite à Francfort, qui à cette époque là était un centre d'art très important. Puis on retrouve Flegel à Utrecht où il fait partie de la très influente Guilde de Saint-Luc qui compte parmi ses membres des grands maîtres de la nature morte tel que Roelandt Savery et Balthasar van der Ast. Georg Flegel a peint exclusivement des natures mortes, dont certaines très fournies, incluent des animaux, familiers et /ou exotiques, de riches mets, du gibier ou du poisson, des ustensiles de cuisine, de la vaisselle en métal précieux et en porcelaine, des fruits et des fleurs et des friandises. D'autres natures mortes qu'il a peintes détaillent avec la même richesse et le même soin quelques fruits, des coins de table ou des petits déjeuners, des goûters ou des collations modestes avec des bretzels aux formes étranges trempés dans du schnaps. Il fit école et eut parmi ses élèves ses deux fils, Friedrich et Jacob Leonhard, ainsi que le peintre floral Jacob Marrel.

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Isabel Quintanilla (1938-2017) - Glass

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Isabel Quintanilla (1938-2017)
Glass, 1969
Stylo et craton sur papier 34 × 25 cm
Thyssen-Bornemisza National Museum.

Que voit on ? Un verre devant une fenêtre certes, mais surtout une maitrise absolument halluncinante du dessin.

Rappel biographique : Isabel Quintanilla était une artiste visuelle espagnole appartenant au nouveau mouvement de réalisme espagnol. Ses peintures représentent généralement des natures mortes, décrivant des objets simples et des vues de la vie quotidienne, ainsi que des peintures de paysages. Elle était la fille de José Antonio Quintanilla, un commandant républicain espagnol tué par les fascistes dans le camp de concentration franquiste de Valdenoceda. En 1953, à l'âge de quinze ans, elle entre à l'Escuela Superior de Bellas Artes. Elle obtient son diplôme six ans plus tard, en 1959. En 1960, Quintanilla reçoit une bourse et devient stagiaire en illustration à l'Instituto Beatriz Galindo. Peu de temps après, elle épouse le sculpteur Francisco López. En 1982, elle obtient un baccalauréat en beaux-arts de l' Université Complutense de Madrid . Elle a ensuite commencé des cours de dessin dans un atelier organisé par Trinidad de la Torre; après cela, elle a suivi des cours avec Gutiérrez Navas et Maruxia Valero.

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Jan Jansz Treck (1606-1652) - Nature Morte avec Pot Fer Blanc et Deux Bols Ming

Jan Jansz Treck (1606-1652)
Nature Morte avec Pot Fer Blanc et Deux Bols Ming, 1651
Huile sur toile 76,5 cm x 63,8 cm.
National Gallery, London

Que voit-on ?  Une nature morte constituée d'objets. Objets en fer blanc, argent  porcelaine,verre et tissu dont la peinture permet de se livrer à un exercice de style sur les contrastes de textures et de matières. Un sujet et un exerce que Treck a beaucoup pratiqué dans sa carrière au point que certains  tableaux pourraient se confondre les uns avec les autres  comme celui-ci avec celui reproduit ci-dessus ! 

Rappel Biographique  : En 1623 Treck a commencé son apprentissage de peintre de natures mortes chez son beau frère Jan den Uyl. Son style est également  très influencé par celui de  Pieter Claesz Heda et Willem Kalf. En 1643 et 1644 on retrouve Treck poursuivant son apprentissage dans l'atelier d'Abraham Jansz. Sa première œuvre connue est signée et datée de 1641, après la mort de Jan den Uyl. Cependant une œuvre est connue pour comporter les deux signatures, ce qui laisse supposer que Treck ait pu peut-être terminé peintures Den Uyl après sa mort. A partir de1640, il fournit en tableaux  le marchand d'art Hendrick Uylenburgh contre de l'argent et acquiert de ce fait le statut de peintre professionnel. 
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Edouard Manet (1832-1883) - Bouquet de pivoines

 

Edouard Manet (1832-1883),
Bouquet de pivoines, 1881
Huile sur toile
Collection privée (via Sotheby's)


Que voit on ? Bouquet de pivoines est l'un des exemples les plus exquis du groupe  de natures mortes florales que Manet peignit  début des années 1880, mettant en vedette un bouquet luxuriant de fleurs rouges et roses. Les pivoines  qui étaient probablement les fleurs préférées de Manet avaient été  le sujet exclusif de sa première série de natures mortes  florales qu'il peignit dans les années 1860. Sur cette toile, les pivoines, sont disposées ici dans un vase en verre orientalisant, décoré d'une scène japonaise gravée d'un pont et d'un personnage tenant un parasol. Un autre motif asiatique, un dragon d'or, apparaît sur le vase à six facettes de Manet utilisé dans plusieurs tableaux, dont le dernier.

Rappel biographique : Le peintre français Édouard Manet est un peintre majeur de la fin du 19e siècle, initiateur de la peinture moderne qu'il libère de l'académisme, C'est une erreur de considérer Édouard Manet comme l'un des pères de l'impressionnisme : il s'en distingue en effet par une facture soucieuse du réel. Manet n'utilise pas (ou peu) les nouvelles techniques de la couleur et le traitement particulier de la lumière, utilisées par les impressionnistes. Il s'en rapproche cependant par certains thèmes récurrents comme les portraits, les paysages marins, la vie parisienne ou encore les natures mortes, tout en peignant de façon personnelle, dans une première période, des scènes de genre (sujets espagnols et odalisques entre autres). On a beaucoup dit que lorsque Manet avait peint des natures mortes, c'était surtout pour des raisons financières qu'il l'avait fait. Il avouait lui-même avoir plus de facilités à les négocier que ses portraits. Cela ne signifie pas qu'elles aient été d'un intérêt mineur pour lui bien au contraire : la scénographie qu'il impose à ses natures mortes est tout simplement prodigieuse, qu'il s'agisse de solo comme Le citron ou L'asperge ou de mise en scène collectives comme dans Fruits sur la table ou Le Panier de fruits ou d'hommage à d'illustres maitres comme son hommage à Chardin avec La Brioche, 1870 (MET, New York).
Manet aimait authentiquement les natures mortes : « Un peintre peut tout dire avec des fruits ou des fleurs, ou des nuages seulement », affirmait-il. Une part non négligeable de son œuvre est consacrée à ce genre, avant 1870 surtout puis dans les dernières années de sa vie où la maladie l'immobilise dans son atelier. Certains éléments de ses tableaux constituent de véritables natures mortes comme le panier de fruits dans Le Déjeuner sur l'herbe, le bouquet de fleurs dans Olympia ou le pot de fleurs, la table dressée et différents objets dans Le Petit déjeuner dans l'atelier. Il en va de même dans les portraits avec le plateau portant verre et carafe dans le Portrait de Théodore Duret ou la table et les livres dans le Portrait d’Émile Zola. Mais les natures mortes autonomes, qui se revendiquent comme telles, ne manquent pas dans l’œuvre de Manet !
Considérant l'importance de la nature morte chez Manet, beaucoup – et cela dès les années 1890 – y ont vu la marque la plus évidente de la révolution qu'il accomplissait, l'avènement d'une peinture uniquement préoccupée d'elle-même et débarrassée de la tyrannie du sujet. En refusant toute hiérarchie à l'intérieur même du tableau, en donnant autant d'importance à l'accessoire qu'à la figure, Manet assurément rompait avec les règles académiques. (...) Comme Cézanne et comme Monet qu'il influencera, Manet trouvait dans la nature morte, obéissante et disponible, un laboratoire d'expériences colorées dont il répercutait aussitôt les trouvailles dans d'autres compositions ; comme Cézanne et comme Monet, il dit cette curieuse obsession de l'éclatante blancheur et voulut peindre lui aussi ces tables servies avec leurs nappes blanches "comme une couche de neige fraîchement tombée" (Nature morte avec melon et pêches, National Gallery of Art, London). Manet, peintre de natures mortes, a médité les grands exemples anciens, celui des Espagnols et de leurs bodegones, celui des Hollandais et bien sûr celui de Chardin. Dans les années 1860, il joue des franches oppositions du noir et du blanc, bois sombre de la table, éclat d'une nappe ou serviette sur lesquelles il dispose ses notes colorées.
A sa mort, Édouard Manet laisse plus de 400 toiles, des pastels, esquisses et aquarelles. Ses œuvres sont aujourd'hui visibles dans les plus grands musées du monde.

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Alice Néel (1900-1984) - Still life at the window

Alice Néel (1900-1984)
Still life at the window
Private collection

 Que voit on ? Un des sujets favoris de l'artiste quand elle ne peignait pas des portraits (qui reste tout de même son genre de prédilection)  : les nature morte devant la fenêtre. Ici visiblement il s'agit de la fenêtre de son atelier  (la palette  à gauche l'atteste) donnant sur un escalier de seccours et une rue partiellement déserte.  quand à la plante c'est un géranium lierre qui n'a pas encore fleuri...

Rappel Biographique : Alice Néel est une artiste américaine, particulièrement connue pour ses portraits sans fard, qui ne cède à la tentation d'aucun des mouvements picturaux qu'elle a pu traverser dans sa vie (l'impressionnisme lors de sa formation, le surréalisme dans l'entre-deux-guerres, etc.), et qui se démarque aussi des canons habituels de la représentation de la féminité. Elle a peint peu de natures mortes mais toutes sont très fortes et bouleversent les règles établies du genre.
Les peintures d'Alice Néel sont remarquables par leur utilisation de la ligne et de la couleur, leur perspicacité psychologique et leur intensité émotionnelle. Elle a été qualifiée comme l’ « une des plus grands portraitistes du 20e siècle » par Barry Walker, conservatrice d'art moderne et contemporain au musée des beaux-arts de Houston, organisatrice d'une rétrospective de l'artiste en 2010._

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Henri Fantin-Latour (1836-1904) - Pivoines blanches et leur feuillage

 

Henri Fantin-Latour (1836-1904)
Pivoines blanches et leur feuillage
Collection privée

Que voit on ? Ce que décrit le titre: 9 pivoines dnas un cades transaprents laissant apparaitre les titre le feuillage préssé dans l'eau a quoi s'ajoute une pivoine  ui n'a pas rejoint les 9 autres... soit par souci de respecter là règle du  nombre impair de fleurs en vasev, soit qu'elle va être offerte à quelqu'un...

Rappel biographique : Le peintre et lithographe français Henri Fantin-Latour était plus connu de son vivant pour ses portraits de femmes, ses portraits de groupes dont il rénova le style compassé et pour ses peintures allégoriques que pour ses natures mortes, pourtant admirables. Aujourd'hui c'est exactement le contraire ! Membre du groupe dit « de 1863 », puis du Cénacle des Batignolles où l'Impressionnisme serait né, Fantin-Latour fait souvent figure de chaînon entre la peinture romantique et l'impressionnisme. Ses natures mortes, fleurs ou fruits, ont souvent trouvé acquéreur grâce à son ami Whistler qui a attiré en l'attention en Angleterre sur Fantin, à une époque où la peinture impressionniste française était peu appréciée dans ce pays.
Son père Théodore Fantin-Latour fut aussi un peintre de natures mortes, assez similaires à celles de son fils, si bien que attribue régulièrement aujourd'hui à tort des œuvres du père à son fils (mais rarement l'inverse !)
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J. M.W. Turner (1775-1851) - Lecture Diagram, Reflections and Refractions in a Transparent Globe Half-Filled with Water,

J. M.W. Turner (1775-1851)
Lecture Diagram, Reflections and Refractions in a Transparent Globe Half-Filled with Water, 1810.
Watercolour
Private collection

Que voit on ? Quand le grand Turner s'essaie brièvement à la nature morte, cela peut donner ce "Réflexion dans un globe transparent à moitié rempli d'eau. ""

Rappel biographique: Joseph Mallord William Turner, plus connu sous le nom de William Turner ou de ses initiales J. M. W. Turner, est un peintre, aquarelliste et graveur britannique. Initialement de la veine romantique anglaise, son œuvre est marquée par une recherche novatrice audacieuse qui le fait considérer, avec son contemporain John Constable, comme un précurseur de l'impressionnisme. Renommé pour ses huiles, Turner est également un des plus grands maîtres anglais de paysages à l'aquarelle. Il y gagne le surnom de « peintre de la lumière ».   Il a peint très peu de natures mortes  en nature morte, un genre qui ne l'intéressait visiblement pas. La plus grande partie des œuvres de Turner est conservée à la Tate Britain

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Fernand Léger (1881-1955) - Nature morte jaune et bleue

Fernand Léger (1881-1955)
Nature morte jaune et bleue, 1938
Lithographie
Collection privée 

Que voit on ? Un nature morte estivale cubiste et minimaliste à souhait  dans une palette des plus primaires !  " Du Fernand très très léger " comme disait Braque ! 

Rappel Biographique : le peintre français Fernand Léger fut aussi créateur de cartons de tapisseries et de vitraux, décorateur, céramiste, sculpteur, dessinateur, illustrateur. Il a été l’un des premiers à exposer publiquement des travaux d’orientation cubiste. Cet amoureux du modernisme, du machinisme et de l'industrie, va peindre énormément de natures mortes tout au long de sa carrière. Déjà remis au goût du jour par les cubistes, "le genre traditionnel de la nature morte est réinterprété par Léger par le biais de sa théorie de l’objet. Tandis que les surréalistes l’intègrent à leurs œuvres pour sa charge symbolique, lui l’utilise comme point de départ d’une formulation plastique. La nature morte sert de prétexte à l’affirmation radicale de la valeur plastique de l’objet" (voir texte de référence :« Un nouveau réalisme, la couleur pure et l’objet », extrait d’une conférence au MoMA, New York, 1935).
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Chieko Takamura (1886 - 1938) - Fleur dans un vase- collage de papier decoupé

Chieko Takamura (1886 -1938)
Fleur dans un vase
Collage de papiers découpés
Collection privée 

 

Rappel biographique : Chieko Takamura (高村 智恵子), est une poétesse et illustratrice japonaise. En 1903, elle entre à la Nihon Joshi Daigaku à Tokyo, dont elle est diplômée en 1907. Elle pratique la peinture à l'huile et réalise des découpages colorés (cf. ci-dessus). Elle est une des premiers membres du mouvement féministe japonais Seitosha. En 1911, elle fait partie des femmes qui fondent le magazine Seitō dont elle peint l'illustration de la première couverture. Ce magazine, d'abord mode d'expression littéraire pour les écrivains femme se transforme rapidement en forum de discussions sur les questions féministes. Ces femmes font partie de la classe moyenne-supérieure et sont bientôt étiquetées « nouvelles femmes » en raison de leurs opinions et de leurs modes de vie. En février 1914, elle épouse le sculpteur et poète Kōtarō Takamura qu'elle rencontre peu après qu'il soit rentré de France. Ils se séparent en 1929, et en 1931 elle est diagnostiquée avec des symptômes de schizophrénie, maladie pour laquelle elle est hospitalisée en 1935. Elle restera à l'hôpital jusqu'à sa mort de tuberculose en 1938.
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Georges Braque (1882–1963) - Nature Morte avec Palette

Georges Braque (1882–1963)
Nature Morte avec Palette, 1943
Huile sur toile, 60 x 81 cm
SLAM (Saint Louis Art Museum)

Rappel biographique : le peintre français Georges Braque qui fut aussi sculpteur et graveur est le maître incontestable de la nature morte au 20e siècle, genre qu'il a profondément transformé et renouvelé tout au long de sa vie, s'inscrivant (consciemment ou inconsciemment) dans une démarche similaire à celle de Chardin au 18e siècle. Engagé dans le sillage du fauvisme, influencé par Matisse, Derain et Othon Friesz, il peint, à l'été 1906 les paysages de l'Estaque avec des maisons en forme de cubes (Maisons à L'Estaque) que Matisse qualifie de cubistes. A partir de 1909, il entre dans ce que les spécialistes appellent la période du " cubisme analytique ". Les paysages qui prédominaient jusqu'alors dans son œuvre vont céder la place aux natures mortes.
Ce sont principalement des natures mortes d'objets et/ou d'instruments de musiques (violons, guitare, pipe, journaux et magazines, objets divers de décorations intérieurs comme les nappes, les guéridons...) qu'il peint délaissant volontiers les thématiques habituelles du genre (fruits, légumes, pâtisseries, porcelaines). Dès avant la Première Guerre mondiale, sa peinture s'enrichit de combinaisons imprévues, avec une multiplication des facettes. Les formes sont géométrisées et simplifiées. Comme le remarque Bernard Zurcher, dans son ouvrage Braque vie et œuvre : « Si l'on considère que la bataille du cubisme s'est jouée sur le thème de la nature morte, Braque y était le mieux préparé ou plutôt il a été à même, en consolidant chacune des étapes de son évolution, d'aller plus sûrement à ce « signe qui suffit » tel que l'a nommé Matisse »
Entre 1919 et 1939, son style et ses recherches vont évoluer. De son passé cubiste, il conserve la simultanéité des points de vue et il opère une partition des objets et des plans qui les éloignent de tout réalisme. Guitare et nature morte sur la cheminée 1925, et Fruits sur une nappe et compotier, sont caractéristiques de cette évolution. Les objets semblent des accessoires de la composition," l'effort porte sur la couleur". Braque pousse l'usage du contraste encore beaucoup plus loin dans Nature morte à la clarinette, avec des formes qualifiées de « naturalistes » . Avec Le Guéridon, 1928 et Le Grand guéridon, qu'il continue à travailler jusqu'en 1936-1939, Braque opère un long mûrissement des formes. Il retravaille même en 1945 Le Guéridon rouge, commencé en 1939 en réduisant le motif ornemental. Le thème du guéridon revient souvent dans l'œuvre de 1911 à 1952 qui reçoit en 1937 le premier prix de la Fondation Carnegie de Pittsburgh.
Cloîtré dans son atelier pendant toute la durée de la Seconde guerre Mondiale, il refuse toute compromission avec les nazis et le régime de Vichy, malgré les nombreuses propositions qui lui sont faites. Braque se consacre au thème des Intérieurs avec un retour en force du noir qui donne une impression de dépouillement et de sévérité. Pendant cette période, Braque poursuit son sujet favori le nature morte et particulier les natures mortes aux instruments de musique qui n'ont cessé d'apparaître dans ses tableaux depuis 1908 . « L'instrument de musique, en tant qu'objet, a cette particularité qu'on peut l'animer en le touchant, voilà pourquoi j'ai toujours été attiré par les instruments de musique » .
1942 est une année particulièrement féconde pour le peintre qui commence plusieurs toiles sur le thème de la musique, qu'il terminera plus tard comme L'Homme à la guitare (1942), 1942-1961.
A cette époque là il réalise une nature morte à sujet animalier Deux poissons dans un plat avec une cruche, (1949-1941) qui inaugure une série de poissons sur fond noir Les Poissons noirs, 1942, et plusieurs Vanités.
A la Libération, Aimé Maeght devient son nouveau marchand parisien, et publie la première édition des Cahiers G. Braque. En 1948, lorsqu'il présente la série des Billards à la Biennale de Venise, il reçoit le Grand Prix pour l'ensemble de son œuvre. Suit une série d'expositions en particulier au MoMa de New York, qui parachève la reconnaissance internationale de son œuvre immense et essentielle.
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Eugène Delacroix (1798-1863)- Nature morte avec Dahlias

 

Eugène Delacroix (1798-1863)
Nature morte avec Dahlias, 1833
Huile sur toile 26,1 x 41,2 cm
Philadelphia Museum of Arts 

Que voit on ? Un cinq tableaux de fleurs. que Delacroix osa présente au salon de 1849. Habitué du parc du château de Nohant, où l’invitait George Sand, Delacroix y peignit ces natures mortes florales, avant d'acquérir sa propre maison de Champrosay. Comme dans chacune de ces cinq mortes floralse, une des fleur représentée  n'a jamais existé dans la nature ! Une trait d'humour que Delacroix...

Rappel biographique : Le grand peintre romantique français Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix n'est a priori pas vraiment connu pour ses natures mortes et c'est un tort car il en peignit quelques unes de très remarquables ! On lui connait Nature morte aux homards (1826-27) conservée aussi au Louvre à l"époque où il il copiait les maîtres anciens dans les galeries du Louvre. Il peignit aussi plusieurs natures mortes florales dont quelques unes très spectaculaires à partir de 1844, quand il loue à Draveil au lieu-dit Champrosay, une « bicoque » où il se fait installer un atelier de 10 m2. En pleine campagne accessible par le train directement Delacroix vient s'y reposer à l'écart de Paris, où sévit le choléra. Là il peut, accompagné de sa gouvernante Jenny, faire de longues promenades dans la campagne pour soigner sa tuberculose. Il travaille de nombreux paysages, plusieurs vues de Champrosay tant au pastel (musée du Louvre) qu'à la peinture à l'huile (musée du Havre). Il réalise de nombreux tableaux de mémoire suivant ses notes et carnets du Maroc, interprétant des scènes antiques à la mode orientale. Son travail se fait plus intimiste, les tableaux de petite taille sont vendus par les marchands parisiens. Il peint également ses natures mortes florales, souvent composées de fleurs imaginaires, (comme ci dessus) affectionnant particulièrement les lys jaune à cinq pétales. Les relations avec George Sand quoique suivies, se distendent. Après avoir réalisé le portrait de l'écrivain en 1834, Delacroix vient régulièrement à Nohant-Vic où il peint pour l'église de Nohant une Éducation de la Vierge138. Il offre un Bouquet de fleurs dans un vase139 à l'écrivain, qui l'accroche140 au-dessus de son lit, mais quand celle-ci tombe amoureuse du graveur et élève de Delacroix, Alexandre Manceau, Delacroix en prend ombrage d'autant qu'il est opposé à la révolution de 1848 dont Sand a été une des figures. La rupture est consommée. Restent les natures mortes florales qui datant de cette idylle, ont traversé les temps.

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Alexandre Isidore Leroy de Barde (1777-1828) - Minéraux cristallisés

 

Alexandre Isidore Leroy de Barde (1777-1828),
Minéraux cristallisés , 1814
Gouache, aquarelle, papier collé sur toile, 126 x 80 cm
Musée du Louvre, Paris 

Que voit on ?  "Cette aquarelle figure une partie de la collection de minéraux tels qu'ils devaient être présentés dans le cabinet. du vicomte Alexandre Isidore Leroy de Barde. Premier peintre d'histoire naturelle de Louis XVIII, il a peint six aquarelles grandeur nature sur lesquelles figurent certains objets issus de sa collections d'histoire naturelle." ici visiblement une très riche collection de cristaux minéralisés soigneusement rangés dns un meubles formant cabinet de curiosité.

Rappel biographique : Peintre de natures mortes, de paysages, aquarelliste, collectionneur de curiosités et initiateur des cabinets de curiosités, Alexandre-Isidore Leroy de Barde étudie en 1797 à l'Académie Royale. Le roi Louis XVIII achète certaines de ses toiles et le nomme "Premier peintre d'histoire naturelle". Il voyage dans le monde entier pour rechercher des objets, des minéraux, des fossiles, sa grande passion. Il ouvre, à Paris, un Cabinet de Curiosités constitué de tous ses spécimens d'histoire naturelle (oiseaux, coquillages, animaux, minéraux), de vases et objets d'antiquités et d'objets provenant des mers du Sud (armes, habillement, ustensiles, instruments de marine, de musique). L'artiste expose à la Royal Academy de Londres à partir de 1797, et devient membre de la Société anglaise des aquarellistes.
Il lègue en 1823, son immense collection à la ville de Boulogne-sur-Mer.

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Albert de Belleroche (1864-1944) - Nature morte au Trépieds

Albert de Belleroche (1864-1944)
Nature morte au Trépieds, 1890
Collection privée

 Que voit on ? Belleroche fut lme maitre des contrastes et des oppositions de texture comme on peut le voir dans d'autres antures mortes publiées dans ce blog. Ici, contraste en la matité du  bois et la brillance du cuivre.

Rappel biographique : Albert Gustavus de Belleroche est un peintre britannique de lointaine ascendance française qui a été formé et a vécu une grande partie de sa vie en France. Il est le descendant d’une famille de la vieille noblesse protestante française, qui a fui la France en 1685 après la révocation de l'Edit de Nantes, pour s'installer en Angleterre.
En 1867, à la mort du père, le marquis Edward Charles de Belleroche, la famille déménage à Paris. Sa mère Alice (né ou van den Bergh, originaire de Bruxelles) se remarie en mars 1871 avec l'impécunieux William Harry Vane Milbank (1848-1892), beaucoup plus jeune qu'elle et petit-neveu du duc de Cleveland. Elle tient un salon dans son appartement de l'avenue Montaigne où elle reçoit notamment le Prince de Galles. Elle se fait portraiturer par Edouard Dubufe en 1874. Son mari commande en 1877 à Carolus-Duran (1837-1917) un portrait de sa femme. Au cours de la visite du peintre, on lui montre les dessins du jeune Albert qui a treize ans et le maître l'invite à étudier plus tard dans son atelier où ont étudié John Singer Sargent et Maximilien Luce. C'est chose faite en 1882. Carolus-Duran vénère le style de Vélasquez. Belleroche finit par quitter l'atelier trop académique de Carolus-Duran. Il fait la connaissance à Montmartre de Renoir, Degas, Toulouse-Lautrec et peint même Mata-Hari. Belleroche a peint un portrait de Toulouse-Lautrec en 1882, lorsque celui-ci étudiait а l'atelier de Fernand Cormon, et a partagé avec lui la même passion pour Lili Grenier, leur modèle favori et qui devient sa maîtresse pendant dix ans.
Il est ami depuis 1882 avec Sargent (qui a fait plusieurs portraits de lui) et s'inspire de sa technique au pastel. En 1903, Belleroche expose avec les derniers Impressionnistes au Salon d'Automne. En 1904, une salle entière lui est dédiée. Renoir l’appelait « le peintre des femmes décoiffées. »
Une grande exposition lui a été consacrée à Londres en 2007. Sa famille a légué une partie de ses œuvres au musée Brangwyn-Belleroche d'Orange.

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Giorgio Morandi (1890-1964) - Nature morte, 1920

Giorgio Morandi (1890-1964)
Nature morte, 1920
Pinacoteca di Brera, Milan

Que voit-on ? Une composition un peu inhabituelle de Morandi que l'on peut considérer comme une composition de jeunesse, dans laquelle  les objets apparaissent sur un guéridon. Chacun des objets est d'ailleurs ici précisément dessiné et affecté à un rôle, comme le compotier qui contient un fruit, ce qui ne sera plus le cas dans les futures toiles de ce maître italien qui, tout en privilégiant la représentation des formes, tendra vers l'abstraction.

Rappel biographique : Le peintre italien Giorgio Morandi bien que qualifié de futuriste ne peut être identifié à aucun mouvement pictural du 20e siècle en particulier. Ayant peint de très nombreuses natures mortes, l’œuvre de Cézanne représente évidemment une influence majeure pour lui ; il lui emprunte la monumentalité des formes et les zones denses de couleurs. Mais simultanément, il développe une approche beaucoup plus intime de l’art. Les natures mortes de Giorgio Morandi représentent des objets toujours ordonnés avec soin sur une table dans l'atelier, pour être observés et peints. Ces objets qu'il a lui même achetés chez des brocanteurs, qui lui ont été donnés par des amis ou qu'il a ramassés dans la rue, sont facilement identifiables de toile en toile ; ce sont des bouteilles, cubes, entonnoirs auxquels viennent se mêler, à l'occasion mais rarement, un coquillage ou un fruit ou d'autres éléments plus incongrus (savons, blocs de bois... ). Le positionnement des objets dans le cadre est réalisé avec une attention particulière portée à la " géométrisation" de l'espace qui peut alors se lire en carrés et diagonales. Un lent travail de maturation est mis en œuvre par le dessin et la peinture par reprises successives, superpositions de couleurs faites d'une pâte ample avec des dégradés de gris d'une extrême sensibilité, qu'amplifie une sorte de délectation morose.

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César (César Baldaccini, 1921-1998) - Cafetières

César (César Baldaccini, 1921-1998)
Cafetières
MAC (Musée d'Art Contemporain de Marseille)

Que voit on ? Une des très nombreuses représentations de cafetières rouillées, écrabouillées, compressées, criblées ou même explosées... que le sculpteur César réalisa en hommage aux natures mortes d'objets de  Giorgio Morandi dont plusieurs exemplaires ont déjà été publiés dans ce blog. 

Rappel biographique : Le sculpteur français César Baldaccini, dit César, fait partie des Nouveaux réalistes, mouvement né en 1960. À partir de cette date, César centre son travail sur la technique de la « compression dirigée », qui devient sa marque de fabrique : à l'aide d'une presse hydraulique, il compresse des objets divers. Sa première Compression date de cette année 1960 et signe son admission au groupe des Nouveaux Réalistes qu’avait fondé (la même année) Pierre Restany avec Yves Klein, Jean Tinguely, Arman, Daniel Spoerri, Martial Raysse, Christo, Niki de Saint-Phalle, Raymond Hains, Jacques de La Villeglé, Mimmo Rotella. Excepté Yves Klein.
Tous ces artistes réalisent leurs œuvres avec des matériaux existants, neufs ou de récupération et des déchets qu’ils utilisent tels quels ou qu’ils transforment, dans un style et avec une démarche souvent proches du dadaïsme et en particulier de l’art de Kurt Schwitters. Le groupe des Nouveaux réalistes a beaucoup à voir avec les artistes britanniques et américains du mouvement du Pop Art, qui puisent effectivement, pour Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton et Robert Rauschenberg, aux mêmes sources.

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Bartholomeo Bettera (1639-1688) - Nature morte avec Luth, Violoncelle, Guitare, Manuscrits et Livres sur une Table

 

 

Bartholomeo Bettera  (1639-1688)
Nature morte avec Luth, Violoncelle, Guitare, Manuscrits et Livres sur une Table
Collection Privée

Que voit on ? Une composition d'une grande originalité comme beaucoup de toiles de ce peintre baroque qui propose souvent des pêle-mêles d'objets et en particulier d'instruments de musique toujours entremêlés de façon à ce qu'il ne soient pas immédiatement reconnaissables, comme s'il s'agissait pour lui de donner à deviner ou plutôt dans ce cas d précis à déchiffrer sa composition.

Rappel biographique : Le peintre italien originaire de Bergame, Bartolomeo Bettera a séjourné à Rome ainsi qu'à Milan où il demeura probablement jusqu'à sa mort survenue à la fin du 17e siècle. Dans le domaine des natures mortes, Bartolomeo Bettera est assez proche du style d'Evaristo Baschenis dont il s'inspira beaucoup pour certains thèmes, et avec lequel on l'a souvent confondu, notamment dès qu'il s'agit de représentations d'instruments de musique. Les compositions non signées de Bettera provoquent d'ailleurs souvent des erreurs d'attribution avec Evaristo Baschenis, bien que les deux styles puissent être clairement différenciés : couleurs plus opaques pour l'un ou regroupement des objets plus compact et rendu des tissus et des draperies moins raffiné pour Bettera. Néanmoins, la plupart des travaux de Bettera sont signés avec deux initiales séparées par une petite croix (B x B). C'est un formidable inventaire de l'instrumentarium de leur époque que ces deux peintres ont, en tout cas, permis de dresser à travers leurs oeuvres respectives

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Childe Hassam (1859-1935) - The Terre Cuite Set For French Tea

Childe Hassam (1859-1935)
The Terre Cuite Set For French Tea
Private collection

 Que voit on ? Un thé dans un jardin sur une table recouverte d'une nappe blanche aux plis visibles et dressée pour deux personnes, bien qu'une seule personne soit présente  autour de la table.  Si l'on sen réfère au titre, c'est surtout le service a thé en terre cuite vernissée qui est l'attraction principale de cette toile de Childe Hassam, dont tout, des frondaisons du jardin secouées par un vent léger que l'on perçoit agitant le feuillage à la lumière  d'été qui baigne l'ensemble compose une toile éminemment impressionniste.   

Rappel biographique : le peintre, graveur, dessinateur, illustrateur et lithographe américain Frederick Childe Hassam est un impressionniste, membre du groupe des Ten American Painters. Peintre de scènes de genre, figures, nus, intérieurs, paysages, paysages urbains, marines, il a aussi bien utilisé l'huile, la gouache, l'aquarelle ou le pastel. De 1886 à 1889, il séjourne à Paris où il étudie l'art à l'Académie Julian. Ses professeurs sont Gustave Boulanger et Jules Joseph Lefebvre. L'impressionnisme français et l'art de Claude Monet ont une forte influence sur lui. Parmi ses œuvres les plus connues, réalisées à la fin de sa vie, figure la Flag series. Il s'agit d'une trentaine de tableaux qu'il commença en 1916, inspirés par la parade de préparation des engagés volontaires américains pour la Première Guerre mondiale sur la Cinquième avenue. Le tableau le plus célèbre de la série, The Avenue in the Rain (1917), représentant des drapeaux américains et leur reflets sous la pluie, fait partie de la collection de la Maison Blanche. Le président Barack Obama l'avait fait installer dans le bureau ovale dès le début de sa présidence.

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Alexandre-François Desportes (1661-1743) - Un panier de prunes sur une corniche

Alexandre-François Desportes (1661-1743)
Un panier de prunes sur une corniche
Huile sur toile, 40 x 53.1 cm
Collection privée (Christie's 2019)

Que voit on ? Ce que décrit le titre avec précision... et une prune échappée du panier, qui reste sur le bord de la corniche et offre à l'œil ravi du spectateur une nuance supplémentaire de couleurs de ce fruit qui est une symphonie de couleurs en soi.

Rappel biographique : Issu d’une famille modeste, Alexandre-François Desportes à ne pas confondre avec Nicolas Desportes ou Jean Desportes, deux autres peintres de nature mortes ayant vécu à la meme époque) était destiné à être paysan mais, à la suite d’une longue période de convalescence, il s’initia au dessin et acquit peu à peu une grande maitrise de cette technique. Il devint l’élève de Nicasius Bernaerts d'origine flamande, alors membre de l’Académie royale et spécialisé dans la peinture animalière et de Frans Snyders, il s’est largement imprégné de la tradition flamande. Au cours de ses premières années, il découvrit ainsi la peinture flamande dont il va subir l’influence tout au long de sa carrière. A la mort de Bernaerts, Desportes ne se fia plus qu’à la nature. En 1695-1696, il fut nommé portraitiste à la cour de Pologne avant d’être rappelé en France où il abandonna le genre du portrait pour se consacrer presque exclusivement à la peinture animalière. Reçu à l’Académie royale en 1699, il participa à la décoration de la ménagerie de Versailles. Outre la peinture animalière, Alexandre-François Desportes se distingua aussi par ses natures mortes où il excella véritablement. On y perçoit l’approche réaliste flamande qui se traduit aussi bien dans les fonds de paysage que dans le rendu riche et méticuleux des matières alliée à une délicatesse alors réputée être très française.

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Agostinho José da Mota (1824–1878) - Fruta do conde

 

 
Agostinho José da Mota (1824–1878)
Fruta do conde
Museu Nacional de Belas Artes, Sao Paulo, Brazil


Que voit on ? Posés sur une riche commode en acajou sculpté, deux exemples du fruit exotique brésilien Annona squamosa, aussi connus sous comme Fruto do Conde ou Fruta Pihna .  Ces deux là sont mûrs à point et prêts à être consommés pour en apprécier le délcieiux parfum de cannelle qui leur vaut leur nom français de Pomme-cannelle.

 Rappel biographique : Agostinho José da Mota était un peintre et un enseignant brésilien. Son penchant pour l'art s’est manifesté dans son enfance et s'est amplifié avec le temps. En 1837, il s'inscrit à l'Académie impériale des Beaux-Arts de Sao Paulo où il est un des étudiants les plus brillants et reçoit un prix qui lui permet de voyager en Europe dès 1850. En 1851, il décide de partir à  Rome où il  étudie sous la direction du peintre français Jean-Achille Benouville. Il  passe 8 ans en Italie et y produit quelques très belles œuvres. De retour au Brésil en 1859, il commence à enseigner à l'Académie des Beaux Arts de Rio de Janeiro, d’abord le dessin puis le paysage. Parmi ses élèves, les plus connus furent : Modesto Brocos, Henrique Bernardelli, Pedro Peres, Firmino Monteiro et José Maria de Medeiros. L'impératrice Teresa Cristina du Brésil, qui était elle-même d'origine italienne, lui commanda une suite de natures mortes, un genre dans lequel il a excellé d’autant plus qu’il fut parmi les premiers à peindre des fruits tropicaux quasiment inconnus en Europe. Il fut aussi  le pionnier de la peinture en plein air au Brésil, bien avant Georg Grimm qui en revendiqua cependant le titre. A la fin de sa vie, très dépensier et menant grand train, il connut quelques difficultés financières et fut obligé de peindre des panneaux publicitaires pour survivre.

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Antoine Vollon (1833-1900) - Etude d'aiguière

Antoine Vollon (1833-1900)
Etude d'aiguière
Collection privée 

 Que voit on   ? Une nature morte d'objet, un aiguière en l'occurrence, réalisée avec brio par Antoine Vollon, peintre insaisissable au génie particulier capable aussi bine de peindre des porcelaines chinoises sophistiquées que des œufs et une simple motte de beurre, son tableau le plus saisissant sans aucune doute...  

Rappel biographique : le peintre français Antoine Vollon est considéré comme appartenant au mouvement réaliste, bien que son style s'adapte toujours en fonction du sujet traité. Artiste productif, fougueux et extrêmement doué, Antoine Vollon affichait une préférence marquée pour les effets de lumière. Il a peint des ports, des marines aux grands cieux tourmentés et des pêcheurs mais c'est surtout comme peintre de natures mortes qu'il aimait se présenter lui-même.
Il débute sa carrière à Lyon, où il apprend la gravure sur métaux et fréquente l 'Ecole des beaux-arts de la ville où il est l'élève de Théodule Ribot. Il développe rapidement une attention particulière surtout pour les natures mortes qui relèvent d’un défi technique et artistique. Ce défi couvre un champs très large qui va de la représentation d'une motte de beurre, à la peinture de fruits et de fleurs isolés (poires, prunes, cerises, pêches, tomates, courges, violettes...) en passant par le rendu des reflets du métal des ustensiles de cuisines jusqu'à la représentation des matières vivantes quotidiennes de la cuisine (plateau d'huîtres, œufs, carcasse de cochon pendu et vidé, poissons de mer en attente de cuisson...). Ses œuvres sont aujourd’hui conservées dans les plus grands musées du monde (Amsterdam, Londres, New York...) et chez quelques chanceux collectionneurs privés principalement aux Etats-Unis où Vollon est beaucoup plus connu qu'en Europe (Washington, New York, Boston, Philadelphie…). En France, le musée d'Orsay à Paris conserve une de ses toiles (Autoportrait), de même que les musées de Lyon (sa ville natale), Amiens et Rouen. Le Musée des beaux arts de Dieppe quant à lui conserve deux toiles : Femmes du Pollet à Dieppe et Poissons de mer.
Alexandre Dumas fils était le grand collectionneur français de l'œuvre de Vollon, ainsi que de riches américains, comme Henry Frick (Frick Collection) ou le peintre William Merritt Chase qui l'admirait beaucoup et s'inspira, dans la plupart de ses propres natures mortes de celles d'Antoine Vollon.
Le MET à New York conserve l'une des plus belles toiles de Vollon, de même que le Musée Pushkin de Moscou

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Pietro Gaudenzi (1880 - 1955) - Natura morta di fichi

Pietro Gaudenzi (1880 - 1955)
Natura morta di fichi
Museo Nazionale della Scienza e della Tecnologia, Milano

Que voit on ? un des nombreuses natures avec sujet de palt de figues que peignit Gaudenzi. Sujet semblables mais toiles toutes différentes les unes des autres, explorant chacune avec beaucoup de subtilités et un soin particulier, les sectes de ses fruits déjà peints sous l'Antiquité romaines et depuis lors par tous les peintres du moyen age, de la renaissance, du classicisme... jusqu'à l'époque contemporaine.  

Rappel biographique : Pietro Gaudenzi était un peintre italien qui fut l'élève du peintre Felice Del Santo, dont il acquit sa première formation artistique. Il était alors élève de Cesare Viazzia Genova, à l' Académie des Beaux-Arts. Après avoir reçu le Prix de la duchesse de Galliera, il s'installa à Rome en 1904 et y resta cinq années, l'occasion pour lui d'étudier les maîtres de la Renaissance et de se familiariser avec les peintures de Sartorio, Michetti, Spadini et Mancini.
En 1932, il exposa à la Biennale de Venise et en 1935 à la Quadriennale de Rome.
Son prestige, largement attesté par sa présence dans les événements artistiques les plus importants, de son temps, contraste avec une phase de travail assez solitaire dans la période de l’après-guerre, et ceci en raison de l’évolution du goût du public.
En 1951, il dirigea l'école de la mosaïque du Vatican et consacra l'essentiel de ses dernières années à cette technique.

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Sebastiano Ricci (1659-1734) - Studies of a hand holding an apple

Sebastiano Ricci (1659-1734)
Studies of a hand holding an apple
Black and red chalk. ca. 1716-1734.
British Royal Collection.

 Que voit on ? une remarquable petite étude de ce grand peintre baroque,  qui devient presque sans le vouloir, par sa simplicité et sa grande élégance,  un chef d'oeuvre de la nature morte

Rappel biographique : Sebastiano Ricci est un peintre italien baroque. Il travailla dans de nombreuses villes d’Italie, mais aussi à Londres, aux Pays-Bas et à Paris. Il est reçu à l’Académie royale de peinture et de sculpture de Paris en 1718. Son voyage à Londres entre 1712 et 1716 permit l'importation du baroque en Angleterre. Longhi écrivit à propos de lui : « Vers la fin du siècle, les Vénitiens se rendent compte qu'ils ont été exclus, pendant plus de cent ans, des grandes idées de la peinture baroque, désormais non plus romaine mais européenne, et ils commencent à voyager. Le premier des peintres vénitiens voyageurs, Sebastiano Ricci, a encore, comme tous les Vénitiens du xviie siècle, le goût du plagiat, de l'imitation... de ses prédécesseurs les plus divers ; mais d'abord il développe sa culture jusqu'à se faire européen, comprenant bien que depuis un siècle toute nouvelle idée figurative avait pris une valeur européenne. Ricci est le premier à s'apercevoir que les plafonds les plus réussis de la fin du siècle sont ceux de Luca Giordano à Florence. Suivant cet exemple, il réussit à inaugurer le prétendu rococo dans la petite salle du palais Pitti ou sous les voûtes du palais Marucelli. Plus tard, son incroyable rapacité culturelle qui donne à tant de ses peintures ce goût d'habile reportage de tous les leitmotivs européens, lui portera tort. »


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Alexander Calder (1898-1976) - Pomme et vers

Alexander Calder (1898-1976)
Pomme et vers, 1966
Fondation Maeght

 Que voit on ? Un des nombreux dessins et illustrations de Calder surtout connu pour ses sculptures et ses mobiles. On reconnait ici l'humour imparable de cet artiste dans le sujet même de sa nature morte :  le vers dans le fruit !  Vers dont les ravages sont minutieusement observés- à la loupe même pourrait on dire- par l'œil qui est dans la feuille !  et non dans la tombe comme dans le poème de Victor Hugo !

Rappel Biographique : Alexander « Sandy » Calder est un sculpteur et peintre américain, surtout connu pour ses assemblages de formes animées par les mouvements de l'air, nommés mobiles par Marcel Duchamp lors de leur exposition à Paris en 1932 à la galerie Vignon, puis  pour ses stabiles. Après son diplôme d'ingénieur,  Alexander Calder abandonne le métier d'ingénieur puis perfectionne son art à l'Art Students League of New York où il entre en 19232 et produit des œuvres dans le style de l'Ashcan aesthetic. À cette époque-là, il illustre des événements sportifs ainsi que les comptes rendus des tournées du Ringling Bros. and Barnum & Bailey Circus pour le journal National Police Gazette de New York. Il fait aussi de nombreuses esquisses d'animaux publiées un an après son départ pour la France, en 1926, sous le titre Animal sketchings. Toute sa vie durant il illustrera des ouvrages littéraires et des albums notamment pour les Editions Maeght. Calder a également réalisé au cours de sa longue carrière de nombreux bijoux. Il a également réalisé en 1969 des décors d'assiettes en collaboration avec la Manufacture nationale de Sèvres.

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Tamara de Lempicka (1898-1980) - Still life with portrait

Tamara de Lempicka (1898-1980)
Still life with portrait
Private collection 

Que voit-on ? Posés sur un guéridon devant un mur des éléments très disparates et qui n'ont rien en commun  les uns avec les autres, selon le grand principe du catalogue absurde surréaliste;  ainsi l'ont trouve ici de gauche à droite : une pole de carte visites non identifiées, une feuille de caoutchouc tombée de la plante en pots du même nom, à côté de laquelle deux livres maintiennent contre le mur une feuille de dessin enroulée,  une boite d'allumettes fermée, un cornet doseur à bec verseur en verre opaque, une pièce de tissus rayée ou un rideau et, sur le mur du fond, le portrait épinglé contre le mur d'une personnage hollandais ou espagnol du XVIe siècle portant une fraise.  

Rappel biographique : Tamara de Lempicka est une peintre polonaise représentative du mouvement Art déco. Fille de Boris Gorski, juif russe, et d'une mère polonaise, son enfance se passe dans un milieu aisé et cultivé entre Saint-Pétersbourg, Varsovie, Lausanne et Paris. En 1920, à l'Académie Ranson à Paris, elle reçoit l'enseignement de Maurice Denis et à l'Académie de la Grande Chaumière celui d'André Lhote. C'est là qu'elle forge petit à petit son style qui, dans une synthèse de l'art maniériste de la Renaissance et du néo-cubisme, va correspondre parfaitement à la mode de son temps. L'envol de sa carrière coïncide avec sa première exposition personnelle à Milan en 1925. En France, elle participe pleinement à la vie artistique et mondaine parisienne où elle rencontre André Gide, Suzy Solidor, de riches industriels, des princes russes émigrés, etc. En 1928, elle installe sa maison-atelier au no 7 de la rue Méchain, dans le 14e arrondissement, conçue par Robert Mallet-Stevens. A partir de 1929, elle expose simultanément en Pologne (médaille de bronze à l'exposition internationale de Poznan), à Paris (dans quatre salons et à la galerie Colette Weil) et aux États-Unis (Carnegie Institute de Pittsburgh).
Tamara de Lempicka occupe une place à part dans l'art du 20e siècle : malgré une production modeste (à peine 150 tableaux dans sa meilleure période, qu'on situe entre 1925 et 1935), ses œuvres évoquent et reflètent le style et la mode des années folles de l'entre-deux-guerres. Avec une stylisation néo-cubiste, ses œuvres, principalement des portraits, se caractérisent par un modelé accentué, des couleurs vives mais dans une gamme restreinte, mises en valeur par des fonds gris ou noirs. La composition très resserrée s'inspire du cadrage cinématographique. Bien que la nature morte ne soit pas sa spécialité, elle en a peint une vingtaine.

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Bernard Buffet (1928-1999) - Nature morte avec boîte à sel, verre et bocal

Bernard Buffet (1928-1999)
Nature morte avec boîte à sel, verre et bocal, 1948
Collection privée 

Que voit on ? Ce que décrit  à travers un trait d'une grande précision et d'une grande sobriété.  très caractéristiques des premières oeuvres du peintre.

Rappel biographique : Bernard Buffet est un peintre français expressionniste, qui a peint aussi bien des personnages que des figures, animaux, nus, paysages, intérieurs, natures mortes, fleurs. Aquarelliste, c'est également un peintre de décors de théâtre et un illustrateur. Il remporte le concours d’entrée de l'École nationale supérieure des beaux-arts en décembre 1943 à quinze ans, passant deux ans dans l'atelier du peintre Eugène Narbonne où il est déjà considéré comme très doué. Il s'y lie notamment d'amitié avec les peintres Maurice Boitel et Louis Vuillermoz.
En 1947, il expose L'Homme accoudé au Salon des indépendants et en décembre a lieu sa première exposition particulière présentée par Pierre Descargues, à la Librairie des impressions d'art. On y reconnait déjà un graphisme très caractéristique qui sera tout au long de sa vie, la marque du peintre. L'État, par l'intermédiaire de Raymond Cogniat, lui fait son premier achat pour le Musée national d'art moderne de Paris avec la peinture Nature morte au poulet. En 1955, il obtient la première place au référendum organisé par la revue Connaissance des arts désignant les dix meilleurs peintres de l'après-guerre. Il peint les maquettes des décors et des costumes pour La Chambre argument de Georges Simenon qui devient son ami. Élu à l’Académie des beaux-arts au fauteuil de Paul Jouve, Bernard Buffet est alors le plus jeune académicien jamais élu sous la coupole.
En 1978, à la demande de l’administration des postes, Bernard Buffet réalise une maquette pour un timbre de trois francs L’Institut et le Pont des arts. À cette occasion le musée postal à Paris présente une exposition rétrospective de ses œuvres. Dans les années 1970-80, Bernard Buffet est un artiste au sommet de sa gloire que les critiques n'épargnent pas, comme tout artiste qui connait un grand succès de son vivant. Ils lui reprochent principalement le " statisme " de sa touche dans laquelle ils décèlent peu d'évolutions au cours des années, le traitant volontiers de " peintre académique ".
Au début des années 1980 son œuvre immense, est plus appréciée à l'étranger qu'en France, et principalement en Extrême Orient, aux Etats-Unis, en Amérique du sud et au surtout Japon où elle connait un succès considérable et où un musée est spécifiquement construit pour lui à Surugadaira, ce qui, à cette époque, est inédit pour un peintre vivant.
En 1986, sa femme et modèle favori, Annabel, publie D’amour et d’eau fraîche ; la même année sortent les deux premiers volumes de la monographie de Yann Le Pichon, Bernard Buffet, couvrant la période 1947-1982, qui obtiennent immédiatement le Prix Élie Faure.
Bernard Buffet, diminué par la maladie de Parkinson, se suicide par asphyxie, le 4 octobre 1999, dans son atelier du Domaine de la Baume près de Tourtour (Var), étouffé dans un sac en plastique noir sur la surface duquel son nom était dessiné avec sa calligraphie si caractéristique ; dernière mise en scène un rien macabre d'un très grand artiste du 20e siècle, qui toute sa vie avait adoré mettre en scène sa propre existence. En novembre 2007, paraît le troisième et dernier volume de la monographie de Yann Le Pichon, couvrant la période de 1982 à 1999.
En 2016- 2017, le MAM (Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris), rend hommage au peintre à travers une exposition où sont présentées toutes les acquisitions du musée faites dans les années 47- 55 et quelques chef d'œuvres prêtées par le Musée Bernard Buffet de Surugadaira (Japon).

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Wayne Thiebaud (1920-2021) - Hat and Lipstick

Wayne Thiebaud (1920-2021)
Hat and Lipstick
Collection Privée

Que voit- on ? Une  nature morte très ensoleillée  qui présente un chapeau de paille, un tube de rouge à lèvre, un pinceau à lèvres et une boite de  papier photos Kodak comme on les faisait dans les années 1960.

Rappel biographique : Le peintre américain d'origine Wayne Thiebaud, dont une célèbre toile avait été publiée au début de ce blog en 2014, est un artiste discret, de plus en plus considéré comme un des artistes majeurs du 20e et 21e siècle aux Etats-Unis.
Le travail de Wayne Thiebaud se caractérise par des peintures d'objets alimentaires de grande consommation, comme des pâtisseries, vues dans des cafétérias. Les experts se sont souvent demandés en examinant l'œuvre de Thiebaud s'il n'avait pas passé beaucoup de temps dans l'industrie agro-alimentaire pour se familiariser avec son sujet ? Et en effet c'est exactement ce qu'il a fait en ayant comme premier emploi un job de serveur à Long Beach, dans le café « Mile High and Red Hot » (Glace et hot-dog). Cet intérêt pour les objets du quotidien, confondus ensuite avec ceux de la culture de masse, associa son nom au mouvement du Pop-Art. Cependant, une fois réduit le tapage médiatique autour du pape du pop art (Andy Warhol), on remarqua - non sans stupeur - que les œuvres de Wayne Thiebaud, effectuées dans les années 50 et 60 étaient légèrement antérieures à celles des autres artistes de cette tendance... de là à lui attribuer une influence définitive comme précurseur de ce mouvement, il n'y avait qu'un pas qui, aujourd'hui, est franchi avec justesse.
Outre les pâtisseries, Wayne Thiebaud a également peint des paysages, des rues, ainsi que des personnages populaires, comme Mickey. Certaines de ses toiles récentes, comme Sunset street (1985) ou Flatland river (1997) sont remarquables pour le traité hyper réaliste, et se rapproche du travail d'un Edward Hopper, qui était tout aussi fasciné par ces scènes du quotidien américain.
Dans sa peinture, Wayne Thiebaud se concentre sur la banalité de façon à suggère l'ironie et la distance vis-à-vis de son sujet.
Wayne Thiebaud se considère comme un peintre, mais paradoxalement pas comme un artiste. C'est un lecteur vorace, qui a l'habitude de lire de la poésie, celle de son poète préféré William Carlos Williams par exemple, à ses élèves.
En septembre 2010, alors qu'il fêtait son 90e anniversaire, Wayne Thiebaud réalisa un dessin pour le 12e anniversaire de Google qui l'afficha sur sa page d'accueil. Le dessin était exécuté dans le style bien reconnaissable de Wayne Thiebaud, et montrait un gâteau sur lequel est écrit Google et où le "l" était remplacé par une bougie. Il est décédé à l'âge de 101 ans, en décembre 2021

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Luis Egidio Melendez (1716-1780) - Bodegón con peras y uvas

Luis Egidio Melendez (1716-1780)
Bodegón con peras y uvas
Huile sur toile, 41 x36 cm 1771
Museu Nacional d'Art de Catalunya 

Que voit on ? Un des chefs d'œuvres de ce maître insurpassable de la nature morte que Melendez. On note ic le contraste  saisissant entre la couleur du raisin volontairment plus noir que rouge et  la pâleur de ces poires accidentées, victimes à la fois du bec des oiseaux et de l'ouvrage du temps.  Une splendeur 

 
Rappel biographique : Le peintre espagnol d'origine napolitaine, Luis Egidio Melendez a fait carrière presque exclusivement à Madrid. Contemporain de Goya, il est considéré aujourd'hui comme l’un des meilleurs peintres de natures mortes du 18e siècle, réputation qu'il n'avait pas de son vivant qu'il a passé dans une misère noire. C'est son père, Francisco Meléndez et Louis Michel van Loo (dont il est l'assistant de 1742 à 1748) qui assurent sa formation de peintre.
Le futur Charles IV d'Espagne lui commanda une grande série de natures mortes (dont celle ci-dessus) dont une partie importante est aujourd'hui conservée au musée du Prado à Madrid.
Ses toiles peintes dans de petits formats (jamais plus de 50 cm) dans la grande tradition de l'austérité espagnole, n'en foisonnent pas moins d'une minutie des détails. toujours peints avec une absolue perfection. La composition simple et le contraste clair-obscur, s’inscrivent dans la tradition des natures mortes baroques de Zurbaran et de Cotan. Comme eux, Meléndez étudia les effets de lumière, la texture et la couleur des fruits et des légumes, ainsi que celles des récipients en céramique, verre et cuivre ou pailles. À la différence des maîtres du 17e siècle, il présente le sujet plus près du spectateur, en légère plongée. Ce sont des objets disposés sur une table, ce qui donne à ses formes une certaine monumentalité. Le genre permet au spectateur d’étudier l’objet par lui-même. Les fonds sont neutres, et c'est un puissant éclairage qui mettent valeur les contours de l’objet. C’est ainsi qu’il représente le duvet des fruits, les transparences des peaux des raisins, les intérieurs brillants des pastèques et quelquefois les accidents présents à la surface des fruits (comme ici avec les figues vertes).
Chaque toile de Meléndez est minutieusement composée et fait l'objet d'un mise en scène précise afin de créer le plus grand réalisme possible. Les « grands thèmes » n’intéressèrent jamais Meléndez qui portent surtout son attention sur les choses de la vie quotidienne, sur l’observation et l’étude de la nature. Il fut souvent comparé à Chardin, jusqu'à être même parfois surnommé le « Chardin Espagnol » ce qui est assez stupide eut égard au caractère unique de son style et à tout ce qui différencie ces deux grands peintres.

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Raoul Hynckes (1893-1973) - Chaînes

Raoul Hynckes (1893-1973)
Chaines
Huile sur toile, 1934,
Museum Boymans Van Beuningen, Rotterdam,

Que voit on ? Sans doute l'un des antures mortes les plus percutante de Hynckes, qui montre sur la crête d'un mur un récipient dans lequel sont contenus trois crânes. Le style très hypperéaliste avant la lettre  se situe pourtant dans le droit de l'Ecole  surréaliste blege avec des points de similitudes evidents avec l'oeuvre de René Magritte  et même Salvador Dali ( qui n'a pourtant rien de belge!)

Rappel biographique : Après ses études en Belgique de 1907 à 1912, à l'Académie des beaux-arts de Bruxelles et à celle de Malines, Raoul Hynckes se fixe en 1914 aux Pays-Bas. Jusqu'en 1924, il reste impressionniste, puis de 1924 à 1933, ses natures mortes le montrent influencé par le cubisme et, plus particulièrement, l'œuvre de Juan Gris (Nature morte aux verres, 1929, Amsterdam, Stedelijk Museum).
À partir de 1933, il va devenir l'un des principaux représentants, avec Carel Willink et Pyke Koch, du réalisme magique néerlandais, et va privilégier le genre de la nature morte à laquelle se trouve toujours associée une tête de mort. Ses compositions, exécutées avec un rendu scrupuleux, sont marquées à la fois par l'influence de la peinture métaphysique et la représentation du thème traditionnel de la vanité. Son art culmine avec le tableau Chaînes (ci-dessus), et Ex Est (Nature morte à la tête de mort, 1940, Amsterdam, Stedelijk Museum), qui représente dans une trappe d'égout une tête de mort au milieu de détritus : cette composition exprime bien à la fois sa vision tragique du monde et la déchéance de l'humanité.
Raoul Hynckes est représenté dans de nombreux musées néerlandais.

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Marie Egner (1840-1950) - Herbstblumenstrauß

 
Marie Egner (1840-1950)
Herbstblumenstrauß
Aquarell auf Papier
Private collection

Que voit on ? Un bouquet de fleurs des champs, d'herbes de la prairie et de feuillages d'automme dans un beau vase octogonale d'inspiration orientale. Beaucoup de mouvement et de fraicheur dans cette remarquable aquarelle. 

Rappel biographique : L'artiste peintre autrichienne Marie Egner est considérée comme un des figures les plus importantes de la scène impressionniste autrichienne du début du 20 e siècle avec Olga Wisinger-Florian, Broncia Koller et Tina Blau.
Marie Egner a d'abord étudié le dessin à Graz avec Hermann von Königsbrunn, puis à Düsseldorf ,avec Carl Jungheim avant de se rendre à Vienne en 1882 . De 1900 à 1909, elle est membre du groupe d'artistes Acht Künstlerinnen à Vienne,. Elle dut abandonner sa propre école de peinture pour femmes en 1910 pour des raisons de santé. Après la Première Guerre mondiale, elle appartenait à l' Association des artistes plasticiens autrichiens (VBKÖ), À partir de 1930, elle perd la vue et se retire de la vie publique.

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2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau