Maurice de Vlaminck (1876-1958) - Nature morte

Maurice de Vlaminck (1876-1958)
Nature morte
Huile sur toile, 1910
Joslyn Art Museum, USA

 Que voit on ? De toute évidence, une toile de la période cubiste de Maurice de Vlaminck. on peut y voir deux pichets (un grand et un petit) ;  deux bouteilles ; dont l'une est reflétée sur un miroir (à gauche) ;  deux mugs ; un compotier rempli de fruits ronds et verts ; un petit verre à liqueur plein ;  et un moulin à café à manivelle, un ustensile à jamais disparu des cuisines.

Rappel biographique : Le peintre français Maurice de Vlaminck s'est illustré dans les courants Fauviste et Cubiste. Peintre de figures, portraits, nus, paysages, paysages animés, paysages urbains, intérieurs, natures mortes, fleurs et fruits, peintre à la gouache, aquarelliste, graveur, dessinateur et illustrateur, il fut aussi écrivain et publia vingt-six livres, romans, essais et recueil de poèmes. Ses natures mortes quelquefois très inspirées de celles de Cézanne sont des explosions de couleurs et de formes qui font assez souvent de lui, un peintre abstrait avant la lettre.

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Juan de Zurbarán (1620-1649) - Bodegón con plato de manzanas y azahar

Juan de Zurbarán (1620-1649)
Bodegón con plato de manzanas y azahar, 1640
Collection privée

Que voit on ? Une ode a la délicatesse  un reflet des pommes sur le plat d'argent à l'apparition comme sorti de l'ombre du verre qui contient la fleur d'oranger en bouton... `

Rappel biographique : Juan de Zurbarán (1620-1649) était un peintre baroque espagnol et le fils du célèbre Francisco de Zurbarán (1598-1664) dont il rejoint l'atelier à Séville et avec lequel il est probable qu'il ait collaboré à différents tableaux. L'influence de son illustre père est évidente dans son travail, mais son style reflète également les influences hollandaises, lombardes et napolitaines. Il a principalement peint des natures mortes. Il mourut prématurément à l'âge de 29 ans des suites de l 'épidémie de peste qui décima Séville en 1649. Il fut contaminé et tué avec plusieurs de ses frères.
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Jean-Baptiste Oudry (1686-1755) - Nature morte avec Fusil, Lièvre et Oiseaux

Jean-Baptiste Oudry (1686–1755)
Nature morte avec Fusil, Lièvre et Oiseaux, 1720
Huile sur toile, 144 x116 cm
Nationalmuseum Stockholm 

 Que voit on ? le,fusil est bine là en effet qui a accompli son œuvre funeste sur ce gibier comme saisi en plein vol pour les oiseaux et e plein course pour le lièvre. L'opportunité pour Oudry de livrer un morceau de bravoure sur les oppositions de texture et aussi  de communiquer sa connaissance  de la nature à travers le minutieux rendu du plumage des oiseaux.  La grande nature morte française animalière dans toute sa splendeur.

Rappel biographique : Le peintre et graveur français Jean-Baptiste Oudry est surtout célèbre pour ses peintures de chiens de chasse, ses natures mortes animalières et ses animaux exotiques. Fils de Jacques Oudry, maître peintre et marchand de tableaux sur le Pont Notre-Dame, et de sa femme, Nicole Papillon, qui appartenait à la famille du graveur Jean-Baptiste-Michel Papillon, Jean-Baptiste Oudry étudia tout d'abord à l'Ecole de la Maîtrise de Saint-Luc, dont son père était directeur.
Il fut placé ensuite chez le grand peintre du roi Nicolas de Largillière, dont il devint bientôt l'ami. Après avoir peint quelques sujets religieux et un portait du Tsar Pierre 1er, il rencontre le marquis de Beringhen, premier écuyer du roi. Cette rencontre est décisive car le marquis commande à Oudry de nombreux ouvrages pour le roi. Dès lors on octroie à Oudry un atelier dans la cour des princes aux Tuileries et un logement au Palais du Louvre où il forma un cabinet renommé.
Oudry suivait les chasses royales et faisait de fréquentes études dans la forêt de Compiègne.
L'intendant des finances, Fagon, le prit à son service et le chargea de rétablir la manufacture de Beauvais, tombée en décadence. Oudry s'adjoignit Boucher et Natoire pour exécuter la copie des tableaux. On lui confia également l'inspection de la manufacture des Gobelins, où l'on exécutait les tapisseries des chasses du roi d'après ses tableaux.
Jean-Baptiste Oudry a peint le portrait, l'histoire, les chasses, le paysage, les animaux, les fruits, les fleurs ; il a imité les bas-reliefs ; il a fait du pastel, de la décoration ; il aussi gravé à l'eau-forte. On lui doit deux conférences qui furent lues à l'Académie, « Sur la manière d'étudier la couleur en comparant les objets les uns avec les autres » et « Sur les soins que l'on doit apporter en peignant ». Oudry a laissé un grand nombre de dessins dont les plus connus sont les 275 dessins qui servirent à l'édition dite des Fermiers généraux des Fables de La Fontaine, gravées par Charles-Nicolas Cochin. Il est également l'auteur d'un Almanach de rébus paru en 1716.
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Pablo Picasso (1881-1973) - Intérieur au pot de fleurs

Pablo Picasso (1881-1973)
Intérieur au pot de fleurs, 1953.
Huile sur toile, 130 x 96.8 cm
Collection privée (Christie's London)

 Que voit-on ?  Une composition très élaborée du point de graphique et très maitrisée dans l'économie et l'efficacité des coloris. Jaune, rouge  et vert  sont en effet les trois  seuls coloris utilisés, soulignés et même quelquefois rehaussés par le noir et le blanc autour de ce pots de fleurs  dont jaillissent deux feuilles de philodendron et une mystérieuse fleur en forme d 'escargot....  

 Rappel biographique : le peintre espagnol Pablo Ruiz Picasso a commencé à peindre très tôt, au tournant du19e et du 20e siècle et n'a jamais cessé sa production, évaluée aujourd'hui a quelques 50.000 oeuvres. Utilisant tous les supports pour son travail, il est considéré comme le fondateur du cubisme avec Georges Braque auquel son nom est lié surtout dans le domaine des natures mortes. Il est considéré comme l'un des plus importants artistes du 20e siècle tant par ses apports techniques et formels que par ses prises de positions politiques et que par l'immensité de sa production tous genres confondus.
A partir des années 1920 ses natures mortes seront très proches, sur la même ligne de conception " cubiste analytique " que celles de George Braque, dont il devient un temps l'intime avant de s'en séparer définitivement. Il y eut une connivence d'inspiration très rare entre ces deux peintres pendant une certaine période de leur vie et en particulier dans le domaine particulier du traitement de la nature morte.
Picasso peint beaucoup d'autres natures mortes après la Seconde guerre mondiale et hors de la période cubiste, mais ce n'est pas un genre qui tient une place aussi essentielle dans son œuvre que dans l'œuvre de Georges Braque.

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Pierre Bonnard (1867-1947) - Nature morte avec bateaux au travers de la fenêtre

Pierre Bonnard (1867-1947)
Nature morte avec bateaux au travers de la fenêtre.
Collection privée.

 Que voit on ?  Si le titre fait bien allusion aux bateaux que l'on voit au mouillage dans un port à travers la fenêtre, il détaille peu le contenu de la nature morte elle-même qui comprend  pourtant :  une corbeille de pommes, une carafe de vin ou de liqueur vide, un verre et une cuillère sur une soucoupe (un nécessaire à absinthe ?)  et sur un plateau au premier plan,  une part de gâteau et une boîte en fer sans doute pleine de confiseries ou de biscuits...
 

 Rappel biographique : le peintre français Pierre Bonnard est connu pour ses peintures de personnages, ses nus, ses portraits, ses paysages animés, ses intérieurs et ses natures mortes de fleurs et fruits. Bonnard est un artiste post-impressionniste, membre du groupe des Nabis qui regroupait autour de Paul Serusier, Paul René Piot, Henri-Gabriel Ibels, Maurice Denis, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Paul Ranson, Jan Verkade, Félix Vallotton, Georges Lacombe, Mogens Ballin, József Rippl-Rónai, Charles Filiger, Adolf Robbi, ainsi que Georges Joseph Rasetti et le sculpteur Aristide Maillol. En réaction à l'impressionnisme, les Nabis veulent libérer leur peinture des exigences du réalisme : « Ensemble, nous avons méprisé l'école et les écoles, les rapins, leurs traditions, leurs farces et leurs bals inutilement nudistes. Ensemble nous nous sommes sérieusement amusés ». Les artistes nabis cherchent des voies plus spirituelles au contact de philosophies et de doctrines nouvelles teintées d'Orient, d'orphisme, d'ésotérisme, et de théosophie. Ils s'appliquent à retrouver le caractère « sacré » de la peinture et à provoquer un nouvel élan spirituel par le seul moyen de l'art.
Une fois devenu célèbre, Pierre Bonnard fut connu pour ne pouvoir s’empêcher de retoucher ses toiles une fois celles-ci achetées et exposées dans un musée. Ses amis appelaient ça « bonnarder » ou « bonnardiser ». Un journaliste relate cette attitude devenue visiblement coutumière. « Au musée de Grenoble et au Musée du Luxembourg, il arriva à Bonnard de guetter le passage d'un gardien d'une salle à l'autre, de sortir d'une poche une minuscule boîte garnie de deux ou trois tubes et, d'un bout de pinceau, d'améliorer furtivement de quelques touches un détail qui le préoccupait. Et, son coup fait, de disparaître, radieux, comme un collégien après une inscription vengeresse au tableau noir. »

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Paul Cézanne (1839-1906) - ‪Dahlias dans un grand vase de Delft

Paul Cézanne (1839-1906)
‪Dahlias dans un grand vase de Delft,‬ 1873‬
‪Huile sur toile, 73 x 54 cm.‬
Musée d'Orsay, Paris 

 Que voit on ? Un chef d'œuvre de la nature morte florale dû au grand Cézanne dont on reconnait la pâte épaisse et le pinceau inspiré dans chaque détail du vase de Delft et dans chaque pétales de fleurs. A l'origine dans la collection du Docteur Paul Gachet, cette œuvre passa ensuite  dans la collection du comte Isaac de Camondo à Paris jusqu'en 1911  date à laquelle l'Etat l'accepta à titre de legs aux Musées nationaux pour le musée du Louvre. 

Rappel biographique : Parmi les quelques 900 tableaux et 400 aquarelles que Paul Cézanne, ce sont les natures mortes qui arrivent en tête , et notamment les pommes qui arrivent en tête de ses premières « obsessions picturales ». Pour Cézanne, la nature morte est un motif comme un autre, équivalent à un corps humain ou à une montagne, mais qui se prête particulièrement bien à des recherches sur l'espace, la géométrie des volumes, le rapport entre couleurs et formes : « Quand la couleur, est à sa puissance, la forme est à sa plénitude » disait-il.
Incomprises en leur temps, les natures mortes de Cézanne sont devenues depuis lors l'un des traits caractéristiques de son génie.
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Georg Flegel (1566-1638) - Nature morte avec desserts et vase de fleurs

Georg Flegel (1566-1638)
Nature morte avec desserts et vase de fleurs
Kuntz Museum Neue Galerie, Vienna

Que voit-on ? Une somptueuse et éclatante composition de douceurs, friandises, sucreries et bouquets de fleurs printanières (clochettes de muguet en tête !) que seule l'amertume d'un citron coupé en deux vient tempérer... 

Rappel biographique : Le peintre allemand Georg Flegel, est un des peintres majeurs de natures mortes des 16e et 17e siècle. Né en Moravie, il déménage à Vienne,en 1580 et devient l'assistant de Lucas van Valckenborch peintre et dessinateur. En tant qu'assistant, son travail consiste à insérer dans les tableaux de son maître, des éléments " décoratifs " tels que des fruits, des fleurs et des ustensiles de table. Flegel et son employeur déménagent ensuite à Francfort, qui à cette époque là était un centre d'art très important. Puis on retrouve Flegel à Utrecht où il fait partie de la très influente Guilde de Saint-Luc qui compte parmi ses membres des grands maîtres de la nature morte tel que Roelandt Savery et Balthasar van der Ast. Georg Flegel a peint exclusivement des natures mortes, dont certaines très fournies, incluent des animaux, familiers et /ou exotiques, de riches mets, du gibier ou du poisson, des ustensiles de cuisine, de la vaisselle en métal précieux et en porcelaine, des fruits et des fleurs et des friandises. D'autres natures mortes qu'il a peintes détaillent avec la même richesse et le même soin quelques fruits, des coins de table ou des petits déjeuners, des goûters ou des collations modestes avec des bretzels aux formes étranges trempés dans du schnaps. Il fit école et eut parmi ses élèves ses deux fils, Friedrich et Jacob Leonhard, ainsi que le peintre floral Jacob Marrel.

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Ethel Sands (1873-1962) - Still Life with a View over a Cemetery

 

Ethel Sands (1873-1962)
Still Life with a View over a Cemetery, 1923
The Fitzwilliam Museum, Cambridge

Que voit-on  ? Il s'agit ici d'une nature morte à la toilette, devant une feêtre ouvrant sur un cimetière. Un Memento mori très direct adressé au moment des ablutions quotidiennes !

Rappel biographique : Ethel Sands était une artiste post-impressionniste et mécène d'origine américaine qui a vécu en Angleterre à partir de son enfance. Elle a étudié l'art à Paris, où elle a rencontré celle qui allait devenir la partenaire de sa vie, Anna Hope Hudson (Nan). Ses œuvres étaient généralement des natures mortes et des intérieurs, souvent du château d'Auppegard qu'elle partageait avec Anna. Ethel Sands était un membre du Fitzroy Street Group et du London Group. Ses œuvres sont aujourd'hui conservées notamment à la National Portrait Gallery de Londres. Grande mécène, elle fut surtout connue pour être la protectrice de de l'élite culturelle de l'Angleterre d'alors, notamment Henry James, Virginia Woolf, Roger Fry et Augustus John. En tant que peintre, Ethel Sands a surtout peint des natures mortes et des intérieurs. Selon la Tate Gallery, 'elle a été très inspirée par la technique du pinceau sec d'Edouard Vuillard, de même que par sa palette de couleurs et sa représentation de scènes de l'intimité. Sa première exposition a eu lieu au Salon d'Automne à Paris en 1904. En 1907, à l'invitation de Walter Sickert, elle en devient membre et expose des peintures qu'elle a réalisées au Fitzroy Street Group. Selon Kate Deepwell, ses œuvres et celles de Vanessa Bell ainsi que d'autres femmes peintres, étaient systématiquement sous évaluées par rapport à celles des hommes : la meilleure critique du travail des femmes consistait ainsi à écrire qu'elles avaient "une personnalité", mais jamais personne n'aurait considéré que leurs œuvres puissent être innovantes ou modernes comme celles des hommes ! C'est à Paris en 1911, qu'a lieu la première exposition consacrée aux oeuvres d'Ethel Sands. L'année suivante, elle participe à l'exposition des "Post-impressionnistes anglais, cubistes et autres" à Brighton. Sa première exposition personnelle à lieu à la galerie Goupil et en 1922. En 1920, Ethel Hudson acheta le château d'Auppegard près de Dieppe en France, un endroit qu'elle a peint à de multiples reprises, intérieurs comme extérieurs.


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Fairfield Porter (1907-1975) - Still life with "casse-croûte"

Fairfield Porter (1907-1975)
Still life with "casse-croûte", 1966
Private collection

Que voit-on ?  Un casse-croûte assez bizarre pour tout dire puisque essentiellement à base de foie gras de beurre et de café !   Avec un tel menu,  la digestion de l'ensemble n'est pas assurée mais la composition assez chargée, contrairement à l'habitude de ce peintre est un bel hommage pictural à la couleur blanche et à ses variations.

Rappel biographique : Fairfield Porter était un peintre et critique d'art américain, frère du photographe Eliot Porter. C’est en étudiant à Harvard, que Porter décida de se spécialiser dans les beaux-arts et de poursuivre, après son déménagement à New York en 1928, ses études à l'Art Students League. Son passage à l’Art Students League le formate plus ou moins pour produire un travail réaliste. Il sera d’ailleurs beaucoup critiqué et à la fois vénéré pour s'être obstiné dans ce style réaliste à une époque où l'expressionniste abstrait battait son plein dans le monde. Les sujets des tableaux de Porter sont principalement des paysages, des intérieurs, quelques natures mortes et beaucoup de portraits. Portraits de famille, portraits d'amis et de collègues artistes, dont beaucoup étaient affiliés à l’école littéraire de New York, comme John Ashbery, Frank O'Hara ou James Schuyler. Un grand nombre de ses peintures ont été réalisées dans ou autour de sa maison estivale de famille à Great Spruce Head Island, dans le Maine et dans sa maison de famille citadine à New York. Sa vision picturale englobe à la fois une réelle fascination pour la nature et la capacité de révéler tout ce qu’il peut y avoir d’exceptionnel dans la vie ordinaire. Très influencé par les peintres français Pierre Bonnard et Edouard Vuillard, il a même écrit " Quand je peins, je pense que ce qui peut me satisfaire est d'exprimer au mieux ce que Renoir conseillait à Bonnard : « Rendre tout plus beau » ".

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Fede Galizia (1578-1630) -) Altaza di porcellana bianca con pera

Fede Galizia (1578-1630)
Altaza di porcellana bianca con pera
Collection particulière

Que voit on ? Un des thèmes favori de cette peintre  :  un compotier  en porcelaine (il est aussi souvent en argent dans plusieurs de ses tableaux) remplis de fruits. Ici, ce sont des poires : charnues, colorées  et belles. Profitons en vite car sur l'entablement,  une d'entre elles coupée en deux, montre déjà des signes de pourrissement. Carpe diem...

Rappel biographique : Fede Galizia appelée aussi Fede Gallizi est une peintre italienne de l'époque baroque. Elle apprit à peindre dans l'atelier de son père le peintre miniaturiste Nunzio Galizia, qui travaillait à Milan. A 12 ans, elle maîtrise parfaitement l 'art de la gravure. A 20 ans, elle a déjà une réputation de portraitiste qui dépasse les frontières du duché de Milan. En 1596, elle réalise une Judith et sa servante qui lui assure une notoriété de peintre majeure. Elle exécute plusieurs commandes pour des églises de Milan dont un retable pour l'église Santa Maria Maddelena.
En 1630, elle meurt à Milan de la grande peste qui ravageait alors l'Italie.
C'est en 1965 seulement que Stefano Bottari constitue le catalogue de ses œuvres. A la surprise générale il lui attribue une majorité de natures mortes alors que sa réputation de son vivant était plutôt basée sur les portraits et les sujets sacrés (les plus nobles des genre picturaux de l'époque).
Ses natures mortes d'une très grande simplicité, empreintes du dépouillement prôné par la Contre-Réforme, font souvent penser à celles de Zurbaran. Fede Galizia est avec Clara Peeters à Anvers et Louyse Moillon à Paris l'une femmes premières peintres de natures mortes. 

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Eugène Delacroix (1798-1863) - Nature morte avec fleurs et fruits.

Eugene Delacroix (1798-1863)
Nature morte avec fleurs et fruits.
Huile sur toile 75 x 95 cm
Musée du Louvre, Paris

Que voit on ? Au Salon de 1849, au lendemain d’une nouvelle révolution, cinq tableaux de fleurs sont présentés par Delacroix. Habitué du parc du château de Nohant, où l’invitait George Sand, Delacroix  y peignit plusieurs natures mortes, avant d'acquérir sa  propre maison de  Champrosay. Presque irréel bien que dans la grande tradition française des fleurs et fruits du XVIIIe siècle, on sent en tout cas tout le plaisir que Delacroix a pris  à peindre ce bouquet, le plus coloré et le plus élaboré de ceux qu'il peignit à partir de 1833 inclus dans des frondaisons luxuriantes, qui ne sont guère avare en floraison de toute sorte sur fond de ciel bleu bienvenu  ! Une palette qui n'est pas sans rappeler celle de Monnoyer...

Rappel biographique : Le grand peintre romantique français Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix n'est a priori pas vraiment connu pour ses natures mortes et c'est un tort car il en peignit quelques unes de très remarquables ! On lui connait Nature morte aux homards (1826-27) conservée aussi au Louvre à l"époque où il il copiait les maîtres anciens dans les galeries du Louvre. Il peignit aussi plusieurs natures mortes florales dont quelques unes très spectaculaires à partir de 1844, quand il loue à Draveil au lieu-dit Champrosay, une « bicoque » où il se fait installer un atelier de 10 m2. En pleine campagne accessible par le train directement Delacroix vient s'y reposer à l'écart de Paris, où sévit le choléra. Là il peut, accompagné de sa gouvernante Jenny, faire de longues promenades dans la campagne pour soigner sa tuberculose. Il travaille de nombreux paysages, plusieurs vues de Champrosay tant au pastel (musée du Louvre) qu'à la peinture à l'huile (musée du Havre). Il réalise de nombreux tableaux de mémoire suivant ses notes et carnets du Maroc, interprétant des scènes antiques à la mode orientale. Son travail se fait plus intimiste, les tableaux de petite taille sont vendus par les marchands parisiens. Il peint également ses natures mortes florales, souvent composées de fleurs imaginaires, (comme ci dessus) affectionnant particulièrement les lys jaune à cinq pétales. Les relations avec George Sand quoique suivies, se distendent. Après avoir réalisé le portrait de l'écrivain en 1834, Delacroix vient régulièrement à Nohant-Vic où il peint pour l'église de Nohant une Éducation de la Vierge138. Il offre un Bouquet de fleurs dans un vase139 à l'écrivain, qui l'accroche140 au-dessus de son lit, mais quand celle-ci tombe amoureuse du graveur et élève de Delacroix, Alexandre Manceau, Delacroix en prend ombrage d'autant qu'il est opposé à la révolution de 1848 dont Sand a été une des figures. La rupture est consommée. Restent les natures mortes florales qui datant de cette idylle, ont traversé les temps.

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Joan Miró (1893-1983) - Fleurs et Papillons

 

Joan Miró (1893-1983),
Fleurs et Papillons, 1922-23
Tempera sur contreplaqué 81x65cm
Musée d'art de Yokohama, Japon

Que voit on ? Un vase de fleurs en verre décoré,  très typé année 20. On y trouve quelques détails  qui rendent cette composition surréaliste comme me papillon noire ou les branches mortes. Pour le reste : aucun points communs avec les compositions colorées  et totalement abstraites du Miró d'après guerre.

Rappel biographique : Le peintre espagnol Joan Miró, (Joan Miró i Ferrà) qui se définissait comme un « catalan international» fut l'un des principaux représentants du mouvement surréaliste.
Ses premières peintures dont on peut considérer que cette nature morte fait partie, dénotent une influence claire du fauvisme et du cubisme montrant une certaine proximité de couleurs avec Van Gogh et quelquefois même Cézanne.
Il abandonne leu à peu les couleurs et les formes dures utilisées jusqu'alors pour les remplacer par d'autres plus subtiles. Il explique cette démarche dans une lettre à son ami Ricart en date de 1918 :
« Pas de simplifications ni d’abstractions. En ce moment je ne m’intéresse qu’à la calligraphie d’un arbre ou d’un toit, feuille par feuille, branche par branche, herbe par herbe, tuile par tuile. Ceci ne veut pas dire que ces paysages deviendront cubistes ou rageusement synthétiques. Après, on verra. Ce que je me propose de faire est de travailler longtemps sur les toiles et de les achever autant que possible. À la fin de la saison et après avoir tant travaillé, peu importe si j'ai peu de toiles. L'hiver prochain, messieurs les critiques continueront à dire que je persiste dans ma désorientation. »
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Albert Eckhout (c.1610 – c. 1666) - Nature morte avec Ananas, Pastèques et autres fruits du Brésil

Albert Eckhout (c.1610 – c. 1666)
Nature morte avec Ananas, Pastèques et autres fruits du Brésil
Huile sur toile, 91 × 91 cm
National Museum of Denmark

Que voit-on ? Ce que décrit précisément le titre  dans une accumulation de fruits tropicaux qui à l'époque où ils furent présentés au public européen suscitèrent à la fois émerveillement et incrédulité.

Rappel biographique : Le peintre hollandais Albert Eckhout, est connu pour ses toiles de la flore, de la faune et des habitants du Brésil. Eckhout et Frans Post étaient les artistes les plus célèbres de l'entourage de Johan Maurits de Nassau alors qu'il était gouverneur général du Brésil néerlandais de 1637 à 1644. On sait peu de choses sur la formation d'Eckhout, ses débuts de carrière et les raisons de sa nomination, et on ne sait pas exactement quand il est arrivé au Brésil. Parce que certaines peintures attribuées à Eckhout représentaient des peuples Araucano et africains ainsi que des lamas, des plantes et des arbres, certains ont suggéré qu'Eckhout aurait pu faire partie de l'expédition de Hendrick Brouwer au Chili en 1643 ou aurait pu visiter l'Afrique de l'Ouest avec les forces du colonel Hans Coen qui a capturé Elmina en 1637. D'autres pensent qu'il faisait partie de l'expédition de l'amiral Cornelis Jol et du colonel James Henderson quand ils ont occupé l'Angola en 1641. Enfin, on ne sait pas exactement quand Eckhout est revenu en Europe ou combien de temps il est resté au service de Maurits, mais l'on sait qu'en 1645, Eckhout était de retour à Groningen. Entre 1648 à 1652, il vécut à Amersfoort avant de s'installer à Dresde, où il passa dix ans (1653 à 1663) comme peintre à la cour de l'électeur de Saxe, Johann Georg II. On pense qu'Eckhout est mort à Groningen en 1665.

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William Merritt-Chase (1849-1916) - Pink Azalea-Chinese Vase

William Merritt-Chase (1849-1916)
Pink Azalea-Chinese Vase,1880-90
Private collection

Que voit-on ? Une merveilleuse nature morte florale de ce très grand peintre impressionniste nord américain qui atteste  de son impeccable technique et de sa sensibilité particulière (eprceptible ici dans le rendu du vase chinois blanc bleu.  

Rappel biographique : Le peintre américain William Merritt-Chase était très connu outre Atlantique, pour ses talents de pédagogue et pour le rôle qu'il a joué dans l'introduction de l'impressionnisme aux Etats Unis. Il installa sa propre école à New York, la « Chase school » (aujourd'hui Parsons School), après avoir enseigné quelques années à l'Art Students League. Il a travaillé sur toutes sortes de supports : huile, pastel, encre et aborder de nombreux genre, paysages, natures mortes, portraits. Ce sont d'ailleurs surtout ses portraits de grandes personnalités de son temps qui le rendirent célèbre, au point que toute la bonne société de la Nouvelle-Angleterre et de New York se pressait à la porte de son atelier pour se faire peindre.
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Ryangina Seraphim Vassilievna (1891-1955) - Oeuf sur une assiette

Ryangina Seraphim Vassilievna (1891-1955)
Oeuf sur une assiette. 1924
Huile. sur contreplaqué, 23 x 32 cm
Musée régional des beaux-arts d'Orenbourg, Russie 

Que voit on ? Un œuf dur  ou mollet sur une assiette  blanche  posé sur une jolie  nappe un peu festive et prête à être dégusté avec une cuillère en argent.

Rappel Biographique : Serafima Ryangina est issue d'une génération d'artistes venus sur la scène artistique soviétique avec un bagage d'éducation artistique classique. Elle a commencé sa carriere d'artiste  dans un studio privé bien connu de Yan Tsionglinsky à Saint-Pétersbourg. A partir de 1912, elle étudia à l'Académie impériale des beaux-arts dans la classe de Dmitry Kardovsky.
Rtangina était membre de l'Association des artistes de la Russie révolutionnaire dès les premiers jours de sa fondation. En 1934, l'artiste a créé une peinture intitulée "Tout est mieux ! " qui est devenu un exemple archétypal du réalisme socialiste, dans lequel la jeunesse de l'URSS était personnifiée par les figures de ferronniers - les beaux jeunes hommes et femmes. Le motif principal de l'art de Ryangina était les scènes de la vie quotidienne moderne. Les peintures de Serafima Riangina sont conservées  à la Galerie nationale Tretiakov (Moscou), au Musée national russe (Saint-Pétersbourg) et dans de nombreux musées en Russie et dans l'ex-URSS.

Eugène-Louis Boudin (1824-1898) - Nature morte à la raie

Eugène-Louis Boudin (1824-1898)
Nature morte à la raie
Musée Eugene Boudin, Honfleur

Que voit on  ? Étrange raie d'Eugène Boudin semblant perpétuellement surgir d'un fond de mer trouble  et mystérieux, bien que pendue sur son mur de cuisine entre torchons et casseroles, sous la molle  surveillance  d'une crabe à la pince inactive.

Rappel biographique : Le grand peintre français de paysages, de marines et de plages, Eugène-Louis Boudin n'a pas peint énormément de natures mortes, mais il en a laissé tout de même un catalogue significatif (cf. celles déjà publiées dans ce blog). On peut comprendre que cet homme qui fut à l'origine de la peinture à l'extérieur de l'atelier, n'ait pas été très attiré par le genre de la nature morte qui est par essence un genre d'atelier.
Eugène-Louis Boudin est considéré comme l'un des précurseurs de l'impressionnisme. Peintre marin, expert en matière de rendu de tout ce qui est lié à la mer et à ses rivages, il peint notamment de nombreux tableaux décrivant la vie des pêcheurs sur les ports et les marchés, ainsi que celle des familles bourgeoises du 19e siècle sur les plages de Normandie. S'il ne rencontre un succès public relatif qu'à l'approche de la soixantaine, son travail de peintre d’avant-garde est reconnu par les critiques et peintres impressionnistes dès les années 1870, les collectionneurs (Ivan Tourgueniev, Georges Feydeau, puis les Rothschild ou Cary Grant) se mettant dès lors à acheter ses tableaux de paysage mais c'est surtout à partir de 1929, année qui voit Jeanne Lanvin acheter une de ses toiles, que le succès et la reconnaissance lui sont définitivement assurés.
Au cours de sa vie, Eugène-Louis Boudin a peint près de 4 500 tableaux et laissé autant de dessins, pastels et aquarelles. C'est le musée d'art moderne André-Malraux du Havre qui possède la plus grande collection de tableaux de Boudin, avec 224 peintures dont de nombreuses esquisses et études, toutes exposées. Une grande partie provient du « legs Boudin », comportant 60 toiles et 180 panneaux, reliquat de la vente aux enchères, le 21 mars 1899, des œuvres retrouvées dans son atelier à sa mort. Le Musée Eugène-Boudin de Honfleur possède en outre 93 œuvres de l'artiste. Ce musée a été créé en 1868 par Louis-Alexandre Dubourg, peintre honfleurais et ami de Boudin. Ce dernier enrichit les collections du musée en léguant à sa ville natale 53 de ses œuvres ainsi que 17 œuvres de ses amis (Ribot, Hamelin...).

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Georges Braque (1882-1963) - La coupe de raisins

Georges Braque (1882-1963)
La coupe de raisins, 1927
Collection privée 

Que voit on ? Posé sur un guéridon recouvert d'une nappe blanche; un coupe blanche contenant des raisons noirs.  Ce que ne nomme pas le titre: des pommes vertes et un cruche à eau blanche et noire, munie d'une anse.

Rappel biographique : le peintre français Georges Braque qui fut aussi sculpteur et graveur est le maître incontestable de la nature morte au 20e siècle, genre qu'il a profondément transformé et renouvelé tout au long de sa vie, s'inscrivant (consciemment ou inconsciemment) dans une démarche similaire à celle de Chardin au 18e siècle. Engagé dans le sillage du fauvisme, influencé par Matisse, Derain et Othon Friesz, il peint, à l'été 1906 les paysages de l'Estaque avec des maisons en forme de cubes (Maisons à L'Estaque) que Matisse qualifie de cubistes. A partir de 1909, il entre dans ce que les spécialistes appellent la période du " cubisme analytique ". Les paysages qui prédominaient jusqu'alors dans son œuvre vont céder la place aux natures mortes.
Ce sont principalement des natures mortes d'objets et/ou d'instruments de musiques (violons, guitare, pipe, journaux et magazines, objets divers de décorations intérieurs comme les nappes, les guéridons...) qu'il peint délaissant volontiers les thématiques habituelles du genre (fruits, légumes, pâtisseries, porcelaines).
A la Libération, Aimé Maeght devient son nouveau marchand parisien, et publie la première édition des Cahiers G. Braque. En 1948, lorsqu'il présente la série des Billards à la Biennale de Venise, il reçoit le Grand Prix pour l'ensemble de son œuvre. Suit une série d'expositions en particulier au MoMa de New York, qui parachève la reconnaissance internationale de son œuvre immense. Depuis lors il est considéré comme un des cinq grands génies picturaux du 20e siècle.
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Salvador Dalí (1904-1989) - Pluie de jasmin

Salvador Dalí (1904-1989)
Pluie de jasmin, 1954
Huile sur toile
Collection privée.

Que voit-on ? Ce que décrit le titre dans une  belle atmosphère minimaliste et japonisante étonnante chez ce maitre du surréalisme et, pour le citer,  de la " fumiste-rrrrrrie  arrrrr-tistikkkk - interrrrr-nationaaaaa- le"  ! 

Rappel Biographique : Salvador Dalí i Domènech, premier marquis de Dalí de Púbol, est un célèbre peintre, sculpteur, graveur, scénariste et écrivain catalan de nationalité espagnole. Il est considéré comme l'un des principaux représentants du surréalisme, et comme l'un des plus célèbres peintres du xxe siècle. Influencé très jeune par l'impressionnisme, il quitta Figueras pour recevoir une éducation artistique académique à Madrid où il se lia d'amitié avec Federico García Lorca et Luis Buñuel et chercha son style entre différents mouvements artistiques. Sur les conseils de Joan Miró, il rejoignit Paris à l'issue de ses études et intégra le groupe des surréalistes, où il rencontra sa femme Gala. Il trouva son propre style à partir de 1929, année où il devint surréaliste à part entière et inventa la méthode paranoïaque-critique. A l'époque où il peint cette série d'aquarelles, Dalí a quitté l'Europe pour vivre aux Etats unis où son activité est débordante. De son aveu même Dalí est encore dans sa période de retour au classicisme qu'il qualifie de " Dalí de la psychanalyse ", période qu'il va bientôt abandonner, après les bombardements nucléaires d'Hiroshima et de Nagasaki pour entrer dans la période " Dalí de la physique nucléaire "...

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Johann Georg Hinz (1630-1688) - Nature morte avec un verre de bière et des noisettes

Johann Georg Hinz (1630-1688)
Nature morte avec un verre de bière et des noisettes,1645
Huile sur toile montée sur masonite, 27 x 30 cm
Nationalmuseum Stockholm


Que voit-on ? Devant un fond noir, c'est indéniablement le verre de bière qui tient ici la vedette sur un entablement de bois qui comporte la signature du peintre.  Ce motif du verre de bière était particulièrement cher à ce peintre qui le peignit à des très nombreuses reprises ... avant de le consommer sans doute !

Rappel biographique : Peu de renseignements sont parvenus jusqu'à nous à propos du peintre baroque allemand Johann Georg Hinz, aussi appelé Hins et Hai nz. Selon Houbraken il fut le professeur d'Ernst Stuven et le prit dans son atelier dès qu'il remarqua le talent du jeune garçon. Selon le RKD, il fut également le professeur de Christian Berentz et il était très connu pour ses natures mortes. Il fut peut-être aussi le professeur de Franz Werner von Tamm.

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Achille Laugé (1861-1944) - Fleurs et poires

Achille Laugé (1861-1944)
Fleurs et poires, 1909
(dimensions n.d)
Musée des beaux-arts de Carcassonne

Que voit-on ?  Sur le fond beige et blanc habituel a ce peintre pour ces natures mortes, un danses de fleurs et de fruits, toute en couleurs vives peint avec un pinceau très pointilliste qui se rapproche toutefois souvent de celui de Van Gogh. Un important peintre français dont on commence seulement a redécouvrir le bel œuvre. 

Rappel biographique : Achille Laugé, est un peintre et lithographe post-impressionniste français né dans une famille de paysans de l'Aude qui le destinait au métier de pharmacien. De 1876 à 188, il fréquente l'école des beaux-arts de Toulouse, en même temps qu'il fait un stage dans une pharmacie de cette ville. Il y fait la connaissance d'Antoine Bourdelle, Henri Martin et Henri Marre. En 1882, il s'installe au no13 rue Radziwill à Paris et il entre à l'École nationale supérieure des beaux-arts. Il y est successivement l'élève d'Alexandre Cabanel et de Jean-Paul Laurens jusqu'en 1886. Il y retrouve Bourdelle et rencontre Aristide Maillol qui a pu dire : « C'est Laugé qui m'a appris à mettre un homme debout ». Il entretient une relation amicale toute sa vie avec eux.
Laugé étant pauvre et Bourdelle aussi, ce dernier accepte avec reconnaissance de partager sa mansarde du no 24 rue Bonaparte à Paris. Il partage l'atelier de Maillol, au no 79 rue de Sèvres, et demeure dans la capitale jusqu'en 1888. Pendant cette période de formation, il subit l'influence de Georges Seurat, de Paul Signac et de Camille Pissarro.
Quand il revient dans sa famille, il ne pratique pas la technique apprise aux Beaux-Arts mais adopte la division du ton.
« Laugé aurait pu se contenter de faire partie de ces petits maîtres régionaux aux toiles pittoresques, attachantes parce que caractéristiques de leur terroir natal. Mais il n'est pas passé а côté du grand mouvement qui, dans la suite de l'impressionnisme, bouleverse la peinture à partir de la décennie 1880. L'emploi d'un nombre très restreint de couleurs pures et la touche divisée qui apparaissent dans l'essentiel de son oeuvre évoquent une communauté de recherche picturale avec le néo-impressionnisme. Son orientation vers une nouvelle manière de peindre, associée à une poésie qui lui est propre, fait de lui mieux que le félibre qui chante son Languedoc natal et lui donne la dimension d'un artiste national. » (Nicole Tanburin)
Vers 1905, constatant l'insuccès de la technique qu'il pratique depuis près de vingt ans et pressé par le besoin, il adopte une manière moins stricte ; avec une pâte plus riche et une touche plus large, il peint avec plus de liberté.

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Adolf Herbst (1908-1983) - Nature morte avec vase et courge

Adolf Herbst (1908-1983)
Nature morte avec vase et courge
Huile sur toile, 46 x28 cm
Collection privée

Que voit-on ? Ce que décrit le titre, a savoir un  vase blanc apportant à l'ensemble de cette composition très rouge  et jaune un  contrepoint bienvenu. Le thème de ce vase blanc associé à des fruits ou légumes  se retrouve très  fréquemment dans les natures mortes de ce peintre suisse relativement inclassable, bien que se réclamant du Fauvisme.

Rappel Biographique : Fils d'un ébéniste, Adolf Herbst  a commencé par étudier le dessin d'arcbitecture à Lucerne (1925) et à l'EPF de Zurich (1929-1933). C'est lors de son premier séjour à Paris où il fréquenta l'Académie de la Grande Chaumière que lui vint l'idée de peindre (1935). Il fut, par la suite, bénéficiaire de nombreuses bourses fédérales  uisses (1938, 1939, 1942).  En 1940, il fait connaissance de sa future mécène, Hedy Hahnloser-Bühler. Il regagna Paris en 1946 avant de s'établir définitivement en Suisse en 1948.  Ses natures mortes, intérieurs et portraits, et surtout ses nus féminins sont imprégnés du chromatisme des Fauves.

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Maria Sibylla Merian (1647-1717) - Deux Pétales de Tulipes

Maria Sibylla Merian (1647-1717)
Deux Pétales de Tulipes
Aquarelle et couleurs sur parchemin
Kupferstichkabinett, Staatliche Museen zu Berlin

Que voit on ? Deux pétales de tulipes peintes avec la précision de 'limmense naturaliste que fut Anna Maria Sibylla Merian.

Rappel Biographique : Anna Maria Sibylla Merian est une naturaliste et une artiste peintre. Elle mit son talent de dessinatrice, acquis au sein d'une famille d'éditeurs et d'illustrateurs célèbres, au service des observations naturalistes très détaillées qu'elle conduisit notamment sur la métamorphose des papillons. Elle vécut entre l'Allemagne et les Pays-Bas et fit un grand voyage exploratoire au Suriname qui lui procura la matière de son ouvrage le plus important et le plus célèbre sur les métamorphoses des insectes. Longtemps méconnue, elle est aujourd'hui considérée, en raison de la qualité de son œuvre artistique et scientifique, comme une importante figure de l'Histoire naturelle de son époque. L'Allemagne redécouvrit son travail et lui rendit hommage au xxe siècle, en particulier en apposant son portrait sur ses derniers billets  de Deutsche Mark.
Au-delà de son œuvre artistique et de l'influence, somme toute réduite, de son œuvre scientifique, Merian est remarquable car elle est l'un des très rares exemples de femme naturaliste et voyageuse. On ne peut guère citer que Jeanne Barret (1740-1807), la compagne de Philibert Commerson (1727-1773) qui l'accompagne, déguisée en valet, lors du voyage autour du monde de  Bougainville (1729-1811) . Il existe, notamment au XIXe siècle, des femmes qui étudient la nature sous les tropiques, mais elles n'y vont pas pour suivre, comme Merian, un intérêt personnel, elles suivent leurs maris nommés là-bas. Parmi ces épouses on peut ainsi citer Charlotte Canning (1817-1861), qui étudia les plantes en Inde.  Femme naturaliste et voyageuse, c'est bien là l'exception de  Merian, plus que dans le fait qu'elle soit une artiste : des nombreuses femmes, dans les couvents du Moyen Âge, réalisent déjà des enluminures, des femmes appartiennent à certaines guildes artistiques de son époque. À une époque où les femmes étaient exclues des sciences comme des voyages scientifiques, Anna Maria Sibylla Merian est un cas unique d'une femme naturaliste, il faudra attendre la fin du XIXe siècle pour que son exemple ne reste plus isolé. 

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Adriaen van Utrecht (1599-1652) - Pronkstilleven

 

Adriaen van Utrecht (1599-1652)
Pronkstilleven (Nature morte de Banquet), 1644.
Huile sur toile 185 x 242, 5 cm
Rijksmuseum, Amsterdam

Que voit on ? Un grand déballage !  Un très grand déballage même !!! comme toujours chez ce peintre dont la représentation de l 'abondance et de la profusion furent le fond de commerce. On peut adorer ou l'on peut détester mais au moins... tout y est  : fruits,  légumes, fleurs,viandes, gibiers, pâtés,  charcuterie, poissons et crustacés, instruments de musiques et leurs partitions, vaisselles précieuses, calices, dame Jeanne  et tonneaux de divers vins, liqueurs,  porcelaines, verreries, coquillages rares, chien tondu comme selon les règles d l'art  topiaire,(!), chimpanzé ouistiti et surtout perroquet triomphant qui, selon les compositions de ce peintre, est soit à gauche soit à droite du cadre ! C'est peu de dire que l'esthétique de ce peintre a beaucoup inspiré les étalagistes des rayons  "alimentation" des grandes surfaces du XXe siècle !

Rappel biographique : contrairement à ce que suggère son patronyme, Adriaen van Utrecht est natif d'Anvers. Il est d'abord influencé par Frans Snyders, puis Jan Fyt. Il voyage en France, en Allemagne et en Italie, où il découvre le style baroque et les effets du clair obscur. Après son retour à Anvers, en 1625, il est admis à la guilde de Saint-Luc. Van Utrecht dirige alors son propre atelier de 1626 à 1646. Il compte parmi ses élèves Philip Gyselaer et Cornelis van Engelen. Son style a également influencé Jan Davidsz de Heem, Evaristo Baschenis et Nicolas de Largillière.
Il est particulièrement connu pour ses natures mortes, d'animaux, de gibier, de fruit et de légumes. Il peint également des tableaux de chasse, des vanités, des étals de poissons et des scènes de ferme, avec en particulier des dindons, des perroquets et des paons. Il a collaboré avec plusieurs autres artistes, dont il a pu ici et là réaliser les éléments de nature morte, comme cela se pratiquait souvent à cette époque. Il a aussi collaboré avec Willeboirts Bosschaert pour le compte de Constantijn Huygens, dans la réalisation des décors de la Huis Ten Bosch à La Haye en 1646.

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Vincent van Gogh (1853-1890)- Vase de Fleurs avec Fruits et Cafetiere, 1887

         


Vincent van Gogh (1853-1890)
Vase de Fleurs avec Fruits et Cafetière, 1887
Huile sur toile, 24,9 x 26 cm
Von der Heydt Museum, Wuppertal

Que voit on ? Posé sur une nappe blanche , Cinq pommes et une fruits difficile à identifier devant une pot de fleurs en céramique vernissée d'inspiration bretonne ; s'adossant au pot de fleurs : un plat de même inspiration , présenté presque à la verticale et à droite, un cafetière en céramique vernissée marron. Cette nature morte a été peinte lors du retour à Paris de Van Gogh  et son atmosphère lumineuse ,relativement sereine  et flirtant avec l' impressionniste, reflète bien l'état d'esprit enthousiaste du peintre  au moment de ce retour... 

Rappel biogaaphique : Au début du mois de mars 1886, Vincent rejoint son frère Theo à Montmartre, avec l'envie de s'informer sur les nouveautés de la peinture impressionniste. À l'époque, Theo est gérant de la galerie montmartroise Boussod, Valadon & Cie. Seule la connaissance du milieu artistique parisien peut véritablement permettre à Van Gogh de renouveler et d'enrichir sa vision. Cette année-là est celle de la dernière exposition impressionniste que Vincent découvre, et en 1887 doit avoir lieu la première rétrospective de l’œuvre de Millet. Paris se prépare alors à accueillir plusieurs expositions : en plus du Salon, où sont exposées les œuvres de Puvis de Chavannes, Van Gogh visite les salles de la cinquième exposition internationale à la galerie Georges Petit, qui présente des toiles d'Auguste Renoir et de Claude Monet. Ces derniers n'avaient pas souhaité participer à la huitième et dernière exposition des impressionnistes, qui offrait le spectacle d'un groupe déchiré, entre les défections et les nouvelles arrivées, et ouvrait ses portes à la nouveauté du moment, le néo-impressionnisme, avec la toile de Georges Pierre Seurat, Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte. À Paris dans les années 1886-1887, Van Gogh fréquente un moment l’Académie du peintre Cormon, où il fait la connaissance de Henri de Toulouse-Lautrec, de Louis Anquetin, d’Émile Bernard ainsi que de John Peter Russell. Ce dernier réalise son portrait. Il rencontre également, par l’intermédiaire de son frère, presque tous les impressionnistes, en particulier Georges Seurat et Camille Pissarro, ainsi que Paul Gauguin. Dans la boutique du père Tanguy, il devient l'ami de Paul Signac. Sous l’influence des estampes japonaises, ses compositions acquièrent peu à peu davantage de liberté et d’aisance, tandis qu’il s’essaie à la technique de l’aplat coloré. Pissarro l’initie également aux théories nouvelles sur la lumière et au traitement divisionniste des tons. La palette de l'artiste s’enrichit alors de couleurs vives et sa touche s’anime et se fragmente, ceci grâce également à Signac avec qui il travaille en 1887. Exalté par la ferveur du climat artistique parisien, Van Gogh brûle les étapes de son renouvellement artistique grâce à la fréquentation des peintres les plus anticonformistes du moment : il s'essaye au néo-impressionnisme auprès de Signac et Pissarro, enquête sur les profondeurs psychologiques du portrait avec son ami Toulouse-Lautrec, est précocement informé de la synthèse du cloisonnisme par ses compagnons Louis Anquetin et Émile Bernard, et peut apprécier les toiles exotiques réalisées par Gauguin en Martinique. Régénéré par cette modernité, il est prêt à réaliser son rêve méditerranéen, à la recherche de la lumière aveuglante de la Provence, qui fait resplendir les couleurs pures de la nature, étudiées jusque-là dans sa collection d'estampes japonaises. C'est une période très fertile où son art s'oriente vers l'impressionnisme, mais l'absinthe et la fatigue aggravent son état mental. Le 19 février 1888, il quitte Paris....

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Berthe Morisot (1841-1895) - Bouquet de fleurs sur une cheminée

 

Berthe Morisot (1841-1895)
Bouquet de fleurs sur une cheminée
Aquarelle (dimensions n.d.)
Collection privée

 Que voit on ? un bouquet de fleurs dans un vase sur un  manteau de cheminée posé devant un miroir avec un angelot et une coquillage t fermant le cadre sur la gauche. Même si toutes la  plupart des natures mortes de Berthe Morisot ont tendance  a se ressembler, chacune possède cependant un petit supplément d'âme qui la rend unique.  Ce n'est pas le moindre des talents de cette peintre que de parvenir à cet exploit dans les variations autour d'une même thème.

Rappel biographique : La peintre et artiste française Berthe Morisot fut membre fondatrice et doyenne du mouvement d'avant-garde que fut l'Impressionnisme. Les étapes de la carrière de Berthe Morisot ne sont pas très marquées car elle a détruit toutes ses œuvres de jeunesse. C'est à peine si l'on discerne une influence d'Édouard Manet ou de Pierre-Auguste Renoir vers la fin de sa vie. Après sa mort, la galerie Durand-Ruel avait organisé une rétrospective de ses peintures, aquarelles, pastels, dessins et sculptures : il y avait plus de 400 pièces ! Berthe Morisot était sans aucun doute une « rebelle » et sa volonté de rupture avec les traditions, la transcendance de ses modèles, et son talent ont fait d'elle « la grande dame de la peinture ». Elle a peint beaucoup de portraits (de femmes et d'enfants principalement), énormément de paysages mais, comparativement, très peu de natures mortes, ce qui les rend d'autant plus rares et appréciables.

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Theodule-Augustin Ribot (1823-1891) (attribué à... ) - Nature morte au panier de coings

Théodule-Augustin Ribot (1823-1891) (attribué à... ) 
Nature morte au panier de coings
Huile sur toile
Collection privée

 Que voit on ?  Un panier de coings renversé sus un entablement de bois, dans un clair obscur parfaitement maitrisé qui appelle immédiatement la comparaison avec les grands maîtres espagnols du genre comme Luis Egidio Melendez.

Rappel biographique : Théodule-Augustin Ribot, à ne pas pas confondre avec son fils Germain (1845-1893) lui-même peintre reconnu, fut un aquafortiste, aquarelliste et peintre réaliste français.
Se destinant à la carrière artistique, après des études d'ingénieur, il entra à l’école des arts et métiers de Châlons, lorsque la mort de son père, en 1840, le força à demander des ressources à l’industrie. Il en trouva pour assurer la subsistance de sa mère et de ses sœurs, en devenant peintre de stores chez un décorateur puis peintre de bordures pour un fabricant de miroir ! En 1845, il se rend à Paris où il est employé comme commis d’atelier tout en étudiant dans l’atelier du peintre Auguste-Barthélemy Glaize et commence a rencontrer tous les peintres parisiens de la bohême de son époque.
Après un séjour de trois ans en Algérie pour surveiller et diriger des constructions, il revient à Paris en 1851, et subsiste en exécutant des dessins industriels et des copies d’Antoine Watteau destinés aux États-Unis le jour, et en peignant "pour lui-même" la nuit.
Il figura au Salon à partir de 1861, avec six toiles d’intérieur de cuisine et de basse-cour qui le firent immédiatement connaître du grand public et devinrent un peu sa marque de fabrique.
Théodule Ribot, qui a aussi peint des scènes historiques, des compositions religieuses, des portraits et des scènes de genre. Il fut l'ami de Fantin Latour, Eugène Boudin, Jules Bastien-Lepage, Pierre Puvis de Chavannes, Auguste Rodin et Claude Monet qui alors qu'il était affaibli par la maladie en 1884 donnèrent un banquet en son honneur et lui offrirent une médaille gravée de l’inscription : « À Théodule Ribot, artiste indépendant ».  Le meilleur compliment qu'un artiste puisse faire à un autre artiste !
Nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1878, il fut promu officier en 1887.

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Dick Ket (1902-1940) - Still Life with Violin and Newspaper clippings with Self-Portraits of W.Schumacher and R.Hynckes

Dick Ket (1902-1940).
Still Life with Violin and Newspaper clippings with Self-Portraits of W.Schumacher and R.Hynckes,
Oil on canvas  83 x 71 cm, ca.1936
Museum More Gorssel, Netherlands

Que voit-on ? Exactement ce que le titre décrit :  un violon, et deux portraits photographiques .. sans oublier les œufs durs,  les vieux journaux tachés et les bols émaillés éléments récurrents et emblématiques de la peinture de Dick Ket. que l'on retrouve de tableaux en tableaux dans tout son œuvre. 

Rappel biographique : Dick Ket était un peintre connu pour ses natures mortes et ses autoportraits.
Ses natures mortes méticuleusement composées tournent toujours autour des mêmes thèmes et représentent souvent les mêmes objets à savoir des bouteilles, un bol vide(et de préférence ébreché,) des œufs, des instruments de musique, des journaux... Ket a juxtaposé ces objets dans des arrangements angulaires, vus d'un point de vue élevé, dans un cadrage "en plongée", les ombres portées des objets créant toujours d'intéressantes diagonales. Dick Ket a réalisé environ 140 peintures, dont une quarantaine d'autoportraits. Ses expérimentations techniques de différents additifs dans la composition de ses pigments, medium et vernis, ont eut pour effet de provoquer un résultat étonnant et difficilement gérable par les conservateurs, puisque certaines de ses peintures ne sont pas encore complètement sèches après quatre vingt ans !!! Le Rijksmuseum d'Amsterdam, le musée Arnhem et le musée Boijmans Van Beuningen de Rotterdam figurent parmi les musées présentant des œuvres de Dick Ket.

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Philippe Rousseau (1816-1887) - Nature morte avec Bottes d'Asperges et d'Oignons

Philippe Rousseau (1816-1887),
Nature morte avec Bottes d'Asperges et d'Oignons  
Collection privée

Que voit on ? Sur entablement de bois  recouvert d'une feuille de zinc usagé, les bottes d'asperges et d'oignons qui donnent son titre au tableau, cadrées en plein centre du tableau dans un éclairage latérale qui rehaussent leur blancheur.  Un lièvre, une chaudron en cuivre, un pichet d'eau en terre cuite vernissée, et un flacon en verre foncé transparent encadrent la composition centrale et permettent une variation remarquable sur les textures et les reflets.  Quelques champignons de Paris égarés sur un coin de zinc, ponctuent cette composition, terriblement académique mais néanmoins pleine de charme  ! 

Rappel biographique : Philippe Rousseau est un peintre français, élève d'Antoine-Jean Gros et de Jean-Victor Bertin à l'Ecole des beaux-arts de Paris. Il débute comme paysagiste, puis peint des natures mortes et des sujets animaliers. Il expose au Salon à partir de 1834.
Le succès lui vint à partir de 1840 avec ses illustrations des Fables de La Fontaine notamment.
Par la suite, l'afflux de commandes l’incitère à diversifier son propos. Ses natures mortes, deviennent plus ambitieuses  tout en restant  des pastiches des Hollandais du XVIIe siècle,   oscillant toutefois entre intimisme hérité de Chardin, grande fraicheur du traitement et pompe académique. Philippe Rousseau n’en reste pas moins un de ces peintres du XIXème qui a revalorisé le terme réducteur de Nature Morte. Il connut un réel succès en son temps avec des récompenses aux Salons, des commandes de la cour impériale française ou encore du Baron James de Rothschild (un de ses principaux mécènes) et l'admiration de Baudelaire.
En 1845, Charles Baudelaire écrit : « M. Philippe Rousseau dont chacun a souvent remarqué les tableaux pleins de couleurs et d'éclat, est dans un progrès sérieux. C'était un excellent peintre, il est vrai ; mais maintenant il regarde la nature avec plus d'attention, et s'applique а rendre les physionomies. J'ai vu dernièrement, chez Durand-Ruel, des canards de M. Rousseau qui étaient d'une beauté merveilleuse, et qui avaient bien les moeurs et les gestes des canards ».
Aujourd'hui particulièrement bien représenté dans les collections privées et publiques néerlandaises, Philippe Rousseau qui a enfin récupéré son statut de grand peintre, se trouve conservé au Musée Orsay à Paris, au Metropolitan de New-York, à Munich et dans beaucoup de musées des beaux-arts comme Lyon, Rouen, Compiègne, Lille... qui lui sont toujours restés fidèles.
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Piet Mondrian (1872-1944) - Amaryllis

Piet Mondrian (1872-1944)
Amaryllis, 1910
Aquarelle, 22.9 x17.2 cm
Collection privée

Que voit on ? Une nature morte florale explosive sur les travail des couleurs complémentaires !

Rappel biographique : Dans la structure des peintures datant d'avant 1900, Mondrian vise des effets d'ensemble : effets de lumière, effets linéaires, groupes de troncs d'arbres et branches en contre-jour sont des motifs récurrents. Ce sont des qualités morales qui s'inscrivent dans ces choix de couleurs et ces motifs. L'art de tradition romantique-nordique produisit vers 1900 beaucoup de paysages de sous bois. En octobre 1892, il s'inscrit à l'Académie royale des beaux-arts d'Amsterdam.
Après 1900, les tableaux de Mondrian cherchent à faire voir des idées, et semblent proches du mouvement symboliste. Son nouveau style, comme cristallisé sur des formes-idées, déjà visible dans Passiebloem (Passiflore), vers 1901, s'est manifesté d'autant plus vigoureusement qu'il rencontra en juin 1908 le peintre Jan Toorop, personnage central du Symbolisme hollandais connu par ses curieuses compositions de figures curvilignes très homogènes, comme fondues dans les plissements géologiques du dessin.
Connu pour être un des pionniers de l'abstraction, il écrit dès janvier 1914 écrit : « Je construis des lignes et des combinaisons de couleurs sur des surfaces planes afin d'exprimer, avec la plus grande conscience, une beauté générale. La nature (ou ce que je vois) m'inspire, me met, comme tout peintre, dans un état émotionnel qui me pousse à créer quelque chose, mais je veux rester aussi près que possible de la vérité et à tout extraire, jusqu'à ce que j'atteigne au fondement (qui ne demeure qu'un fondement extérieur !) des choses […]. Je crois qu'il est possible, grâce à des lignes horizontales et verticales construites en pleine conscience, mais sans ‘‘calcul’’, suggérées par une intuition aigüe et nées de l'harmonie et du rythme, que ces formes fondamentales de la beauté, complétées au besoin par d'autres lignes droites ou courbes, puissent produire une œuvre d'art aussi puissante que vraie »

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Pieter van Boucle (1610-1673) - Nature morte avec carpe, brochets huitres et pain

 

Pieter van Boucle (1610-1673)
Nature morte avec carpe, brochets huitres et pain , 1652
Huile sur toile, 70x107,5 cm
Museum of Fine Arts, Houston

Que voit on ? Au centre d 'un entablement de bois, reposants sur un ligne blanc  : deux très beaux poissons, encadrés par un plateau d'huitre ouverte et un bourriche  à droite ;  une belle miche de pain et des oignes rouges à gauche. Dans le fond de la composition, une marmite en cuivre attend ...

Rappel biographique : Pieter van Boucle (ou Pieter van Bœcle) est un peintre d'origine flamande qui a travaillé durant une longue période à Paris où il est mort. Essentiellement consacré aux natures mortes, son œuvre associe la manière flamande (lumière frontale, opulence, surabondance) et la manière française (délicatesse du pinceau, jeu sur les nuances de couleurs) dans une recherche réaliste. Ses tableaux sont le plus souvent de grandes dimensions et présentent des tables garnies de fruits ou de gibier avec des signes de luxe. Leur attribution est parfois discutée : sa signature PVB (pas toujours présente d'ailleurs) a pu amener à des confusions avec Pieter van Boel ou Pieter Van den Bos par exemple.Certains de ses tableaux comportent des personnages (marchande de légumes, jeune garçon) mais on soupçonne l'intervention d'autres peintres dans ces œuvres. Les compositions assez monumentales de Pieter van Boucle sont aussi souvent animées par des animaux vivants (chat, singe, chien, Nature morte aux fruits, au gibier et à la chèvre) mais le thème des animaux est aussi exploité pour lui-même (Poulailler, Combat de coqs) et surtout sous l'aspect de gibier mort.
Ces toiles aux éléments accumulés (qui ne semblent pas toujours respecter le calendrier des productions : asperges et raisin réunis par exemple) renseignent sur l'alimentation de l'époque en donnant une impression de corne d'abondance. Cependant certaines de ses toiles peuvent être interprétées comme des vanités, par exemple le fruit croqué dans Pommes, poires, pêches, ou dans Perroquet, urnes et fruits sur un entablement en pierre, où l'urne renversée renvoie au thème baroque de la mort cachée dans les plaisirs de la vie. Le thème du panier renversé se retrouve dans plusieurs de ses toiles comme la présence du perroquet associé usuellement à l'idée de couple ou d'épouse, d'autant qu'il ne s'agit pas dans ce tableau d'un perroquet multicolore et flamboyant mais d'un perroquet blanc isolé.

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Un blog de Francis Rousseau