Arthur Segal (1875-1944) - Still life with oranges

Arthur Segal (1875-1944)
Still life with oranges, 1929

 

Que voit on ? Nous voyons ce que décrit le titre avec un réglage de focus  - comme qu'il s 'agissait d'un appareil photographique - centré sur la coupe blanche au premier plan, au détriment des objets dans le fond qui sont volontairement peint dans le flou.  Un jeu destiné à créer une confusion entre photo et peinture, ou un simple clin d'œil qui rend en tout cas la présence de cette coupe blanche presque surnaturelle dans la composition ?  Encore une toile très étonnante d'un peintre dont la production est si  diverse et les styles si variés qu'on ne s'ennuie jamais dans son œuvre !

Rappel biographique : Arthur Segal (ne pas confondre avec Lazar Segall) fut un peintre d'origine roumaine, qui émigra à Londres en 1936. Il se situe, pour une part importante de son œuvre, dans le mouvement de l'avant-garde allemande (courant expressionniste), puis il évolue ver une forme de cubisme très personnelle. Arrivé à Berlin en 1892, il a pour professeur Hoelzel et subit les influences de Munch, Van Gogh et Segantini. Ses œuvres, aux couleurs claquantes et à la volonté expressive, sont exposées avec celles de Nolde, Heckel, Kirchner et Pechstein. Segal aide également à la fondation de la Neue Secession en 1910 et joue un rôle de premier plan dans le November Gruppe. À partir de 1917, à la lecture des théories de Goethe sur la couleur, influencé sans doute par les œuvres de Robert Delaunay, qui a exposé à la galerie Der Sturm en 1912, Segal évolue vers un style qualifié de « cubiste ». Divisant ses toiles en parties égales, le plus souvent des carrés ou des rectangles qu'il appelle des « équi-balances », Segal mêle, dans une tentative de narration évidente, des recherches de construction géométrique et d'alternance de couleurs à des problèmes optiques où joue le contraste du clair et de l'obscur.

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Andrew Wyeth (1917- 2009) - Monday Morning

Andrew Wyeth (1917-2009)
Monday Morning
Private collection 

Que voit on? Un panier vide et une bêche rangés sur le perron d'une porte de ferme. C'est pourtant lundi matin (titre du tableau) et il va falloir reprendre le labeur.

Rappel biographique : Le peintre aquarelliste américain Andrew Newell Wyeth, classé parmi les peintres « régionalistes » et réalistes américains est issu d'une dynastie d'artistes dont son propre père Newell Convers Wyeth (1882-1945), illustrateur connu qui fréquenta des célébrités de son temps comme Francis Scott Fitzgerald et Mary Pickford. Décidant de ne pas confronter son fils aux systèmes de l'éducation nationale ou privée, c'est lui même qui se charge de son éducation à la maison, l’initie à l’art, et tout particulièrement à l'art du paysage rural américain. À cette époque, il admire et est sensible à l'œuvre du peintre Winslow Homer. Plus tard, il apprend à maîtriser les techniques associées à l’aquarelle à base d'œuf, la tempera.
Andrew Wyeth commence à peindre dans des nuances de bruns et de gris seulement. Il s’inspire de son entourage pour réaliser ses tableaux. Ses sujets préférés sont la terre et les habitants de sa ville natale, ainsi que ses proches. Sa grande maîtrise picturale lui permet de montrer sa réflexion mélancolique sur le temps qui passe et la faillibilité humaine.
Son fils Jamie, né en1946, est également un peintre et portraitiste reconnu.

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Andres de Leito ou Deleito (actif de 1650-1663) Bodegon de Vanitas

Andres de Leito ou Deleito (actif de 1650-1663)
Bodegon de Vanitas
Collecion particular

Que voit on ? Une nature morte traité en Vanité, une des grandes spécialités de ce peintre. Ici pas de tête de mort remplacée ici par un grand sablier sur pied égrenant le temps qui passe au milieu de l'accumulation des richesses ... matérielles (les bijoux) aussi bien que spirituelles (les plumes, l'encre et le papier de l'écrivain) ... et de la religion, symbolisée par le Crucifix au premier plan.   

 Rappel biographique : Andrès Deleito, parfois écrit Andrès de Leito ou Leyto, est un peintre espagnol connu entre 1656 et 1663. On ne sait rien de  très précis de sa vie  et seule une notice sommaire  écrite sur lui par Ponz et Ceбn Bermudez le mentionne. Ils écrivent son nom « de Leito » et le situe à Ségovie et Madrid. On connait un testament de lui qu'il a signé le 11 juillet 1663. Il a travaillé au couvent San Francisco de Ségovie où il a peint des scènes de l'histoire franciscaine avec un certain Sarabia. Le musée du Prado possède une curieuse toile représentant l'Expulsion des marchands du Temple. L'essentiel de sa production est constitué par des natures mortes et plus particulièrement par des  "Vanités" toujours somptueusement mises en scène et richement colorées, assez proches du style d'Antonio de Pereda.(1611-1676) avec leur foisonnement de bijoux et  d'objets précieux.

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Amédée Ozenfant (1886‑1966) - Le Violon Rouge

Amédée Ozenfant (1886‑1966)
Le Violon Rouge, 1919
Collection privée

Que voit on  ? Un chef d'oeuvre du "purisme" dont Ozenfant est le fondateur et qui n'est rien d'autre qu'une première forme de minimalisme et en tout cas une affirmation de l'Art Moderne,  dès 1919, dans l'inspiration de l'avant garde russe de ce temps. Une composition en trois couleurs et leur nuances: rouge, blanc et noir qui fait la part belle à la musique et au vin... le violon finissant par prendre la couleur du vin. 

Rappel biographique : L'artiste et architecte français Amédée Ozenfant est connu pour avoir fondé - en pleine Première Guerre mondiale - avec Max Jacob et Guillaume Apollinaire la revue L'Élan pour établir une liaison entre les artistes et le front (1915-1917). En 1917, il rencontre Charles-Édouard Jeanneret, (qui sera célèbre sous le nom de Le Corbusier). Ils publient ensemble, en 1918, Après le cubisme, ouvrage qui décrit sous le nom de purisme l'héritage qu'ils comptent donner au cubisme, dévoyé à leurs yeux dès avant la guerre.
De 1920 à 1925, leurs idées sont exprimées dans leur revue, L'Esprit nouveau.
La peinture puriste d'Ozenfant, point de départ de celle de Le Corbusier, donne la primauté à la construction de la toile, à la représentation « standard » des objets, elle use de couleurs neutres et atténuées. Ozenfant identifie la création picturale à la création mécanique et réduit les formes à des schémas sans modelé. Il tente d'appliquer ses idées à la peinture murale et publie un nouveau livre en 1928, Art. Il travaille de 1931 à 1938 à une immense composition, Vie (Musée national d'art moderne, Paris), enchevêtrement de corps humains qui contraste avec la retenue des natures mortes puristes. Il s'installe à New York en 1938 et y fonde l'Ozenfant School of Fine Arts. Son activité pédagogique se poursuit à Cannes de 1955 jusqu'à sa mort. À la fin de sa vie, Ozenfant modifiera son style et fera, dans sa peinture, une plus large place à la vibration atmosphérique et à la matière.

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André Derain (1880 –-1954 - Nature morte au compas

André Derain (1880 –-1954)
Nature morte au compas, 1938
Collection privée

Que voit on ? Une nature morte presque monochrome où dominent le noir et le blanc à peine rehaussé par du marron, pour la potiche espagnole et la règle. Une composition mathématique qui surprend Derain en flagrant délit de surréalisme. Ce qui est pour le moins surprenant.

 Rappel biographique : Le peintre français André Derain est l'un des fondateurs du fauvisme. Peintre de figures, de portraits, de nus, de paysages, de marines, de natures mortes, il emploie diverses techniques : huile, gouaches, aquarelles, pastels. Il est également peintre de décors de théâtre, sculpteur, graveur et illustrateur. Pendant l'occupation allemande de la France, Derain est courtisé par les nazis comme symbole prestigieux de la culture française. Il accepte une invitation pour une visite officielle en Allemagne en 1941, avec, notamment, son ami Maurice de Vlaminck, Kees van Dongen ou le sculpteur Paul Belmondo. Derain est traité de collaborateur et ostracisé après la Libération. Après la guerre, il renonce aux présentations publiques de ses œuvres et finit sa vie dans une solitude volontaire.
Son œuvre est parfois considérée comme un revirement vers la tradition après un engagement dans les avant-gardes mais elle témoigne fortement des préoccupations des artistes de son époque, dont beaucoup, à l'instar de Maurice De Vlaminck ou Félix Valotton suivent ce même itinéraire, qualifié par les historiens de l'art de « retour à l'ordre », auquel même Picasso n'échappe d'ailleurs pas à la fin des années 1910, durant une courte période. L'œuvre de Derain est essentiellement picturale, mais il a également signé les décors et les costumes de nombreux ballets, illustré une trentaine de livres, il est également connu comme sculpteur. Une grande partie de son œuvre (80 peintures, 77 sculptures, des dessins, mais aussi des objets d'art primitif lui ayant appartenu), précédemment dans la collection Pierre et Denise Lévy, est présentée au musée d'art moderne de Troyes. Quelques de ces toiles sont aussi conservées dans les plus prestigieux musées de la planète (le Metropolitan Museum of Art de New York, le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, le Museo Rhyssen-Bornemisza de Madrid, la Royal Gallery de Londres, l'Australian National Gallery, le Bunkamura Museum of Art à Tokyo...)

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