dimanche 28 novembre 2021

Maurice de Vlaminck (1876-1958) - Nature morte


Maurice de Vlaminck (1876-1958) Nature morte Huile sur toile, 1910 Joslyn Art Museum, USA



Maurice de Vlaminck (1876-1958)
Nature morte
Huile sur toile, 1910
Joslyn Art Museum, USA

 Que voit on ? De toute évidence, une toile de la période cubiste de Maurice de Vlaminck. on peut y voir deux pichets (un grand et un petit) ;  deux bouteilles ; dont l'une est reflétée sur un miroir (à gauche) ;  deux mugs ; un compotier rempli de fruits ronds et verts ; un petit verre à liqueur plein ;  et un moulin à café à manivelle, un ustensile à jamais disparu des cuisines.

Rappel biographique : Le peintre français Maurice de Vlaminck s'est illustré dans les courants Fauviste et Cubiste. Peintre de figures, portraits, nus, paysages, paysages animés, paysages urbains, intérieurs, natures mortes, fleurs et fruits, peintre à la gouache, aquarelliste, graveur, dessinateur et illustrateur, il fut aussi écrivain et publia vingt-six livres, romans, essais et recueil de poèmes. Ses natures mortes quelquefois très inspirées de celles de Cézanne sont des explosions de couleurs et de formes qui font assez souvent de lui, un peintre abstrait avant la lettre.

____________________________________________

2021 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

vendredi 26 novembre 2021

Juan de Zurbarán (1620-1649) - Bodegón con plato de manzanas y azahar


Juan de Zurbarán (1620-1649) Bodegón con plato de manzanas y azahar, 1640 Collection privée



Juan de Zurbarán (1620-1649)
Bodegón con plato de manzanas y azahar, 1640
Collection privée

Que voit on ? Une ode a la délicatesse  un reflet des pommes sur le plat d'argent à l'apparition comme sorti de l'ombre du verre qui contient la fleur d'oranger en bouton... `

Rappel biographique : Juan de Zurbarán (1620-1649) était un peintre baroque espagnol et le fils du célèbre Francisco de Zurbarán (1598-1664) dont il rejoint l'atelier à Séville et avec lequel il est probable qu'il ait collaboré à différents tableaux. L'influence de son illustre père est évidente dans son travail, mais son style reflète également les influences hollandaises, lombardes et napolitaines. Il a principalement peint des natures mortes. Il mourut prématurément à l'âge de 29 ans des suites de l 'épidémie de peste qui décima Séville en 1649. Il fut contaminé et tué avec plusieurs de ses frères.
____________________________________________

2021 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

mercredi 24 novembre 2021

Jean-Baptiste Oudry (1686-1755) - Nature morte avec Fusil, Lièvre et Oiseaux


Jean-Baptiste Oudry (1686–1755) Nature morte avec Fusil, Lièvre et Oiseaux, 1720 Huile sur toile, 144 x116 cm Nationalmuseum Stockholm


Jean-Baptiste Oudry (1686–1755)
Nature morte avec Fusil, Lièvre et Oiseaux, 1720
Huile sur toile, 144 x116 cm
Nationalmuseum Stockholm 

 Que voit on ? le,fusil est bine là en effet qui a accompli son œuvre funeste sur ce gibier comme saisi en plein vol pour les oiseaux et e plein course pour le lièvre. L'opportunité pour Oudry de livrer un morceau de bravoure sur les oppositions de texture et aussi  de communiquer sa connaissance  de la nature à travers le minutieux rendu du plumage des oiseaux.  La grande nature morte française animalière dans toute sa splendeur.

Rappel biographique : Le peintre et graveur français Jean-Baptiste Oudry est surtout célèbre pour ses peintures de chiens de chasse, ses natures mortes animalières et ses animaux exotiques. Fils de Jacques Oudry, maître peintre et marchand de tableaux sur le Pont Notre-Dame, et de sa femme, Nicole Papillon, qui appartenait à la famille du graveur Jean-Baptiste-Michel Papillon, Jean-Baptiste Oudry étudia tout d'abord à l'Ecole de la Maîtrise de Saint-Luc, dont son père était directeur.
Il fut placé ensuite chez le grand peintre du roi Nicolas de Largillière, dont il devint bientôt l'ami. Après avoir peint quelques sujets religieux et un portait du Tsar Pierre 1er, il rencontre le marquis de Beringhen, premier écuyer du roi. Cette rencontre est décisive car le marquis commande à Oudry de nombreux ouvrages pour le roi. Dès lors on octroie à Oudry un atelier dans la cour des princes aux Tuileries et un logement au Palais du Louvre où il forma un cabinet renommé.
Oudry suivait les chasses royales et faisait de fréquentes études dans la forêt de Compiègne.
L'intendant des finances, Fagon, le prit à son service et le chargea de rétablir la manufacture de Beauvais, tombée en décadence. Oudry s'adjoignit Boucher et Natoire pour exécuter la copie des tableaux. On lui confia également l'inspection de la manufacture des Gobelins, où l'on exécutait les tapisseries des chasses du roi d'après ses tableaux.
Jean-Baptiste Oudry a peint le portrait, l'histoire, les chasses, le paysage, les animaux, les fruits, les fleurs ; il a imité les bas-reliefs ; il a fait du pastel, de la décoration ; il aussi gravé à l'eau-forte. On lui doit deux conférences qui furent lues à l'Académie, « Sur la manière d'étudier la couleur en comparant les objets les uns avec les autres » et « Sur les soins que l'on doit apporter en peignant ». Oudry a laissé un grand nombre de dessins dont les plus connus sont les 275 dessins qui servirent à l'édition dite des Fermiers généraux des Fables de La Fontaine, gravées par Charles-Nicolas Cochin. Il est également l'auteur d'un Almanach de rébus paru en 1716.
____________________________________________

2021 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

lundi 22 novembre 2021

Pablo Picasso (1881-1973) - Intérieur au pot de fleurs


Pablo Picasso (1881-1973), Intérieur au pot de fleurs, 1953. Huile sur toile, 130 x 96.8 cm,Collection privée (Christie's London)


Pablo Picasso (1881-1973)
Intérieur au pot de fleurs, 1953.
Huile sur toile, 130 x 96.8 cm
Collection privée (Christie's London)

 Que voit-on ?  Une composition très élaborée du point de graphique et très maitrisée dans l'économie et l'efficacité des coloris. Jaune, rouge  et vert  sont en effet les trois  seuls coloris utilisés, soulignés et même quelquefois rehaussés par le noir et le blanc autour de ce pots de fleurs  dont jaillissent deux feuilles de philodendron et une mystérieuse fleur en forme d 'escargot....  

 Rappel biographique : le peintre espagnol Pablo Ruiz Picasso a commencé à peindre très tôt, au tournant du19e et du 20e siècle et n'a jamais cessé sa production, évaluée aujourd'hui a quelques 50.000 oeuvres. Utilisant tous les supports pour son travail, il est considéré comme le fondateur du cubisme avec Georges Braque auquel son nom est lié surtout dans le domaine des natures mortes. Il est considéré comme l'un des plus importants artistes du 20e siècle tant par ses apports techniques et formels que par ses prises de positions politiques et que par l'immensité de sa production tous genres confondus.
A partir des années 1920 ses natures mortes seront très proches, sur la même ligne de conception " cubiste analytique " que celles de George Braque, dont il devient un temps l'intime avant de s'en séparer définitivement. Il y eut une connivence d'inspiration très rare entre ces deux peintres pendant une certaine période de leur vie et en particulier dans le domaine particulier du traitement de la nature morte.
Picasso peint beaucoup d'autres natures mortes après la Seconde guerre mondiale et hors de la période cubiste, mais ce n'est pas un genre qui tient une place aussi essentielle dans son œuvre que dans l'œuvre de Georges Braque.

____________________________________________

2021 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

samedi 20 novembre 2021

Pierre Bonnard (1867-1947) - Nature morte avec bateaux au travers de la fenêtre

Pierre Bonnard (1867-1947) Nature morte avec bateaux au travers de la fenêtre. Collection privée.

Pierre Bonnard (1867-1947)
Nature morte avec bateaux au travers de la fenêtre.
Collection privée.

 Que voit on ?  Si le titre fait bien allusion aux bateaux que l'on voit au mouillage dans un port à travers la fenêtre, il détaille peu le contenu de la nature morte elle-même qui comprend  pourtant :  une corbeille de pommes, une carafe de vin ou de liqueur vide, un verre et une cuillère sur une soucoupe (un nécessaire à absinthe ?)  et sur un plateau au premier plan,  une part de gâteau et une boîte en fer sans doute pleine de confiseries ou de biscuits...
 

 Rappel biographique : le peintre français Pierre Bonnard est connu pour ses peintures de personnages, ses nus, ses portraits, ses paysages animés, ses intérieurs et ses natures mortes de fleurs et fruits. Bonnard est un artiste post-impressionniste, membre du groupe des Nabis qui regroupait autour de Paul Serusier, Paul René Piot, Henri-Gabriel Ibels, Maurice Denis, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Paul Ranson, Jan Verkade, Félix Vallotton, Georges Lacombe, Mogens Ballin, József Rippl-Rónai, Charles Filiger, Adolf Robbi, ainsi que Georges Joseph Rasetti et le sculpteur Aristide Maillol. En réaction à l'impressionnisme, les Nabis veulent libérer leur peinture des exigences du réalisme : « Ensemble, nous avons méprisé l'école et les écoles, les rapins, leurs traditions, leurs farces et leurs bals inutilement nudistes. Ensemble nous nous sommes sérieusement amusés ». Les artistes nabis cherchent des voies plus spirituelles au contact de philosophies et de doctrines nouvelles teintées d'Orient, d'orphisme, d'ésotérisme, et de théosophie. Ils s'appliquent à retrouver le caractère « sacré » de la peinture et à provoquer un nouvel élan spirituel par le seul moyen de l'art.
Une fois devenu célèbre, Pierre Bonnard fut connu pour ne pouvoir s’empêcher de retoucher ses toiles une fois celles-ci achetées et exposées dans un musée. Ses amis appelaient ça « bonnarder » ou « bonnardiser ». Un journaliste relate cette attitude devenue visiblement coutumière. « Au musée de Grenoble et au Musée du Luxembourg, il arriva à Bonnard de guetter le passage d'un gardien d'une salle à l'autre, de sortir d'une poche une minuscule boîte garnie de deux ou trois tubes et, d'un bout de pinceau, d'améliorer furtivement de quelques touches un détail qui le préoccupait. Et, son coup fait, de disparaître, radieux, comme un collégien après une inscription vengeresse au tableau noir. »

__________________________________________


2021 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

jeudi 18 novembre 2021

Paul Cézanne (1839-1906) - ‪Dahlias dans un grand vase de Delft


Paul Cézanne (1839-1906) ‪Dahlias dans un grand vase de Delft,‬ 1873‬ ‪Huile sur toile, 73 x 54 cm.‬ Musée d'Orsay, Paris



Paul Cézanne (1839-1906)
‪Dahlias dans un grand vase de Delft,‬ 1873‬
‪Huile sur toile, 73 x 54 cm.‬
Musée d'Orsay, Paris 

 Que voit on ? Un chef d'œuvre de la nature morte florale dû au grand Cézanne dont on reconnait la pâte épaisse et le pinceau inspiré dans chaque détail du vase de Delft et dans chaque pétales de fleurs. A l'origine dans la collection du Docteur Paul Gachet, cette œuvre passa ensuite  dans la collection du comte Isaac de Camondo à Paris jusqu'en 1911  date à laquelle l'Etat l'accepta à titre de legs aux Musées nationaux pour le musée du Louvre. 

Rappel biographique : Parmi les quelques 900 tableaux et 400 aquarelles que Paul Cézanne, ce sont les natures mortes qui arrivent en tête , et notamment les pommes qui arrivent en tête de ses premières « obsessions picturales ». Pour Cézanne, la nature morte est un motif comme un autre, équivalent à un corps humain ou à une montagne, mais qui se prête particulièrement bien à des recherches sur l'espace, la géométrie des volumes, le rapport entre couleurs et formes : « Quand la couleur, est à sa puissance, la forme est à sa plénitude » disait-il.
Incomprises en leur temps, les natures mortes de Cézanne sont devenues depuis lors l'un des traits caractéristiques de son génie.
__________________________________________

2021 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau


mardi 16 novembre 2021

Georg Flegel (1566-1638) - Nature morte avec desserts et vase de fleurs

Georg Flegel (1566-1638),   Nature  morte avec desserts et vase de fleurs, Kunz Museum Neue Galerie, Vienna


Georg Flegel (1566-1638)
Nature morte avec desserts et vase de fleurs
Kuntz Museum Neue Galerie, Vienna

Que voit-on ? Une somptueuse et éclatante composition de douceurs, friandises, sucreries et bouquets de fleurs printanières (clochettes de muguet en tête !) que seule l'amertume d'un citron coupé en deux vient tempérer... 


Rappel biographique : Le peintre allemand Georg Flegel, est un des peintres majeurs de natures mortes des 16e et 17e siècle. Né en Moravie, il déménage à Vienne,en 1580 et devient l'assistant de Lucas van Valckenborch peintre et dessinateur. En tant qu'assistant, son travail consiste à insérer dans les tableaux de son maître, des éléments " décoratifs " tels que des fruits, des fleurs et des ustensiles de table. Flegel et son employeur déménagent ensuite à Francfort, qui à cette époque là était un centre d'art très important. Puis on retrouve Flegel à Utrecht où il fait partie de la très influente Guilde de Saint-Luc qui compte parmi ses membres des grands maîtres de la nature morte tel que Roelandt Savery et Balthasar van der Ast. Georg Flegel a peint exclusivement des natures mortes, dont certaines très fournies, incluent des animaux, familiers et /ou exotiques, de riches mets, du gibier ou du poisson, des ustensiles de cuisine, de la vaisselle en métal précieux et en porcelaine, des fruits et des fleurs et des friandises. D'autres natures mortes qu'il a peintes détaillent avec la même richesse et le même soin quelques fruits, des coins de table ou des petits déjeuners, des goûters ou des collations modestes avec des bretzels aux formes étranges trempés dans du schnaps. Il fit école et eut parmi ses élèves ses deux fils, Friedrich et Jacob Leonhard, ainsi que le peintre floral Jacob Marrel.

____________________________________________

2021 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

dimanche 14 novembre 2021

Ethel Sands (1873-1962) - Still Life with a View over a Cemetery

 

Ethel Sands (1873-1962) Still Life with a View over a Cemetery, 1923 The Fitzwilliam Museum.



Ethel Sands (1873-1962)
Still Life with a View over a Cemetery, 1923
The Fitzwilliam Museum, Cambridge

Que voit-on  ? Il s'agit ici d'une nature morte à la toilette, devant une feêtre ouvrant sur un cimetière. Un Memento mori très direct adressé au moment des ablutions quotidiennes !

Rappel biographique : Ethel Sands était une artiste post-impressionniste et mécène d'origine américaine qui a vécu en Angleterre à partir de son enfance. Elle a étudié l'art à Paris, où elle a rencontré celle qui allait devenir la partenaire de sa vie, Anna Hope Hudson (Nan). Ses œuvres étaient généralement des natures mortes et des intérieurs, souvent du château d'Auppegard qu'elle partageait avec Anna. Ethel Sands était un membre du Fitzroy Street Group et du London Group. Ses œuvres sont aujourd'hui conservées notamment à la National Portrait Gallery de Londres. Grande mécène, elle fut surtout connue pour être la protectrice de de l'élite culturelle de l'Angleterre d'alors, notamment Henry James, Virginia Woolf, Roger Fry et Augustus John. En tant que peintre, Ethel Sands a surtout peint des natures mortes et des intérieurs. Selon la Tate Gallery, 'elle a été très inspirée par la technique du pinceau sec d'Edouard Vuillard, de même que par sa palette de couleurs et sa représentation de scènes de l'intimité. Sa première exposition a eu lieu au Salon d'Automne à Paris en 1904. En 1907, à l'invitation de Walter Sickert, elle en devient membre et expose des peintures qu'elle a réalisées au Fitzroy Street Group. Selon Kate Deepwell, ses œuvres et celles de Vanessa Bell ainsi que d'autres femmes peintres, étaient systématiquement sous évaluées par rapport à celles des hommes : la meilleure critique du travail des femmes consistait ainsi à écrire qu'elles avaient "une personnalité", mais jamais personne n'aurait considéré que leurs œuvres puissent être innovantes ou modernes comme celles des hommes ! C'est à Paris en 1911, qu'a lieu la première exposition consacrée aux oeuvres d'Ethel Sands. L'année suivante, elle participe à l'exposition des "Post-impressionnistes anglais, cubistes et autres" à Brighton. Sa première exposition personnelle à lieu à la galerie Goupil et en 1922. En 1920, Ethel Hudson acheta le château d'Auppegard près de Dieppe en France, un endroit qu'elle a peint à de multiples reprises, intérieurs comme extérieurs.


___________________________

2021 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau



vendredi 12 novembre 2021

Fairfield Porter (1907-1975) - Still life with "casse-croûte"


Fairfield Porter (1907-1975) Still life with "casse-croûte", 1966 Private collection


Fairfield Porter (1907-1975)
Still life with "casse-croûte", 1966
Private collection

Que voit-on ?  Un casse-croûte assez bizarre pour tout dire puisque essentiellement à base de foie gras de beurre et de café !   Avec un tel menu,  la digestion de l'ensemble n'est pas assurée mais la composition assez chargée, contrairement à l'habitude de ce peintre est un bel hommage pictural à la couleur blanche et à ses variations.


Rappel biographique : Fairfield Porter était un peintre et critique d'art américain, frère du photographe Eliot Porter. C’est en étudiant à Harvard, que Porter décida de se spécialiser dans les beaux-arts et de poursuivre, après son déménagement à New York en 1928, ses études à l'Art Students League. Son passage à l’Art Students League le formate plus ou moins pour produire un travail réaliste. Il sera d’ailleurs beaucoup critiqué et à la fois vénéré pour s'être obstiné dans ce style réaliste à une époque où l'expressionniste abstrait battait son plein dans le monde. Les sujets des tableaux de Porter sont principalement des paysages, des intérieurs, quelques natures mortes et beaucoup de portraits. Portraits de famille, portraits d'amis et de collègues artistes, dont beaucoup étaient affiliés à l’école littéraire de New York, comme John Ashbery, Frank O'Hara ou James Schuyler. Un grand nombre de ses peintures ont été réalisées dans ou autour de sa maison estivale de famille à Great Spruce Head Island, dans le Maine et dans sa maison de famille citadine à New York. Sa vision picturale englobe à la fois une réelle fascination pour la nature et la capacité de révéler tout ce qu’il peut y avoir d’exceptionnel dans la vie ordinaire. Très influencé par les peintres français Pierre Bonnard et Edouard Vuillard, il a même écrit " Quand je peins, je pense que ce qui peut me satisfaire est d'exprimer au mieux ce que Renoir conseillait à Bonnard : « Rendre tout plus beau » ".

____________________________________________
2021 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

mercredi 10 novembre 2021

Fede Galizia (1578-1630) -) Altaza di porcellana bianca con pera


Fede Galizia (1578-1630) Altaza di porcellana bianca con pera Collection particulière



Fede Galizia (1578-1630)
Altaza di porcellana bianca con pera
Collection particulière

Que voit on ? Un des thèmes favori de cette peintre  :  un compotier  en porcelaine (il est aussi souvent en argent dans plusieurs de ses tableaux) remplis de fruits. Ici, ce sont des poires : charnues, colorées  et belles. Profitons en vite car sur l'entablement,  une d'entre elles coupée en deux, montre déjà des signes de pourrissement. Carpe diem...

Rappel biographique : Fede Galizia appelée aussi Fede Gallizi est une peintre italienne de l'époque baroque. Elle apprit à peindre dans l'atelier de son père le peintre miniaturiste Nunzio Galizia, qui travaillait à Milan. A 12 ans, elle maîtrise parfaitement l 'art de la gravure. A 20 ans, elle a déjà une réputation de portraitiste qui dépasse les frontières du duché de Milan. En 1596, elle réalise une Judith et sa servante qui lui assure une notoriété de peintre majeure. Elle exécute plusieurs commandes pour des églises de Milan dont un retable pour l'église Santa Maria Maddelena.
En 1630, elle meurt à Milan de la grande peste qui ravageait alors l'Italie.
C'est en 1965 seulement que Stefano Bottari constitue le catalogue de ses œuvres. A la surprise générale il lui attribue une majorité de natures mortes alors que sa réputation de son vivant était plutôt basée sur les portraits et les sujets sacrés (les plus nobles des genre picturaux de l'époque).
Ses natures mortes d'une très grande simplicité, empreintes du dépouillement prôné par la Contre-Réforme, font souvent penser à celles de Zurbaran. Fede Galizia est avec Clara Peeters à Anvers et Louyse Moillon à Paris l'une femmes premières peintres de natures mortes. 

_________________________________________

2021 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau


lundi 8 novembre 2021

Eugène Delacroix (1798-1863) - Nature morte avec fleurs et fruits.

Eugene Delacroix (1798-1863) Nature morte avec fleurs et fruits. Musée du Louvre, Paris


Eugene Delacroix (1798-1863)
Nature morte avec fleurs et fruits.
Huile sur toile 75 x 95 cm
Musée du Louvre, Paris

Que voit on ? Au Salon de 1849, au lendemain d’une nouvelle révolution, cinq tableaux de fleurs sont présentés par Delacroix. Habitué du parc du château de Nohant, où l’invitait George Sand, Delacroix  y peignit plusieurs natures mortes, avant d'acquérir sa  propre maison de  Champrosay. Presque irréel bien que dans la grande tradition française des fleurs et fruits du XVIIIe siècle, on sent en tout cas tout le plaisir que Delacroix a pris  à peindre ce bouquet, le plus coloré et le plus élaboré de ceux qu'il peignit à partir de 1833 inclus dans des frondaisons luxuriantes, qui ne sont guère avare en floraison de toute sorte sur fond de ciel bleu bienvenu  ! Une palette qui n'est pas sans rappeler celle de Monnoyer...


Rappel biographique :
Le grand peintre romantique français Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix n'est a priori pas vraiment connu pour ses natures mortes et c'est un tort car il en peignit quelques unes de très remarquables ! On lui connait Nature morte aux homards (1826-27) conservée aussi au Louvre à l"époque où il il copiait les maîtres anciens dans les galeries du Louvre. Il peignit aussi plusieurs natures mortes florales dont quelques unes très spectaculaires à partir de 1844, quand il loue à Draveil au lieu-dit Champrosay, une « bicoque » où il se fait installer un atelier de 10 m2. En pleine campagne accessible par le train directement Delacroix vient s'y reposer à l'écart de Paris, où sévit le choléra. Là il peut, accompagné de sa gouvernante Jenny, faire de longues promenades dans la campagne pour soigner sa tuberculose. Il travaille de nombreux paysages, plusieurs vues de Champrosay tant au pastel (musée du Louvre) qu'à la peinture à l'huile (musée du Havre). Il réalise de nombreux tableaux de mémoire suivant ses notes et carnets du Maroc, interprétant des scènes antiques à la mode orientale. Son travail se fait plus intimiste, les tableaux de petite taille sont vendus par les marchands parisiens. Il peint également ses natures mortes florales, souvent composées de fleurs imaginaires, (comme ci dessus) affectionnant particulièrement les lys jaune à cinq pétales. Les relations avec George Sand quoique suivies, se distendent. Après avoir réalisé le portrait de l'écrivain en 1834, Delacroix vient régulièrement à Nohant-Vic où il peint pour l'église de Nohant une Éducation de la Vierge138. Il offre un Bouquet de fleurs dans un vase139 à l'écrivain, qui l'accroche140 au-dessus de son lit, mais quand celle-ci tombe amoureuse du graveur et élève de Delacroix, Alexandre Manceau, Delacroix en prend ombrage d'autant qu'il est opposé à la révolution de 1848 dont Sand a été une des figures. La rupture est consommée. Restent les natures mortes florales qui datant de cette idylle, ont traversé les temps.

______________________________________

2021 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

samedi 6 novembre 2021

Joan Miró (1893-1983) - Fleurs et Papillons



 

Joan Miró (1893-1983), Fleurs et Papillons, 1922-23 Tempera sur contreplaqué 81x65cm Musée d'art de Yokohama.





Joan Miró (1893-1983),
Fleurs et Papillons, 1922-23
Tempera sur contreplaqué 81x65cm
Musée d'art de Yokohama, Japon

Que voit on ? Un vase de fleurs en verre décoré,  très typé année 20. On y trouve quelques détails  qui rendent cette composition surréaliste comme me papillon noire ou les branches mortes. Pour le reste : aucun points communs avec les compositions colorées  et totalement abstraites du Miró d'après guerre.

Rappel biographique : Le peintre espagnol Joan Miró, (Joan Miró i Ferrà) qui se définissait comme un « catalan international» fut l'un des principaux représentants du mouvement surréaliste.
Ses premières peintures dont on peut considérer que cette nature morte fait partie, dénotent une influence claire du fauvisme et du cubisme montrant une certaine proximité de couleurs avec Van Gogh et quelquefois même Cézanne.
Il abandonne leu à peu les couleurs et les formes dures utilisées jusqu'alors pour les remplacer par d'autres plus subtiles. Il explique cette démarche dans une lettre à son ami Ricart en date de 1918 :
« Pas de simplifications ni d’abstractions. En ce moment je ne m’intéresse qu’à la calligraphie d’un arbre ou d’un toit, feuille par feuille, branche par branche, herbe par herbe, tuile par tuile. Ceci ne veut pas dire que ces paysages deviendront cubistes ou rageusement synthétiques. Après, on verra. Ce que je me propose de faire est de travailler longtemps sur les toiles et de les achever autant que possible. À la fin de la saison et après avoir tant travaillé, peu importe si j'ai peu de toiles. L'hiver prochain, messieurs les critiques continueront à dire que je persiste dans ma désorientation. »
____________________________________________

2021- A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

jeudi 4 novembre 2021

Albert Eckhout (c.1610 – c. 1666) - Nature morte avec Ananas, Pastèques et autres fruits du Brésil


Albert Eckhout (c.1610 – c. 1666), Nature morte avec Ananas, Pastèques et autres fruits du Brésil Huile sur toile, 91 × 91 cm, National Museum of Denmark




Albert Eckhout (c.1610 – c. 1666)
Nature morte avec Ananas, Pastèques et autres fruits du Brésil
Huile sur toile, 91 × 91 cm
National Museum of Denmark

Que voit-on ? Ce que décrit précisément le titre  dans une accumulation de fruits tropicaux qui à l'époque où ils furent présentés au public européen suscitèrent à la fois émerveillement et incrédulité.


Rappel biographique : Le peintre hollandais Albert Eckhout, est connu pour ses toiles de la flore, de la faune et des habitants du Brésil. Eckhout et Frans Post étaient les artistes les plus célèbres de l'entourage de Johan Maurits de Nassau alors qu'il était gouverneur général du Brésil néerlandais de 1637 à 1644. On sait peu de choses sur la formation d'Eckhout, ses débuts de carrière et les raisons de sa nomination, et on ne sait pas exactement quand il est arrivé au Brésil. Parce que certaines peintures attribuées à Eckhout représentaient des peuples Araucano et africains ainsi que des lamas, des plantes et des arbres, certains ont suggéré qu'Eckhout aurait pu faire partie de l'expédition de Hendrick Brouwer au Chili en 1643 ou aurait pu visiter l'Afrique de l'Ouest avec les forces du colonel Hans Coen qui a capturé Elmina en 1637. D'autres pensent qu'il faisait partie de l'expédition de l'amiral Cornelis Jol et du colonel James Henderson quand ils ont occupé l'Angola en 1641. Enfin, on ne sait pas exactement quand Eckhout est revenu en Europe ou combien de temps il est resté au service de Maurits, mais l'on sait qu'en 1645, Eckhout était de retour à Groningen. Entre 1648 à 1652, il vécut à Amersfoort avant de s'installer à Dresde, où il passa dix ans (1653 à 1663) comme peintre à la cour de l'électeur de Saxe, Johann Georg II. On pense qu'Eckhout est mort à Groningen en 1665.

_______________________________________

2021 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau



mardi 2 novembre 2021

William Merritt-Chase (1849-1916) - Pink Azalea-Chinese Vase


William Merritt-Chase (1849-1916) Pink Azalea-Chinese Vase,1880-90 Private collection



William Merritt-Chase (1849-1916)
Pink Azalea-Chinese Vase,1880-90
Private collection

Que voit-on ? Une merveilleuse nature morte florale de ce très grand peintre impressionniste nord américain qui atteste  de son impeccable technique et de sa sensibilité particulière (eprceptible ici dans le rendu du vase chinois blanc bleu.  

Rappel biographique : Le peintre américain William Merritt-Chase était très connu outre Atlantique, pour ses talents de pédagogue et pour le rôle qu'il a joué dans l'introduction de l'impressionnisme aux Etats Unis. Il installa sa propre école à New York, la « Chase school » (aujourd'hui Parsons School), après avoir enseigné quelques années à l'Art Students League. Il a travaillé sur toutes sortes de supports : huile, pastel, encre et aborder de nombreux genre, paysages, natures mortes, portraits. Ce sont d'ailleurs surtout ses portraits de grandes personnalités de son temps qui le rendirent célèbre, au point que toute la bonne société de la Nouvelle-Angleterre et de New York se pressait à la porte de son atelier pour se faire peindre.
________________________________

2021 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau