jeudi 30 septembre 2021

Christian Berentz (1658-1722) - Nature morte avec Pêches et Figues


Christian Berentz (1658-1722) Nature morte avec Pêches et Figues Collection Privée


Christian Berentz (1658-1722)
Nature morte avec Pêches et Figues
Collection Privée 

Que voit on ? Une des multiples variations sur ce thème que Berentz peignit pour des commandes à de très nombreuses reprises.  Il n'était pas rare d'ailleurs que les commanditaires dictent eux-mêmes ce qu'ils voulaient voir figurer dans la nature morte : un verre ou une pièce d'argenterie qui leur était cher... ici on on constste qu'il y a profusion de pots et de coupes remplies de miel !!! 

Rappel biographique : Christian Berentz ou Bernetz (1658–1722) est un peintre baroque allemand, élève d'Hermann Kamphusen de 1667 à 1673 puis de Georg Hainz de 1673 à 16772. Dans les années 1677-1679, il voyage à travers les Pays-Bas et en 1679, à Venise et à Rome où il séjourne, dans les années 1700, dans la maison du marquis Pallavicini. Comme Frans Werner Tamm (dit Dapper), il devient le professeur de Pietro Navarra et est également enregistré travaillant dans le studio de Carlo Maratta. Berentz est connu pour ses innombrables natures mortes à la manière des grands maitres hollandais de l'age d'or,  Pieter Claesz, Maximilian Pfeiler, Willem Kalf, Pieter Gerritsz van Roestraten et Francesco Noletti dans lesquelles il introduit des thèmes nord-européens.

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mercredi 29 septembre 2021

Felix Vallotton (1865-1925)- Grosse cruche, poires et oeufs


Felix Vallotton (1865-1925) Grosse cruche, poires et oeufs, 1921 Huiile sur toile, 81x65cm Musée Pouchkine


Felix Vallotton (1865-1925)
Grosse cruche, poires et oeufs, 1921
Huiile sur toile, 81x65cm
Musée Pouchkine, Moscou

Que voit on ?  Derrière la belle nature morte aux éléments très disparates : un exercice de style de très haut vol comme seul Valotton ou Fantin-Latour savait les exécuter avec une parfaite maîtrise du jeu des reflets, des transparences ( le petit pot à eau à anse est un chef d'œuvre en soi) et des textures.


Rappel biographique : Félix Vallotton, peintre d'origine suisse naturalisé français en 1900, est un artiste à cheval sur deux siècles, deux pays et plusieurs tendances esthétiques, des Nabis à la Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité). S'il est aujourd'hui moins connu en France qu'en Suisse, c'est pourtant à Paris, dans les années 1890, que ses gravures sur bois novatrices lui ont valu une renommée qui s'est rapidement étendue à l'Europe entière. Tout au long de sa vie le " Nabi étranger ", comme il était surnommé, s'est intéressé à une gamme étendue de sujets récurrents - intérieurs, toilettes, nus féminins, paysages, natures morte, rendus étranges par son style lisse et froid, aux couleurs raffinées, aux découpages et aux cadrages audacieux. Et bien qu'il ne fût pas toujours compris par la critique de son temps, Vallotton a su s'imposer comme une figure en vue de la scène artistique parisienne et trouver sa place dans le courant moderne, notamment en participant à de nombreuses manifestations internationales d'avant-garde devenues mythiques. C'est surtout à partir de 1910, que Félix Vallotton s’intéresse au genre de la nature morte et le transforme dans chacune de ces toiles.

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mardi 28 septembre 2021

Katsushika Hokusai (1760-1849) - Pastèque (Fragment),1839


Katsushika Hokusai (1760-1849) Pastèque (Fragment),1839 Encre sur soie, 86,7 × 29,7 cm Museum of the Imperial Collections, Tokyo



Katsushika Hokusai (1760-1849)
Pastèque (Fragment),1839
Encre sur soie, 86,7 × 29,7 cm
Museum of the Imperial Collections, Tokyo

Que voit on ?  Une pastèque tranchée en deux et recouverte d'un linge de soie tenue en place par le couteau même qui a tranché la pastèque. Un chef d'œuvre absolu d'Hokusai dont la présence dans les précieuses collections impériales du Japon ne doit rien au hasard. 


Rappel biographique : Connu sous le surnom de "Vieillard fou du dessin ", une signature qu'il employa lui même à partir de 1800, le dessinateur et peintre japonais Katsushika Hokusai fut le grand spécialiste de l’ukiyo-e, graveur et auteur d'écrits populaires. On sait aujourd'hui qu'il changea de signatures plusieurs fois au gré des styles assez variés qu'il adopta au cours de ces 88 années d'existence ; il faut un tableau d'une centaine de lignes pour recenser tous les noms et signatures qu'il employa ! Son œuvre immense (près de 30 000 dessins) influença de nombreux artistes, en particulier Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Claude Monet et Alfred Sisley, et le mouvement artistique appelé japonisme. Certains historiens d'art le voient comme le père du manga, mot qu'il a inventé et qui signifie à peu près : « Esquisse spontanée ».
Sur son lit de mort, il prononça ces dernières paroles : « Si le ciel m'avait accordé encore dix ans de vie, ou même cinq, j'aurais pu devenir un véritable peintre ».
Sur sa pierre tombale il laissa cette épitaphe : « Oh ! La liberté, la belle liberté, quand on va aux champs d'été pour y laisser son corps périssable ! »

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lundi 27 septembre 2021

Georgia O'Keeffe (1887 - 1986) - Feather and Brown Leaf


Georgia O'Keeffe (1887 - 1986) Feather and Brown Leaf,1935. Oil on canvas (40.6 × 50.8 cm) Crystal Bridges Museum of American Art


Georgia O'Keeffe (1887 - 1986)
Feather and Brown Leaf,1935.
Oil on canvas (40.6 × 50.8 cm)
Crystal Bridges Museum of American Art

Que voit on ? une plume d'oiseau et un feuille morte retournée sur elle-même qui comme d'habitude dans les natures mortes de cette peintre américaine, évoque l'érotisme et le sexe.

Rappel biographique : L'artiste américaine Georgia O' Keeffe est considérée comme une des peintres modernistes majeures du 20e siècle. L'art de Georgia O'Keeffe est basé sur une observation minutieuse de la nature et sur sa volonté de peindre ce qu'elle ressent plus que ce qu'elle voit. Elle demeurera à l'écart des courants, suivant sa propre voie. Ses gros plans de fleurs, qui caractérisent une bonne partie de sa production, révèlent son sens aigu de l'observation. Le format de ses toiles, les couleurs et les nuances rendent la majeure partie de ses tableaux pratiquement abstraits. À sa mort, Georgia O'Keeffe a laissé environ 900 tableaux dont finalement très peu de natures mortes, qui est pourtant un genre auquel elle est régulièrement revenue tout au long de sa carrière et qu'elle a abondamment illustré. Une retrospective est consacrée aàson œuvre au Centre Pompidou à Paris en Septembre 2021
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dimanche 26 septembre 2021

Henri Fantin-Latour (1836-1904) - Capucines dans un vase


Henri Fantin-Latour (1836-1904), Capucines dans un vase Collection privée

Henri Fantin-Latour (1836-1904)
Capucines dans un vase
Collection privée

Que voit on ? Les capucines dans un vase ne sont pas une sujet nouveau pour Fantin-Latour !  Cependant jamais il ne les aura peintes avec autant d'éclats et de pécisions, le gris bleu du fond relevant l'intensité du rouge des pétales. Ne parlons pas du jeu de transparence dans le vase rempli d'eau...


Rappel biographique : Le peintre et lithographe français Henri Fantin-Latour était plus connu de son vivant pour ses portraits de femmes, ses portraits de groupes dont il rénova le style compassé et pour ses peintures allégoriques que pour ses natures mortes, pourtant admirables. Aujourd'hui c'est exactement le contraire ! Membre du groupe dit « de 1863 », puis du Cénacle des Batignolles où l'Impressionnisme serait né, Fantin-Latour fait souvent figure de chaînon entre la peinture romantique et l'impressionnisme. Ses natures mortes, fleurs ou fruits, ont souvent trouvé acquéreur grâce à son ami Whistler qui a attiré en l'attention en Angleterre sur Fantin, à une époque où la peinture impressionniste française était peu appréciée dans ce pays.
Son père Théodore Fantin-Latour fut aussi un peintre de natures mortes, assez similaires à celles de son fils, si bien que attribue régulièrement aujourd'hui à tort des œuvres du père à son fils (mais rarement l'inverse !)

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samedi 25 septembre 2021

Paul Serusier (1864-1927) - Nature morte au pichet blanc et saladier jaune


Paul Serusier (1864-1927) Nature morte au pichet blanc et saladier jaune, 1891 Huile sur toile, 25x 35 cm Collection Privée (Christies Paris, 29 mars 2019)


Paul Serusier (1864-1927)
Nature morte au pichet blanc et saladier jaune, 1891
Huile sur toile, 25x 35 cm
Collection Privée (Christies Paris, 29 mars 2019)

Que voit on ? exactement ce que décrit le titre, posé entre les plis d'une nappe blanche froissée recouvrant un entablement en bois. Une composition  typique de la période dite  "d'Houlgat "de ce peintre qui introduisit souvent des pichets dans ces compositions. 


Rappel Biographique : Le peintre français Paul Sérusier est né à Paris, entre à l’Académie Julian en 1888 et devient massier des petits ateliers que fréquentaient alors Denis, Ranson et Bonnard. En octobre 1888,  on le retrouve à Pont-Aven où il fait la connaissance de Gauguin qui l’initie à sa nouvelle esthétique. Sérusier fonde alors la confrérie des Nabis. Son tableau le plus célèbre est Le Talisman, l'Aven au Bois d'Amour peint en 1888 et  conservé au Musée d'Orsay à Paris. Très peu de natures mortes dans son œuvre mais toujours très représentatives de l'esthétique Nabis et de son postulat de " recherche de d'authenticité et de retour aux sources ".

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vendredi 24 septembre 2021

Paula Modersohn-Becker (1876-1907) - Nature morte au potiron ( Stillleben mit Kürbis)

 

Paula Modersohn-Becker (1876-1907) Stillleben mit Kürbis, 1905 (Nature morte au potiron), 1905 Huile sur toile 90x 70 cm Museum Ludwig, Köln


Paula Modersohn-Becker (1876-1907)
Stillleben mit Kürbis, 1905
(Nature morte au potiron), 1905
Huile sur toile 90x 70 cm
Museum Ludwig, Köln

 

Que voit on ? Une courge  ou un potiron - souvent présenté à tort  sur internet comme un melon,-  ^posé sur une entablement de pierre recouvert d'une torchon a carreau rouge et blanc. Quelques pommes déborde d'une coupelle sur la gauche du cadre. Une magnifique naturemorte ouùdomine la couleur  orange de la courge.  


Rappel biographique : Paula Modersohn-Becker est une artiste peintre allemande qui est l’une des représentantes les plus précoces du mouvement expressionniste dans son pays. Originaire de Dresde, Paula Becker s'engage dans des études de peinture et rejoint les artistes indépendants réunis dans le village de Worpswede, qui prônent un retour à la nature et aux valeurs simples de la paysannerie. Elle y épouse le peintre Otto Modersohn. Le manque d'audace des peintres dits Worpswediens, toutefois, la pousse à s'ouvrir aux inspirations extérieures et à effectuer des séjours répétés à Paris, auprès de l'avant-garde artistique. Au cours des quatorze courtes années durant lesquelles elle exerce son art, elle réalise pas moins de 750 toiles, 13 estampes et environ un millier de dessins. Son style est le fruit d'influences multiples, aux confins de la tradition et de la modernité. Sa peinture présente des aspects mêlant l'impressionnisme de Cézanne, van Gogh ou Gauguin, le cubisme de Picasso, le fauvisme, l'art japonais ou encore l'art de la Renaissance allemande. La force expressive de son œuvre résume à elle seule les principaux aspects de l’art au début du 20e siècle.
Elle meurt prématurément а trente-et-un ans, des suites d'un accouchement.

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jeudi 23 septembre 2021

Pavel Tchelitchew (1898–1957) - Cluster of grapes


Pavel Tchelitchew (1898–1957), Cluster of grapes Private collection


Pavel Tchelitchew (1898–1957)
Cluster of grapes
Private collection 

 
Que voit on ? Comme la plupart chez ce très grand peintre russo-américian, une représentation très concentrée et très minimaliste des sujets. Ici : deux grappes de raisins blancs (verts en l'occurrence) dans un bol blanc posé sur un entablement  blanc.

Rappel biographique : le peintre américain d'origine russe Pavel Tchelitchew fut à la fois un peintre qui appartint au mouvement surréaliste et un créateur reconnu de décors et de costumes de théâtre. Ainsi travailla-t-il un temps à Paris pour Serge de Diaguilev en créant des décors et des costumes pour les Ballets russes en 1928. En 1930, Tchelitchev présenta ses œuvres dans le cadre d'une exposition collective dans le tout nouveau Museum of Modern Art de New York, ouvert depuis une année seulement. Quatre ans plus tard, il décida de quitter Paris avec son compagnon, l'écrivain Charles Henri Ford, et de vivre à New York, où il continua à travailler pour des metteurs en scène et des chorégraphes, tels que George Balanchine ou encore A. Everett Austin, pour lesquels il dessina des décors et des costumes de ballet. De 1940 à 1947, il publia des illustrations dans le magazine surréaliste View, dirigé par son compagnon Charles Henri Ford et par le critique de cinéma Parker Tyler.

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mercredi 22 septembre 2021

Johann Wilhelm Preyer (1803-1889) - Nature morte avec verre set fruits sur un entablement de marbre

Johann Wilhelm Preyer (1803-1889) Nature morte avec verre set fruits sur un entablement de marbre. Collection privée

Johann Wilhelm Preyer (1803-1889)
Nature morte avec verre set fruits sur un entablement de marbre.
Collection privée


Que voit on ? une nature morte classique mettant ne scène plusieurs objets, ce qui est assez rare chez ce peintre, habitué à livrer uniquement des détails dans ces natures mortes comme dans celle ci ou
dans celle- là.

Rappel biographique : Le peintre allemand Johann Wilhelm Preyer est né dans une famille qui comptait plusieurs artistes dont Gustav et Louise, qui eurent un atelier commun dans la vieille ville d'Eschweiler. La fille de Johann Wilhelm, Emilie, peignit aussi des natures mortes et son fils, Paul, des scènes de genre et des portraits.
Johann Wilhelm Preyer a surtout peint des natures mortes d'après nature, souvent en isolant des sujets ou détails qu'il peignait avec avec un traitement minutieux (comme ci-dessus).
La plupart de ses tableaux, qui sont associés à l'école de peinture de Düsseldorf, se trouvent aux États-Unis, plusieurs à la National Galerie allemande et dans la Collection Ravené à Berlin.

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mardi 21 septembre 2021

Jean-Picart-Le-Doux (1902-1982) - Le compotier

Jean-Picart-Le-Doux (1902-1982), Le compotier, Tapisserie d'Aubusson tissée par Braquenié, 1956, Cité Internationale de la tapisserie d'Aubusson, France


Jean-Picart-Le-Doux (1902-1982)
Le compotier
Tapisserie d'Aubusson tissée par Braquenié, 1956.
Cité Internationale de la tapisserie d'Aubusson, France    

 Que voit on ?  Une nature morte à travers la treille présentant sur un entablement, les fruits de la fin de l'été dans  et hors un compotier à trois étages en forme de fontaine de jardin. Sur l'entablement à côté de d'une mandoline, une grosse grappe de raisins rouges, deux poires et quelques fruits encore sur la branche, dans un style très typique des années 50 en France et très proche de celui de Jean Lurçat.

Rappel biographique : Jean Picart Le Doux est un grand maître de la tapisserie d'Aubusson, qui a produit plus de 400 tapisseries originales. Plusieurs de ses œuvres furent sélectionnées pour la décoration du paquebot France, dont la célèbre tapisserie monumentale Les Phases du Temps placée dans le fumoir des Première classe. Sans formation professionnelle spécialisée, Jean Picart-Le-Doux fait ses débuts dans la reliure et l'édition, puis il s'oriente vers la publicité et les arts graphiques et publie ses premières œuvres en 1935. Ses premiers cartons de tapisserie datent de 1943 après avoir remporté le Grand prix de l’affiche de théâtre au Salon de l'imagerie.
En 1947, il rencontra Jean Lurçat et, avec Marc Saint-Saëns, ils fondent l’Association des peintres-cartonniers de tapisserie. En 1950, Picart-Le-Doux rencontre deux graphistes français, Jean Colin et Jacques Nathan, et deux graphistes suisses, Fritz Bühler et Donald Brun, à l'occasion d'une exposition de leurs travaux à Bâle. Il projette alors l'idée d'une Alliance graphique internationale (AGI). Celle-ci est fondée officiellement le 22 novembre 1952 et Picart-Le-Doux en sera le premier président. Il est membre du conseil d'administration de la Société Nationale des Beaux-Arts dans la section Art Décoratif de 1975 à 1980.

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lundi 20 septembre 2021

Lucian Freud (1922-2011) - Still Life with Book


Lucian Freud (1922-2011) Still Life with Book, 1991-92 Oil on canvas, 19 x 24,3 cm Private collection - The Lucian Freud Archive

Lucian Freud (1922-2011)
Still Life with Book, 1991-92
Oil on canvas, 19 x 24,3 cm
Private collection - The Lucian Freud Archive 

Que voit-on ?  Emergeant  entre deux oreillers : un livvre ouvert sur deux portraits masculins. Albums photos ? Livre d'art ?...

Rappel biographique : Petit fils de Sigmund Freud, le peintre britannique Lucian Freud est considéré comme un des peintres figuratifs les plus importants du 20e siècle et l'un des plus exemplaires grâce à un style à la fois réaliste, acéré et presque caricatural. Surtout connu pour ses portraits, dont celui de la reine Elizabeth II, il a peint aussi quelques natures mortes en réussissant le défi d'être à la fois d'un absolu modernisme et d'un grand classicisme.
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dimanche 19 septembre 2021

Pierre Bonnard (1867-1947) - Anémones



Pierre Bonnard (1867-1947), Anémones ,The Athenaeum, Vienna



Pierre Bonnard (1867-1947)
Anémones
The Athenaeum, Vienna

Que voit on  ? Une somptueux bouquet d'anémones dans un vase en porcelaine monté sur piètement de bronze.

Rappel biographique : le peintre français Pierre Bonnard est connu pour ses peintures de personnages, ses nus, ses portraits, ses paysages animés, ses intérieurs et ses natures mortes de fleurs et fruits. Bonnard est un artiste post-impressionniste, membre du groupe des Nabis qui regroupait autour de Paul Serusier, Paul René Piot, Henri-Gabriel Ibels, Maurice Denis, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Paul Ranson, Jan Verkade, Félix Vallotton, Georges Lacombe, Mogens Ballin, József Rippl-Rónai, Charles Filiger, Adolf Robbi, ainsi que Georges Joseph Rasetti et le sculpteur Aristide Maillol. En réaction à l'impressionnisme, les Nabis veulent libérer leur peinture des exigences du réalisme : « Ensemble, nous avons méprisé l'école et les écoles, les rapins, leurs traditions, leurs farces et leurs bals inutilement nudistes. Ensemble nous nous sommes sérieusement amusés ». Les artistes nabis cherchent des voies plus spirituelles au contact de philosophies et de doctrines nouvelles teintées d'Orient, d'orphisme, d'ésotérisme, et de théosophie. Ils s'appliquent à retrouver le caractère « sacré » de la peinture et à provoquer un nouvel élan spirituel par le seul moyen de l'art.
Une fois devenu célèbre, Pierre Bonnard fut connu pour ne pouvoir s’empêcher de retoucher ses toiles une fois celles-ci achetées et exposées dans un musée. Ses amis appelaient ça « bonnarder » ou « bonnardiser ». Un journaliste relate cette attitude devenue visiblement coutumière. « Au musée de Grenoble et au Musée du Luxembourg, il arriva à Bonnard de guetter le passage d'un gardien d'une salle à l'autre, de sortir d'une poche une minuscule boîte garnie de deux ou trois tubes et, d'un bout de pinceau, d'améliorer furtivement de quelques touches un détail qui le préoccupait. Et, son coup fait, de disparaître, radieux, comme un collégien après une inscription vengeresse au tableau noir. »

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samedi 18 septembre 2021

Wayne Thiebaud (1920-2021) - Boston Cream

Wayne Thiebaud (1920-2021),  Boston Cream, 1962 Oil on canvas 14x18 inch) Crocker Art Museum

Wayne Thiebaud (1920-2021)
Boston Cream, 1962
Oil on canvas 14x18 inch)
Crocker Art Museum


Que voit on ?   Une  tes toiles de la série Boston cream que Wayne Thiebaud peignit sous plusieurs angles et couleurs dans les années 60.  Les Boston cream sont en réalité des biscuit fourré à la crème de Boston, le premier de ces gâteaux  aurait été cuit en 1881 dans les cuisine du Parker House Hotel de Boston par lec un chef pâtissier  français (évidemment!)  Depuis 1996, les Boston Cream ont été promu au rang  enviable desserts officiels du Massachusetts. 


Rappel biographique : Le peintre américain d'origine Wayne Thiebaud, dont une célèbre toile avait été publiée au début de ce blog en 2014, est un artiste discret, de plus en plus considéré comme un des artistes majeurs du 20e et 21e siècle aux Etats-Unis.
Le travail de Wayne Thiebaud se caractérise par des peintures d'objets alimentaires de grande consommation, comme des pâtisseries, vues dans des cafétérias. Les experts se sont souvent demandés en examinant l'œuvre de Thiebaud s'il n'avait pas passé beaucoup de temps dans l'industrie agro-alimentaire pour se familiariser avec son sujet ? Et en effet c'est exactement ce qu'il a fait en ayant comme premier emploi un job de serveur à Long Beach, dans le café « Mile High and Red Hot » (Glace et hot-dog). Cet intérêt pour les objets du quotidien, confondus ensuite avec ceux de la culture de masse, associa son nom au mouvement du Pop-Art. Cependant, une fois réduit le tapage médiatique autour du pape du pop art (Andy Warhol), on remarqua - non sans stupeur - que les œuvres de Wayne Thiebaud, effectuées dans les années 50 et 60 étaient légèrement antérieures à celles des autres artistes de cette tendance... de là à lui attribuer une influence définitive comme précurseur de ce mouvement, il n'y avait qu'un pas qui, aujourd'hui, est franchi avec justesse.
Outre les pâtisseries, Wayne Thiebaud a également peint des paysages, des rues, ainsi que des personnages populaires, comme Mickey. Certaines de ses toiles récentes, comme Sunset street (1985) ou Flatland river (1997) sont remarquables pour le traité hyper réaliste, et se rapproche du travail d'un Edward Hopper, qui était tout aussi fasciné par ces scènes du quotidien américain.
Dans sa peinture, Wayne Thiebaud se concentre sur la banalité de façon à suggère l'ironie et la distance vis-à-vis de son sujet.
Wayne Thiebaud se considère comme un peintre, mais paradoxalement pas comme un artiste. C'est un lecteur vorace, qui a l'habitude de lire de la poésie, celle de son poète préféré William Carlos Williams par exemple, à ses élèves.
En septembre 2010, alors qu'il fêtait son 90e anniversaire, Wayne Thiebaud réalisa un dessin pour le 12e anniversaire de Google qui l'afficha sur sa page d'accueil. Le dessin était exécuté dans le style bien reconnaissable de Wayne Thiebaud, et montrait un gâteau sur lequel est écrit Google et où le "l" était remplacé par une bougie.

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vendredi 17 septembre 2021

William Merritt-Chase (1849-1916) - The Yield of the Waters


William Merritt-Chase (1849-1916) The Yield of the Waters,1878 (Le produit des eaux) Huile sur toile, 124,5 x 188, 3 cm Detroit Institute of Arts


William Merritt-Chase (1849-1916)
The Yield of the Waters,1878
(Le produit des eaux)
Huile sur toile, 124,5 x 188, 3 cm
Detroit Institute of Arts  (non exposée)

Que voit-on ? Une gigantesque nature morte  qui atteint près de 2 mètres de longueur et sous le titre énigmatique de laquelle, William Merritt Chase,  représente une pêche à Venise, ville dans laquelle il séjourna à plusieurs reprises. Au-delà de l'impressionnante qualité picturale de cette toile treè réaliste et au sujet ardu, on sera sesible aussi pà son aspect purement documentaire qui rend compte de ce qu'il était alors possible de pêcher dans les eaux de la lagune vénitienne et aux environs. Il y a fort a parier que beaucoup de ces espèces ont déserté les lieux depuis 1878 !

Rappel biographique : Le peintre américain William Merritt-Chase était très connu outre Atlantique, pour ses talents de pédagogue et pour le rôle qu'il a joué dans l'introduction de l'impressionnisme aux Etats Unis. Il installa sa propre école à New York, la « Chase school » (aujourd'hui Parsons School), après avoir enseigné quelques années à l'Art Students League. Il a travaillé sur toutes sortes de supports : huile, pastel, encre et aborder de nombreux genre, paysages, natures mortes, portraits. Ce sont d'ailleurs surtout ses portraits de grandes personnalités de son temps qui le rendirent célèbre, au point que toute la bonne société de la Nouvelle-Angleterre et de New York se pressait à la porte de son atelier pour se faire peindre.
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jeudi 16 septembre 2021

Olle Hjortzberg (1872-1959) - Still life with plate of apples


Olle Hjortzberg (1872-1959), Apples with Tomatoes Private collection


Olle Hjortzberg (1872-1959)
Apples with Tomatoes
Private collection 

Que voit on  ? Deux tomates  et deux pommes dont une présentée à l'extérieur de l'assiette en céramique vernissée sur l'entablement blanc qui domine un parquet de chêne.

Rappel biographique : Gustaf Olof (Olle) Hjortzberg était un peintre et illustrateur suédois surtout connu pour ses fresques murales dans les églises suédoises, un genre au renouveau duquel il a largement contribué. À partir de 1892, il étudie à l' Académie royale des arts de Suède. Après son mariage en 1898, il voyage avec sa femme à Paris et, en 1899, en Italie où il se rend à Florence et à Pérouse. Il s'est ensuite rendu en Syrie et en Palestine, où l'environnement oriental a influencé son art. En 1902, il visite Londres avant de retourner en Italie où il séjourne quelques temps à Rome où il étudie les maîtres anciens avant de se rendre à Ravenne pour découvrir l'art byzantin.
En 1905, il rentre en Suède où il se consacre presque exclusivement à l'art religieux (chrétien en particulier) concevant des vitraux pour l' église Katarina de Stockholm, puis décorant le plafond de l' église Klara avec des scènes de la vie du Christ.
Hjortzberg a également été un illustrateur actif en contribuant à la Bible de Gustav V (publiée en 1925), en créant une affiche pour les Jeux olympiques de Stockholm (1912) et en concevant des timbres commémoratifs. Il a enseigné à l'Académie de 1911 à 1937 et a été directeur jusqu'en 1941.
Son oeuvre compte quelques natures mortes où il explore le thème de la transparence et de la diversité des textures.

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mercredi 15 septembre 2021

Pablo Picasso (1881-1973) - Pain et coupe de fruit sur une table

 

Pablo Picasso (1881-1973) Pain et coupe de fruit sur une table, 1909. Kunstmuseum Basel, Switzerland.

Pablo Picasso (1881-1973)
Pain et coupe de fruit sur une table, 1909.
Kunstmuseum Basel, Switzerland.

Que voit on ? un tableau cubiste du jeune Picasso qui présente déjà les thèmes qui seront traités par lui dans les années suivantes., mais dans des coloris tres chauds tres inhabituels chez lui a cette époque. 

Rappel biographique : le peintre espagnol Pablo Ruiz Picasso a commencé à peindre très tôt, au tournant du19e et du 20e siècle et n'a jamais cessé sa production, évaluée aujourd'hui a quelques 50.000 oeuvres. Utilisant tous les supports pour son travail, il est considéré comme le fondateur du cubisme avec Georges Braque auquel son nom est lié surtout dans le domaine des natures mortes. Il est considéré comme l'un des plus importants artistes du 20e siècle tant par ses apports techniques et formels que par ses prises de positions politiques et que par l'immensité de sa production tous genres confondus.
A partir des années 1920 ses natures mortes seront très proches, sur la même ligne de conception " cubiste analytique " que celles de George Braque, dont il devient un temps l'intime avant de s'en séparer définitivement. Il y eut une connivence d'inspiration très rare entre ces deux peintres pendant une certaine période de leur vie et en particulier dans le domaine particulier du traitement de la nature morte.
Picasso peint beaucoup d'autres natures mortes après la Seconde guerre mondiale et hors de la période cubiste, mais ce n'est pas un genre qui tient une place aussi essentielle dans son oeuvre que dans l'œuvre de Georges Braque.

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mardi 14 septembre 2021

Olive Cotton ( 1911-2003) - Skeleton leaf



Olive Cotton (1911-2003), Skeleton leaf, 1964 Gelatin silver photograph, vintage, 24,7x19 cm Art Gallery of New South Wales, Australia


Olive Cotton ( 1911-2003)
Skeleton leaf, 1964
Gelatin silver photograph, vintage, 24,7x19 cm
Art Gallery of New South Wales, Australia 

 Que voit on ? Une nature morte très minimaliste et magnifique qui représente le squelette d'une feuille, dans un verre.  Un sommet  dans l'œuvre déjà si délicate d'Olive Cotton , dont la sensibilité n'est ni plus ni moins que géniale.

 Rappel biographique :  Olive Cotton fait figure de pionnière dans son domaine qu'elle commence à explorer dès les années 1930 à Sydney,  en commençant par croquer sur le vif son ami d'enfance et futur mari, Max Dupain, alors que ce dernier dirigeait des séances de photo, et qu'elle se faisait passer pour son assistante (l'idée d'une femme photographe étant alors inimaginable en Australie !).
Elle parvient toute de même à s'imposer des 1935 avec l'exposition de sa photo Tea Cup Ballet à Londres et reçoit de plus en plus de commandes dans son pays et hors de son pays. Au  milieu de l'année 1947, cependant  Olive Cotton décide d'aller vivre dans le brousse  (le bush), à 35 km de Cowra, en Nouvelle-Galles du Sud, avec son nouveau mari Ross McInerney. Ils vivent d'abord sous une tente pendant plusieurs années, avant d'aménager dans une petite ferme où  ils élèvent leurs deux enfants. Olive enseigne alors les mathématiques à la  high school de Cowra pendant cinq ans.
En 1964, elle décide d'ouvrir un petit studio de photographie en ville. Entre autres activités, elle fait des portraits et des photos de mariage pour les gens de sa campagne, portraits qui commencent à devenir célèbres partout ailleurs que dans sa région où elle reste inconnue! En 1985 enfin,  sa renommée qui n'a cessé de croitre est telle qu'elle atteint une notoriété internationale et devient un veritable mythe dans la monde de la photographie. Une retrospective de son oeuvre a lieu, de son vivant, à Sydney en  1985 et un livre lui est consacrée en 1995.
Insensible aux honneurs et au brouhaha des marchés de l'art et de la photographie, Olive Cotton  continue de vivre dans sa brousse où elle meurt le 28 septembre 2003 à l'âge de 92 ans.
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lundi 13 septembre 2021

Odilon Redon (1840-1916) - Fleurs dans un vase


Odilon Redon (1840-1916), Fleurs dans un vase, Collection privée



Odilon Redon (1840-1916)
Fleurs dans un vase
Collection privée 

Que voit on ? Odilon Redon aimait beaucoup les natures mortes florales ! Elles étaient de préférence peu fournies en fleurs, privilégiant les petits contenants, les bouquets modestes  et les petits formats aux grandes compositions spectaculaires. Ce sont les couleurs rendent ces natures mortes remarquables ...et bizarrement, malgré leur petite taille,  ce sont  les premiers tableaux que l'on remarque toujours en entrant dans une pièce, au musée comme dans une collection privée où leurs couleurs éclairent comme des phares  dans la nuit.


Rappel biographique : le peintre français Odilon Redon (né Bertrand-Jean Redon) est un peintre rattaché au mouvement symboliste et coloriste de la fin du 19e siècle. Son art explore les aspects de la pensée, l'aspect sombre et ésotérique de l'âme humaine, empreinte des mécanismes du rêve. Il a peint assez peu de natures mortes, La Coquille, exécutée au pastel en 1912, figure au nombre de ses plus célèbres toiles.

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dimanche 12 septembre 2021

Georgia O’Keeffe (1887-1986) - Peach and Glass, 1927

Georgia O’Keeffe (1887-1986), Peach and Glass, 1927, The Philadelphia Museum of Art

Georgia O’Keeffe (1887-1986)
Peach and Glass, 1927
The Philadelphia Museum of Art

Que voit on ? Sans doute une des plus belles natures mortes les plus belles de Geoirgia O'Keeffe. La soucoupe de verre transparent sur fond blanc dans laquelle repose la pêche rouge est un chef d'œuvre à soi seul.  Comme d'habitude chez cette peintre ces objets n'ont pas été pris au hasard mais pour symboliser le couple humain. La pêche et la soucoupe symbolisent de la féminité,; le verre blanc et droit symbolise de la masculinité... ils sont posés sur cet entablement blanc comme s'il s 'agissait d'un couple sur un canapé....


Rappel biographique : L'artiste américaine Georgia O' Keeffe est considérée comme une des peintres modernistes majeures du 20e siècle. L'art de Georgia O'Keeffe est basé sur une observation minutieuse de la nature et sur sa volonté de peindre ce qu'elle ressent plus que ce qu'elle voit. Elle demeurera à l'écart des courants, suivant sa propre voie. Ses gros plans de fleurs, qui caractérisent une bonne partie de sa production, révèlent son sens aigu de l'observation. Le format de ses toiles, les couleurs et les nuances rendent la majeure partie de ses tableaux pratiquement abstraits. À sa mort, Georgia O'Keeffe a laissé environ 900 tableaux dont finalement très peu de natures mortes, qui est pourtant un genre auquel elle est régulièrement revenue tout au long de sa carrière et qu'elle a abondamment illustré.

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samedi 11 septembre 2021

Nicolas de Staël (1914-1955) - Verre et Pinceau

Nicolas de Staël (1914-1955) Verre et Pinceau , 1954 Huile sur toile 38 x 55 cm Collection particulière


Nicolas de Staël (1914-1955)
Verre et Pinceau, 1954
Huile sur toile 38 x 55 cm
Collection particulière 

 Que voit on ? Une nature morte peinte exactement sur le même principe Nature Morte au Marteau  peinte la même année . Le même fond noir  aussi mais qui  ici ne se confond  pas, comme dans la précédente,avec le premier plan. On voit ici que l'aplat noir est coupé au 3/4 de la surface par une fine ligne horizontale blanche. Rien d'autre pour créer une perspective que cette unique ligne blanche horizontale et irrégulière... et pourtant cela fonctionne parfaitement ! L'œil recrée le fond et l'entablement  où sont posés le verre blanc ,le pinceau marron avec sa brosse (verte) et ce qui pourrait  être un tube de couleur... ou un chiffon.  Le génie de Nicolas de Staël au meilleur de son expression

Rappel biographique : Le peintre français d'origine russe Nicolas de Staël, né baron Nicolaï Vladimirovitch Staël von Holstein, est issu d'une branche cadette de la famille des Staël-Holstein. Plus d'un demi siècle après sa mort, il reste l'un des peintres les plus marquants du 20e siècle posant un problème aux historiens de l'art qui ne savent pas dans quelle catégorie le classer, ce qui doit le réjouir post mortem, lui qui détestait les catégories et les courants.
La réinvention de la figuration opérée par Staël a été mal comprise alors qu'elle anticipait d'une vingtaine d'année l'évolution générale de l'art. Il a « retrouvé le visible sans renoncer aux possibilités expressives et à la liberté d'action qui définissent la peinture contemporaine» alors que Paris perd sa place de capitale des arts, dès les années 1960, sous l'effet du marché de l'art et de la surenchère : " on y est devenu incapable de discerner le pastiche de l'original " selon Umberto Eco.
Selon Marcelin Pleynet et Michel Seuphor : « ...il faut tenir compte de Nicolas de Staël, vu et revu souvent avec et travers l'avant-garde américaine de années cinquante. Ces nouveaux mouvements d'abstraction suivent le cheminement de Staël, délaissant la peinture gestuelle pour une peinture brossée, voir maçonnée ». Peu exposé de son vivant, son œuvre a donné lieu à de nombreuses manifestations posthumes qui ont confirmé sa stature sur le plan international. " Staël fut le plus puissant créateur de sa génération dans l'École de Paris de l'après-guerre, sur laquelle il a exercé une forte influence Il a été le premier à dépasser l'antinomie abstraction-figuration ".
Nicolas de Staël meurt à 41 ans en se jetant de la terrasse de l'immeuble où il avait son logement et un de ses ateliers à Antibes. L'ensemble de son œuvre s'étend sur 15 années. Il a peint, à partir de 1952, plusieurs natures mortes dont quelques unes sont aujourd'hui conservées et exposées au Musée Picasso d'Antibes à quelques pas de son ancien atelier. Plusieurs sont présentées dans ce blog.
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vendredi 10 septembre 2021

Nicolas Henri Jeaurat de Bertry (1728-1796) - Objets de curiosité disposés sur une table surmontant une mappemonde et des instruments de musique

Nicolas Henri Jeaurat de Bertry (1728-1796) Objets de curiosité disposés sur une table surmontant une mappemonde et des instruments de musique Huile sur toile, 1770 Collection particulière


Nicolas Henri Jeaurat de Bertry (1728-1796)
Objets de curiosité disposés sur une table surmontant une mappemonde et des instruments de musique Huile sur toile, 1770
Collection particulière

Que voit on ?  Un  cabinet de curiosité réduit à l'échelle d'une nature morte sous et sur une table , dans laquelle sont rassemblés des objets  hétéroclites, comme des coquillages, un serpent (naturalisé) dans un bocal transparent,et le Manuel du Naturaliste, qui va avec !  des partitions de  musique de Danses amusantes, de gigantesques ouvrages de cartographie (sous la table), un cor de chasse, un tison, une tabatière, des plumes à écrire... bref le parfait attirail de l'honnête homme du XVIIIe siècle, peint avec toute le soin qui fit la réputation de l'art de vivre à la française sous le règne de Louis XV. 

Rappel biographique : Fils d’Edme Jeaurat, graveur du Roy, Nicolas Henry Jeaurat de Bertry a étudié avec son oncle, le peintre Etienne Jeaurat. Il a établi sa réputation dans la nature morte, genre où il excellait, réussissant à saisir les objets de la vie quotidienne avec un détail et une vitalité rappelant le maitre du genre, Chardin, mais pour un critique comme Théodore Lejeune : « Autant Chardin excelle dans le clair-obscur, autant Jeaurat est cru et sec. » Fait remarquable et rare, il a été à la fois nommé et reçu, par accord verbal de l’assemblée, académicien et professeur à l’Académie royale de peinture et de sculpture, le même jour, le 31 janvier 1756, avec deux natures mortes comme morceaux de réception : l’un, Ustensiles de cuisine près d’un petit fourneau en terre allumé qui rappelle l’esprit de Chardin et l’autre ses trophées militaires.
L’année suivante, il a présenta au Salon de 1757 trois natures mortes représentant des instruments de musique, une allégorie de la guerre, une de la science, qui ont attiré une critique favorable du Mercure d’octobre : « On a vu avec plaisir trois tableaux de M. Jeaurat de Bertry : ils sont d’une belle imitation et bien grouppés. »
On ignore où se trouvent ses dernières oeuvres, mais le tableau aux instruments de musique, signé et daté de 1756, actuellement dans les collections du musée Carnavalet, semble être le premier de ces trois tableaux au Salon. Quelques natures mortes de la Réunion des Musées Nationaux (dont celui de Cambrai) attribuées un temps par erreur à Chardin et à Henri- Horace Roland de La Porte, l’un contenant même son monogramme "JB", lui ont récemment été réattribués.
En 1761, il est nommé peintre et pensionnaire de Marie Leszczynska et signe ses lettres du titre de « peintre de la Reine ». Reconnu, il quitte Paris pour s’installer Versailles où il résidera jusqu’à la mort de la reine en juin 1768. Le 1er juillet de la même année, il reçoit une pension de 400 livres de gratification annuelle, « en considération des services qu’il a rendus а la feue Reine, pour l’amusement de cette princesse dans l’art de la peinture. » Il repart alors pour Paris d’où il ne sortira plus  exception faite d’un second séjour de quatre ans à la cour.
Pendant la Révolution, il se concentrera sur le portrait, certains de nature satirique voilée, ainsi que sur les constructions allégoriques comportant des portraits, le drapeau tricolore, les pyramides et l’oeil maçonnique. Au Salon de 1796, il expose le Portrait du Citoyen Gelé à l’instant où il reçoit le brevet d’imprimeur de la Gendarmerie nationale. Au même Salon, il expose encore une Vue de la collégiale et du pont de Corbeil, où il évoque sa propre disparition avec un coche descendant passant sous le porche de la collégiale.
Le fait qu'il fut comblé d'honneur par la reine, ne lui valut pas que des amis et l'on fut bien sévère avec ce peintre dont le talent mérite aujourd'hui largement d'être débarrassé des jalousies opportunistes de son époque.
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jeudi 9 septembre 2021

Olga Wisinger (1844-1926) - Pensées et papillons


Olga Wisinger (1844-1926), Pensées et papillons, 1926 Collection Privée



Olga Wisinger (1844-1926)
Pensées et papillons, 1926
Collection Privée


Que voit on ? 
Ce que décrit le titre  mais saisi dans un atmosphère d'une grande poésie qui rend ce sujet assez banal d'une grande beauté, le papillon symbolisant dans certaines cultures, la mort.   Cette nature morte a été peinte par Olga Windinger  - qui ne peignait presque pas de nature morte - précisément l'année de sa mort.

Rappel biographique :  La peintre autrichienne Olga Wisinger  est quasiment inconnue en dehors des frontières de son pays, bien qu'elle ait exposée dans de nombreuses grandes villes étrangères, à Paris et à Chicago notamment. Après une formation de pianiste, Olga Wisinger-Florian  choisit plutôt de suivre  les cours de peinture d' Emil Jakob Schindler. Elle peignit  très peu de natures mortes et c'est surtout comme peintre de paysage qu'elle principalement connue. Elle est une des représentante d'un courant pictural autrichien très local et très isolé, l 'impressionnisme d'humeur (Stimmungsimpressionismus) développé à Vienne à la fin du XIXe siècle, en liens avec l'École de Plankenberg fondée par Emil Schindler. Ce style est aussi  qualifié  parfois de « réalisme poétique »
Après 1884, Olga Wisinger  rompt avec l'influence de Schindler en s'orientant vers des représentations aux couleurs vives et crues.

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mercredi 8 septembre 2021

Martin Dichtl (1639-1710) - Nature morte aux ustensiles de cuisine II


Martin Dichtl (1639-1710) Nature morte aux ustensiles de cuisine II (Stilleben mit Küchenutensilien) Collection privée



Martin Dichtl (1639-1710)
Nature morte aux ustensiles de cuisine II
(Stilleben mit Küchenutensilien)
Collection privée 


Que voit on ? Le même type d'objets que dans la première nature de ce peintre postée sur ce blog il y  a quelques  années et qui portent d'ailleurs exactement le même titre. 

Rappel biographique : Très peu d'informations sur le peintre allemand  Martin Dichtl.  Ce que l'on peut dire d'un tel type de sujet est qu'il était choisi et commandé en réaction aux peintures religieuses du sud de l'Europe.  Pour des peintres comme Dichtl qui en peignit plusieurs sur ce thème, il s'agissait alors de montrer (pour ne pas dire de démontrer)  que les objets du quotidien pouvaient être aussi beaux que les grandes compositions  sacrées ou que les poétiques compositions florales. 

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mardi 7 septembre 2021

Fairfield Porter (1907-1975) - Flowers by the Sea

 

Fairfield Porter (1907-1975) Flowers by the Sea, 1965 Oil on board, 50.6 x 49.5 cm MoMA


Fairfield Porter (1907-1975)
Flowers by the Sea, 1965
Oil on board, 50.6 x 49.5 cm
MoMA

Que voit-on ? Posé devant une fenêtre,  quelques fleurs dans un verre d'eau. A travers la fenêtre : la mer et une île dans le lointain.  Toute la poésie mélancolique inimitable de ce grand peintre américainna vec tres peu de moyens et d'éléments visuels.



Rappel biographique : Fairfield Porter était un peintre et critique d'art américain, frère du photographe Eliot Porter. C’est en étudiant à Harvard, que Porter décida de se spécialiser dans les beaux-arts et de poursuivre, après son déménagement à New York en 1928, ses études à l'Art Students League. Son passage à l’Art Students League le formate plus ou moins pour produire un travail réaliste. Il sera d’ailleurs beaucoup critiqué et à la fois vénéré pour s'être obstiné dans ce style réaliste à une époque où l'expressionniste abstrait battait son plein dans le monde. Les sujets des tableaux de Porter sont principalement des paysages, des intérieurs, quelques natures mortes et beaucoup de portraits. Portraits de famille, portraits d'amis et de collègues artistes, dont beaucoup étaient affiliés à l’école littéraire de New York, comme John Ashbery, Frank O'Hara ou James Schuyler. Un grand nombre de ses peintures ont été réalisées dans ou autour de sa maison estivale de famille à Great Spruce Head Island, dans le Maine et dans sa maison de famille citadine à New York. Sa vision picturale englobe à la fois une réelle fascination pour la nature et la capacité de révéler tout ce qu’il peut y avoir d’exceptionnel dans la vie ordinaire. Très influencé par les peintres français Pierre Bonnard et Edouard Vuillard, il a même écrit " Quand je peins, je pense que ce qui peut me satisfaire est d'exprimer au mieux ce que Renoir conseillait à Bonnard : « Rendre tout plus beau » ".

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lundi 6 septembre 2021

Simone del Tintore (1630-1708) - Nature Morte avec Panier de Champignons

Simone del Tintore (1630-1708) Nature Morte avec Panier de Champignons Collection privée


Simone del Tintore (1630-1708)
Nature Morte avec Panier de Champignons
Collection privée  (Sotheby's)

Que voit on ? Un magnifique panier de champignon peint à la fois avec précision et esprit, ce qui ne fut pas donné à  tous les peintres dans ce sujet particulier. Le fond noir  uniforme rehausse assez subtilement et sans qu'il soit besoin d'effet, les couleurs et les formes de ces étranges organismes de la nature que sont les champignons et que Simone del Tintore peignit à de nombreuses reprises tout au long de sa carrière.

Rappel biographique  : Simone del Tintore est un peintre italien baroque actif principalement actif dans sa ville natale de Lucques. En 1652, il rejoint avec de nombreux artistes, comme Girolamo Scaglia, Antonio Franchi, l'académie sur le principe de la représentation de la nature (Accademia del Naturale) de Pietro Paolini. Il est surtout célèbre comme peintre de natures mortes, genre dans lequel il a tout aàfait excellé!

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dimanche 5 septembre 2021

Luca Forte (1605-1660) - Nature Morte avec Raisins et Autres Fruits

Luca Forte (1605-1660) Nature Morte avec Raisins et Autres Fruits, 1630 Huile sur cuivre, 314 x 260 mm Getty Center - J.P .Getty Museum


Luca Forte (1605-1660)
Nature Morte avec Raisins et Autres Fruits, 1630
Huile sur cuivre, 3, 4 x 26 cm
Getty Center - J.P .Getty Museum

Que voit on ?  Une somptueuse accumulation de grappes de raisins rouges, dressées sur un pot en fer avec armature verticale improvisée pour supporter les grappes. Les reflets scrupuleusement apposés sur chaque grain de raisins, et a fortiori sur chacun des autres fruits, sont la signature  reconnaissable entre toutes (bine que très souvent imitée) de ce grand maître napolitain de  la nature morte. Le support utilisé pour la penture (une plaque de cuivre) en s'oxydant  avec le temps apporte à l'ensemble une tonalité irréelle.

Rappel Biographique : Luca Forte est un peintre italien de la période baroque de l'école napolitaine, spécialisé dans les natures mortes, principalement actif dans sa ville natale. Il mourut probablement des suites de la grande peste de 1656 qui décima plus de la moitié de la population napolitaine. Parmi d'autres artistes contemporains de Luca actifs à Naples citons Paolo Porpora, Giovanni Battista Ruoppolo et Pietro Paolo Bonzi. S'inspirant de Caravage, il peint surtout des natures mortes de fruits, de fleurs, et parfois de guirlandes, mais il a aussi réalisé des compositions plus vastes, élaborées dans l'espace sur un fond sombre neutre ou de paysage, motif qu'il introduit à Naples. Son coloris est vif, intense et fortement contrasté, son clair-obscur puissant et sa représentation des reflets caractéristique. Ses lettres au collectionneur de Messine Antonio Ruffo entre 1640 & 1650 et la présence de ses œuvres dans les grandes collections napolitaines de l'époque (Carafa, Spinelli, Roomer) prouvent sa grande notoriété de son vivant.

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samedi 4 septembre 2021

Marsden Hartley (1877-1943) - Handsome Drinks

Marsden Hartley (1877-1943), Handsome Drinks, 1916,Brooklyn Museum


Marsden Hartley (1877-1943)
Handsome Drinks, 1916
Brooklyn Museum

Que voit on ?   Cinq boissons occupent cette nature morte  en apparence innocente mais au contenu iconoclaste pour ne pas dire carrément sacrilège ! Au premier plan : une tasse à café et sa soucoupe ; un ballon de vin rouge ;  un verre d'absinthe reconnaissable à sl couleur verte  de la liqueur et à la cuillère contenant un sucre posée à son sommet. Au second plan : un gigantesque calice eucharistique duquel surgit une hostie en forme de flamme pour les uns,  ou sexe féminin stylisé pour les autres  (d'où le sacrilège!). La cinquième boisson au second plan à droite est un verre de lait !  Des inscriptions assez mystérieuses inspirées de  la langues gaélique encadrent le calice....

Rappel biographique : Le peintre américain Marsden Hartley dont plusieurs natures mortes ont été postées sur ce blog depuis 2013 a séjourné à Paris dès 1912, période à laquelle il a fait partie du cercle de Gertrude Stein. L'année suivante il rencontre à Berlin, Vassily Kandinsky par lequel il est très impressionné au point de commencer à peindre une série de peintures abstraites, avec des formes aux contours très nets et aux couleurs vives.  C'est à cette époque aussi qu'il entame une histoire d'amour avec un officier allemand qui sera tué au combat pendant la Première Guerre mondiale et le laissera inconsolable. Il enchaînera ensuite les aller-retour entre l'Europe et les Etats-Unis avant de se fixer en 1937 dans le Maine après avoir déclaré qu'il voulait devenir «le peintre du Maine» et rendre compte de la vie américaine au niveau local !  Hartley se rapproche alors du mouvement régionaliste, un groupe d'artistes actif du début au milieu du 20ème siècle et qui a tenté de représenter un "art américain différent". Il a continué à peindre dans le Maine, jusqu'à son décès en 1943.
Hartley a trouvé un expressionnisme original et très personnel qui donne toute sa mesure non pas tant dans ses natures mortes (assez rares) que dans les peintures des paysages et montagnes austères et tourmentés du Maine qu'il a merveilleusement peints.
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vendredi 3 septembre 2021

Martiros Sergeyevich Saryan (1880-1972) - Nature morte aux fruits mélangés


Martiros Sergeyevich Saryan (1880-1972) Nature morte aux fruits melangés Collection privée



Martiros Sergeyevich Saryan (1880-1972)
Nature morte aux fruits mélangés
Collection privée

Que voit on ? Une accumulation de fruits d'été  dont un grande variété d'espèces de melons et pastèques, des poires, des pêches des raisins repartis sur toute la surface de la composition, comme une foule en déplacement... certains achevant leur parcours hors cadre.

Rappel biographique : Martiros Sarian ou Saryan (Մարտիրոս Սարյան est un peintre arménien né en Russie. Il est considéré comme le père de la peinture moderne arménienne.
Lorsqu'il découvre l'Arménie en 1901, il ressent une « passion presque charnelle » pour elle, et n'a « de cesse de la représenter par des toiles inondées de lumière et vibrantes de couleurs ». Bien très influencé par Paul Gaughin, il fut le premier à réaliser la nécessité d'élaborer un style propre basé sur les anciennes traditions nationales.avec une palette « délibérément gaie, vive et colorée .
Il disait lui-même : « La couleur devrait chanter. Elle devrait exprimer la perception de l'essence de la vie qui réside en chaque être humain. En utilisant la couleur, j'augmente encore plus ce que je vois, afin que la lumière puisse être plus brillante dans mes oeuvres. »
En 1909, Sarian se tourne vers les changements réels qui affectent son temps. Il observe l'éloignement de l'homme et de la nature. Il choisit de peindre des motifs que la civilisation industrielle n'avait pas encore touchés et qui portent l'empreinte et l'enseignement d'une vie séculaire. Il devient ainsi passeur de mémoire des lieux et des jours. Il généralise à l'extrême la nature et il révèle l'expressivité des formes. Il construit l'art de sa composition sur un seul plan en répartissant régulièrement les grandes taches de couleur pure. Il s'inspire en cela du principe et de l'art de la miniature arménienne, ainsi que l'art de l'enluminure arménienne. Les couleurs de la palette de Sarian irradient la lumière. La combinaison harmonieuse et contrastée de trois ou quatre tons principaux permet au peintre d'obtenir expressivité, chaleur et surtout lumière. Cette lumière alliée à des couleurs suaves et chantantes qu'elle fait rayonner sont devenues des symboles de la patrie du peintre. Sa sagesse et son habileté ont pu le préserver des persécutions politiques dont son fils spirituel Minas Avétissian fut mortellement frappé. C'est pour cela que les historiens de la peinture arménienne ont toujours privilégié la peinture du jeune Sarian à celle plus académique du vieux peintre.
En 1960 Louis Aragon de lui : « Comme cette lumière de Rome qui nous parvient à travers les siècles français par le pinceau de Nicolas Poussin, puis de Jean-Baptiste Corot, la lumière d'Arménie nous atteint grâce à Martiros Sarian. Lumière enfin dégagée des larmes qui brouillaient la voix des poètes de Naпri, lumière enfin heureuse sur les fruits, les hommes, les montagnes, elle est un trésor retrouvé, comme si les eaux du déluge s'étant retirées, la plaine d'Erevan n'était que la pure couleur de l'avenir. Si bien que les siècles, à côté de notre Cézanne et de notre Matisse, placeront Sarian à la première place, car il est un peintre du bonheur. »
En 1980, huit ans après son décès une grande exposition lui a été consacrée au Centre Pompidou- Paris.

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jeudi 2 septembre 2021

Max Beckmann (1884- 1950) - Nature morte au Verre d'Absinthe

Max Beckmann (1884- 1950) Nature morte au Verre d'Absinthe, 1932 Collection privée


Max Beckmann (1884- 1950)
Nature morte au Verre d'Absinthe, 1932
Collection privée 

Que voit-on ?  C'est en réalité une nature dans un portrait que l'on voit là.  Portrait d'une jeune femme au turban, dubitative devant le verre de liqueur verte mais en même temps très tentée... Le décor qui part un peu à la renverse, avec ce gros coquillage Bénitier qui envahit le premier plan et lui donne à l'ensemble de la scène aspect très sexuel,  et le rideau  qui semble vole à tous vents, suggère la folie prochaine... Si les couleurs sont ici moins éteintes et sinistres qu'habituellement chez Beckmann, le sujet par contre ne prête pas à l'optimisme !  Il faut avouer que peu de toiles de Beckmann inclinent à l'optimisme d'ailleurs !

Rappel biographique : Le peintre allemand Max Beckmann était aussi graveur, sculpteur et écrivain  et appartenait au Mouvement Expressionniste et plus précisément à la tendance Neue Sachlichkeit (Nouvelle objectivité) de ce mouvement.  Il connut un immense succès en Allemagne jusqu'en 1933,  date à laquelle Hitler arriva au pouvoir et décide que la peinture moderne est dégénérée. Beckmann faisait partie de ces peintres dégénérés que les Nazis persécutèrent pour leur expression artistique. Il dut démissionner de toutes ses fonctions pédagogiques officielles avant que 500 de ses oeuvres ne soient saisies dans les musées. Il quitta l'Allemagne le jour même où Hitler fit son discours sur l'art dégénéré à la radio. Beckmann se réfugia en Hollande pendant 10 ans, puis s'exila définitivement aux Etats-Unis, après la guerre. Le petit nombre de ses natures mortes qui sont parvenues jusqu'à nous sont toutes empreintes d'un symbolisme très puissant.
 
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mercredi 1 septembre 2021

Julian Alden Weir (1852-1919) - Vase and roses


Julian Alden Weir (1852-1919), Vase and roses, 1889, Private collection


Julian Alden Weir (1852-1919)
Vase and roses, 1889
Private collection

Que voit on ?  Sur un entablement clair  (le monde des vivants) mais devant un fond sombre (le monde des morts) : un vase en céramique vernissée noire et deux roses gisant hors du vase, sur l'entablement avec leur feuillage qui en voie de se dessécher. Un métaphore de la mort  limpide et très esthétique.

Rappel biographique : Le peintre impressionniste américain Julian Alden Weir  fut  l'un des membres du Ten American Painters, une association d'artistes insatisfaits des prestations des organisations d'artistes professionnels, qui s'unirent, en 1898, pour  exposer en commun leurs œuvres. Avant de s'installer aux Etats-Unis, Julian Alden Weir était venu étudier les beaux-arts en France sous la direction de Jean-Léon Gérôme et d'Adolphe Yvon et se lia d'amitié avec Jules Bastien-Lepage.  On le confond de temps en temps avec son frère  aîné, John Ferguson Weir qui devint également un peintre célèbre dans le style des Ecoles de l'Hudson et de Barbizon. Il a peint beaucoup de portraits, quelques paysages et très peu de natures mortes mais fort belles.
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