Ragnar Sandberg (1902-1972) - Glasses

Ragnar Sandberg (1902-1972)
Glasses, 1965
Huile sur toile, 31 x 43 cm.
Collection privée

Que voit-on ?  Trois verres à pieds, dont sont deux sont couchés comme entrelacés et un debout.  On ne peut s'empêcher de penser à une certaine composition de Sebastien Stostkopff sauf que dans celle ci aucun verre n'est brisé.  Ce qui surprend surtout c'est la palette inhabituellement  sombre pour ce peintre.

Rappel Biographique : Ragnar Sandberg est un peintre, dessinateur écrivain et éducateur artistique suédois. Il poursuivit ses études artistiques à l’Ecole de Valand où il fit la connaissance de Nils Nilsson et David Larsson, qui devinrent ses amis proches. Ensemble, ils partirent en voyage aux Indes orientales et au Japon en 1922 en tant que mousse à bord du navire S / S Formosa. Après ses études d'art, il se consacra а la philosophie et aà la littérature, mais Ivan Ivarson l' encouragea à reprendre la peinture. Avec Ivarson, il exposa à la Galerie Moderne de Stockholm en 1933 et avec Evald Bjцrnberg а la galerie d'art de Gцteborg en 1936, mais son art n'attire pas beaucoup l'attention.
Ses premiers succès furent enregistrée lors d'expositions personnelles à la Galerie d'art franco-Sudédoise en 1939 et à la galerie Matthiesen de Londres,
Dans les années 40 et 50 Sandberg fait partie du groupe d'artistes appelé "The Gothenburg Colors ", issu des travaux de Tor Bjurstrцm. Dans ce groupe Sandberg faisait figure d'intellectuel. Parmi ses commandes publiques on peut citer une peinture murale al secco pour la salle de banquet de Lorensberg à Göteborg et une fresque décorative pour le département de zoo-physiologie d’Uppsala. Son œuvre comporte des paysages de la côte ouest et de la Scanie, des paysages urbains, des personnages, des observations de la réalité et quelques natures mortes. Il est présent dans les plus grands musées du Monde et le Centre Pompidou de Paris lui a consacré une exposition remarquable.

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Robert Macbryde (1913-1966) - Indian Red Still Life

Robert Macbryde (1913-1966)
Indian Red Still Life, c.1944
Huile sur toile , 35.5 x 40.5 cm
Collection privée (Christie's)

Que voit on ?  Deux fruits  exotiques ouverts  sur un entablement. Les fruits ouverts étant un des thèmes favoris de MacBryde pour l'analogie qu'ils présentent avec des organes sexuelles.

Rappel Biographique : Robert MacBryde était un peintre écossais de natures mortes, de paysage un décorateur de théâtre.  Né dans une famille d'origine ters modeste, il travailla dans une usine pendant cinq ans après avoir quitté l'école avant d'étudier l'art à la Glasgow School of Art entre  1932  et 1937. Il y  rencontra Robert Colquhoun , avec qui il a établi une relation amoureuse à vie et une collaboration professionnelle, le couple devenant célèbre  sous le nom de "The two Roberts". Avec l'aide de bourses, MacBryde  étudia en France et en Italie avant de revenir à Londres en 1939. Il  partagea alors  un studio avec Colquhoun, et le couple s'installant dans une maison avec John Minton et, à partir de 1943, Jankel Adler   La première exposition des oeuvres de MacBryde eu lieu  à la  Galerie Lefevre en 1943. Au plus fort de leur popularité, "les deux Roberts "fréquentèrent un large cercle d'artistes  dont Francis Bacon  Lucian Freud et John Minton ainsi que les écrivains Fred Urquhart,  George Barker , Elizabeth Smart et Dylan Thomas. Leurs soirées  dans keur studio au 77 Bedford Gardens, furent renommés dans le tout Londres d'alors.
Influencé par Graham Sutherland et John Piper  MacBryde devint un peintre bien connu de la tendance moderniste, connu pour ses études cubistes aux couleurs vives. Son travail ultérieur évolua vers une gamme plus sombre et expressionniste de natures mortes et de paysages. En collaboration avec Colquhoun, il crée plusieurs scénographies pendant et après la Seconde Guerre mondiale. Dans les  années 1950, MacBryde et Colquhoun perdirent tout d'un coup et ensemble, l'attention de la scène artistique, londonienne. Devenus  tous deux alcooliques, ils sombrèrent ensemble dans une sorte de déchéance et de quasi-dénuement qu'ils aimaient offrir en spectacle, se présentant comme des artistes maudits.
Colquhoun décéda subitement à Londres en 1962. Peu de temps après, MacBryde  déménagea en Irlande, où il  partagea pendant un certain temps une maison avec Patrick Kavanagh, avec qui il s'était lié d'amitié à Londres. Cependant,  buvant toujours beaucoup, il était devenu incapable de tenir un pinceau. Le Times  déclara alors que  "MacBryde avait disparu dans l'obscurité après la mort de Colquhoun ". Robert MacBryde décéda en 1966 à Dublin, écrasé par une voiture dans la rue. Anthony Cronin, un ami de MacBryde et Colquhoun, les décrit tous les deux avec affection et respect dans ses mémoires Dead as Doornails, tout comme le peintre, dramaturge et poète anglais Arthur Berry dans son autobiographie A Three And Sevenpence Half Penny Man.

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Salvador Dalí (1904-1989) - Explosion Printanière

Salvador Dalí (1904-1989)
Explosion Printanière 1965
Aquarelle, gouache, encre de Chine sur carton, 101,9 x 76,2 cm
Collection privée 

Que voit on ?  Une sorte de tachisme dalien pour ses fleurs dessinés à coup de projection de gouaches de gouaches. Les fleurs elles mêmes ne sont pas vraiment identifiables, leur feuillage ne ressemblant à  celui d 'aucune espèce connue.  Pendant que les fleurs " explosent de leur explosion " (!)  des personnages  en duo et un cavalier très précisément dessinés à l'encre de Chine s'agitent dans un paysage absolument désertique qui pourrait être celui des côtes autour de Cap de Creus...

Rappel biographique : Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech, connu comme Salvador Dalí, marquis de Dalí de Púbol, est un peintre, sculpteur, graveur et écrivain catalan de nationalité espagnol, considéré comme l'un des principaux représentants du surréalisme et comme l'un des plus célèbres peintres du 20e siècle... en tout cas l'un des plus médiatisés de son vivant ! Les thèmes qu'il aborda le plus fréquemment furent le rêve, la sexualité, le comestible, sa femme Gala et la religion. La nourriture, et l'acte de manger, ont une place centrale dans l'œuvre et la pensée dalinienne pour qui « la beauté sera comestible ou ne sera pas ». Figure picturale essentielle, le pain fut très présent dès 1926.
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René Fumeron (1921-2004) - Poissons séchés

René Fumeron (1921-2004)
Poissons séchés, 1970
Tapisserie d’Aubusson tissée par l’atelier Pinton, 225 x 130 cm
Collection privée

Que voit on ? Un retour de pêche quasi miraculeuse avec les barques rangées au centre de la composition et une multitude de poissons sortis des filets. Certains accrochés  comme du linge à fil séchent au soleil. 

Rappel Biographique : René Fumeron réalise ses premiers cartons (il en réalisera plus de 500) dès les années 40, en collaborant avec les ateliers Pinton, puis en recevant de nombreuses commandes de l’Etat, avant de participer à la décoration du paquebot “France”. D’abord figuratif, et influencé par Lurçat, il évolue vers l’abstraction, avant de revenir vers une figuration colorée et réaliste à partir des années 80. 

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Rodolphe-Théophile Bosshard (1889-1960) - Pommes sur une assiette verte

Rodolphe-Théophile Bosshard (1889-1960)
Pommes sur une assiette verte, 1956
Huile sur toile 46 x 55 cm.
Collection privée

Que voit on ? Cinq pommes sur une assiettes carrée de couleur verte  elle même posée sur une entablement blanc et mouvant  se prolongeant dans le fond du cadre en une composition abstraite.  La géométrie est si omniprésente dans cette nature morte, qu'il serait peut être plus juste de la décrire  comme : cinq cercles sur un carré !


Rappel biographique : Rodolphe-Théophile Bosshard est un artiste-peintre suisse qui fut actif à Paris entre les deux guerres mondiales et se spécialisa plutôt dans les nus féminins. Considéré comme une figure majeure de la peinture suisse de la première moitié du 20e siècle, il s' installa à Montparnasse seulement pendant quatre petites années mais pendant lesquelles il attira l'attention des critiques par une peinture originale et novatrice. Il noua des amitiés avec Chagall, Zadkine, Derain ou Lurçat. Beaucoup de ses natures mortes ont des similitudes avec celles de Jean Fautrier qui est son exact contemporain. Après sa période parisienne où il vivait de façon très miséreuse, Bosshard retourne s'installer en Suisse où il mène une carrière prolifique et couronnée de succès. En 1947, la Galerie Denise René, rue de la Boétie, ramène Bosshard à Paris avec une quarantaine d’huiles, gouaches et dessins. Son style s 'approche alors de l'abstraction. Puis sa passion des voyages et des paysages l’entraîne à Ravenne, à Florence (où il expose en 1953), à Camogli sur la côte Ligure, à Gordes et enfin à Majorque.

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Robyn Stacey (bn.1952) - China and Silver

 

 

Robyn Stacey (bn.1852)
China and Silver (2011)
Chromogenic print, 120.0 x 159.5 cm,
Collection of the artist

Que voit on ?  Une composition photographique qui évoque plusieurs natures morte célèbres que nous avons tous dans l'œil... dont la célèbre Nature morte au service à thé du peintre suisse Liotard,  mais aussi ces natures mortes d'argenterie d'Antoine Vollon ou de Willem Kalf   pour ne citer que ces deux là ! Cette photographie géante n'en reproduit aucune à proprement parlé mais les résume et les évoque toutes !

Rappel biographique :  Robyn Stacey est une photographe australienne. Depuis le milieu des années 1980 elle a élaboré en accord de grandes collections d'histoire naturelle un travail sur le renouveau du  genre de la nature morte à travers la photographie et les nouveaux médias. Stacey est récipiendaire de prix et de subventions de recherche importants, dont la bourse Samstag en 1994 qui lui a permis d'e poursuivre ses recherches à la School of Visual Arts de New York. Elle a été des résidence au Macleay Museum de l'Université de Sydney, à l'Université de Leiden, au Historic Houses Trust of New South Wales, aux Royal Botanic Gardens et au National Center for Supercomputing Applications de l'Université de l'Illinois. Son travail est présent dans de grandes collections nationales, notamment la National Gallery of Australia, la National Portrait Gallery, la Art Gallery of New South Wales, la Art Gallery of Western Australia, la National Gallery of Victoria, la Art Gallery of South Australia, la Queensland Art Gallery, le New South Wales Historic Houses Trust, la ville de Sydney, le Samstag Museum and Artbank.

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Taisia Kirillovna Afonina (1913-1994) - Raisins et Pommes

Taisia Kirillovna Afonina (1913-1994)
Raisins et Pommes, 1955
Huile sur toile 45 x51cm
Collection Privée

Que voit - on ?  Sur un entablement blanc très peu défini : un vase de fleurs, ene soucoupe contenant des pommes et du raisins, un bol en verre transparent rempli d'eau dans lequel se reflète jusqu'au trompe-l'oeil les deux pommes.

Rappel biographique : La peintre et aquarelliste ukrainienne et soviétique, Taisia Kirillovna Afonina est une des principales représentantes du mouvement pictural soviétique connu sous le nom de Ecole de Leningrad. Elle a exposé avec une régularité de chronomètre suisse tous les ans  dans chacune des expositions d'artistes de Leningrad. Elle a peint des paysages,  des portraits et des compositions de genre mais aussi beaucoup de natures mortes, pour lesquelles elle était très célèbre. Elle a travaillé aussi bien à l'huile qu'à l'aquarelle et était membre de la célèbre et très contrôlée Union des artistes soviétiques de Leningrad, en dehors de laquelle peu d'artistes pouvaient s'exprimer.  Sa technique lest réputée pour son tonalisme c'est à dire pour la recherche du transfert en peinture des effet de la lumières et de la consistance de l'air. 

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William Nicholson (1872-1949) - Still life with white freesias

William Nicholson (1872-1949)
Still life with white freesias, 1917
Oil on canvas, 24 x 28cm
Private collection

Que voit on ? Un  minuscule bouquet de frésias dans un vase bleu posé sur un album à côté duquel on peut voir une lettre adressée à Rosemary et datée du 31 mars.  Il  s'agit en fait de Rosemary Gordon Craig à laquelle le peintre offrit cette émouvante nature morte à l'occasion de son  mariage avec James Le Brasseur.

Rappel biographique : Le peintre britannique Sir William Nicholson est surtout connu pour les illustrations qu'il a réalisées pour des livres destinés à la jeunesse. Il illustra ainsi notamment Peter Pan de J.M. Barrie au tournant du 20e siècle. A partir de 1900, encouragé et protégé par Whistler, il se consacre à la peinture et commence à exposer ses premières toiles, essentiellement des portraits, des natures mortes et des paysages. Et ce fut une très grande réussite !
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Zdeněk Tůma (1907-1943) Nature morte au Domino 1942.

Zdeněk Tůma (1907-1943)
Nature morte à la bouteille et au verre, 1942.
Huile sur toile, 53 x 42cm
Collection Privée

Que voit on ?  Ce que décrit le titre a quoi sahoute un domino, objet fétiche de ce peintre de mêm equ'une boute d'allumette et une allumette non utilisé. On note que verre et bouteille sont vides de tout contenu.

Rappel biographique : Zdeněk Tůma  était un peintre, paysagiste, portraitiste, costumier, scénographe et scénographe tchèque. Dès son plus jeune âge, il se fit remarquer par son gout pour le dessin et plus tard pour l'aquarelle. De  1921 à 1923, il fréquente l'école privée de peinture  de F. Engelmüller  qui est en réalité une école préparatoire  une préparation à des études complémentaires à l' Académie de peinture de Prague. Après avoir terminé ses études à l'académie, il obtient une bourse pour la France, où il part deux mois en 1931. Il renouvela le voyage en 1936 et séjourna en France plus d'un an. Il  résida  d'abord à Paris, où il étudia la peinture en privé avec  František Kupka, avant de se rendre  à Dieppe, en Bretagne, en Normandie  pour terminer son périple  à Leningrad (Saint-Pétersbourg). En 1936, il dessine pour diverses revues humoristique et effectue un court séjour à Londres, avant de revenir par Bordeaux  pour se fixer un peu à .Perpignan. Il passe ensuite toute l'année à Collioure, non loin de la frontière espagnole. Vers 1938, Zdeněk Tůma revint en Bohême, traversant toute la côte sud de la France, avec des escales à Marseille et Nice  Sa première exposition personnelle a également lieu en France à cette époque, où il expose des gouaches et des dessins créés lors de ses séjours. En 1939, Tůma se fixe à  Prague où il organise sa première exposition personnelle au Salon Topič, suivit par une  autre en 1942 à  la Galerie Vilímek. Il se consacre alors à la scénographie, métier qui lui permit de s'en sortir plus ou moins financièrement  en collaborant avec plusieurs théâtres de Prague. Au cours de sa courte vie, il créa des dizaines de scénographies et de costumes de scènes et participà à 24 pièces de théâtre. Zdeněk Tůma s'est suicidé le 14 décembre 1943 en s'empoisonnant au gaz dans l'appartement de sa maitresse.

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Tamara de Lempicka (1898-1980) - Still Life with Diana

Tamara de Lempicka (1898-1980)
Still Life with Diana, 1941
Huile sur toile (50,8 x 63,5cm)
Private collection USA

Que voit on  ? Une nature aux livres, au drapé a la bouteille de sirop, à la règle et au centimètre de couturière. Composée à même l'assise cannée d'une chaise de style Renaissance espagnole, la toile emprunte son nom à l'illustration en noir et blanc que l'on peut voir sur le livre ouvert dressé à la verticale contre le dossier de la chaise, et qui représente la Diane Chasseresse peinte en 1540/60, attribué à Charles Carmoy  et actuellement dans les collection du Musée du Louvre à Paris.

Rappel biographique : Tamara de Lempicka est une peintre polonaise représentative du mouvement Art déco. Fille de Boris Gorski, juif russe, et d'une mère polonaise, son enfance se passe dans un milieu aisé et cultivé entre Saint-Pétersbourg, Varsovie, Lausanne et Paris. En 1920, à l'Académie Ranson à Paris, elle reçoit l'enseignement de Maurice Denis et à l'Académie de la Grande Chaumière celui d'André Lhote. C'est là qu'elle forge petit à petit son style qui, dans une synthèse de l'art maniériste de la Renaissance et du néo-cubisme, va correspondre parfaitement à la mode de son temps. L'envol de sa carrière coïncide avec sa première exposition personnelle à Milan en 1925. En France, elle participe pleinement à la vie artistique et mondaine parisienne où elle rencontre André Gide, Suzy Solidor, de riches industriels, des princes russes émigrés, etc. En 1928, elle installe sa maison-atelier au no 7 de la rue Méchain, dans le 14e arrondissement, conçue par Robert Mallet-Stevens. A partir de 1929, elle expose simultanément en Pologne (médaille de bronze à l'exposition internationale de Poznan), à Paris (dans quatre salons et à la galerie Colette Weil) et aux États-Unis (Carnegie Institute de Pittsburgh).
Tamara de Lempicka occupe une place à part dans l'art du 20e siècle : malgré une production modeste (à peine 150 tableaux dans sa meilleure période, qu'on situe entre 1925 et 1935), ses œuvres évoquent et reflètent le style et la mode des années folles de l'entre-deux-guerres. Avec une stylisation néo-cubiste, ses œuvres, principalement des portraits, se caractérisent par un modelé accentué, des couleurs vives mais dans une gamme restreinte, mises en valeur par des fonds gris ou noirs. La composition très resserrée s'inspire du cadrage cinématographique. Bien que la nature morte ne soit pas sa spécialité, elle en a peint une vingtaine.

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Yannis Tsarouchis (1910-1989) - Montrouge rose in an English cup

 

Yannis Tsarouchis (1910-1989)
Montrouge rose in an English cup, 1968.
Private collection

 Que voit-on ? Une nature morte florale très inspirée de celles de Manet que  Yannis Tsarouchis peignit lors d'un séjour en France.  

Rappel Biographique : Yannis Tsarouchis ( Γιάννης Τσαρούχης) était un peintre grec né au Pirée et formé à l' Ecole des Beaux-Arts d'Athènes (1929-1935). Entre 1925 et 1930, il réalise des peintures sur le motif et des décors de théâtre. En 1935 et 1936, il se rend Istanbul, en Italie à Paris où il rencontre des artistes comme Henri Matisse et Alberto Giacometti.
Il affectionnait particulièrement les portraits de sportifs, marins et militaires croisés dès son enfance dans le port du Pirée où il naquit. La peinture de marins attablés à une terrasse de café est sans doute un de ces thèmes favoris, prétexte à de multiples variations, souvent très homo-centrées.
Il a peint cependant quelques nature mortes, aujourd'hui moins célèbres que ses portraits.

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Wayne Thiebaud (1920-2021) - Watermelon and Knife

Wayne Thiebaud (1920-2021)
Watermelon and Knife, 1989.
Pastel on paper, 8 5/8 x 9 1/2 in.
Crocker Art Museum, Sacramento

Que voit on ? Une quart de pastèque très géométriquement découpée avec le couteau qui a servi à la découper planté en son cœur. Une nature morte de pastèque clin d'œil à toutes celles du 17e siècle et notamment celles de Luis Melendez qui les représentaient  soit fermées, soit ouvertes après avoir été généralement  jetées au sol ou contre une table, seule moyen de briser ce gros fruit très résistant ! 

Rappel biographique : Le peintre américain d'origine Wayne Thiebaud, dont une célèbre toile avait été publiée au début de ce blog en 2014, est un artiste discret, de plus en plus considéré comme un des artistes majeurs du 20e et 21e siècle aux Etats-Unis.
Le travail de Wayne Thiebaud se caractérise par des peintures d'objets alimentaires de grande consommation, comme des pâtisseries, vues dans des cafétérias. Les experts se sont souvent demandés en examinant l'œuvre de Thiebaud s'il n'avait pas passé beaucoup de temps dans l'industrie agro-alimentaire pour se familiariser avec son sujet ? Et en effet c'est exactement ce qu'il a fait en ayant comme premier emploi un job de serveur à Long Beach, dans le café « Mile High and Red Hot » (Glace et hot-dog). Cet intérêt pour les objets du quotidien, confondus ensuite avec ceux de la culture de masse, associa son nom au mouvement du Pop-Art. Cependant, une fois réduit le tapage médiatique autour du pape du pop art (Andy Warhol), on remarqua - non sans stupeur - que les œuvres de Wayne Thiebaud, effectuées dans les années 50 et 60 étaient légèrement antérieures à celles des autres artistes de cette tendance... de là à lui attribuer une influence définitive comme précurseur de ce mouvement, il n'y avait qu'un pas qui, aujourd'hui, est franchi avec justesse.
Outre les pâtisseries, Wayne Thiebaud a également peint des paysages, des rues, ainsi que des personnages populaires, comme Mickey. Certaines de ses toiles récentes, comme Sunset street (1985) ou Flatland river (1997) sont remarquables pour le traité hyper réaliste, et se rapproche du travail d'un Edward Hopper, qui était tout aussi fasciné par ces scènes du quotidien américain.
Dans sa peinture, Wayne Thiebaud se concentre sur la banalité de façon à suggérer l'ironie et la distance vis-à-vis de son sujet. Wayne Thiebaud se considère comme un peintre, mais paradoxalement pas comme un artiste. C'est un lecteur vorace, qui a l'habitude de lire de la poésie, celle de son poète préféré William Carlos Williams par exemple, à ses élèves.
En septembre 2010, alors qu'il fêtait son 90e anniversaire, Wayne Thiebaud réalisa un dessin pour le 12e anniversaire de Google qui l'afficha sur sa page d'accueil. Le dessin était exécuté dans le style bien reconnaissable de Wayne Thiebaud, et montrait un gâteau sur lequel est écrit Google et où le "l" était remplacé par une bougie. Il est décédé à l'âge de 101 ans, en décembre 2021

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Tuomas von Boehm (1916-2000) - Nature morte Espagnole

Tuomas von Boehm (1916-2000)
Nature morte Espagnole, 1953
Huile et détrempe sur papier, carton joint,46 x 38 cm
Galerie Nationale de Finlande

Que voit on ? sur une entablement de bois assez sommaire une dissémination d'objets très disparates devantt évoquer l'Espagne : petit portrait d'un toréador, oignons en train de germer, coquilles Saint Jacques,  botijo (cruche espagnole à deux embouts,) castagnettes et autres réjouissances locales !

Rappel biographique : Tuomas Herbert von Boehm  est un artiste peintre finlandais considéré comme ayant appartenu au mouvement Surrealiste nordique.
En 1937-1938, il étudie à l'École de dessin de l'association des arts et, en 1945, il organise sa première exposition. En 1953-1956, il enseigne à l'Académie des beaux-arts d'Helsinki. Sa production artistique est prolifique.
Ses œuvres sont exposées à la galerie nationale de Finlande, au musée d'Art de Jyväskylä, au musée d'art d'Imatra entre autres.

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Vincent van Gogh (1853-1890) - Nature avec Fruits et Châtaignes

Vincent van Gogh (1853-1890), (attribué à...)
Nature avec fruits et châtaignes, c. 1885-86
Huile sur toile, 35,6 x 27 cm
Fine Arts Museums of San Francisco

Que voit on ?  Une nature morte à la composition sommaire, où l'on voit deux poires et une pomme sur un lit de châtaignes, le tout posé a même un sol terreux. La touche attribué à  Van Gogh  par les experts pourrait tout aussi bien être celle de Cézanne...

Rappel biographique : Au début du mois de mars 1886, Vincent van Gogh rejoint son frère Theo à Montmartre, avec l'envie de s'informer sur les nouveautés de la peinture impressionniste. À l'époque, Theo est gérant de la galerie montmartroise Boussod, Valadon & Cie. Seule la connaissance du milieu artistique parisien peut véritablement permettre à Van Gogh de renouveler et d'enrichir sa vision. Cette année-là est celle de la dernière exposition impressionniste que Vincent découvre, et en 1887 doit avoir lieu la première rétrospective de l’œuvre de Millet. Paris se prépare alors à accueillir plusieurs expositions : en plus du Salon, où sont exposées les œuvres de Puvis de Chavannes, Van Gogh visite les salles de la cinquième exposition internationale à la galerie Georges Petit, qui présente des toiles d'Auguste Renoir et de Claude Monet. Ces derniers n'avaient pas souhaité participer à la huitième et dernière exposition des impressionnistes, qui offrait le spectacle d'un groupe déchiré, entre les défections et les nouvelles arrivées, et ouvrait ses portes à la nouveauté du moment, le néo-impressionnisme, avec la toile de Georges Seurat, Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte. À Paris dans les années 1886-1887, Van Gogh fréquente un moment l’Académie du peintre Cormon, où il fait la connaissance de Henri de Toulouse-Lautrec, de Louis Anquetin, d’Émile Bernard ainsi que de John Peter Russell. Ce dernier réalise son portrait. Il rencontre également, par l’intermédiaire de son frère, presque tous les impressionnistes, en particulier Georges Seurat et Camille Pissarro, ainsi que Paul Gauguin. Dans la boutique du père Tanguy, il devient l'ami de Paul Signac. Sous l’influence des estampes japonaises, ses compositions acquièrent peu à peu davantage de liberté et d’aisance, tandis qu’il s’essaie à la technique de l’aplat coloré. Pissarro l’initie également aux théories nouvelles sur la lumière et au traitement divisionniste des tons. La palette de l'artiste s’enrichit alors de couleurs vives et sa touche s’anime et se fragmente, ceci grâce également à Signac avec qui il travaille en 1887. Exalté par la ferveur du climat artistique parisien, Van Gogh brûle les étapes de son renouvellement artistique grâce à la fréquentation des peintres les plus anticonformistes du moment : il s'essaye au néo-impressionnisme auprès de Signac et Pissarro, enquête sur les profondeurs psychologiques du portrait avec son ami Toulouse-Lautrec, est précocement informé de la synthèse du cloisonnisme par ses compagnons Louis Anquetin et Émile Bernard, et peut apprécier les toiles exotiques réalisées par Gauguin en Martinique. Régénéré par cette modernité, il est prêt à réaliser son rêve méditerranéen, à la recherche de la lumière aveuglante de la Provence, qui fait resplendir les couleurs pures de la nature, étudiées jusque-là dans sa collection d'estampes japonaises. C'est une période très fertile où son art s'oriente vers l'impressionnisme, mais l'absinthe et la fatigue aggravent son état mental. Le 19 février 1888, il quitte Paris....

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Pierre Roy (1881-1950) - Composition aux Poids et Mesures

Pierre Roy (1881-1950)
Composition aux Poids et Mesures, 1932-33
Huile sur toile, 92 x 60 cm
Collection privée (Christi'es)

Que voit on ?  Et des poids et des mesures dans cette nature morte, il y ne beaucoup plus que deux ! Tous y sont , de la plume d'oie au kilogramme en passant par le gramme, le litre, le décilitre, la pinte, le mètre de couturière, le mètre métallique, le fil à plomb... le tout posé dans un sorte de boite-cadre à la manière de Juan Sanchez Cotan mais sur un fond de paysage maritime.

Rappel biographique : « Pierre Roy est le plus grand méconnu du surréalisme » selon Louis Aragon et bien que la Revue de France l'ait affublé du titre de « père du surréalisme » , lui-même disant « détester les groupes et les appartenances » !!! Surréaliste ? Précisément sans doute !!! Car dès 1925, Pierre Roy participe à la première exposition des peintres surréalistes aux côtés de Giorgio De Chirico, Max Ernst, Pablo Picasso En 1926, il réalise sa première exposition particulière dont le catalogue est préfacé par Louis Aragon. En 1933, il est nommé pour cinq ans, peintre de la Marine. Il connaît le succès lors d'une exposition qui lui est consacrée à la Galerie des Beaux-Arts à paris en 1935. Il expose à l'Exposition universelle de 1937 et à la Galerie Montaigne en 1938 à Paris. Ces tableaux sont des mises en scène d'objets courants, représentés le plus fidèlement possible. Coquillages, légumes et fruits, bobines de laine, épis et graines, œufs, rubans sont assemblés, mélangés pour créer des scènes poétiques. En 1947, à un questionnaire du Museum of Modern Art de New York, il répond : « Je n'ai absolument, comme peintre, aucune philosophie. Quand je peins quoi que ce soit, je suis tout entier au plaisir de peindre. Je n'ai pas la moindre intention de symbolisme. Mais très souvent, parfois longtemps après avoir achevé mon tableau, je prends conscience de ce qui m'a inspiré et de ce que ma toile signifie. » Pierre Roy réalisa aussi de nombreuses couvertures sous forme de nature mortes surréalistes pour le magazine Vogue, des affiches publicitaire ou encore des décors de théâtre.


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Pierre-Auguste Renoir (1841–1919) - Nature morte au bouquet

Pierre-Auguste Renoir,(1841–1919)
Nature morte au bouquet, 1871
Huile sur toile, 73.7 × 59.1 cm
The Audrey Jones Beck Building, Houston, Texas

Que voit on ? Posé sur un entablement recouvert d'un linge frangé, deux livres aux reliures anciennes, un bouquet de fleurs enrobé dans du papier, un vase chinois continuant un éventail et un plumeau d"herbes de la pampa. Dans le fond, une gravure sous verres reproduisant un toile hollandaise.

Rappel biographique : L'un des plus célèbres peintres français, Pierre-Auguste Renoir, membre éminent s'il en est du mouvement impressionniste a peint beaucoup de natures mortes, comme l'ensemble des impressionnistes d'ailleurs qui ont participé au renouveau de ce genre vieux de plus de 3000 ans. La dernière toile qu'il aurait voulut peindre serait une nature morte florale. Sur son lit de mort, Renoir aurait demandé une toile et des pinceaux pour peindre le bouquet de fleurs qui se trouvait sur le rebord de la fenêtre. En rendant pour la dernière fois ses pinceaux à l'infirmière, il aurait déclaré : « Je crois que je commence à y comprendre quelque chose ». Les mauvaises langues ajoutant généralement : " Il était temps ".

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Pablo Picasso (1881-1973) - Nature morte à la mandoline

 

Pablo Picasso (1881-1973)
Nature morte à la mandoline 1924
Huile sur toile 101 x 158 cm
National Gallery, Ireland 

Que voit on ?  Une scène de nuit.  Au premier plan, un plat de fruits, une bouteille de vin et une mandoline posée sur un entablement recouvert d'une nappe aux  volutes décoratives en forme de vague, allusion ludique probable au décor côtier où la scène fut peinte.  en effet Picasso passa l'été 1924 à Juan-les-Pins sur la Côte d'Azur. Ce tableau est le deuxième d'une série de grandes natures mortes cubistes qu'il a peintes durant son séjour. En arrière-plan, le feuillage se découpe sur de larges taches noires et bleues. 

Rappel biographique : le peintre espagnol Pablo Ruiz Picasso a commencé à peindre très tôt, au tournant du19e et du 20e siècle et n'a jamais cessé sa production, évaluée aujourd'hui a quelques 50.000 œuvres. Utilisant tous les supports pour son travail, il est considéré comme le fondateur du cubisme avec Georges Braque auquel son nom est lié surtout dans le domaine des natures mortes. Il est considéré comme l'un des plus importants artistes du 20e siècle tant par ses apports techniques et formels que par ses prises de positions politiques et que par l'immensité de sa production tous genres confondus.
A partir des années 1920 ses natures mortes seront très proches, sur la même ligne de conception " cubiste analytique " que celles de Georges Braque, dont il devient un temps l'intime avant de s'en séparer définitivement. Il y eut une connivence d'inspiration très rare entre ces deux peintres pendant une certaine période de leur vie et en particulier dans le domaine particulier du traitement de la nature morte.
Picasso peint beaucoup d'autres natures mortes après la Seconde guerre mondiale et hors de la période cubiste, mais ce n'est pas un genre qui tient une place aussi essentielle dans son œuvre que dans l'œuvre de Georges Braque.

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Maximilian Pfeiler (1656–1746 ) - Nature morte à la citrouille découpée et aux raisins

 

Maximilian Pfeiler (1656–1746)
Stillleben mit aufgeschnittenem Kürbis und Trauben, 1746
(Nature morte à la citrouille découpée et aux raisins), 1746
Huile sur toile, 58,5 x 48,5 cm
Collection privée (via Dorotheum)

 Que voit -on ?  Une composition caractéristique de cet artiste bohémien, qui devint l'un des peintres de natures mortes les plus célèbres de la première moitié du XVIIIe siècle à Rome, grâce notamment à l'élégance de ses dégradés de couleurs et à la précision de sa manière de reproduire dentelles, gouttes d'eau transparences et textures en général.
Rappel biographique : Par une curieuse ironie de l'histoire, la biographie de Maximilien Pfeiler, peintre allemand de l'abondance et du faste est très peu documentée ! En 1683 on trouve une première trace de lui comme membre de la Guilde des Peintres à Prague. Puis on le retrouve à Rome où il est actif de 1694 à 1721 uniquement. On sait cependant que tout ce que la Ville éternelle comptait de gens importants lui passa commandes de somptueuses compositions florales ou de natures mortes très extravagantes dont il était un spécialiste reconnu. On sait aussi qu'il fut l'élève de Christian Berentz par lequel il fut très influencé et qu'il collabora avec Francesco Trevisani et Michele Rocca. Bien que la postérité l'ait oublié, sa notoriété de son vivant devait être immense puisque l'on retrouvait ses compositions chez les amateurs d'art les plus éclairés de son temps, comme dans la collection du cardinal Fesch par exemple.

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Luigi Lucioni (1900-1988) - Blue Green Motif

 

 

Luigi Lucioni (1900-1988),
Blue Green Motif, 1969
Huile sur toile, 51 x 60,7 cm.
Collection privée.

Que voit on ? Trois vases en céramique vernissée de formes différentes 

Rappel biogaphique : Le peintre et graveur Luigi Lucioni est né à Malnate dans le nord de l'Italie. Au moment où sa famille a émigré aux États-Unis en 1911, il était déjà un excellent dessinateur. Quatre ans plus tard, il remporte un concours de design qui lui permet d’assister à Cooper Union. Il a ensuite fréquenté la National Academy of Design et a remporté une bourse de la Fondation Tiffany qui lui a permis de retourner en Italie pour étudier. À la suite de son séjour en Italie, son travail porte l'empreinte du style réaliste classique. Il est surtout connu pour ses portraits, ses paysages et ses natures mortes toutes d'une forte portée symbolique. Lucioni a maintenu des studios à New York et dans le Vermont (dont il a beaucoup peint les paysages). Il a remporté de nombreux prix, dont le premier prix à l'exposition internationale Carnegie (1939) et à la biennale Corcoran. Il était membre de la Society of American Etchers et de la Allied Art Association et enseignait le portrait à la Art Students League de New York.
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Margaret Preston (1875-1963) - Australian Gum Blossom

Margaret Preston 1875-1963)
Australian Gum Blossom 1929.
Oil on canvas, 46.5 x 46.0 cm
Private collection

Que voit on ? Les fleurs décrites ici sont des  Corymbia ficifolia, issues d'un arbre originaire d'une petite zone de la côte sud de l'Australie occidentale, mais qui ont essaimé au cours des siècles dans les zones tropicales et subtropicales du monde entier. Outre ses qualités esthétiques, la composition de Preston met en évidence son intérêt pour les mathématiques à travers les  détails méticuleusement rendus de leur "géométrie complexe". Dressées dans un vase en céramique ,peut-être fabriqué par son amie proche Glady Reynell, les fleurs rouges rayonnent littéralement du haut en bas de la composition, mises en valeur par l'angle aigu que forme le  plateau en miroir et le vide derrière lui ,tous deux peints en noir et blanc.

Rappel biographique : Margaret Preston est une figure majeure de la peinture australienne du 20e siècle. Avec Grace Cossington, elle introduisit le mouvement moderniste en Australie dès le début du 20e siècle. A la tête de ce qui constituait alors une véritable avant-garde artistique dans l'hémisphère sud, Margaret Preston fut parmi la première artiste australienne que l'art aborigène influença notablement. Elle est connue pour ses peintures de la flore et de la faune autochtone australienne dont cette nature morte est un exemple. Avant son mariage, pour des raisons principalement financières, elle fit une carrière de pédagogue privée dans le domaine de l’art. Plus tard elle enseigna dans le public, à la fois au Collège Saint-Pierre et au Collège Presbyterian Ladies, à Adelaïde. Parmi ses élèves, on peut citer des artistes aussi remarquables que Bessie Davidson, Gladys Reynell ou Stella Bowen.

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Josef Sudek (1896-1976) - Rose in glass beaker

Josef Sudek (1896-1976)
Rose in glass beaker, 1950
Photography 23.8 x 17.8 cm.
Howard Greenberg Gallery, New York

 Que voit on  ? Une rose plongée dans un vase tube et dont seul le bouton floral surnage. Sudek a très souvent abordé ce thème dans ses natures mortes photographiques avec des variations soit lans la  faille du verre soit dans  la position de la rose en gardant comme constante le degré de maturité de la fleur, toujours présentée en bouton à peine ouvert et jamais en couleurs.

Rappel Biographique : Josef Sudek est un photographe tchèque. Son père (peintre en bâtiment) meurt alors que le futur photographe a trois ans. À l'âge de quatorze ans, il part à Prague pour un apprentissage où il apprend la reliure. Il photographie en amateur dès 1913. Il accomplit son service militaire à Kadaň en 1915 et part ensuite pour le front italien armé de son appareil photographique. Il revient amputé du bras droit à cause d'une grenade, il devient alors photographe après avoir étudié la photographie pendant deux ans à Prague à l'école des arts graphiques de 1922 à 1923 avec Jaromir Funke. Sa pension d'invalidité lui laisse la possibilité de se consacrer à la photographie d'art et dans les années 1920 il travaille dans un style pictorialiste. En 1924, poussé par un club de photographie local, il devient le cocréateur de la Société Photographique de Prague. En 1927 il lance son propre studio1. Il photographie les mutilés de guerre, la restauration de la cathédrale Saint-Guy de Prague et voyage deux mois en Italie. De 1927 à 1936, il réalise des portraits, des reportages et des paysages pour la maison d'édition Dp (Družstevní práce) dans les locaux de laquelle il organise sa première exposition personnelle en 1932. Il expose ensuite à plusieurs reprises à Prague. En 1933, il prend part à l'exposition La photographie sociale. À partir de 1940, il adopte l'appareil grand format (30x40 cm), utilise la caméra panoramique Kodak (1894, 10 x 30 cm). Durant la Seconde Guerre mondiale et après, Sudek créa des paysages de nuit de Prague, photographia les paysages boisés de Bohème et la fenêtre en verre qui menait à son jardin (les fameuses séries La fenêtre de mon atelier). Il poursuivit en photographiant l'intérieur encombré de son studio (les séries Labyrinths). En 1954, il obtient le Prix de la ville de Prague et en 1961, le titre d'artiste émérite par le gouvernement tchèque. Il sera exposé à l'Ouest, pour la première fois, en 1974, à la George Eastman House, et publiera seize ouvrages au cours de sa vie. Appelé le "poète de Prague", Sudek resta célibataire et fut une personne timide et solitaire : il n'apparut jamais aux vernissages de ses expositions et peu de gens figurent dans ses photos. D'autre part, en dépit des privations de la guerre et du communisme, il constitua une discothèque privé très renommée d'enregistrements de musique classique.

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Oriental Poppies

Georgia O'Keeffe (1887-1986)
Oriental Poppies, 1927
Oil on canvas, 76.2 x 101.9 cm.
University of Minnesota Art Museum, Minneapolis

 Que voit on ? Deux fleurs de  pavots  à la fois côte à côte et dos à dos, comme si l'épanouissement de  l'une venait empêcher celui de l'autre. 

Rappel biographique : L'artiste américaine Georgia O' Keeffe est considérée comme une des peintres modernistes majeures du 20e siècle. L'art de Georgia O'Keeffe est basé sur une observation minutieuse de la nature et sur sa volonté de peindre ce qu'elle ressent plus que ce qu'elle voit. Elle demeurera à l'écart des courants, suivant sa propre voie. Ses gros plans de fleurs, qui caractérisent une bonne partie de sa production, révèlent son sens aigu de l'observation. Le format de ses toiles, les couleurs et les nuances rendent la majeure partie de ses tableaux pratiquement abstraits. À sa mort, Georgia O'Keeffe a laissé environ 900 tableaux dont finalement très peu de natures mortes, qui est pourtant un genre auquel elle est régulièrement revenue tout au long de sa carrière et qu'elle a abondamment illustré. Une retrospective est consacrée aàson œuvre au Centre Pompidou à Paris en Septembre 2021
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Georges Rohner (1913-2000) - Le Littérateur

Georges Rohner (1913-2000)
Le Littérateur, 1968
Huile sur toile 97 x 146 cm
Collection particulière.

Que voit-on ?  De loin on pourrait penser avoir vu une composition de Mondrian. De près, cet amoncellement (un procédé habituel de ce peintre) de journaux et livres dont deux sont ouverts en forme de grosses moustaches ne laissent aucun doute sur la nature livresque (et masculine: la pipe, le verre de Cognac) de cette nature morte qui renoue au 20e siècle avec la  grande tradition  des natures mortes livresques des 16e et 17e siècle. 

Rappel biographique : Georges Rohner quitte le lycée dès l'âge de 16 ans pour se présenter à l’École des beaux-arts de Parisen en 1929. Sous l'impulsion du critique Henri Hérault, il s'associe à Robert Humblot, Jannot, Lasne, le canadien Alfred Pellant, Pierre Tal-Coat et Raymond Moisset pour fonder le mouvement « Forces nouvelles » qui prône le retour au dessin, au métier consciencieux de la tradition dans un contact fervent avec la nature. En 1932, son envie d’indépendance le pousse à quitter les Beaux-Arts et à louer un atelier avec Robert Humblot.
Il voyage en Espagne ainsi qu'aux Pays-Bas, où il découvre la ville d'Amsterdam. Au cours de son service militaire en Guadeloupe, il décore l’hôtel de ville de Basse-Terre. En 1940, il est fait prisonnier et interné à Trèves. Il y décore la chapelle du stalag dont il conservera Le Christ aux prisonniers.
En 1959, il est nommé chargé de cours à l'École des beaux-arts et décoré de la Légion d'honneur. Il poursuit sa carrière comme professeur de dessin et couleurs à l'École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris en 1962. En 1963 il est décoré de l'ordre des Arts et des Lettres. En 1968, Rohner est élu à l'Académie des beaux-arts où il occupe le fauteuil d’Ingres. En 1987, une rétrospective est organisée au musée des beaux-arts de Quimper.
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Édouard Vuillard (1868-1940) - Nature morte à l'assiette

Édouard Vuillard (1868-1940)
Nature morte à l'assiette c. 1919-20
Dessin au crayon noir et crayons de couleurs, 9,5 x13cm
Collection particulière

Que voit on ? Ce que décrit le titre. une assiette en porcelaine sans doute d'origine chinoise et soit des fruits  soit des gâteaux assez difficiles à identifier. Un petit croquis gourmand à déguster sans modération.

Rappel biographique : Jean-Édouard Vuillard, connu pour être le fondateur du mouvement Nabis, a peint aussi bien des portraits que des intérieurs, des natures mortes, des compositions murales et des décors de théâtre. Vuillard exposa pour la première fois au Salon des Indépendants en 1901 et au Salon dAutomne en 1903. C'est dans le années 1890 qu'il fit la connaissance des frères Alexandre et Thadée Natanson, les fondateurs de la Revue Blanche, et en 1892, sous leur conseil, il fit ses premières décorations (fresques d'appartements) pour la maison de Madame Desmarais. Plus tard il reçut de nombreuses commandes semblables. En 1895 pour Alexandre Natanson, en 1898 pour Claude Anet, en 1908 pour Bernstein et en 1913 pour Bernheim et pour le Théâtre des Champs Elysées. Les dernières commandes qu'il reçut datent de 1937 (Palais de Chaillot à Paris, avec Bonnard) et de 1939 (Palais des Nations à Genève, avec Maurice Denis, Roussel et Roger Chastel).

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Andy Warhol (1928-1987) - Still-life

Andy Warhol (1928-1987)
Still-life
Polaroid exhibition 6 (1977-1983), 62 x 62 mm

Que voit-on ?  Un rasoir mécanique ouvert et photographié par le procédé Polaroid ® dont le propre est de perdre assez rapidement ses coloris au fil des années. Media très éphémère, tous les polaroids encadré d'un rebord blanc, ont la même dimension à savoir  62 x 62 mm. L'objet du quotidien photographié par Warhol avec ce Polaroïd ® n'était pas seulement utilisé pour le rasage quotidien ou par les coiffeurs mais aussi par de nombreux criminels pour trancher la gorge de leurs ennemis. Ces trois significations sont crument et violemment contenus dans cette nature morte.

Rappel biographique : On ne présente plus l'artiste américain Andy Warhol, pape du Pop art, (Pope of the pop), sujet de multiples expositions, livres, et films avant et depuis sa mort... Warhol est généralement reconnu comme l'un des très grands artistes du 20e siècle. Avec lui la nature morte peut prendre toutes les formes humoristiques imaginables (et même inimaginables!) des célèbres boîtes de Campbell soup à des oeufs en forme de pastilles colorées (déjà publiés dans ce blog), en passant par des trèfles à 4 feuilles traitées façon capucines et vendus en rouleaux de papier peint. Warhol iconoclaste adoré de son vivant par les grands de ce monde, les élites intellectuelles, les stars d'Hollywood et les riches aristocrates anglos saxons qu'il aimait malmené, était en fait un puritain, très religieux et assez " coincé "...
Tout commence pour lui au début des années 1960, lorsque publicitaire déjà reconnu, il utilise dans ses dessins une technique directe sur du papier hydrofuge et repasse les contours avec de l'encre encore humide sur des feuilles de papier absorbant, en adoptant le vieux principe du buvard. Bien qu'à cette époque, beaucoup d'artistes soient illustrateurs publicitaires pour des entreprises, tous le font discrètement. Pour Warhol, c'est le contraire : il est tellement connu en tant que publicitaire que son travail artistique n'est pas pris au sérieux. Il présente dans une galerie quelques-unes de ses œuvres, mais c'est un échec. Reconsidérant alors son travail alimentaire et son travail de peintre, plutôt que de les opposer, il pense à les réunir. Il a l'idée d'élever les images de la culture populaire au rang de l'art élitiste, rejoignant ainsi les artistes du pop art, mouvement lancé à Londres au milieu des années 1950 par Richard Hamilton et Eduardo Paolozzi, qui l'expérimentent indépendamment les uns des autres. Si Roy Lichtenstein et Jasper Johns en sont les pionniers, Andy Warhol en sera véritablement le pape.
En 1963, il adopte la technique qu'il utilisera pour ses œuvres les plus célèbres : la photographie sérigraphiée sur toile.
Les photographies simplifiées en noir et blanc, sans gris, sont imprimées en sérigraphie sur la toile peinte de grands aplats de couleurs. Le motif est parfois reproduit plusieurs fois sur la toile, comme un motif de papier peint. C'est le stéréotype du pop art.
Ses motifs de prédilection sont des noms célèbres de marques déposées, le symbole du dollar, les visages de célébrités...
Le thème des Comics, qui avait d'abord intéressé l'artiste, était déjà largement exploité par le peintre Roy Lichtenstein qui en avait fait sa marque de fabrique. Jasper Johns avait choisi la typographie. Pour se démarquer, Warhol comprit qu'il devait lui aussi trouver sa marque. Ses amis lui ayant conseillé de peindre ce qu'il aimait le plus, il choisit de représenter les conserves de Campbell's Soup, pour sa première exposition majeure. Les boîtes de Campbell's Soup ouvertes ou neuves, rouillées, aux étiquettes déchirées, uniques ou multipliées, en séries, en damiers, seront le thème récurrent de Warhol. Pour lui, l'image, son pouvoir au sein de la société de consommation est en lien avec la mort. La répétition de la figure se rapporte souvent à son extinction. Le choix des sujets est en rapport avec cette obsession de la mort, y compris pour les toiles célèbres sérigraphiées de Marilyn Monroe (peintes après sa mort, notamment les Diptyque Marylin) ou de Liz Taylor (peinte alors que l'actrice était gravement malade), icônes reproductibles à l'infini qui deviennent des images de consommation.
Dans les dernières années de son œuvre, Warhol presque peintre officiel, appliquera son style à de nombreux portraits de commande, tout en continuant à expérimenter d'autres techniques picturales dans ses séries Shadows, Oxydation paintings, et ses reprises de toiles de Botticelli ou de Léonard de Vinci.

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Alexandre-François Desportes (1661-1743) - Des pêches, des prunes et deux bécasses

Alexandre-François Desportes (1661-1743)
Des pêches, de prunes et deux bécasses
Musée des beaux arts de Lyon

 Que voit on ?  Titre explicite qui fait sourire aujourd 'hui mais qui n'avait pas encore ce contenu ironique à l'époque de Desportes. Peintre du roi, de grande notoriété et réputation,  Desportes peignit plusieurs tableaux avec ces éléments et il est très difficile de ne pas faire de  confusions entre eux d'autant que beaucoup sont conservés das le même  (magnifique) musée lyonnai...

Rappel biographique : Issu d’une famille modeste, Alexandre-François Desportes à ne pas confondre avec Nicolas Desportes ou Jean Desportes, deux autres peintres de nature mortes ayant vécu à la même époque) était destiné à être paysan mais, à la suite d’une longue période de convalescence, il s’initia au dessin et acquit peu à peu une grande maitrise de cette technique. Il devint l’élève de Nicasius Bernaerts d'origine flamande, alors membre de l’Académie royale et spécialisé dans la peinture animalière et de Frans Snyders, il s’est largement imprégné de la tradition flamande. Au cours de ses premières années, il découvrit ainsi la peinture flamande dont il va subir l’influence tout au long de sa carrière. A la mort de Bernaerts, Desportes ne se fia plus qu’à la nature. En 1695-1696, il fut nommé portraitiste à la cour de Pologne avant d’être rappelé en France où il abandonna le genre du portrait pour se consacrer presque exclusivement à la peinture animalière. Reçu à l’Académie royale en 1699, il participa à la décoration de la ménagerie de Versailles. Outre la peinture animalière, Alexandre-François Desportes se distingua aussi par ses natures mortes où il excella véritablement. On y perçoit l’approche réaliste flamande qui se traduit aussi bien dans les fonds de paysage que dans le rendu riche et méticuleux des matières alliée à une délicatesse alors réputée être très française.

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Alexander Osmerkin (1892-1953) - Nature morte aux Grenades

Alexander Osmerkin (1892-1953),
Nature morte aux Grenades
Papier, aquarelle, stylo, gouache, 51 x 72 cm
Collection privée

Que voit on ?  Indéniablement une variation (somptueuse!) sur  toutes les nuances de rouges possibles  dont les grenades ne sont qu'un élément isolé parmi d'autres comme les poivrons, les aubergines et le vin.

 Rappel Biographique : Alexander Alexandrovich Osmerkin (Александр Александрович Осмеркин) était un peintre russe, graphiste, décorateur de théâtre et professeur d'art . Il était membre du groupe d' avant-garde Knave of Diamonds , AKhRR, et des groupes de la Society of Moscow Artists (OMKh). A partir de 1932, il fut membre de l' Union des artistes de Leningrad. Alexander Osmerkin a créé plus de 700 œuvres d'art dans des divers genres. En tant qu'artiste ayant participé à l'Avant Garde Russe, ses peintures et ses dessins se trouvent à la Galerie Tretiakov et au Musée des Beaux-Arts de Moscou, ainsi qu'au Musée national russe à Saint-Pétersbourg et dans de nombreux autres musées du monde, y compris dans des collections privées.

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Alberto Morrocco (1917–1998) - Still life with a slice of watermelon

 

Alberto Morrocco (1917–1998)
Still life with a slice of watermelon, 1996
Collection privée 

 

Que voit on ? Une explosion de couleurs  pour une thématique très classique. Seuls éléments détonants : la carreau  isolé et la pomme verte sur un tissu rayé noir et blanc. 

Rappel Biographique : Alberto Morrocco était un artiste et enseignant écossais, surtout connu pour ses scènes de plage et ses vues de Venise bien qu'il ait aussi peint de très beaux paysages d'Écosse, des natures mortes, des portraits et des intérieurs. Il a étudié à l'école d'art de Gray sous la direction de Robert Sivell entre 1932 et 1938.
Dans les années 1920 et 1930, Braque et Picasso ont eu une immense influence sur son oeuvre, une influence qui se prolongera tout au long de sa vie. Prisonnier pendant la Seconde Guerre mondiale,
Morrocco fut extraordinairement productif et surtout à la fin de sa vie, produisant certains de ses oeuvres les plus fortes entre1982 à sa mort. Même tard dans sa vie et gravement malade, il s'engagerait à exposer 30 à 40 nouvelles œuvres par an !

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Ben Nicholson (1894-1982) - French Still Life

 

Ben Nicholson (1894-1982)
French Still Life
Huile sur toile, 1933
Tate London

Que voit on ?  Un nature morte cubiste hommage à peine déguisée à celles que peignaient à la même époque, en France, entre autres, Georges Braque, Juan Gris et Pablo Picasso.

Rappel biographique : Le peintre britannique Ben Nicholson est connu pour être un des promoteurs de l'abstraction dans son pays. d'abord influencé par les cubistes. Au tournant des années 1928-30, son travail va progressivement évoluer du cubisme vers une abstraction géométrique proche de celle de Mondrian qu'il rencontre à Paris. Lauréat du premier prix Guggenheim en 1956, ses œuvres sont exposées dans les collections de la Tate Gallery de Londres.

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