Claude Monet (1840-1926) - Nature morte au quartier de viande

Claude Monet (1840 1926) 
Nature morte au quartier de viande, 1864,
Musée d’Orsay, Paris.

Que voit on  ? Pas très végétarien ce Monet là et pas du tout politiquement correct... mais il appartient à un époque où un bon quartier de viande se devait de figurer en bonne place sur l'étale du boucher ou sur la table de l'office. Ainsi Monet, qui a peint admirablement les fruits et les fleurs, ne dédaignait-il  pas en " bon vivant"  qu'il était, comme Manet, Renoir ou Caillebotte, le jambon, le quartier de viande ou même la tête de veau ravigotte !

Rappel biographique : le peintre français  Claude Monet,  l'un des fondateurs de l'impressionnisme, est surtout connu pour ses paysages et ses portraits.  " La couleur, disait-il " est mon obsession quotidienne, ma joie et mon tourment ".   Claude Monet est l’un des fondateurs de l'impressionnisme. En 1859, il part à Paris tenter sa chance sur le conseil d'Eugène Boudin. Après des cours à l'académie Suisse puis chez Charles Gleyre et la rencontre de Johan Barthold Jongkind, le tout entrecoupé par le service militaire en Algérie, Monet se fait remarquer pour ses peintures de la baie d'Honfleur. En 1866, il connait le succès au Salon de la peinture. Toute cette période est cependant marquée par une grande précarité. Il fuit ensuite la  guerre de 1870  à Londres puis aux Pays-Bas. Dans la capitale anglaise, il fait la rencontre du marchand d'art Paul Durand-Ruel qui lui assurera sa principale source de revenu pendant le reste de sa carrière. Revenu en France, la première exposition des futurs impressionnistes a lieu en 1874. À partir de 1890, Monet se consacre à des séries de peintures, c'est-à-dire qu'il peint le même motif à différentes heures de la journée, à diverses saisons. Il peint alors parfois des dizaines de toiles en parallèle, changeant en fonction de l'effet présent. La fin de sa vie est marquée  par une maladie, la  cataracte, qui affecte son travail.
Monet peint devant le modèle sur l'intégralité de sa toile dès les premières ébauches, il retouche ensuite de nombreuses fois jusqu'à ce que le résultat le satisfasse. Contrairement à ce qu'il affirme, il termine la plupart de ses toiles en atelier, prenant modèle sur les premières peintures d'une série pour peindre les autres. D'un caractère parfois difficile, prompt à la colère comme au découragement, Claude Monet était un grand travailleur qui n'hésitait pas à défier la météo pour pratiquer sa passion. Monet résume sa vie ainsi de la meilleure manière : « Qu'y a-t-il à dire de moi ? Que peut-il y avoir à dire, je vous le demande, d'un homme que rien au monde n'intéresse que sa peinture - et aussi son jardin et ses fleurs ».

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David Hockney (bn. 1937) - Nature morte à la chaise

 

David Hockney (bn. 1937) 
Nature morte à la chaise 
Collection privée 

David Hockney, est un peintre, dessinateur, graveur, décorateur et photographe britannique, né en 1937 dans une famille anglaise modeste, quatrième enfant d’une fratrie de cinq. Son père ayant été un objecteur de conscience pendant la seconde guerre mondiale, David Hockney a refusé de faire son service militaire entre 1957 et 1959. Après des études au Royal College of Art de Londres, il en sort diplômé en 1962.
Il commence sa carrière comme dessinateur de presse pour le Sunday Times, au cours d’un voyage en Egypte. En 1964, il découvre la Californie, les polaroids, la peinture acrylique, les belles villas et leur piscine qui deviennent un des motifs principaux de ses œuvres. Eloigné des courants les plus-avant-gardistes, Hockney pratique un art figuratif presque expressionniste où se mêlent portraits, photographies et videos. En 1963, à New York, il rencontre Andy Warhol qui lui rendra plus tard plusieurs fois visites à Los Angeles. La légende veut que ce soit Warhol qui ait conseillé à Hockney de faire sa célèbre série sur les piscines. Homosexuel parmi les premiers à se revendiquer comme tel, David Hockney revient vivre à Londres en 1968 et prend pour compagnon le réalisateur John Schlesinger, auteur notamment de Midnight Cow Boy (1969) ou Sunday Bloody Sunday (1971), autant de films militant ouvertement pour les droits des homosexuels dans une Angleterre qui assimile toujours en justice l'homosexualité à un crime. En 1973, Jack Hazan réalise un documentaire-fiction qui lui est consacré intitulé "A Bigger Splash" qui assoit sa notoriété internationale naissante (le film est primé au Festival international du film de Locarno) Entre 1974 et 1977, David Hockney s'installe à Paris où son travail tourne un peu en rond, avant de repartir en Californie en 1978. En 1974, le Musée des Arts Décoratifs de Paris organise sa première rétrospective David Hockney. Il est considéré désormais comme une des figures du mouvement Pop Art des années 1960 et à ce titre, s'intéressa à peu près à tous les genres picturaux, bien qu'ayant développé, surtout ces dernières années, une prédilection pour les paysages. Il a cependant peint beaucoup de nature mortes (surtout dans les années 1980) toujours traitée à sa façon, c'est à dire de manière décalée, anecdotique et toujours avec un indéniable talent de coloriste.
En 2010, il expose à Paris, à la Fondation Pierre Bergé - Yves Saint-Laurent, ses œuvres réalisées sur iPhone et iPad, il met aussi en avant la possibilité de rediffuser le processus créatif, à travers des logiciels déclarant « La seule expérience semblable est celle où l’on voit Picasso dessiner sur du verre pour un film » (en référence au film « Le Mystère Picasso » d'Henri-Georges Clouzot).
Le 2 janvier 2012, il a été nommé par la reine Elizabeth II, membre de l’Ordre du mérite britannique. Une grande exposition s'est ouverte le 23 janvier 2012 à la Royal Academy de Londres et au Musée Guggenheim de Bilbao où elle restée en place pendant tout l'été 2012 et a connu un immense succès.
Depuis 2019, David Hockney a choisi de vivre une grande partie de l'année en France, en Normandie pour être précis, dont il dit préférer la nature variée à celle de l'Angleterre.

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Mikhaïl Larionov (1881-1964) - Nature morte à la théière

Mikhaïl Larionov (1881-1964) 
Nature morte à la théière
Collection privée  

Mikhaïl Fiodorovitch Larionov ( Михаил Фёдорович Ларионов) dit Michel Larionov, est un peintre et décorateur russe naturalisé français. Michel Larionov a étudié а l’Ecole de peinture de Moscou. Passant rapidement de l'impressionnisme au fauvisme, il est l'un des tous premiers animateurs de l'Avant-garde en Russie. Il se lie avec Kasimir Malevitch, a pour élève Vladimir Tatline et fonde, en 1910, le groupement du Valet de Carreau puis, en 1912 après une dispute avec David Bourliouk, la Queue d'Ane. Il épouse Nathalie Gontcharova, avec qui il élabore, dès 1909-1910, les fondements du Rayonnisme (une variante de l'art abstrait dont Guillaume Apollinaire rédigera le catalogue d'exposition à Paris en 1914 ). Très enclin à créer des mouvements et des groupes, Larionov crée l'année suivante le mouvement du Toutisme avec Mikhail Le Dentu et le poète Ilia Zdanevitch. Il expose au Salon des indépendants à Paris, en même temps que Nathalie Gontcharova et l'artiste peintre Alexandra Exter, grâce à l'appui des époux Sonia et Robert Delaunay. En 1914, il s'installe à Paris, se consacrant aux décors pour les Ballets russes de Serge de Diaghilev, qu'il réalise entre 1915 et 1922. Il ne retourne plus dans son pays natal après la révolution bolchévique de 1917 et est naturalisé français dans les années 20. Il meurt en France en 1964 dans l'oubli le plus total. Son œuvre est aujourd'hui dans beaucoup de grands musées russes et au Musée du Petit Palais à Genève. 

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Milton Avery (1885-1965) - Carrots and Fancy Vase

Milton Avery (1885-1965),
Carrots and Fancy Vase, c.1929- 
Oil on canvas laid on board, 45.7 x 76.2 cm.
Collection Privée 

Milton Clark Avery est un artiste peintre américain de figures, portraits, animaux, intérieurs, paysages et quelques rares natures mortes. S'il existe un lien entre le monde de la peinture traditionnelle américaine du début du 20e siècle et de celui de l'expressionnisme abstrait autour de 1945, c'est bien Milton Avery qui l'a créé. On ne lui connait aucune formation particulière, sinon en 1913 un cours de dessin d'après nature donné par Charles Noël Flagg à la Connecticut League of Art à Hartford. En 1925, il épouse Sally Michel, également peintre, dont on retrouve l'image dans les nombreux portraits exécutés par son époux. Sa première exposition personnelle a lieu en 1928, elle est suivie d'autres à partir de 1940.

Après la période Fauve de ses débuts, qui lui a permis de jouer avec de riches couleurs, il atténue sa palette et simplifie ses compositions qui tendent vers un dépouillement de plus en plus grand. Ses sujets restent simples tels que Rothko les définit. C'est dans un style presque Intimiste - Avery peignant son atelier, sa femme Sally, sa fille March, Central Park, les plages et montagnes où il passait l'été, des vaches, des poissons, des vols d'oiseaux, ses amis réunis dans son atelier...- qu'il peint des œuvres aux formes simplifiées, aux plans colorés, découpés, dans un espace à deux dimensions, évoquant l'art de Matisse. Toutefois, ses peintures ne sont jamais brillantes quoique très riches. Il maîtrise fort bien ses rapports de couleurs dont les contours peuvent être parfois fluides, créant une sorte d'osmose entre elles. L'art de Milton Avery rejoint ainsi, peu à peu l'abstraction expressionniste de Rothko et de Adolph Gottlieb. Ensemble, ils ont participé à de longues conversations hebdomadaires qui ont facilité la naissance de la peinture abstraite américaine d'après guerre et plus particulièrement de l'Ecole de New York.

Une grande rétrospective lui a été consacrée en 1952 au Baltimore Museum, puis à la Fondation Ford et au Whitney Museum en 1960. Une autre rétrospective posthume fut présentée à Lincoln puis à Little Rock en 1966, puis deux autres encore en 1983, à la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo et au Minneapolis Institute of Arts.

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Oscar Dominguez (1906-1957) - Nature morte à la lampe à pétrole

Oscar Dominguez (1906-1957) 
Nature morte à la lampe à pétrole 
Collection Privée

 Rappel biographique : Óscar Domínguez est un peintre surréaliste espagnol qui a fait l'essentiel de sa carrière à Paris dans le groupe des Surréalistes. Il vient à Paris pour la première fois en 1927, pour surveiller les affaires de son père, riche négociant agricole à Ténérife. Il en découvre la vie nocturne, dépensant l'argent familial. En 1928, il rentre à Tenerife pour effectuer son service militaire et commence à exposer. Revenu à Paris dès 1929, il doit à la mort de son père, en 1931, gagner sa vie en réalisant des illustrations pour la publicité.
Ses premières toiles surréalistes datent de 1932. Il est, en 1934, intégré au groupe parisien dans lequel il introduit, selon André Breton, « le sifflement ardent et parfumé des îles Canaries. » Domínguez participe jusqu'en 1940 aux expositions du groupe.
Sous l'Occupation, il séjourne à Marseille, à la villa Air Bel et travaille au fameux Croque fruit. Il rejoint fin 1941 son ami le poète Robert Rius à Paris et participe aux activités du groupe la Main à plume, dont il est l'un des principaux illustrateurs. Pendant cette période, il réalise sa première exposition personnelle à la galerie Louis Carré (1943) où il montre une œuvre marquée de plus en plus par l'influence de Picasso. Après la guerre, cette évolution picturale lui vaut d'être écarté par Breton.
Surnommé « le dragonnier des Canaries » par André Breton, « l'ours mal léché à la tête d'hidalgo gigantesque » par le photographe Brassaï, ou plus simplement « Putchie » par sa maîtresse la vicomtesse de Noailles, Domínguez, personnage extrême, mythique, pouvait se montrer violent. Provocateur, il avait présenté en décembre 1945, lors de la grande exposition « Surréalisme » de Bruxelles, une inscription murale géante :
« Je souhaite la mort de trente mille curés toutes les trois minutes. »
Óscar Domínguez se donne la mort en s'ouvrant les veines le 31 décembre 1957 dans son atelier de la rue Campagne-Première à Montparnasse. Avec lui disparaît le dernier peintre maudit de Montparnasse.

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Mela Muter (1886-1967) - Nature morte au hareng

Mela Muter (1886-1967)
Nature morte au hareng
Collection privée

Rappel biographique :  Mela Muter, pseudonyme de Maria Mélania Mutermilch, est une artiste-peintre française d'origine polonaise. En 1901, après une année de cours à l'école de dessin pour femmes de J. Kotarbinski, elle arrive à Paris et s’inscrit à l'Académie Colarossi puis à l'Académie de la Grande Chaumière. Elle expose régulièrement au Salon d'automne, au Salon des Tuileries et au Salon des Femmes Artistes Modernes dans les années 30. Parmi les artistes que fréquente Mela Muter figurent entre autres la peintre australienne Bessie Davidson (cofondatrice du Salon des Tuileries), et Kees van Dongen avec lesquels elle expose. Elle fait des expositions remarquées chez Druet, Billiet et à La Renaissance. А l'étranger, elle fait une grande exposition à Barcelone à la galerie Dalman, en Allemagne à la galerie Tannhauser et à Washington au Carnegie Institute. Elle brosse le portrait de ses amis : Clemenceau, Ravel, Satie, ainsi que de Rainer Maria Rilke, avec lequel elle a entretenu une liaison. Elle passa une partie de sa vie en Provence et notamment dans le petit village de Villeneuve-les-Avignon. Ses œuvres figurent dans les collections Bader, Paul Clemenceau et Arthur Fontaine.

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Felix Vallotton (1865-1925) - Ananas

 

Felix Vallotton (1865-1925) 
Ananas,1923 
Collection particulière 

Rappel biographique : Félix Vallotton, peintre d'origine suisse naturalisé français en 1900, est un artiste à cheval sur deux siècles, deux pays et plusieurs tendances esthétiques, des Nabis à la Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité). S'il est aujourd'hui moins connu en France qu'en Suisse, c'est pourtant à Paris, dans les années 1890, que ses gravures sur bois novatrices lui ont valu une renommée qui s'est rapidement étendue à l'Europe entière. Tout au long de sa vie le " Nabi étranger ", comme il était surnommé, s'est intéressé à une gamme étendue de sujets récurrents - intérieurs, toilettes, nus féminins, paysages, natures morte, rendus étranges par son style lisse et froid, aux couleurs raffinées, aux découpages et aux cadrages audacieux. Et bien qu'il ne fût pas toujours compris par la critique de son temps, Vallotton a su s'imposer comme une figure en vue de la scène artistique parisienne et trouver sa place dans le courant moderne, notamment en participant à de nombreuses manifestations internationales d'avant-garde devenues mythiques. C'est surtout à partir de 1910, que Félix Vallotton s’intéresse au genre de la nature morte et le transforme dans chacune de ces toiles.

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Maurice de Vlaminck (1876 - 1958) - Bouquet de fleurs dans un vase

Maurice de Vlaminck (1876-1958)
Bouquet de fleurs dans un vase, circa 1924-1925.
Collection privée 
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

Rappel biographique : Le peintre français  Maurice de Vlaminck s'est illustré dans les courants Fauviste et Cubiste. Peintre de figures, portraits, nus, paysages, paysages animés, paysages urbains, intérieurs, natures mortes, fleurs et fruits, peintre à la gouache, aquarelliste, graveur, dessinateur et illustrateur, il fut aussi écrivain et publia vingt-six livres, romans, essais et recueil de poèmes. Ses natures mortes quelquefois très inspirées de celles de Cézanne sont des explosions de couleurs et de formes qui font assez souvent de lui, un peintre abstrait avant la lettre.

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John Stewart (1919-2017 ) - The Quince Luberon

John Stewart (1919-2017) 
The Quince Luberon 2001 
Collection privée 

 

Rappel biographique : John Stewart est né à Londres en 1919 puis a été élevé à Paris. En 1951, sa rencontre avec Henri Cartier-Bresson, lors de l’inauguration de la Chapelle de Matisse à Vence marque  «l’instant décisif» de sa vie de photographe. Il se remettait alors de six années de guerre dans l’armée britannique, dont trois ans et demi dans des camps de prisonniers japonais en Thaïlande sur la Rivière Kwai.  II devait sa survie à l’apprentissage de la langue japonaise, qui lui permit d'acquérir le statut de prisonnier-interprète, moins pénible que celui de manœuvre. Son endurance morale, sa résilience, même se résume dans ce conseil :  " Quoique qu’il se passe, ne jamais perdre l’émerveillement d’être en vie et toujours rester en mesure de se dire, aujourd’hui j’ai vu ou senti ceci, que je n’aurais jamais pu connaître auparavant ".  Avant le milieu des années 50, fort de sa passion pour la photographie, il part s'installer à New York où il devient rapidement, aux côtés de Richard Avedon et d’Irving Penn, l’un des collaborateurs d’Alexey Brodovitch pour le prestigieux magazine de mode Harper’s Bazaar. Puis c'est la revue Fortune qui fait appel à lui et lui permet de photographier des personnalités aussi diverses qu'Andy Warhol ou Muhammnad Ali. Dans les années 50 toujours, à la demande de Diana Vreeland et d’Alex Liberman,  il travaille plusieurs années pour un autre grand magazine de mode, celui de de Condé Nast cette fois ci, Vogue, dont c'est véritablement dans ces années là, la période d'or.

Une deuxième aventure asiatique s'offre à lui quand on lui propose le poste de conseiller technique pour le film Le Pont sur la Rivière Kwai tourné au Sri Lanka. C’était le début de nombreux voyages en Asie – une année entière au Ladakh, la remontée de la Rivière Kwai et l’entrée en Birmanie avec les « guerilleros », deux mois dans une province du Tibet interdite aux étrangers, et en 1996 l’établissement d’une organisation caritative (ONG) avec Michèle Claudel au Cambodge.

En 1976, après 20 années de photographie de reportage, de mode et de publicité aux Etats-Unis et en France, John Stewart change de braquet et décide de développer un travail plus personnel.

De retour en France, tournant résolument le dos à la photographie en couleur qui fit sa réputation dans les magazines, il se passionne pour la nature morte et devient un maître du noir et blanc et des tirages d’art avec l’aide de la famille Fresson, dont la technique de tirage au charbon contribue largement au rendu unique de ses natures mortes. Le tirage au Charbon a été élaboré en 1890 par Michel Fresson. qui  utilisait, comme pigment, le pied de vigne calciné plutôt que les sels d’argent, base de toute la photographie jusqu’à l’arrivée du numérique.  Sa pratique requiert un long travail (trois jours pour sortir un tirage 60x80 cm), et une étroite collaboration entre le photographe et  le tireur pour arriver à un résultat d’une résonance et d’une richesse caractéristiques du “charbon”. Ces tirages qui ne sont pas sensibles aux rayons ultra-violets et qui sont stables en dépit de leur exposition au soleil, dépendent en revanche énormément du “coup de main” et des conditions météorologiques, si bien il est impossible d’obtenir une constance absolue. C'est ce qui rend chacun de ces tirages unique. A partir de ce moment là, pour John Stewart, les expositions se succèdent rapidement : la première à NewYork, la deuxième à la Bibliothèque Nationale de France à Paris, en 1976,  puis son travail est montré à Genève, Shanghai, Hong Kong, Londres...  Le Metropolitan Museum de New York à été le premier musée à lui acheter des tirages. Les oeuvres de John Stewart sont désormais exposées dans plus de 60 musées et galeries dans le monde. En 2004, Jan Krugier a présenté ses images à la FIAC et la Galerie Acte 2 a organisé une rétrospective de son œuvre en 2008. Il a également été exposé en 2009 à la Galerie Pia Pierre à Shanghaï, à la Galerie Binôme, au Art Fair de San Francisco, à Art Basel Miami et à Genève en 2010. La même année, la Gallery Tristan Hoare de Londres lui a organisé une rétrospective. Il a également exposé en 2014 à la Galerie Anne Clergue à Arles une série de " Véroniques" qui sont une référence directe à l'œuvre de Zurbaran.

 
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Meret Oppenheim (1913-1985) - Magoy bernante

 

Meret Oppenheim (1913-1985)
Magoy bernante (1936/1967) 
Server plateau metal, papier,14x33x21
Moderna Museet Stocklholm

Que voit-on ?   Deux escarpins retournés et ficellés comme une dinde, servie sur un plateau d'argent.Ce sont les deux papillotes à gigots placés aux bout du talon qui provoque l'analogie. 

Rappel biographique : Meret Elisabeth Oppenheim, est une écrivaine, artiste peintre, photographe et plasticienne suisse. Elle est membre du mouvement surréaliste à partir des années 1920 aux côtés d'André Breton, Luis Buñuel ou encore Max Ernst. Meret Oppenheim travaille avec divers matériaux dans le cadre du surréalisme. Elle s'empare de situations du quotidien, comme dans son œuvre Le déjeuner en fourrure, où le café devenu froid devient le sujet. Cette œuvre devient rapidement un modèle pour le mouvement du surréalisme. En 1997 est fondée la fondation Meret Oppenheim pour la promotion de son œuvre artistique.

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Jan Davidszoon de Heem (1606-1684) - Vase de fleurs

Jan Davidszoon de Heem (1606-1684)
Vase de fleurs, 1670 
Huile sur toile 74,2 cm x 52,6 cm 
Mauritshuis, La Hague, Pays-Bas 

 Rappel biographique : Le peintre hollandais Jan Davidszoon de Heem est un des membres d'une véritable dynastie de peintres, dont quelques uns spécialisés exclusivement dans les nature mortes. Ses premières œuvres sont dans le style de Balthasar van der Ast (1593/94-1657), son maître. Il travaille ensuite à Leyde et montre un style proche des toiles de Pieter Claesz (1595/97-1661) et de Willem Claeszoon Heda (1594-1680). En 1636 , il s'installe à Anvers dont il devient citoyen de la ville, ce qui signifie qu'il y a acquiert respectabilité pour son métier et fortune relative. Il est le fils du peintre David de Heem le vieux (1570 ?-1632 ?) et le père des peintres Cornelis de Heem (1631-1695) et Jan Jansz de Heem (1650-après 1695). On ne lui connait pas d'autres œuvres que des natures mortes, le plus souvent florales et dans la grande tradition de la Nature morte hollandaise. Celle-ci qui est composée uniquement de vieux livres aux reliures défectueuses ou inexistantes est une exception dans sa thématique habituelle, même si le message délivré est toujours le même : celui de la fragilité de l'existence humaine, de ses activités... et du savoir.

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 169 - Robert Mapplethorpe et sa nature morte...

Pierre Bonccompain (n" en 1938) - Mimosa sur nappe jaune

 

Pierre Bonccompain (né en 1938)
Mimosa sur nappe jaune 2024
Huile sur papier marouflé sur toile. 116 x 89cm
Kwai Fung Gallery, Hong Hong, Chine

Rappel biographique : Pierre Boncompain,  est un artiste peintre français né à Valence (Drôme. Après des études classiques au collège Saint Joseph d'Avignon où son premier acte d'artiste est de peindre à fresque le local des scouts, il s'installe à Paris, suit les cours de l'Académie Charpentier et entre major de sa promotion à l'Ecole nationale des arts décoratifs (1958)
Il rejoint l'atelier de Raymond Legueult à l'école nationale des Beaux-Arts.
Le critique d'art Georges Besson des Lettres françaises, ami de Bonnard et Matisse le remarque au salon de la jeune peinture du Musée d'Art Moderne et lui ouvre les portes de la galerie Guiot qui présente ses premières expositions. En 1977, il est envoyé en mission culturelle en Inde par le Ministère des Affaires Étrangères. De ce séjour il rapporte les batiks qui figureront dans ses natures-mortes. Il expose régulièrement en France et à l'étranger : Japon, Chine, États-Unis.
En 2000, il réalise une peinture murale à la Foundation Johnson and Johnson, Ground's for Sculpture à Hamilton, New Jersey.
En 2002, le Musée des beaux-arts de Shanghai lui consacre une rétrospective. Il pratique indifféremment la peinture à l'huile et le pastel, illustre des ouvrages de bibliophilie, réalise un œuvre gravé d'environ trois cents lithographies, une trentaine de tapisseries tissées par l'Atelier 3 et une œuvre de céramiste à l'Atelier Sassi-Milici à Vallauris.
Il est citoyen d'honneur de la ville de Kobe (Japon).
En 2018 Pierre Boncompain fait donation à Montélimar-agglomération d'une centaine d'œuvres issues de son travail et de sa collection personnelle de dessins et de gravures. Cette donation fait l'objet d'une exposition de Renoir à Picasso, du 18 mai au 31 décembre 2018 au Musée d'art contemporain Saint-Martin et au Château des Adhémar, à Montélimar.

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John Frederick Peto (1854-1907) - Still Life with Mugs, Bottle and Pipe

John Frederick Peto (1854-1907)
Still Life with Mugs, Bottle and Pipe
Private Collection 

Rappel biographique : John Frederick Peto, est un peintre américain spécialisé dans le trompe-l'œil, mis pas uniquement puisqu'il a peint quantité d 'autres toiles qui n'optent pas pour ce procédé. Son œuvre a longtemps été oubliée et ses peintures furent redécouvertes parmi des œuvres de William Harnett, peintre totalement spécialisé dans les trompe-l'œil, avec lequel on l'a confondu pendant plusieurs décennies.
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Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779) - Nature morte Les Attributs de la musique militaire

 

Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779)
Nature morte Les Attributs de la musique militaire
Collection privée 

 
Rappel biographique : Jean-Baptiste-Siméon Chardin est considéré comme l'un des plus grands peintres français et européens du 18e siècle. Célèbre pour ses scènes de genre et ses pastels, il est aussi reconnu pour ses natures mortes dont il reste le maître incontesté. D'après les frères Goncourt, c'est Coypel qui en faisant appel à Chardin pour peindre un fusil dans un tableau de chasse, lui aurait donné le goût pour les natures mortes. A partir du Salon de 1748, Chardin expose de moins en moins de scène de genre, il multiplie désormais les natures mortes. Ce retour à ce type de peinture va durer une vingtaine d'années. Il est difficile de donner des raisons à ce changement de cap. On sait que pendant cette période la vie de Chardin est en pleine mutation. Il se remarie, il reçoit une pension du roi. Il est désormais à l'abri du besoin. Ces deux tableaux de réception à l'Académie Royale de peinture sont tous deux des natures mortes, La Raie et Le Buffet qui se trouvent aujourd'hui au Musée du Louvre. Chardin devient ainsi peintre académicien « dans le talent des animaux et des fruits », c'est-à-dire au niveau inférieur de la hiérarchie des genres alors reconnus. Et c'est sans aucun doute Chardin qui va lui donner ses lettres de noblesse et en faire un genre pictural égal, voire même supérieur à bien des égards, aux autres.
Les natures mortes qu'il peindra à partir de 1760 sont assez différentes des premières. Les sujets en sont très variés : gibier, fruits, bouquets de fleurs, pots, bocaux, verres... Chardin semble s'intéresser davantage aux volumes et à la composition qu'à un vérisme soucieux du détail, ou aux effets de trompe-l'œil. Les couleurs sont moins empâtées. Il est plus attentif aux reflets, à la lumière : il travaille parfois à trois tableaux à la fois devant les mêmes objets, pour capter la lumière du matin, du milieu de journée et de l'après-midi. On peut souvent parler d'impressionnisme avant la lettre.
Chardin cherchait à reproduire la matière, ces fruits semblent aussi vrais que nature, Diderot s'extasiait devant ce réalisme dans son compte-rendu du Salon de 1759 : " Vous prendriez les bouteilles par le goulot si vous aviez soif " ou encore en 1763, " C'est la nature même; les objets sont hors de la toile et d'une vérité à tromper les yeux. (...)
 Pour regarder les tableaux des autres, il semble que j'ai besoin de me faire les yeux ; pour voir ceux de Chardin, je n'ai qu'à regarder ce que la nature m'a donné et m'en bien servir ".
" O Chardin ! ce n'est pas du blanc, du rouge, du noir que tu broies sur ta palette: c'est la substance même des objets, c'est l'air et la lumière que tu prends à la pointe de ton pinceau et que tu attaches sur la toile ".

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Henri Le Sidaner (1862-1939) - Une petite table au crépuscule

Henri Le Sidaner (1862-1939)
Une petite table au crépuscule (1921) 
Musée d'Art Ōhara, Kurashiki, Japon

Rappel biographique : Le peintre français post impressionniste Henri Le Sidaner fut ami de Claude Monet et élève aux Beaux Arts de Paris de Cabanel qu'il soutint toute sa vie. C'est à partir de l'année 1900 qu'il se consacre à une peinture intimiste dont il exclut systématiquement toute figure humaine : jardins déserts, tables servies pour d'hypothétiques hôtes et présentant de magnifiques natures mortes (qui disent rarement leur nom,) campagnes solitaires expriment une vision silencieuse et paisible, nimbée de mystère. Son succès ne se démentira pas de son vivant. Dans la recherche de l'instant intime, de « l'arrêt sur image », les toiles que Le Sidaner peint à Gerberoy où il habite à partir de 1900, dépeignent une incomparable douceur de vivre en même temps qu'elles déclinent selon l'heure et la saison des accords chromatiques variés. A partir de l'été 1903 c'est le début des motifs d'intérieur à la fenêtre ouverte et des tables de jardin, des crépuscules... À l'aide d'un soigneux arrangement de nature morte, le peintre décline harmonieusement la sensation du « temps qui s'arrête ». C'est ce qui lui a souvent valu d'être comparé à Marcel Proust dans le domaine de la littérature.

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2025- Une collection de natures mortes
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Jacek Sienicki (1928 - 2000) - Still life

Jacek Sienicki (1928 - 2000) 
Still life 1999.

Rappel biographique : Jacek Sienicki est un peintre et enseignant polonais diplômé de la Haute Ecole d'Etude Artistiques de Varsovie. Dans les années 1948-1954, il a étudié à l' Académie des Beaux-Arts de Varsovie dans l'atelier d' Artur Nacht-Samborski. Ses peintures ont été montrée pour la première fois en 1955 à l' Exposition Nationale des Jeunes Arts Visuels intitulée "Contre la Guerre - Contre le Fascisme". Puis il fut enseignant à l'Académie des Beaux-Arts de Varsovie de 1981 à 1992. Il fait partie des artistes les plus originaux de l'ère communiste en Pologne, assez proche des mouvements d'abstraction lyrique occidentaux.
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Ivan Puni (1894-1956) - Nature morte au couteau

Ivan Puni (1894-1956),
Nature morte au couteau, 1910.

 

Rappel biographique : Ivan Puni (Иван Пуни) connu aussi sous le nom francisé de Jean Pougny est un artiste avant-gardiste russe classé, un temps, parmi les suprématistes et les cubistes futuristes.
Petit-fils d'un compositeur italien de musique de ballet, Cesare Pugni, Ivan est inscrit dès 190 -11 à l' Académie Julian à Paris où il reçoit une éducation artistique dans le domaine des beaux arts et où il commence à peindre dans une un style dérivé du fauvisme.
À son retour en Russie en 1912, il montre ses œuvres à des membres de l''avant-garde de Saint-Pétersbourg, dont Kazimir Malevitch et Vladimir Tatlin qui sont immédiatement intéressés par son originalité. Au retour d'une deuxième voyage à Paris en 1915, il se met à peindre dans un style cubiste qui rappelle celui de Juan Gris. En 1915, Puni forment Supremus, un groupe d'artistes chargé de faire promotion du "suprématisme", le mouvement d'art abstrait fondé par Kasimir Malevitch.
En 1916, Malevitch et Puni co-écrivent le Manifeste suprématiste, qui appel la naissance d "un nouvel art abstrait pour une nouvelle ère historique ".
En 1919, il enseigne à l'école d'art de Vitebsk sous la direction de Marc Chagall. La même année, au lendemain de la révolution bolchevique, Puni et son épouse quitte la Russie. Ils transitent par la Finlande, avant de s'installer en 1920 à Berlin, où la Galerie der Sturm organise la première exposition entièrement consacrée à son travail. Pendant son séjour à Berlin, Puni conçoit des costumes et des décors pour divers productions théâtrales.
En 1924 enfin, Puni et son épouse Boguslavskaya s' installent définitivement à Paris, où son style change de nouveau en une variante de l’impressionnisme. En France, il signe son travail Jean Pougny dans le but de distancer sa nouvelle pratique artistique de son précédent travail en Russie. En 1946, Puni / Pougny devient citoyen français.
Il est mort à Paris en 1956.
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Ilya Ivanovich Mashkov (1881-1944) - Pains

 

Ilya Ivanovich Mashkov (1881-1944)
Pains, 1912
Musée d'Etat de Russie, Saint-Pétersbourg

Rappel biographique : Ilia Ivanovitch Machkov (Илья́ Ива́нович Машко́в) fut l'un des fondateurs en 1910, avec Robert Falk, Piotr Kontchalovski et Aristarkh Lentoulov, du groupe artistique moscovite du Valet de Carreau (1910-1913) . Machkov fut aussi un des créateurs de l'association « Mir Iskousstva » à partir de 1916. Il est une des figures majeures de l'Avant garde russe. 

Machkov aime par-dessus tout la couleur, toujours chaude, ardente et s'intéresse en même temps au dessin et à la simplification des formes. Les contours des sujets sont épais, les motifs sont décoratifs. Ses tableaux sont des portraits  et des beaucoup de natures mortes à sujets fort simples (des fruits, des pains...)  qui lui fournissent l'occasion de donner corps à  ses recherches abstraites dans le domaine de la couleur et de la forme. Les expositions du Valet de Carreau  lui fournissent l'opportunité de présenter les fruits des nouvelles expériences picturales. Les influences sont diverses : Primitivisme, expressionnisme, cubisme.... Devenu très influent, bien avant 1917, où il intéressait déjà les milieux artistiques conservateurs tsarites, il  ouvrit après la Révolution, à Moscou, un atelier où il enseigna lui-même la peinture. Parmi ses élèves figurent : Vera Rockline (qui peignit souvent des nus), Pavel Sokolov Skalia, l'Ukrainien Alexis Gritchenko.
Machkov meurt en 1944 dans sa datcha d'Abramtsevo non sans avoir reçu la distinction d' Artiste émérite de la République socialiste fédérative soviétique de Russie.

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Louis-Léopold Boilly (1761-1845) - Nature morte en trompe-l'oeil avec un chat

Louis-Léopold Boilly (1761-1845)
Nature morte en trompe-l'oeil avec un chat, une bûche de bois à travers une toile et deux harengs 
Huile sur toile 96 x 85cm
Collection particulière, Paris  

Rappel biographique :  Louis-Léopold Boilly  est un peintre, miniaturiste et lithographe français. Créateur de portraits populaires de petit format, il a également produit un grand nombre de scènes de genre documentant la vie sociale de la classe moyenne française et de la vie parisienne dans les années qui suivent la Révolution française. Sa vie et son œuvre couvrent les périodes de la Monarchie, de la Révolution française, du Premier Empire, de la Restauration des Bourbons et de la monarchie de Juillet. Son tableau de 1800, Un trompe-l'œil, a introduit le terme trompe-l'œil, appliqué à la technique qui utilise des images réalistes pour créer l'illusion d'optique que les objets représentés existent en trois dimensions, bien que la technique « sans nom » elle-même ait existé depuis l'époque grecque et romaine.

Au Salon de 1800, il expose un tableau représentant des couches superposées d'estampes, de dessins et de papiers, recouvertes d'une feuille de verre brisé dans un cadre en bois. Son titre pour l'œuvre, Un trompe-l'œil, marque la première utilisation de ce terme pour décrire une peinture illusionniste. Bien que les critiques d'art tournent le tableau en dérision, le considérant comme un coup monté, il provoque une admiration populaire et le trompe-l'œil entre dans le langage comme nom pour un genre entier.

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Francis Cadell (1883-1937) - The Blue Fan

Francis Cadell (1883-1937)
The Blue Fan, 1922
National Gallery of Scotand 

Que voit on ? Cette nature est le pendant du Grey Fan publié dans ce blog  en 2021

Rappel biographique : Francis Cadell (de son nom complet Francis Campbell Boileau Cadell) est un peintre coloriste écossais, célèbre pour ses représentations d'intérieurs écossais élégants ainsi que pour ses paysages de l’оle de Iona et pour ses portraits d' hommes.
Encouragé par le peintre Arthur Melville à partir dès l'âge de 16 ans, il part étudier à Paris à l'Académie Julian où il entre rapidement en contact avec l'avant-garde française et découvre Matisse. Ce dernier exerça sur lui une influence durable, bien qu’il se soit aussi intéressé à la technique de James Abbott McNeill Whistler et d’Édouard Manet. Après son retour en Écosse, il a régulièrement exposé à Édimbourg et à Glasgow — notamment au Royal Glasgow Institute of the Fine Arts — ainsi qu'à Londres. Cadell était un peintre gaucher. Lorsqu’il était étudiant à l'Académie royale écossaise, le président avait tenté de l'empêcher de peindre avec sa main gauche sous prétexte qu' « aucun artiste gaucher n'est devenu génial ». Cadell répliqua « Monsieur et n'y a-t-il pas la grande peinture de Michel-Ange ? » Le président ne répondit pas et quitta la salle. Un camarade demanda alors à Cadell comment il savait que Michel-Ange était gaucher. Et Cadell d' avouer « Je ne savais pas, mais le président non plus  !».
Entre octobre 2011 à mars 2012, la Galerie nationale écossaise d'art moderne a réalisé une rétrospective majeure du travail de Cadell, la première depuis celle tenue à la Galerie nationale d'Écosse en 1942.

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Leonor Fini (1908-1996) - Nature morte aux fruits et à la bouteille

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Leonor Fini (1908-1996)
Nature morte aux fruits et à la bouteille
Coll. part.

Rappel biographique  : L'artiste peintre d'origine italienne  Léonor Fini née à Buenos Aires et morte a Paris fut une peintre appartenant au mouvement surréaliste, une décoratrice de théâtre et une écrivaine. S'inspirant des théories des surréalistes, elle expérimente le « dessin automatique ». Elle se lie d'amitié avec Georges Bataille, Victor Brauner, Paul Éluard et Max Ernst sans jamais intégrer le groupe, n'ayant aucun goût, selon elle, "pour les réunions ni les manifestes". C'est en solitaire qu'elle explore un univers onirique mettant en scène des personnages aux yeux clos : des femmes le plus souvent où des jeunes gens androgynes, alanguis face à des sphinges protectrices évoluant ou rêvant dans un climat de fête cérémonielle où l'érotisme flirte avec la cruauté. Pour elle, la femme est sorcière ou prêtresse, belle et souveraine. Leonor Fini a réalisé de nombreux portraits,  confectionné des costumes pour le théâtre, le ballet et l'opéra et illustré de nombreux textes littéraires d'Edgar Poe à Sade en passant par Jean  Genet. De nombreux poètes, écrivains, peintres et critiques lui ont consacré des monographies, essais ou poèmes dont  Jean Cocteau, Giorgio De Chirico, Éluard, Ernst, Alberto Moravia... Leonor Fini séjournait souvent retirée du monde, mais non sans festivités, ayant eu des maisons en Loire, en Corse. Leonor fini était plus connue pour paysages et ses peintures  de chats - qu'elle adorait-  que pour ses natures mortes qu'elle peignit en nombre très restreint. 

 

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LES TABLEAUX QUI PARLENT N° 158 - Odilon Redon et son bénitier très rose

Imogen Cunninngham (1883-1976) - Magnolia Blossom

Imogen Cunninngham (1883-1976)
Magnolia Blossom, 
Photographie, 1925
Seatle Art Museum

 Que voit on ? Magnolia Blossom est une photographie extrêmement célèbre aussi surnommée  Tower of Jewels, en raison des l'impression d'accumulation de joyaux formée par son pistil. Ce cliché publié par Vanity Fair en juillet 1923 est ostensiblement inspiré par les peintures florales de Georgia O'Keeffe et de Henrietta Shore, C'est James West qui initia Immogen Cunninngham à la botanique. En retour elle l'aida pour la rénovation de l'University of California Botanical Garden dont elle photographia toutes les fleurs et fruits susceptibles de suggérer un contenu érotique.

Rappel biographique :  Immogen Cunningham, est une photographe et enseignante américaine. Elle est avec Margaret Watkins, Toni Frissell, Louise Dahl-Wolfe, Laura Gilpin, Berenice Abbott, Dorothea Lange, Sonya Noskowiak, Alma Lavenson, une des premières photographes américaines de renom qui ont se faire une place dans un secteur principalement dominé par les hommes. Elle est une des figures majeures du pictorialisme. Imogen Cunningham fait partie des membres fondateurs du Groupe f/64 avec Edward Weston, Ansel Adams, Willard Van Dyke, John Paul Edwards, Sonya Noskowiak et autres.

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Antonio López García (né en 1936) - Lavabo et miroir

Antonio López García (né en 1936) 
Lavabo et miroir, 1967
Huile sur toile - 97,8 x 83,8 cm.
Museum of Fine Arts Boston

Que voit on ? C'est bien une nature morte que ce peintre espagnol hyperrealiste présente où il intègre les supports (lavabo, tablette) aux objets même qui la composent : savon, crème à raser, blaireau, rasoirs, eau de toilette; brosses et peignes, laissant peu de doutes sur le fait qu'il s'agit là de la salle de bains de monsieur et non de celle de madame... enfin jusqu'à plus ample informé !  

Rappel Biographique :  Antonio López García, né à Tomelloso, Ciudad Real, le 6 janvier 1936, est un artiste peintre et sculpteur espagnol contemporain, qui vit et travaille à Madrid. C'est un des principaux représentants de l’hyperréalisme en Europe. Ses parents étaient agriculteurs à Tomelloso et Ii commença à être formé aux beaux arts par son oncle, le peintre Antonio López Torres. En 1949, il se rendit à Madrid pour préparer le concours d'entrée à l'École des Beaux-Arts de San Fernando. En 1958, il remporta le concours des Beaux-Arts de la Fondation Rodríguez Acosta dans la catégorie Nature morte. 
Après l'obtention de son diplôme, sa production intégra des éléments de différents mouvements artistiques tels que le cubisme et le surréalisme, ce dernier étant le plus fréquent car il contribua à renforcer le caractère narratif de plusieurs de ses œuvres. À partir des années 1960, il commença à abandonner la composante onirique pour développer progressivement une approche plus objective. Ses motifs sont alors des portraits de personnes qui l'entourent, des intérieurs, des natures mortes et des paysages urbains qui servent de toile de fond aux natures mortes et aux scènes figuratives. Son travail sculptural se déroule parallèlement à ses peintures et dessins, créant ainsi des reliefs dans différents matériaux et ses premières pièces exemptes. Entre 1964 et 1969, Antonio enseigne la chaire de préparation à la coloration à l'École des beaux-arts de San Fernando. Par la suite, il donne occasionnellement des cours, tout en se consacrant entièrement à la création artistique.
En 1993, sa première rétrospective au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía lui vaut un accueil favorable du public et de la critique. Quelques années plus tard, en 1999, la ville de Valladolid commanda à Antonio López et aux sculpteurs Francisco et Julio López Hernández une sculpture monumentale du roi et de la reine d'Espagne, inaugurée en 2001 dans le cloître San Benito de Valladolid. En octobre 2001, le Musée national centre d'art Reina Sofía célébra l'acquisition des sculptures « Hombre y Mujer » (Homme et Femme) et de dix-neuf de leurs dessins préparatoires par une petite exposition et la publication d'un livre sur ces pièces. Ces œuvres rejoignirent ainsi trois autres œuvres importantes d'Antonio López déjà présentes dans sa collection permanente.
En juin 2011, une exposition personnelle, alliant un caractère rétrospectif à la présentation de ses dernières œuvres encore inédites, est inaugurée au musée Thyssen-Bornemisza de Madrid. L'année suivante, une exposition personnelle itinérante de son œuvre a été présentée dans plusieurs musées japonais, à partir du 27 avril au Musée d'art Bunkamura de Tokyo. En 2014, il a été invité par Vittorio Sgarbi à participer au célèbre Festival La Milanesiana. 

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Yves-Brayer (1907-1990) - La Table du Torero

Yves-Brayer (1907-1990)
La Table du Torero 
Huile sur Toile,55 x 46cm
Collection privée

Que voit on ? La série espagnole faite par le peintre  pour illsutrer un roman hispanisant. Une vison d'un Espagne qui parait aujourd'hui un peu caricaturale mais qui  a le mérite de poser le sujet de façon immédiate et tres précise , l'une des particularités du talent d'illustrateur de Brayer.

Rappel biographique : Yves Brayer est  est un peintre, graveur, illustrateur et décorateur de théâtre français. Fidèle à la tradition de l'art figuratif, il est l'un des maîtres de l'École de Paris. Utilisant une grande variété de techniques, il est l'auteur d'une abondante production de paysages mais aussi de grandes compositions, figures et natures mortes.
Son goût pour le graphisme l'entraîne  à pratiquer la technique de la gravure sur cuivre et de la lithographie. Ainsi, il réalise de nombreuses estampes et illustre des livres à tirage limité sur des textes de Blaise Cendrars, Henry de Montherlant, Baudelaire, Paul Claudel, Jean Giono, Frédéric Mistral, Marcel Pagnol, etc... Yves Brayer est aussi l'auteur de décorations murales, de cartons de tapisseries, de maquettes de décors et de costumes pour le Théâtre-Français, et les opéras de Paris, Amsterdam, Nice, Lyon, Toulouse, Bordeaux ou Avignon.
Ses expositions particulières ont rendu ses œuvres familières dans de nombreux pays : à Paris tout d'abord puis en France, en Europe et aux États-Unis. En 1977, la Bibliothèque nationale de France organise une exposition « Yves Brayer, Graveur » pour son soixante-dixième anniversaire, et le musée de La Poste à Paris lui consacre une exposition de ses œuvres lors de la parution du timbre en 1978. Le musée Marmottan lui rend hommage en 1993 et le musée des Années Trente à Boulogne-Billancourt célèbre son centenaire en 2008.
En 1960 est ouvert le premier musée Yves-Brayer dans la salle d'honneur de la mairie de Cordes-sur-Ciel. Depuis 2006, ces œuvres font partie des collections du nouveau musée d'art moderne et contemporain situé dans la belle maison gothique dite « du Grand Fauconnier », aux côtés d'œuvres de Picasso, Léger et autres, issues de la donation André Verdet. Enfin un musée Yves Brayer est inauguré en 1991 aux Baux-de-Provence dans une demeure de la fin du 16e siècle, proche de la chapelle des Pénitents Blancs qu'il avait décorée quelques années plus tôt.

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Jean Jansem (1920-2013) - Nature morte

 
Jean Jansem (1920-2013),
Nature morte, 1955-1965
Huile sur toile, 20 × 33 cm
Collection privée. 

 

Jean Jansem, pseudonyme de Ohannès Semerdjian, est un artiste peintre, sculpteur et graveur français d'origine arménienne.
Ohannès Semerdjian naît en Turquie de parents arméniens. Son père est alors industriel dans le fil de soie, quand la guerre qui éclate en 1922 entre la Turquie et la Grèce contraint sa famille à émigrer à Thessalonique  où il passe donc son enfance.  Son intérêt pour la peinture le fait alors reproduire des scènes de la mythologie antique. La contrainte de soins hospitaliers à l'âge de dix ans, du fait d'un problème osseux le conduit 'en France accompagné de sa mère où, après quatre années d'immobilité dont six mois chez les frères de l'Ordre hospitalier de Saint-Jean-de-Dieu près de Dinan, il investit un vaste local à Issy-les-Moulineaux. Il y établit son atelier et y peint, déjà avec succès, des portraits et des paysages. Il suit néanmoins des cours du soir des ateliers Beaux-Arts de la Ville de Paris, fréquentant simultanément une école préparatoire de la place des Vosges. Pour assurer sa subsistance, le soir, il  peignant des lettres pour les  courses de lévriers et pratique des retouches photographiques.  En 1938, il obtient un diplôme de 'École des arts décoratifs de Paris, La guerre venue,  il est réformé du fait de ses problèmes osseux pied, et  travaille dans une usine de masques à gaz jusqu'à la Libération, tout en continuant de peindre. Il est naturalisé français en 1940,  participe au Salon des indépendants en 1941 et continue de fréquenter les ateliers d'Yves Brayer, et d'Édouard Georges Mac-Avoy  à l'Académie de la Grande Chaumière jusqu'à sa sélection pour le Salon d'automne en 1945. Au cours de nombreux séjours en Grèce (premier retour en 1950), en Espagne, en Italie, il peint et dessine d'après nature notamment la tauromachie, les processions, les marchés, les carnavals et les scènes d'atelier.
En 1957, sa carrière devient internationale. Il expose en Italie, en Suisse, en Angleterre et surtout aux États-Unis. En 1969, la galerie Mitsukoshi présente une rétrospective de ses œuvres à Tokyo et, depuis, son travail est régulièrement présenté au Japon.
Deux musées lui sont consacrés : à Ginza (Tokyo), en 1992, et à Azumino, en 1993.
En 2002, il se rend en Arménie pour l'inauguration officielle de son exposition « Massacres » au Musée du génocide à Erevan.

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N. L. Peschier (? - mort après 1661) - Vanitas

 

N. L. Peschier (? - mort après 1661),
Vanitas 
Rijksmuseum, Amsterdam

Que voit on ? Une nature morte ou plutôt une "Vanité", genre qui insiste encore plus que la nature morte sur la précarité de l'existence humaine. Celle-ci rassemble tous les symboles du genre, même si quelques-uns bénéficient d'un traitement particulier. 

Rappel biographique : N. L. Peschier est un peintre franco-néerlandais de l'age d'or (17e siècle) sur lequel très peu d'informations circulent et sur lequel aucun détail biographique précis n'a pu être trouvé à ce jour.  Spécialisé dans les natures mortes, en particulier les Vanités, on ne le connaît que par sa signature sur ses tableaux et on sait de lui qu'il fut actif pendant une tres courte période entre 1659-1661 à Amsterdam et Leyde. Il a influencé David Bailly et peint ses Vanités dans le style de Vincent van der Vinne et  Edwaert Collier.  

 

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Nicolas Issaiev (1891-1977)- Nature morte aux citrons

Nicolas Issaiev (1891-1977)
Nature morte aux citrons

 

Nicolas Issaiev est un artiste français né près d'Odessa en 1891. Peintre, graphiste et décorateur de théâtre, Issaiev a étudié à Odessa et Kharkiv dans les studios de V. Shuchajev et A. Yakovlev et à l'Académie Ranson à Paris. Il était dans l'armée pendant la Première Guerre mondiale avant d' immigrer en 1919 à Belgrade où il travailla au Théâtre national comme décorateur. En 1925 il s'installe à Paris où il se fait connaître du milieu artistique du Montparnasse en peignant des paysages, des natures mortes et quelques portraits.  Il ne sera cependant jamais intégré parmi les peintres célèbres de Montparnasse comme  Soutine et Foujita et encore moins parmi les peintres de l'Ecole de Paris dont il faisait pourtant bel et bien partie. Le seul mouvement et groupe auquel il parvient à s'intégrer fut l'assez obscur groupe tcheco-belge Circle (Krug) Group avec lequel il exposa de nombreuses fois, aussi bien à Bruxelles, Paris que Belgrade. En 1940-1945, il s'installa dans le sud de la France pour y vivre seul. Après la Seconde Guerre mondiale, il fit de fréquents séjours en Suisse, Italie et Espagne. Entre 1945 et 1950, Issaiev réalisa de nombreuses  illustrations pour des ouvrages d'éditions d'art notamment sur les publications de Pierre de Ronsard, Edgar Allan Poe et Nikolay Gogol. Dans les années 1950 et 1960, il exposa à Paris dans les galeries La Boétie et A. Weil de même qu'à la galerie P. Bernet à New York.  Il participa avec plusieurs de ses toiles à la grande exposition qui eut lieu à Paris en 1961 puis en Russie en 1974 sous le titre Les Artistes russes de l'École de Paris, trouvant ainsi trois ans avant son décès un début de reconnaissance.   

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Odilon Redon (1840-1916) - Fleurs dans un vase vert

Odilon Redon (1840-1916),
Fleurs dans un vase vert, c. 1885-1890 
Huile sur toile 
Collection privée

Le peintre français Odilon Redon (né Bertrand-Jean Redon) est un peintre rattaché au mouvement symboliste et coloriste de la fin du 19e siècle. Son art explore les aspects de la pensée, l'aspect sombre et ésotérique de l'âme humaine, empreinte des mécanismes du rêve. Il a peint beaucoup de bouquets de fleurs mais dans le fond, assez peu de natures mortes.  La Coquille, exécutée au pastel en 1912, figure au nombre de ses plus célèbres toiles.
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Mosaïques romaines - Panier de cerises

 

Mosaïques romaines
Panier de cerises 
Musée du Bardo, Tunis 

La mosaïque est l'art romain par excellence car ni la Grèce classique ni les Grecs d'Alexandrie n'avaient su lui donner la richesse du répertoire iconographique qu'elle a eue sous l'Empire romain et encore moins la répandre dans tout le bassin méditerranéen comme le fera Rome. La mosaïque polychrome est maitrisée par les Romains dès le IIe siècle av. J.-C. Grâce à l'activité de ses ateliers itinérants, toutes les provinces situées autour de la mare nostrum, ont connu dès les débuts de l'expansion romaine cet art qui a trouvé un terrain d'élection dans les pays où la lumière est reine. L'exposition, organisée en 2001 par l'Union Latine au musée archéologique de Madrid a mis l'accent sur l'art de la mosaïque tel qu'il est illustré dans les pays du bassin méditerranéen.
L'une de ses particularités majeures est l'abondance et l'extrême diversité des représentations animales et végétales.
 

Les natures mortes antiques trouvent, selon Pline l'Ancien, leur origine dans la Grèce antique, lorsque le peintre Piraikos (3e siècle avant J.C.), vendait déjà fort cher ses " Provisions de cuisine ", des tableaux de chevalets représentant des victuailles ou des instantanés d'échoppes de cordonniers et de barbiers. Dans la hiérarchie des genres picturaux d'alors, ces représentations de provisions de cuisine sont déjà considérées comme un genre mineur... et elles le resteront pendant de longs siècles, au moins jusqu'à Chardin, si ce n'est jusqu'à Cézanne. Genre mineur donc, loin derrière les sujets religieux, les portraits et les paysages, mais genre que les commanditaires s'arrachent pourtant !
Le grec Piraikos reste le plus célèbre des peintres de ce genre. Hélas, aucun exemple n'est parvenu jusqu'à nous de ses peintures de menus objets du quotidien par Piraikos, peinture que l'on nommait à cette époque Rhyparographie.

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