Jane Freilicher (1924-2014) - Yellow 2009

 

Jane Freilicher (1924-2014)
Yellow 2009
Private collection

Que voit on ? Sur un fond de montagnes noyées dans la brumes, une série de vases  qui finissent pas ressembler a des immeubles, se détachant sur un fond jaune qui commence comme un entablement mais fini  par ressembler au sable d'un plage. La plupart des vases sont vides, d'autres contienne tdes fleurs... jaunes, la couleur dominante de cette composition.

Rappel biographique : Jane Freilicher, est une artiste-peintre américaine assimilée à la fois aux mouvements " figuratif " et  " expressionniste abstrait ". A l'âge de 17 ans,  elle termina ses études scolaires et fit la rencontre du pianiste de jazz Jack Freilicher qu'elle épousa en  1941 avant que le mariage ne soit annulé en 1946. Elle fait ensuite la rencontre du peintre Hans Hofmann, auprès de qui elle étudie l'art à partir de 1947, mais aussi de Larry Rivers avec lequel elle se lie d'amitié. En 1952, elle rencontre Joe Hazan, ancien businessman et danseur, devenu artiste-peintre. qu'elle épouse  en 1957 ;  Jane travaille dans la 5e Avenue à Manhattan où elle et son mari se sont établis. Le couple devient propriétaire d'une maison d'été qu'il fait bâtir à Long Island.
Dans les années 1950, Jane est membre d'un cercle informel d'artistes, peintres et écrivains, connu sous le nom de  " École de New York ". Influencée par Hofmann, elle réalise d'abord des toiles expressionnistes abstraites. Puis, séduite par le style de Pierre Bonnard, elle s'oriente vers les paysages et les natures mortes. Son domaine de prédilection devient les scènes pastorales en milieu urbain. Elle s'inspire de la vie à Long Island. Ses œuvres sont présentées à la Tibor de Nagy Gallery de New York à partir de 1952. En 2013, une exposition Jane Freilicher: Painter Among Poets y est présentée. L'exposition déménage à Chicago en 2014 où elle est présentée à la Poetry Foundation, association de promotion de la poésie et de la culture.

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Jean-Baptiste Oudry (1686-1755) - Nature avec gibiers morts et pièce d'argenterie sur un tapis turc

Jean-Baptiste Oudry (1686-1755)
Nature avec gibiers morts et pièce d'argenterie sur un tapis turc, 1738,
Huile sur toile, 120 x171cm
Nationalmuseum Stockholm

Que voit-on ?  Une nature morte française du Grand Siècle dans toute sa splendeur avec ses pièces de gibiers (à plumes et à fourrures), son grandiose décor de marbre et son somptueux tapis turc.
Le reflet de toute une époque et tout un art de vivre à la française, définitivement révolu. On ne sera jamais assez reconnaissant à la Galerie nationale suédoise d'avoir conservée quelques unes des plus belles œuvres. de Jean-Baptiste Oudry.

Rappel biographique : Le peintre et graveur français Jean-Baptiste Oudry est surtout célèbre pour ses peintures de chiens de chasse, ses natures mortes animalières et ses animaux exotiques. Fils de Jacques Oudry, maître peintre et marchand de tableaux sur le Pont Notre-Dame, et de sa femme, Nicole Papillon, qui appartenait à la famille du graveur Jean-Baptiste-Michel Papillon, Jean-Baptiste Oudry étudia tout d'abord à l'Ecole de la Maîtrise de Saint-Luc, dont son père était directeur.
Il fut placé ensuite chez le grand peintre du roi Nicolas de Largillière, dont il devint bientôt l'ami. Après avoir peint quelques sujets religieux et un portait du Tsar Pierre 1er, il rencontre le marquis de Beringhen, premier écuyer du roi. Cette rencontre est décisive car le marquis commande à Oudry de nombreux ouvrages pour le roi. Dès lors on octroie à Oudry un atelier dans la cour des princes aux Tuileries et un logement au Palais du Louvre où il forma un cabinet renommé.
Oudry suivait les chasses royales et faisait de fréquentes études dans la forêt de Compiègne.
L'intendant des finances, Fagon, le prit à son service et le chargea de rétablir la manufacture de Beauvais, tombée en décadence. Oudry s'adjoignit Boucher et Natoire pour exécuter la copie des tableaux. On lui confia également l'inspection de la manufacture des Gobelins, où l'on exécutait les tapisseries des chasses du roi d'après ses tableaux.
Jean-Baptiste Oudry a peint le portrait, l'histoire, les chasses, le paysage, les animaux, les fruits, les fleurs ; il a imité les bas-reliefs ; il a fait du pastel, de la décoration ; il aussi gravé à l'eau-forte. On lui doit deux conférences qui furent lues à l'Académie, « Sur la manière d'étudier la couleur en comparant les objets les uns avec les autres » et « Sur les soins que l'on doit apporter en peignant ». Oudry a laissé un grand nombre de dessins dont les plus connus sont les 275 dessins qui servirent à l'édition dite des Fermiers généraux des Fables de La Fontaine, gravées par Charles-Nicolas Cochin. Il est également l'auteur d'un Almanach de rébus paru en 1716.

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Henri Rousseau (1844-1910) - Bouquet de fleurs

 

Henri Rousseau (1844-1910)
Bouquet de fleurs
Huile sur toile
Collection privée

Que voit on ?  Un bouquet de fleurs de type chrysanthèmes ou marguerites dans un vase doré posé sur une nappe qui reproduit un parterre fleuri très inspiré de la renaissance italienne. On voit que Rousseau dans cette œuvre s'est appliqué à une peinture beaucoup détaillée qu'à son habitude...

Rappel biographique : Le peintre français Henri Rousseau (Henri-Julien-Félix Rousseau) dit "Le Douanier Rousseau " est considéré comme un représentant majeur de l'art naïf. Issu d'une famille modeste, il étudie le droit avant de partir à Paris, où il travaille dans un octroi d'où son surnom de " douanier ". Il apprend lui-même la peinture sans le recours à un quelconque enseignement et produit un grand nombre de toiles qui représentent souvent des paysages de jungle, bien qu'il n'ait jamais quitté la France. Il s'inspire en réalité de livres illustrés, des jardins botaniques et de rencontres avec des soldats qui ont participé à des expéditions exotiques et qui lui racontent les paysages lointains. Ses toiles montrent une technique élaborée, mais leur aspect enfantin a valu beaucoup de moqueries et de mépris professionnel à Henri Rousseau pensant de nombreuses décennies. Ses premières critiques positives arrivent à partir de 1891. A la fin de sa vie il rencontre même quelques autres artistes de son temps (et pas des moindres) qui lui reconnaissent publiquement un talent certain, comme, entre autres, Robert Delaunay, Paul Gauguin, Toulouse-Lautrec ou Pablo Picasso....
Son travail est aujourd'hui considéré comme crucial pour l'art naïf et il a influencé de nombreux artistes, notamment surréalistes et l'autodidacte Henri Rousseau occupe une des premières places dans le Panthéon pictural du 20e siècle.

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Juan de Valdés Leal (1622-1690) - In Ictu Oculi Vanitas

 

Juan de Valdés Leal (1622-1690)
In Ictu Oculi Vanitas
Hospital de la Caridad, Madrid 

Que voit on ? Une vanité très somptueusement mise en scène avec le concours d'un squelette entier et non pas simplement de la tête  habituelle !  La mort qu'elle incarne a, comme dans toutes les Vanités de ce peintre, triomphé  des plaisirs de l'espritet de ceux de la chair . Elle a triomphé aussi de la toute puissance du pouvoir  entassant à même la pierre des piédestaux, tiare papale, mitres, crosses et couronnes royales  comme autant de symboles réduit au rang de quincailleries dérisoires.   
Tremblez puissants car  cotre puissance n'est rien ! proclame la Mort qui avance à cloche pied sur le Monde aussi bien sur les œuvres humaines. Tout doit mourir et tout mourra... tel est le message. 
 
Rappel biographique : Juan de Valdès Leal (né Juan de Nisa) est un peintre baroque espagnol, qui fut aussi sculpteur, doreur, graveur et architecte. Il est considéré comme l'un des grands peintres de l'Ecole andalouse et il a laissé, notamment dans sa ville natale, de nombreuses oeuvres, dont les plus célèbres sont des Vanités. Il reçut d'importantes commandes aussi bien d'œuvres individuelles que de grands ensembles, dont certains ont été acquis par le musée de Séville, comme le célèbre In Iclu Oculi peint pour l'Hopital de la Charité de cette ville. Ces œuvres montrent un style direct et énergique, une technique abrégée et libre et un riche chromatisme dans des compositions toujours dynamiques, même quand elles comportent peu d'éléments. La décennie 1660-1670, marque sa plénitude artistique.
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Hyacinthe Rigaud (1659-1743) - Etude de Fleurs

 

Hyacinthe Rigaud (1659-1743)
Etude de Fleurs, 1720,
Musée des Beaux-Arts, Dijon

Que voit on ?   Au sommet de la hiérarchie des peintres de son temps puisque peintre de portraits et de portrait du roi,  on peut regretter, en voyant cette Etude florale, que Rigaud ne se soit jamais aventurer au bas de l 'échelle des peintres  de son temps comme peintre de des natures mortes. C'est d'ailleurs sans doute une des raisons pour lesquelles cette éblouissante  nature morte florale a reçu le nom d' Etude. Les rouges des coquelicots et des roses sur le fond rouge  les roses, les blancs, les jaunes donnent la mesure de la maitrise absolue de la palette que possédait ce très grand peintre français du Grand Siècle. 

Rappel biographique : Hyacinthe Rigaud, né Jacinto Francisco Honorat Matias Rigau-Ros i Serra, né dans la province du Roussillon, (et dont l'orthographe du nom fut francisée en Hyacinthe Rigaud) est considéré comme l’un des plus célèbres portraitistes français de la période classique. Pour Jacques Thuillier, professeur au Collège de France : « Hyacinthe Rigaud fut l’un de ces peintres français qui sous l’Ancien Régime connurent comme portraitistes la plus haute célébrité. Cette admiration était méritée à la fois par l’abondance de l’œuvre et par sa constante perfection. »
principalement peintre de portraits de la famille roayle française au temps de Louis XIV, on connait très peu, voir même quasiment aucune nature morte de sa main, c'est ce qui rend cette Etude de fleurs"particulièrement rare.

Vincent van Gogh (1853-1890) - Vase de roses

 

Vincent van Gogh (1853-1890)
Vase de roses, 1890
Collection privée

Que voit on ? Une magnifique composition de  van Gogh réaliséé l'année même de sa mort.  Se déclinant en vert (dominant), blancs et jaunes avec une pointe de rose pour les fleurs en boutons, ce bouquet dui semble comme aspiré vers le haut  sous le vent, adopte une posture très japonisante, souvenir des influences permanentes du peintre, très au delà de coup de couteaux cinglants des années saint rémoises et arlésiennes.

Rappel biographique : Le peintre franco-hollandais Vincent van Gogh a peint énormément de natures mortes dont les plus célèbres sont sans doute constituées par la série des sept tableaux "Les tournesols " qu'il peignit à Arles entre Août 1888 et Janvier 1889. D'autres natures mortes moins célèbres permettant de passer en revue à peu près tous les styles du peintre, ont été exécutées à diverses époques de sa vie. Van Gogh peignait sur des toiles souvent déjà apprêtées, qu'il pouvait réutiliser, soit en grattant l'œuvre précédente, soit en la recouvrant d'une nouvelle couche. Il employait certains pigments instables, entraînant une modification des couleurs sous l'effet de la lumière, dont la laque géranium qui perd sa teinte rouge avec le temps. Les couleurs originelles sont donc souvent perdues, entraînant des difficultés de restauration. Pour certains tableaux les restaurateurs ont décidé de ne pas « recoloriser » le tableau, mais se sont contenté de stopper les dégradations et de proposer un éclairage avec des filtres colorés pour restituer les teintes d'origine.
Pour les historiens de l’art, Van Gogh est un précurseur qui a ouvert à la peinture de nouvelles voies. Par exemple, Derain et Vlaminck sont directement rattachés à l'art de Van Gogh « par l'emploi de couleurs pures en larges touches ». Pour les amateurs d'art, il reste un maître à l’égal de Leonard de Vinci ou de Rembrandt avec une production très importante et une trajectoire artistique fulgurante en durée et par ses styles. Pour d'autres par contre, comme Salvador Dali, dont les avis à l'emporte pièce étaient connus, Van Gogh était " tout sauf un peintre ". Pour le grand public, l'œuvre de Van Gogh est aujourd'hui accessible dans les plus grands musées du monde.
Dans sa dernière lettre, trouvée dans sa poche le jour de son suicide, Vincent van Gogh écrit : « Eh bien vraiment nous ne pouvons faire parler que nos tableaux »

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Jean Lurçat (1892-1966) - Papillons et poissons

  

Jean Lurçat (1892-1966)

Papillons et poissons, 1955
Tapisserie d'Aubusson tissée par l'atelier Goubely
Collection particulière

Que voit on ?  Sur cette magnifique  tapisserie de  Jean Lurçat, une composition mêlant poissons exotiques et papillons flamboyants dans une envolée de couleurs bien consolantes à voir de nos jours. 

Rappel biographique : Le peintre, céramiste et créateur de tapisseries monumentales français, Jean Lurçat doit principalement sa notoriété à ses travaux de tapisserie dont il rénova en profondeur le langage. Après des études dans l'atelier de Victor Prouvé, le chef de l'Ecole de Nancy, Jean Lurçat s'installe à Paris où s'inscrit à l'académie Colarossi puis à l'atelier du graveur Bernard Naudin. Il découvre alors Matisse Cézanne, Renoir. l devient ensuite apprenti auprès du peintre fresquiste Jean-Paul Lafitte avec lequel il mène, en 1914, un premier chantier à la faculté des sciences de Marseille.
En 1917, Jean Lurçat fait exécuter par sa mère, ses premiers canevas : Filles vertes et Soirées dans Grenade. Dès la fin de la guerre, en 1918, il revient en Italie où il passe, en 1919 des vacances en compagnie de Rilke, Busoni, Hermann Hesse et Jeanne Bucher. Sa deuxième exposition se tient à Zurich cette année-là.
En 1920, il s'installe à Paris avec Marthe Hennebert (qui avait été, à partir de 1911, la muse de Rainer Maria Rilke). C'est elle qui tisse au petit point deux tapisseries : Pêcheur et Piscine. Il expose cette année-là au Salon des indépendants deux tapisseries et quatre toiles. En 1927, il décore le salon de la famille David Weill : il s'agit de quatre tapisseries au petit point et réalise L'Orage pour Georges Salles (Musée d'art moderne) ). En 1928. il fait sa première exposition à New York.
En 1930, il expose à Paris, Londres, New-York, Chicago.
En juillet 1937, à Angers la vision de L'Apocalypse (14e siècle) provoque chez lui un choc esthétique et artistique annonciateur de l'œuvre à venir. En 1938, Moisson (2,75 × 5,50 m) est tissée chez Tabard. La manufacture de Beauvais tisse les tapisseries pour quatre fauteuils, un divan et un paravent destinés à accompagner la tenture d'Icare. En 1939, il expose à New-York et Paris . En septembre, il s'installe à Aubusson avec Gromaire et Dubreuil pour essayer de redonner vie à la tapisserie qui, à l'époque, subit une grave crise. Il met au point un nouveau langage technique : carton numéroté, palette réduite, tissage robuste à large point. Et désormais, il abandonne le travail à l'huile au profit de la gouache Le Musée d'art moderne
En 1944, ses tapisseries sont exposées à Paris et ses peintures à New-York.
Comblé d'honneur et au fait de la gloire, Jean Lurçat meurt subitement en janvier 1966 à Saint Paul de Vence. Sur sa tombe un soleil gravé dans la pierre avec une devise : « C'est l'aube ». Ces deux mots sont le début de la phrase, écrite par lui, qu'il avait fait graver sur son épée d'académicien :
« C'est l'aube d'un temps nouveau où l'homme ne sera plus un loup pour l'homme… »
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Jean-Picart-Le-Doux (1902-1982) - Nature morte avec Fontaine

 

Jean-Picart-Le-Doux (1902-1982)
Nature morte avec  Fontaine
Tapisserie des Gobelins, 1952, (2.54 x 3.90cm)
Collection privée

Que voit on ?  Une composition monumentale véritablement somptueuse, digne du des tapisseries de Gobelins du Grand Siècle. Prises dans les verdures, les treillages et les bordures de feuillages, on distingue, à gauche la fontaine qui  donne son titre au tableau et à droite une nature morte de fruits présentée sur un guéridon rond à piètement baroque en fer forgé, où l'on retrouve melons, raisins, poires et grenades offerts à l'appétit  d'oiseaux chapardeurs qui volettent dans les parages du treillage et les ramures environnantes. Un verre de vin à moitié plein et une carafe blanche ponctuent cette nature morte d'une grande poésie dans laquelle plusieurs instruments de musique (mandoline et flûte notamment)  sont  disposés comme pour  un embarquement vers une improbable Cithère des Trente glorieuses !

Rappel biographique :  Jean Picart Le Doux est un grand maître de la tapisserie d'Aubusson, qui a produit plus de 400 tapisseries originales. Plusieurs de ses œuvres furent sélectionnées pour la décoration du paquebot France, dont la célèbre tapisserie monumentale Les Phases du temps du fumoir de première classe. Sans formation professionnelle spécialisée, Jean Picart Le Doux fait ses débuts dans la reliure et l'édition, puis il s'oriente vers la publicité et les arts graphiques et publie ses premières œuvres en 19352. Ses premiers cartons de tapisserie datent de 1943 après avoir remporté le Grand prix de l’affiche de théâtre au Salon de l'imagerie.
En 1947, il rencontra Jean Lurçat et, avec Marc Saint-Saëns, ils fondent l’Association des peintres-cartonniers de tapisserie . En 1950, Picart Le Doux rencontre deux graphistes français, Jean Colin et Jacques Nathan, et deux graphistes suisses, Fritz Bühler et Donald Brun, à l'occasion d'une exposition de leurs travaux à Bâle. Il projette alors l'idée d'une Alliance graphique internationale (AGI). Celle-ci est fondée officiellement le 22 novembre 1952 et Picart Le Doux en sera le premier président.Il est membre du conseil d'administration de la Société Nationale des Beaux Arts dans la section Art Décoratif de 1975 à 1980. 

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Jean Fautrier (1898-1964) - Le verre vide

 

Jean Fautrier (1898-1964)
Le verre vide, 1955
Collection Particulière

Que voit on ?  Une tâche noire rectangulaire sur fond bleu-beige dans laquelle le peintre a gravé la silhouette d'un verre vide.

Rappel biographique : le peintre, sculpteur et graveur français Jean Léon Fautrier est, avec Jean Dubuffet, le plus important représentant du courant de " l'Art Informel " appelé aussi " Art Brut " ou " Tachisme ". L’Art Informel regroupe à la fois le courant de l’abstraction lyrique avec ses techniques d’expressions essentiellement gestuelles, le matiérisme dont l’objet est de travailler les matières sur les surfaces de la toile, et par rapprochement, le spatialisme dont les recherches portent sur les dimensions de l’espace et du temps et sur la lumière. D’autres courants, comme le mouvement CoBrA, le Groupe Gutai, l’expressionnisme abstrait en Allemagne, l’Action Painting de Jacskon Pollock aux Etats-Unis peuvent être rapprochés aussi de l'Art Informel. Fautrier est aussi un pionnier de la technique des hautes pâtes. Dès l'âge de 14 ans, il étudie l’art à la Royal Academy de Londres et découvre les peintures de Turner qui l'impressionnent beaucoup. De retour en France, il est mobilisé en 1917. Gazé à Montdidier, il est définitivement réformé en 1921. Il expose dès 1921 des natures mortes et des portraits. En 1923, il rencontre Jeanne Castel, avec laquelle il vivra un certain temps. En 1924, première exposition personnelle et premières ventes ; l’année suivante, le marchand d’art Paul Guillaume lui achète quelques tableaux. C’est avec ce même Paul Guillaume que Fautrier passe un contrat d’exclusivité en 1927. Jusqu'en 1933 il se partage entre sculpture, peinture et gravures. Il réalise notamment des gravures pour l'édition illustrée de l'Enfer de Dante préparée par Gallimard, projet qui n'aboutira pas. Quelques unes de ses peintures sont exposées en 1945 à la Galerie Drouin, suscitant une vive admiration de l'intelligentsia parisienne. Le catalogue de l'exposition était préfacé par André Malraux. Dans les années qui suivent, Fautrier travaille à l'illustration de plusieurs ouvrages, parmi lesquels L'Alleluiah de Georges Bataille et enchaîne sur une série consacrée aux petits objets familiers. En 1950, il invente avec sa compagne, Jeanine Aeply, un procédé complexe mêlant reproduction chalcographique et peinture, qui permet de tirer ses œuvres à plusieurs exemplaires, pour obtenir ce qu’ils appelleront des « originaux multiples ».

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Peter De Wint (1784-1849) - Pots, Basket and Cloth on a Chest

 

Peter De Wint (1784-1849)
Pots, Basket and Cloth on a Chest
Watercolour over graphite.
Yale Center for British Art

Que voit on ? Une nature morte d'objets composés d'un empilement assez maniéré de paniers en osiers, poteries en terre cuite  d'origine méditerranéenne, posées sur une linge de table recouvrant un cocfr en bois visiblement très poussièereux. La représentation   de la poussière sur le coffre en bois et certaines de  poteries reste un des éléments les plus surprenants  ; sachant qu'il s'agit d'une aquarelle, cela permet de mesurer la maitrise technique inoédite de ce maître anglais du genre. .

Rappel biographique : Peter De Wint, st un peintre  anglais plutôt auteur de paysages dont un  certain nombre de ses tableaux sont conservés à la National Gallery, au Victoria and Albert Museum et à The Collection à Lincoln. De Wint est le fils d'un médecin d'origine néerlandaise arrivé à Londres en provenance de New York. Il s'installe à Londres en 1802 où il est apprenti chez John Raphael Smith, graveur à la manière noire et peintre portraitiste. Il reprend sa liberté en 1806, à condition qu'il fournisse 18 peintures à l'huile pendant deux ans. Etrange marché mais que De Witt respecte à la lettre !
En 1806 il visite Lincoln pour la première fois en compagnie du peintre de scène historiques William Hilton membre de la Royal Academy dont il épouse la sœur Harriet en 1810. De Wint et Hilton vivent ensemble dans Broad Street, Golden Square où vit aussi John Varley. Ce dernier donne des leçons à De Wint et le présente au Dr. Monro qui dirige une académie informelle à l'intention des jeunes artistes.
De Wint expose pour la première fois à la Royal Academy en 1807 et l'année suivante à la Gallery of Associated Artists in Watercolours. En 1809 il intègre l'école de la Royal Academy. Il est élu membre associé de l'Old Watercolour Society en 1810 et membre de plein droit l'année suivante. À cette époque, en tant que maître de dessin établi, il passe ses étés à enseigner auprès de familles provinciales aisées. En 1812 il devient membre de la Royal Watercolour Society où il expose pendant de nombreuses années ainsi qu'à l'Academy.
 De Wint peut être classé comme l'un des principaux aquarelliste anglais.

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Paul Gauguin (1848-1903) - Fleurs d'été dans une timbale

 

Paul Gauguin (1848-1903)
Fleurs d'été dans une timbale, 1885
Collection privé e(Vente Sotheby's)

Que voit on ? Un sujet très délicat peint par Gaughin avec une touche très impressionniste et sans aucun des éléments exotiques qui souvent accompagnent ses natures mortes. Ici, dans une timbale en argent (ou plus probablement en zinc), quelques fleurs d'été glanées dans des champs dont des coquelicots réputés pour ne pas tenir très longtemps en bouquet.

Rappel biographique : le peintre français Paul Gauguin est un peintre post impressionniste, chef de file bien connu de l'École de Pont-Aven et inspirateur des Nabis. Il est considéré comme l'un des peintres français majeurs du 19e siècle. En 1874, la connaissance qu'il fait de Camille Pissaro et la première exposition du courant impressionniste, l'inclinent à devenir amateur d'art et à s'essayer alors à la peinture. En 1882, il abandonne son emploi de courtier en bourse pour se consacrer uniquement à sa nouvelle passion, la peinture. De janvier à novembre 1884, il s'établit à Rouen où Pissaro vivait également. Pendant ces 10 mois passés à Rouen, il réalise près de quarante tableaux, principalement des vues de la ville et de ses alentours et quelques natures mortes très classiques. Cela ne suffit pas pour vivre et il part avec sa femme et ses enfants dans la famille de celle-ci à Copenhague.
Ses affaires ne vont pas bien et il revient à Paris en 1885 pour peindre à plein temps, laissant femme et enfants au Danemark, n'ayant pas les moyens d'assurer leur subsistance. Il est déchiré par cette situation. Il expose avec les impressionnistes régulièrement de 1876 à 1886.
C'est en juillet 1886 que Paul Gauguin effectue un premier séjour en Bretagne. Il s'installe pour 3 mois à la pension Le Gloanec, à Pont-Aven où vit une colonie d'artistes. Il y rencontre le très jeune peintre (et écrivain) Emile Bernard adepte du " Cloisonnisme ", une technique picturale cernant chaque plan de couleur d'une fine cloison, un peu à la manière de la technique du vitrail ou des estampes japonaises.
Influencé par Emile Bernard et par le courant symboliste, Paul Gauguin renonce à l'impressionnisme pour élaborer, une nouvelle théorie picturale, le " Synthétisme ". Sa recherche va alors dans le sens d'une simplification des formes, il élimine les détails pour ne garder que la forme essentielle, simplification obtenue par l'usage du cerne et de l'aplat de couleur.
Nabis et Synthétistes, inspirés également par Stéphane Mallarmé et les symbolistes littéraires, partageront pendant quelques temps des convictions communes sur la nécessité de libérer la peinture de sa sujétion au réel et de laisser davantage de place à l'idée ou à la symbolique. Maurice Denis, Paul Sérusier, Édouard Vuillard, Pierre Bonnard, Odilon Redon font partie de ce mouvement.
Gauguin retournera en Bretagne en 1889 et 1890, au Pouldu, tout proche de Pont-Aven, deux lieux où chaque été une importante colonie d'artistes tentera d'élaborer une nouvelle peinture. Il y loge à " la Buvette de la Plage " de Marie Henry, en compagnie des peintres Meyer de Haan, Sérusier et Filiger.
En 1891 ruiné, il s'embarque pour la Polynésie, grâce à une vente de ses œuvres dont le succès a été assuré par deux articles enthousiastes d'Octave Mirbeau. Il s'installe à Tahiti où il espère pouvoir fuir la civilisation, tout ce qui est artificiel et conventionnel.
Influencé par l'environnement tropical et la culture polynésienne, son œuvre gagne en force, il réalise des sculptures sur bois et peint ses plus beaux tableaux, notamment son œuvre majeure, aujourd'hui au Musée des Beaux arts de Boston au titre explicite de D'où venons nous? Que sommes sommes, Où allons nous ? qu'il considère lui-même comme son testament pictural. En 1901, il va vivre a Atuona dans les îles Marquises. Il lui semble être au paradis. Il va vite déchanter en se rendant compte des abus des autorités et en essayant de se battre pour les indigènes. Malgré ce combat auprès des autorités, Gauguin reste peu apprécié des Polynésiens en général et des Marquisiens en particulier, qui ont l'impression d'avoir eu affaire à un homme qui s'est servi d'eux, de leur culture ancestrale et surtout des femmes, comme si cela lui était dû. Affaibli, fatigué de lutter, il meurt au printemps 1903. Il est enterré dans le cimetière d'Atuona.
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Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779) - Nature morte avec Gibier

 

Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699-1779)
 Nature morte avec Gibier (c. 1760-65)
Huile sur toile,   39.6 x 59.6 cm.
 National Gallery, Washington

Que voit-on ? Une nature morte au gibier qu'il convient de replacer dans le contexte de son époque où les tableaux de chasse (au sens propre comme au figuré) étaient très appréciés. Deux lièvres que leurs grandes oreilles différencient des simples lapins de basse cour et un faisan gisent sur le rebord d'une niche, endroit ou l'on posait habituellement le gibier  au retoru de la chasse pour le protéger de l 'appétit des chats et des chiens mais aussi pour le laisser " murir ".

Rappel biographique : Jean-Baptiste-Siméon Chardin est considéré comme l'un des plus grands peintres français et européens du 18e siècle. Célèbre pour ses scènes de genre et ses pastels, il est aussi reconnu pour ses natures mortes dont il reste le maître incontesté. D'après les frères Goncourt, c'est Coypel qui en faisant appel à Chardin pour peindre un fusil dans un tableau de chasse, lui aurait donné le goût pour les natures mortes. A partir du Salon de 1748, Chardin expose de moins en moins de scène de genre, il multiplie désormais les natures mortes. Ce retour à ce type de peinture va durer une vingtaine d'années. Il est difficile de donner des raisons à ce changement de cap. On sait que pendant cette période la vie de Chardin est en pleine mutation. Il se remarie, il reçoit une pension du roi. Il est désormais à l'abri du besoin. Ces deux tableaux de réception à l'Académie Royale de peinture sont tous deux des natures mortes, La Raie et Le Buffet qui se trouvent aujourd'hui au Musée du Louvre. Chardin devient ainsi peintre académicien « dans le talent des animaux et des fruits », c'est-à-dire au niveau inférieur de la hiérarchie des genres alors reconnus. Et c'est sans aucun doute Chardin qui va lui donner ses lettres de noblesse et en faire un genre pictural égal, voire même supérieur à bien des égards, aux autres.
Les natures mortes qu'il peindra à partir de 1760 sont assez différentes des premières. Les sujets en sont très variés : gibier, fruits, bouquets de fleurs, pots, bocaux, verres... Chardin semble s'intéresser davantage aux volumes et à la composition qu'à un vérisme soucieux du détail, ou aux effets de trompe-l'œil. Les couleurs sont moins empâtées. Il est plus attentif aux reflets, à la lumière : il travaille parfois à trois tableaux à la fois devant les mêmes objets, pour capter la lumière du matin, du milieu de journée et de l'après-midi. On peut souvent parler d'impressionnisme avant la lettre.
Chardin cherchait à reproduire la matière, ces fruits semblent aussi vrais que nature, Diderot s'extasiait devant ce réalisme dans son compte-rendu du Salon de 1759 : " Vous prendriez les bouteilles par le goulot si vous aviez soif " ou encore en 1763, " C'est la nature même; les objets sont hors de la toile et d'une vérité à tromper les yeux. (...)
 Pour regarder les tableaux des autres, il semble que j'ai besoin de me faire les yeux ; pour voir ceux de Chardin, je n'ai qu'à regarder ce que la nature m'a donné et m'en bien servir ".
" O Chardin ! ce n'est pas du blanc, du rouge, du noir que tu broies sur ta palette: c'est la substance même des objets, c'est l'air et la lumière que tu prends à la pointe de ton pinceau et que tu attaches sur la toile ".

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John Ruskin (1819-1900) - Bough

 

John Ruskin (1819-1900)
Bough
Collection particulière

Rappel biographique : John Ruskin fut un écrivain, poète, peintre et critique d'art britannique.
Fils unique d'une riche famille, il fut éduqué à domicile, avec une insistance particulière sur l'art et la religion. Il poursuivit son éducation en dilettante, en tant qu'auditeur libre à Oxford. Malgré des problèmes de santé, il y obtint son MA en 1843. Surtout, il s'y lia d'amitié avec nombre d'intellectuels. Il fut publié dès son adolescence. Grâce а la fortune de sa famille, il put consacrer sa vie à l'écriture. Il devint rapidement célèbre dans les années 1840 grâce à son travail de critique dans Modern Painters (1843 à 1860) où il proposait une nouvelle façon d'appréhender l'art. Il écrivit ensuite The Seven Lamps of Architecture en 1849 et surtout The Stones of Venice en 1853. Il fit aussi passer ses idées par l'enseignement. Il participa à la création de l'University Museum, donna des cours de dessin au Working Men's College, un établissement de formation continue fondé par ses amis socialistes chrétiens. Il en donna aussi dans une école pour jeunes filles et par correspondance. En1870, il devint le premier titulaire de la chaire Slade à Oxford.
Son mariage avec Effie Gray annulé pour non-consommation continue à alimenter de nos jours des légendes nombreuses et des suppositions sur l'homosexualité contrariée de Ruskin. Effie épousa très vite le peintre John Everett Millais, un membre du mouvement préraphaélite dont Ruskin fut le mécène et le soutien après s'être engagé pour Turner. Grâce aux cours de dessin qu'il reçut lors de son enfance, avec James Duffield Harding par exemple, John Ruskin fut un dessinateur de talent. Même s'il ne se considéra jamais comme un artiste en tant que tel ou exposa peu, il produisit quelques toiles et aquarelles. Il fut ainsi élu membre honoraire de la Royal Watercolour Society en 1873.

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Alfrida Baadsgaard (1839-1912) - Nature morte avec orphie, maquereau et crabes comestibles

 

Alfrida Baadsgaard (1839-1912)
Nature morte avec orphies, maquereau et crabe comestible
Collection privée.

Que voit on ? Un peu comme dans les natures mortes que l'on a découvert à Pompei, un assemblage de poissons et de crustacés dans une niche. 

Rappel biographique :  Alfrida Baadsgaard  était une peintre de nature morte et auteure danoise.  Issu d'une famille où l'on comptait de nombreux artiste, elle se dirigea vers la peinture de nature morte en particulier florales dans  un style tres réaliste pour son époque.

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Faux Édouard Manet (1832-1883) - Nature Morte au Gibus

 


Faux Édouard Manet (1832-1883) 

Nature Morte au Gibus
Huile sur toile, 36.80 x 45.10 cm. après 1883
National Galleries of Scotland


Que voit -on ?  Ce joli Manet n'en est malheureusement pas un  ! Ce gibus  qui porte le patronyme de son inventeur Antoine Gibus, chapelier place des Victoires à Paris, qui en déposa le brevet en 1834. fut la première peinture impressionniste achetée par la National Gallery of Scotland. Le premier directeur de la galerie, Sir James Caw, avait payé 175 £ pour acquérir ce tableau en 1923. S'il  avait été authentique, il vaudrait des dizaines de millions de livres aujourd'hui... mais ce n'est pas  le cas !  Ce qui n'enlève rien a la qulité pictural de cette toile d'une jolie facture...  Et un grand merci à notre attentif lecteur Paul Petrogalli à l 'expertise duquel cet intru n'a pas échappé. 

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Konstantin Korovin (1861-1939) - Nature Morte avec Roses et Fruits,

 

Konstantin Alexeevich Korovin (1861-1939) 

Nature Morte avec Roses et Fruits, 1921　

Huile sur toile

Galerie Tretyakov, Moscou

Que voit on? Le thème de la nature morte avec bouquet de roses et fruits est un des favoris de Korovin qui le peignit à plusieurs reprises (Cf. la nature morte déjà publiée dans ce blog sur ce thème).  Contrairement à la précédente publication, celle ci est peinte à l'içnterieur de la maison et dans une lumiere tres différente. Les éléments décrits sont à peu près les mêmes à la différence près de la grappe de raisins qui occupe une grande partie du guéridon...  

Rappel biographique : Prenant le contrepied des influences impressionnistes des peintres russes de son temps, Korovin préfère à leurs palettes ternes et à leurs coups de pinceau méticuleux, un style plus expéditif fait de larges coups de pinceaux et de couleurs vives. Dès 1923, année où il s'installa définitivement à Paris, fuyant la Russie bolchévique,  la galerie Tretyakov organisa une importante exposition sur son travail.

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Henri Matisse (1869-1954) - Anémones au miroir noir

 

Henri Matisse (1869-1954)
Anémones au miroir noir
Huile sur toile, vers1920
Private collection  (Sotheby's NYC)

Que voit on ?  Posé devant une fenêtre  aux voilages fermés, un vase en verre transparent occupe l'extrémité gauche de ce qui semble être une table de toilettes dite " coiffeuse ", encombrée de divers objets, dans une chambre de dame. Le vase contient des anémones multicolores qui se déploient sur tout le milieu du cadre devant un miroir qui ne les reflète pas ; un miroir mystérieusement noir, selon la description  de Matisse  lui-même.

Rappel biographique : Henri Matisse, peint son premier tableau, Nature morte avec livres et chandelle en juin 1890. Peu après, il se rend à Paris. En 1892, il rencontre Albert Marquet à l'École des Arts déco puis s'inscrit en 1895, à l'École des beaux-arts, dans l'atelier de Gustave Moreau. L'enseignement du maître encourage ses élèves à penser leur peinture, à la rêver, au-delà de la virtuosité technique. Matisse, comme ses condisciples, Georges Rouault, Léon Lehmann, Simon Bussy, Eugène Martel, Albert Huyot ou Henri Evenepoel, est stimulé par cette conception de la peinture et entend développer la sienne selon son individualité. Gustave Moreau, lors d'une correction, lui dit : « Vous allez simplifier la peinture. »
Cette prophétie peut être considérée comme le programme esthétique de l'œuvre d'Henri Matisse.
En 1896, Matisse expose pour la première fois au Salon des Cent et au Salon de la Société nationale des beaux-arts, dont il devient membre associé sur proposition de Pierre Puvis de Chavannes. Cette fonction lui permet notamment d'exposer sans passer par un jury. Il passe l'été à Belle-Île-en-Mer et rencontre l'Australien John Peter Russell, qui l'introduit auprès d'Auguste Rodin et Camille Pissarro. Il commence à s'intéresser à la peinture impressionniste qu'il découvre en 1897 au musée du Luxembourg. Il est alors un peintre classique de natures mortes réalistes aux textures amples. Pour gagner sa vie, Matisse et Marquet travaillent comme peintre décorateurs à la journée, pour les décorateurs de théâtre.
En voyage à Londres, sur les conseils de Pissarro, Matisse découvre la peinture de Joseph Mallord William Turner, puis il part s'installer en Corse où il habite dans la Villa Rocca. A Ajaccio, il peint une cinquantaine de toiles dont Le Mur rose qui représente l'arrière de l'hospice Eugénie vu depuis la Villa de la Rocca. Matisse s'inspire alors de Turner.
En 1899, il découvre le traité de Paul Signac, d’Eugène Delacroix au néo-impressionnisme.
À partir de 1900, Matisse travaille la sculpture et le modelage, à l'Académie de la Grande Chaumière, sous la direction d'Antoine Bourdelle et fréquente également l'atelier d'Eugène Carrière. Il y fait la connaissance d'André Derain et de Jean Puy. Derain lui présente Maurice de Vlaminck. Il expose au Salon des indépendants (1901) et participe à la première édition du Salon d'automne (1903)

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Bartolomeo Bimbi (1648-1730) - Arance, lime, limoni e agrumi lumia

 

Bartolomeo Bimbi (1648-1730) 
Arance, lime, limoni e agrumi lumia
Galleria degli  Uffizi, Firenze


Que voit on ? Encadrée par deux statues de pierres et pose sur un vénérable entablement de pierre ornée d'un cartouche sur lequel sont scrupuleusement listés toutes les variétés d'agrumes représentés sur le tableau : une des collections de citons et oranges que Bimbi aimait à répertorier et qui permettent au 20e siècle de dresser un inventaire de toutes les espèces qui existaient autrefois et de faire le constat de  celles qui ont disparu.

Rappel biographique : Bartolomeo Bimbi fut un peintre italien de natures mortes qui a été actif à la fin du 17e et au début du 18e siècle. Il fut l'élève de Lorenzo Lippi et d'Onorio Marinari, et à Rome de Mario de'Fiori. Bimbi a, en partie, perpétué la tradition de Jacopo Ligozzi, mais fut initié à la peinture des fleurs par Agnolo Gori qui le présenta à Cosme III et au prince Ferdinand de Médicis. À partir de 1685, il exécuta pour ce dernier de nombreuses œuvres de tableaux d'animaux, de fleurs et de fruits, représentations d'après nature, d'une extrême précision scientifique. Pour cela il utilisait le savoir de spécialistes comme Redi, qui analysait les nouvelles espèces apportées à l'artiste pour être peintes et accrochées dans les villas médicéennes.
Les nombreuses commandes de ses clients encouragèrent la réalisation de grands tableaux de la faune pour la Villa Medicea dell'Ambrogiana, de la flore pour la Villa Medicea di Castello et des fruits pour le pavillon de chasse de la Topaia, sur les hauteurs de la résidence du Castello.
Aujourd'hui, la plupart de ses œuvres se trouvent dans le musée de la nature morte qui occupe le second et dernier étage de la Villa médicéenne de Poggio a Caiano. Elles témoignent d'une exceptionnelle « biodiversité » de la Toscane de jadis, et reproduisent avec précision, même les défauts dus aux maladies et aux parasites. Elles font l'objet de recherches historico-botaniques par le Conseil national de la recherche et de diverses universités qui souhaitent sauvegarder des espèces menacées d'extinction ou de récupérer des variétés horticoles disparues.

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Bela de Kristo (1920-2006) - Nature morte avec fruit

 

Bela de Kristo (1920-2006)
Nature morte avec fruit.
Collection privée

Que voit on ? Une composition cubiste qui commence  à flirter avec l'abstraction ! Pas suffisament cependant pour ne pas remarquer un compotier à l' étrange allure de pichet remplie de trois poires vertes et de raisins et une orange....

Rappel biographique :  Le travail de Bela de Kristo est extrêmement varié. Tout au long de sa carrière, il n’a cessé de renouveler son mode d’expression, faisant des maquettes, des photomontages, illustrant des livres pour enfants, réalisant des décors de théâtre et de cinéma avec son ami Alexandre Trauner. Au début de sa carrière, il est influencé par les constructivistes russes tels que Malevitch. Bela de Kristo s’inspire des événements de la vie de tous les jours. Il utilise l’abstraction de la même manière que les Surréalistes mais c’est dans son approche du cubisme qu’il excelle. Son œuvre d’un cubisme rigoureux affiche une sensibilité chargée d’humour et de poésie.

Bela de Kristo  est un artiste, franco-hongrois qui a commencé ses études supérieures à l’École des beaux-arts de Budapest. Après avoir obtenu son diplôme, il arrive à Paris où il organise une exposition d’artistes hongrois en 1947 à Saint-Germain-des-Prés. Son pays étant occupé par l’armée soviétique, il décide de s’installer définitivement à Paris et fréquente régulièrement l’Académie Julian et  la Grande Chaumière. En 1948, il est un des fidèles piliers de l’Académie d’André Lhote (rue d'Odessa) avec qui il partage les théories du cubisme. En 1954, il s’installe dans un atelier de la rue Vignon et nombre de ses dessins et cartons paraissent dans Paris Match entre autres. Cependant il passe la majorité de son temps à se consacrer à la peinture. Il se retire de la vie parisienne pour s’installer en Normandie qu’il découvre grâce à son ami Fernand Léger qui possède déjà une ferme atelier à Lisores. Il restera fidèle à la Normandie jusqu’à sa mort en mai 2006.

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Boris Kustodiev (1878-1927) - Homard et Faisan

 

Boris Kustodiev (1878-1927)
Homard et Faisan
Collection particulière

Que voit on ? Une composition peu avare de couleurs  complémentaires qui présente  dans un  même plat en porcelaine russe bleue et blanche un faisan set un homard  décrit avec un luxe de détail et une précision de textures rare.  Le bouquet de rose presque mauve qui ferme la gauche du cadre est aussi remarquable par ses coloris d'une vivacité assumée. Une caractéristique  de la peinture de Kustodiev ! 

Rappel biographique : Le peintre russe et décorateur de théâtre Boris Mikhaïlovitch Koustodiev (Борис Михайлович Кустодиев) a commencé à prendre des cours d'art privés avec Pavel Vlassov), avant de devenir l'assistant d'Ilya Répine à l'Académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg de 1896 à 1903. Il expose ses œuvres pour la première fois en 1896. En 1909, il est élu à l'Académie impériale des beaux-arts et continue à travailler intensivement, malgré une maladie grave (la tuberculose de la colonne vertébrale) qui requiert son attention urgente. Sur le conseil de ses médecins, il passe une année en Suisse dans une clinique privée. Sa patrie lui manque, et les thèmes russes continuent d'être à la base de toutes les œuvres qu'il exécute pendant l'année.
Il devient paraplégique en 1916. « Maintenant ma chambre est mon monde entier » écrit-il.
Sa capacité de rester joyeux et vif en dépit de sa paralysie est étonnante. Ses peintures pleines de couleurs vives ne révèlent pas sa souffrance physique ; au contraire, elles donnent l'impression d'une vie heureuse et sans soucis.

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William Nicholson (1872-1949) - Flowers

 

William Nicholson (1872-1949)
Flowers
Private collection

Que voit on ?  Un nature morte florale  plutôt moins lumineuse que celles que ce peintre avait  l'habitude de peindre cet artiste , bine que ce petit bouquet de  fleurs blanches des prés claquent sur le fond noir comme un étendard de vie et de joie.

Rappel biographique : Le peintre britannique William Nicholson est surtout connu pour les illustrations qu'il a réalisées pour des livres destinés à la jeunesse. Il illustra ainsi notamment Peter Pan de J.M. Barrie au tournant du 20e siècle. A partir de 1900, encouragé et protégé par Whistler, il se consacre à la peinture et commence à exposer ses premières toiles, essentiellement des portraits, des natures mortes et des paysages. Et ce fut une très grande réussite ! 

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Jan Mankes (1889-1920) - Monnaie du pape dans un vase japonais

 

Jan Mankes  (1889-1920)
Judaspenning in Japanse vaas, 1916
(Monnaie du pape dans un vase japonais)
Huile sur toile 34 x 36 cm
Private collection.

Que voit on ?  Un excellent exemple de la façon dont ce peintre néerlandais utilisait la peinture à l'huile, en parvenant à créer une impression de transparence, notamment dans son travail du blanc, en donnant un lustre perlé à la couleur .

Rappel biographique : Mankes avait la réputation de mener une vie d'ascète, choisissant de s'isoler des principaux centres culturels du pays (Amsterdam, Utrecht). Il travailla essentiellement dans un petit village de Frise, De Knipe, situé à quelques kilomètres de Heerenveen. Il se tenait cependant informé des évènements politiques et de la vie artistique en lisant la presse écrite et des magazines que lui apportaient des amis. Il vécut également quelques années à La Haye, puis à Eerbeek dès qu'il tomba malade.
À partir de 1909, il est soutenu financièrement par le mécène A. A. M. Pauwels (1875-1952), un marchand de tabac et collectionneur d'art de La Haye. La correspondance de Mankes et Pauwels, dans laquelle le peintre remercie son bienfaiteur pour l'argent et le matériel qu'il lui fait parvenir, a été publiée en 2012 par l'Institut néerlandais pour l'histoire de l'art (Rijksbureau voor Kunsthistorische Documentatie).
Il est parfois rattaché au courant réaliste symbolique, bien que l'historien de l'art Carol Peeters estime que le caractère abstrait de certaines œuvres n'en fait ni un peintre réaliste, ni un peintre symboliste.
Mankes étudiait longuement et dessinait des esquisses de ses sujets (le plus souvent des animaux et des oiseaux), « jusqu'à les connaître par cœur et les peindre de mémoire ». L'un de ses animaux préférés était un hibou empaillé envoyé par Pauwels, qu'il conservait dans sa chambre.

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Georges Braque (1882-1963) - Pichet et fruits

 

Georges Braque (1882-1963)
Pichet et fruits  c.1935
Huile sur toile 23.8 x 33 cm
Collection Privée 

Que voit on ?  Posé sur un guéridon ou une console de forme ovale  ornementé d'éléments baroques,   baroques, un pichet de verre  dont la transparence permet au peintre d'esquisser tout juste les contours et  deux fruits l'un sombre l'autre lumineux  tracés de quelques coup de pinceaux précis....

Rappel biographique : le peintre français Georges Braque qui fut aussi sculpteur et graveur est le maître incontestable de la nature morte au 20e siècle, genre qu'il a profondément transformé et renouvelé tout au long de sa vie, s'inscrivant (consciemment ou inconsciemment) dans une démarche similaire à celle de Chardin au 18e siècle. Engagé dans le sillage du fauvisme, influencé par Matisse, Derain et Othon Friesz, il peint, à l'été 1906 les paysages de l'Estaque avec des maisons en forme de cubes (Maisons à L'Estaque) que Matisse qualifie de cubistes. A partir de 1909, il entre dans ce que les spécialistes appellent la période du " cubisme analytique ". Les paysages qui prédominaient jusqu'alors dans son œuvre vont céder la place aux natures mortes.
Ce sont principalement des natures mortes d'objets et/ou d'instruments de musiques (violons, guitare, pipe, journaux et magazines, objets divers de décorations intérieurs comme les nappes, les guéridons...) qu'il peint délaissant volontiers les thématiques habituelles du genre (fruits, légumes, pâtisseries, porcelaines).
A la Libération, Aimé Maeght devient son nouveau marchand parisien, et publie la première édition des Cahiers G. Braque. En 1948, lorsqu'il présente la série des Billards à la Biennale de Venise, il reçoit le Grand Prix pour l'ensemble de son œuvre. Suit une série d'expositions en particulier au MoMa de New York, qui parachève la reconnaissance internationale de son œuvre immense et

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René Magritte (1898-1967) - Le leçon des ténèbres

 

René Magritte (1898-1967)
Le leçon des ténèbres, 1956
Gouache sur  papier 19.5 x 25.4 cm
Collection privée

Que voit on  ?  Comme d'habitude chez Magritte, ceci n'est pas une nature morte. Il n'empêche que l'on y voit - exactement comme dans une nature morte - un plateau de pommes posé sur un entablement de bois peint en grisaille  pour évoquer d la pénombre d'une pièce s'ouvrant par une fenêtre sans vitre sur une campagne riante et naïvement colorée avec une grande maison près de laquelle coule une rivière ! Le surréaliste belge ne reculait devant aucun contraste. Au contraire, il cherchait a les accentuer par dessus tout.  Le tour empruntant son tire à des pièces musicales de la  liturgie de la période du Carême !

Rappel Biographique : René-François-Ghislain Magritte, est un peintre surréaliste belge. La peinture de Magritte s’interroge sur sa propre nature, et sur l’action du peintre sur l’image. La peinture n’est jamais une représentation d’un objet réel, mais l’action de la pensée du peintre sur cet objet. Magritte réduisait la réalité à une pensée abstraite rendue en des formules que lui dictait son penchant pour le mystère : « je veille, dans la mesure du possible, à ne faire que des peintures qui suscitent le mystère avec la précision et l’enchantement nécessaire à la vie des idées », déclara-t-il. Son mode de représentation, qui apparaît volontairement neutre, académique, voire scolaire, met en évidence un puissant travail de déconstruction des rapports que les choses entretiennent dans la réalité. Magritte excelle dans la représentation des images mentales. L’élément essentiel chez Magritte, c’est son dégoût inné de la peinture plastique, lyrique, picturale. Magritte souhaitait liquider tout ce qui était conventionnel. « L’art de la peinture ne peut vraiment se borner qu’à décrire une idée qui montre une certaine ressemblance avec le visible que nous offre le monde » déclara-t-il. La réalité ne doit certainement pas être approchée sous l’angle du symbole.

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Alexandre-François Desportes (1661-1743) - Nature morte de Gibiers et de Fruits

 

Alexandre-François Desportes (1661-1743)
Nature morte de Gibiers et de Fruits
Huile sur toile 102,5 x 83 cm
Collection privée (Briscadieu, Bordeaux)

Que voit on ? Une ature morte caractéristique de l'époque de la Régence en France qui en rappelle une autre portant exactement le même titre de Nature morte au fruits et au gibiers, peinte en 1706 et  conservée MuMa.  Celle-ci, peinte 10 ans plus tard en 1716, présente  dans une niche en marbre, ornée d’une fontaine en forme de dauphin en bronze doré se déversant dans une vasque en marbre sculptée en gigantesque coquillage trilobé, une profusion exubérante de fruits et de gibiers très précisément ordonnés en fonction de leurs textures et de leurs coloris.
 En plein centre de la composition, attachés par les pattes comme c'était déjà l'usage dans les natures mortes de la Rome antique : un lièvre, une perdrix grise, deux canards col-vert, une sarcelle d’hiver et un vanneau.Chacun des trois lobes de la vasque est occupé par des fruits : à droite, dans une corbeille en osier, des oranges amères, une grenade éclatée, et une branche d’oranger ; à gauche, dans un bol en porcelaine chinoise monté en bronze doré, des pommes Calville sur lesquelles est perché un perroquet gris du Gabon, observant le trophée de gibier. Situées à même la vasque, des pommes d’Api, deux poires de Bon-Chrétien et une grenade éclatée complètent cette somptueuse composition.
Selon une note de Pierre Jacky, le spécialiste de Desportes : " En 1716, l’activité essentielle de Desportes se trouvait être pour le Régent qui venait de s’installer, après la mort de Louis XIV, au Palais Royal. Dès les premiers mois de 1716, le Régent avait demandé à Oppenordt, d’agrandir et mettre au goût du jour ses appartements. Nous ne pouvons exclure que cette fontaine à décor de dauphin puisse avoir été copiée par Desportes d’après un modèle nouvellement crée pour le Palais Royal. "
Merci à Jean-Luc Raynaud.

Rappel biographique : Issu d’une famille modeste, Alexandre-François Desportes à ne pas confondre avec Nicolas Desportes ou Jean Desportes, deux autres peintres de nature mortes ayant vécu à la meme époque)  était destiné à être paysan mais, à la suite d’une longue période de convalescence, il s’initia au dessin et acquit peu à peu une grande maitrise de cette technique. Il devint l’élève de Nicasius Bernaerts d'origine flamande, alors membre de l’Académie royale et spécialisé dans la peinture animalière et de Frans Snyders, il s’est largement imprégné de la tradition flamande. Au cours de ses premières années, il découvrit ainsi la peinture flamande dont il va subir l’influence tout au long de sa carrière.  A la mort de Bernaerts, Desportes ne se fia plus qu’à la nature. En 1695-1696, il fut nommé portraitiste à la cour de Pologne avant d’être rappelé en France où il abandonna le genre du portrait pour se consacrer presque exclusivement à la peinture animalière. Reçu à l’Académie royale en 1699, il participa à la décoration de la ménagerie de Versailles. Outre la peinture animalière, Alexandre-François Desportes se distingua aussi par ses natures mortes où il excella véritablement. On y perçoit l’approche réaliste flamande qui se traduit aussi bien dans les fonds de paysage que dans le rendu riche et méticuleux des matières alliée à une délicatesse alors réputée être très française.

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Georges Daniel de Monfreid (1856-1929) - Coin d’atelier au vase chinois

Georges Daniel de Monfreid (1856-1929)
Coin d’atelier au vase chinois
Huile sur toile, 1896
Collection privée

Que voit on ?  Dans un lieu décrit par l'artiste comme étant son atelier mais qui ressemblerait plutôt à un coin de salle à manger bretonne, avec son buffet  à galeries  de plats,  est présenté sur une table et devant un rideau, un vase chinois à support en bronze doré. Dans le vase : un bouquet de capucines ou de pois de senteurs virevoltant en tous sens. A côté du vase sur la table un livre relié, fermé, attend son lecteur ou sa lectrice.  Comme souvent dans les toiles de ce peintre l'atmosphère d'une douceur surannée est ce qui captive le spectateur dès le premier regard.

Rappel biographique : Georges-Daniel de Monfreid était un peintre et collectionneur d'art français. Né à New York, il a passé son enfance dans le sud de la France. Très tôt, il décide de faire carrière dans l'art et s'inscrit à l'Académie Julian. Il se lie d'amitié avec Paul Gauguin, Paul Verlaine et Aristide Maillol. Au début, son travail était impressionniste et néo-impressionniste, mais son groupe proche des Nabis a poussé son style en direction de Gauguin.
Il était également collectionneur d’art et mécène. Avec Gustave Fayet, il fut l'un des premiers collectionneurs des œuvres de Gauguin au moment de son exil dans le Pacifique. Il était également l'un des premiers biographes de Gauguin. Il a également été influencé par le cubisme de Pablo Picasso en fin de carrière.  Il était le père de l'écrivain français Henry de Monfreid (1879-1974).

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Lucien Pissarro (1863-1944) - Pommes sur une table contre une fenêtre aux rideaux de dentelles

 

Lucien Pissarro (1863-1944)
Pommes sur une table contre une fenêtre aux rideaux de dentelles, 1885
Huile sur toile 65.4 x 81.3 cm
Collection privée

Rappel biographique  : Lucien Pissarro est le fils aîné du peintre impressionniste Camille Pissarro, (1830-1903) et de Julie Vellay  (1838-1926).  Lucien grandit entouré des amis de son père : Cézanne, Manet et Monet en particulier et, encouragé dans cette direction, commence à dessiner et à peindre. Il commence sa carrière en tant que peintre paysagiste. Dans les années 1880, il s'intéresse à la sculpture, à la gravure sur bois et travaille entre 1884 et 1890, pour la société d'impression et d'édition d'art, Manzi, Joyant et Cie.
En 1890, il part pour le Royaume-Uni, s'installe définitivement à Londres, et devient citoyen britannique en 1916. Là, il se lie d'amitié avec les préraphaélites et les peintres « de plein air ».
En 1894 il monte une maison d'édition, qui jouera un rôle important dans le développement de l'édition d'art européenne. Il lui donne le nom d'Eragny Press — du nom d'Éragny-sur-Epte (Oise), le village de son père, près de Gisors (Eure).
En 1911, il devient le cofondateur du groupe de Camden Town à Londres.
La correspondance régulière qu'il entretint avec son père constitue un témoignage précieux à propos des mouvements impressionniste et néo-impressionniste.
De 1913 à 1919, il peint des paysages du Dorset, Westmorland, Devon, Essex, Surrey et du Sussex. En 1919, il forme, avec son frère Ludovic-Rodo Pissarro, James Bolivar Manson  et Théo Van Rysselberghe, le Groupe Monarro, visant à promouvoir les artistes, inspirés par les peintres impressionnistes, Claude Monet et Camille Pissarro. Ce groupe contribua fortement à la propagation de l'impressionnisme au Royaume-Uni, mais cessera de fonctionner, trois ans plus tard.

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Bernard Buffet (1928-1999) - Natures mortes à la poissonnerie

 

Bernard Buffet (1928-1999)
Natures mortes à la poissonnerie, 1951
Musée Bernard Buffet

Que voit on ? Une poissonnerie, comme il en existait autrefois dans chaque ville de France. Dans celle-ci la poissonnière se tient au milieu de ses étals où elle propose soles (en bas à gauche), maquereaux (en haut à gauche), daurade royale (en bas à droite) et raies (en haut à droite).
Certains de ces poissons sont accrochés à des crocs disposés sur les murs carrelés de la boutique.

Rappel biographique : Bernard Buffet est un peintre français expressionniste, qui a peint aussi bien des personnages que des figures, animaux, nus, paysages, intérieurs, natures mortes, fleurs. Aquarelliste, c'est également un peintre de décors de théâtre et un illustrateur. Il remporte le concours d’entrée de l'École nationale supérieure des beaux-arts en décembre 1943 à quinze ans, passant deux ans dans l'atelier du peintre Eugène Narbonne où il est déjà considéré comme très doué. Il s'y lie notamment d'amitié avec les peintres Maurice Boitel et Louis Vuillermoz.
En 1947, il expose L'Homme accoudé au Salon des indépendants et en décembre a lieu sa première exposition particulière présentée par Pierre Descargues, à la Librairie des impressions d'art. On y reconnait déjà un graphisme très caractéristique qui sera tout au long de sa vie, la marque du peintre. L'État, par l'intermédiaire de Raymond Cogniat, lui fait son premier achat pour le Musée national d'art moderne de Paris avec la peinture Nature morte au poulet. En 1955, il obtient la première place au référendum organisé par la revue Connaissance des arts désignant les dix meilleurs peintres de l'après-guerre. Il peint les maquettes des décors et des costumes pour La Chambre argument de Georges Simenon qui devient son ami. Élu à l’Académie des beaux-arts au fauteuil de Paul Jouve, Bernard Buffet est alors le plus jeune académicien jamais élu sous la coupole.
En 1978, à la demande de l’administration des postes, Bernard Buffet réalise une maquette pour un timbre de trois francs L’Institut et le Pont des arts. À cette occasion le musée postal à Paris présente une exposition rétrospective de ses œuvres. Dans les années 1970-80, Bernard Buffet est un artiste au sommet de sa gloire que les critiques n'épargnent pas, comme tout artiste qui connait un grand succès de son vivant. Ils lui reprochent principalement le " statisme " de sa touche dans laquelle ils décèlent peu d'évolutions au cours des années, le traitant volontiers de " peintre académique ".
Au début des années 1980 son œuvre immense, est plus appréciée à l'étranger qu'en France, et principalement en Extrême Orient, aux Etats-Unis, en Amérique du sud et au surtout Japon où elle connait un succès considérable et où un musée est spécifiquement construit pour lui à Surugadaira, ce qui, à cette époque, est inédit pour un peintre vivant.
En 1986, sa femme et modèle favori, Annabel, publie D’amour et d’eau fraîche ; la même année sortent les deux premiers volumes de la monographie de Yann Le Pichon, Bernard Buffet, couvrant la période 1947-1982, qui obtiennent immédiatement le Prix Élie Faure.
Bernard Buffet, diminué par la maladie de Parkinson, se suicide par asphyxie, le 4 octobre 1999, dans son atelier du Domaine de la Baume près de Tourtour (Var), étouffé dans un sac en plastique noir sur la surface duquel son nom était dessiné avec sa calligraphie si caractéristique ; dernière mise en scène un rien macabre d'un très grand artiste du 20e siècle, qui toute sa vie avait adoré mettre en scène sa propre existence. En novembre 2007, paraît le troisième et dernier volume de la monographie de Yann Le Pichon, couvrant la période de 1982 à 1999.
En 2016- 2017, le MAM (Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris), rend hommage au peintre à travers une exposition où sont présentées toutes les acquisitions du musée faites dans les années 47- 55 et quelques chef d'oeuvres prêtées par le Musée Bernard Buffet de Surugadaira.

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Un blog de Francis Rousseau