Paul Gauguin (1848-1903) - Nature morte au profil de Charles Laval

Paul Gauguin (1848-1903)

Nature morte au profil de Charles Laval (1886) 

Indianapolis Museum of Art

Que voit-on ?  Sur un entablement en bois recouvert d'un drapé blanc réalisé avec une serviette,  8 fruits ronds (pommes) et un fruit contondant (aubergine) entourent une statue ou une poterie dont la forme est difficile à cerner. Le fond du tableau est un mur sur lequel est posée une toile (sans doute exécutée par Laval) qui représente un paysage en hauteur. Sur la droite du cadre, un personnage de profil Charles Laval, qui donne son titre à la toile, observe la nature morte. Ce n'est d'ailleurs pas la première fois chez Gauguin qu'un personnage en marge du sujet central, observe une nature morte, mais cette fois-ci le personnage n'est pas n'importe qui. En effet Charles Laval (1861-1894) a joué un rôle déterminant dans la vie de Gaughin qui s'en est énormément inspiré ; c'est donc lui et sa façon de peindre que l'on retrouve dans cette nature morte qui en deviennent les sujets centraux.  Gaughin  et Laval se lient d'un forte amitié  dès 1886 à  la Pension Gloanec à Pont-Aven. En quête d'un exotisme qui pourrait leur fournir la clé d'un art « autre », Laval et Gauguin partent ensemble en 1887 pour le Panama. Afin de gagner quelques subsides, Laval exécute des portraits académiques  (tous perdus). Une série de mésaventures conduisent Laval et Gauguin à quitter le continent pour la Martinique, où un musée leur est d'ailleurs consacré. Laval réalise une petite série de paysages diaprés aux couleurs éclatantes, longtemps attribués à Gauguin. À bien des égards, les toiles martiniquaises de Laval devancent celles de Gauguin : Laval compose ses peintures selon les structures cadencées de Pierre Puvis de Chavannes, tout en simplifiant ses figures en arabesques décoratives. Monumentales et intemporelles, ses Femmes de la Martinique se situent à mille lieues d'un reportage colonial. Sujet à des crises de démence, tentant même de se suicider, Laval rentre des Antilles en 1888, quelques mois après Gauguin. Il en rapporte des toiles et des aquarelles qui fascinent  littéralement Gauguin mais  entre-temps, celui-ci a sympathisé avec le jeune Emile Bernard.  Laval, Gauguin et Bernard vont dès lors façonner ensemble une nouvelle syntaxe plastique. Bien des années plus tard, lorsque Charles Laval sera  si injustement oublié, Bernard et Gauguin, devenus ennemis irréductibles, revendiqueront l'un comme l'autre l'invention de ce système pictural révolutionnaire, occultant le rôle d'un Laval qui, discrètement, apportait son talent poétique au synthétisme. Dans le cadre d'une série d'échanges, Vincent van Gogh commande à Laval un Autoportrait dont le Hollandais louera avec enthousiasme les qualités psychologiques.

Paul Gauguin (1848-1903) - Nature morte, avec l'Espérance

Paul Gauguin (1848-1903)
Nature morte, avec l'Espérance, 1901
Collection privée (via Christie's)

Que voit on ? Dans une couleur générale très rouge se détachent un bouquet de tournesol posé sur une coffre en bois des iles, un très beau bol peint à motif floral, et puis surtout... ce tableau dans le tableau qui donne son titre à cette composition : L'espérance. Il s 'agit d'une jeune fille nue se détachant sur un paysage de désolation qu'avait peint Puvis de Chavannes pour symboliser l'espoir de renouveau après la guerre franco- prussienne. Gaughin qui était un grand admirateur de Puvis de Chavannes avait copié cette toile pour l'emporter avec lui à Tahiti dans son atelier et la reproduisit dans cette nature morte de même que ce qui semble être (plus bas à gauche) un monotype de Degas. L'espérance de Puvis de Chavannes se trouve aujourd'hui en deux versions distinctes à la Walters Art Gallery de Baltimore (la version que reproduisit Gaughin) et au Musée d'Orsay à Paris.

Rappel biographique : le peintre français Paul Gauguin est un peintre post impressionniste, chef de file bien connu de l'École de Pont-Aven et inspirateur des Nabis. Il est considéré comme l'un des peintres français majeurs du 19e siècle. En 1874, la connaissance qu'il fait de Camille Pissaro et la première exposition du courant impressionniste, l'inclinent à devenir amateur d'art et à s'essayer alors à la peinture. En 1882, il abandonne son emploi de courtier en bourse pour se consacrer uniquement à sa nouvelle passion, la peinture. De janvier à novembre 1884, il s'établit à Rouen où Pissaro vivait également. Pendant ces 10 mois passés à Rouen, il réalise près de quarante tableaux, principalement des vues de la ville et de ses alentours et quelques natures mortes très classiques. Cela ne suffit pas pour vivre et il part avec sa femme et ses enfants dans la famille de celle-ci à Copenhague.
Ses affaires ne vont pas bien et il revient à Paris en 1885 pour peindre à plein temps, laissant femme et enfants au Danemark, n'ayant pas les moyens d'assurer leur subsistance. Il est déchiré par cette situation. Il expose avec les impressionnistes régulièrement de 1876 à 1886.
C'est en juillet 1886 que Paul Gauguin effectue un premier séjour en Bretagne. Il s'installe pour 3 mois à la pension Le Gloanec, à Pont-Aven où vit une colonie d'artistes. Il y rencontre le très jeune peintre (et écrivain) Emile Bernard adepte du " Cloisonnisme ", une technique picturale cernant chaque plan de couleur d'une fine cloison, un peu à la manière de la technique du vitrail ou des estampes japonaises.
Influencé par Emile Bernard et par le courant symboliste, Paul Gauguin renonce à l'impressionnisme pour élaborer, une nouvelle théorie picturale, le " Synthétisme ". Sa recherche va alors dans le sens d'une simplification des formes, il élimine les détails pour ne garder que la forme essentielle, simplification obtenue par l'usage du cerne et de l'aplat de couleur.
Nabis et Synthétistes, inspirés également par Stéphane Mallarmé et les symbolistes littéraires, partageront pendant quelques temps des convictions communes sur la nécessité de libérer la peinture de sa sujétion au réel et de laisser davantage de place à l'idée ou à la symbolique. Maurice Denis, Paul Sérusier, Édouard Vuillard, Pierre Bonnard, Odilon Redon font partie de ce mouvement.
Gauguin retournera en Bretagne en 1889 et 1890, au Pouldu, tout proche de Pont-Aven, deux lieux où chaque été une importante colonie d'artistes tentera d'élaborer une nouvelle peinture. Il y loge à " la Buvette de la Plage " de Marie Henry, en compagnie des peintres Meyer de Haan, Sérusier et Filiger.
En 1891, ruiné, il s'embarque pour la Polynésie, grâce à une vente de ses œuvres dont le succès a été assuré par deux articles enthousiastes d'Octave Mirbeau. Il s'installe à Tahiti où il espère pouvoir fuir la civilisation, tout ce qui est artificiel et conventionnel.
Influencé par l'environnement tropical et la culture polynésienne, son œuvre gagne en force, il réalise des sculptures sur bois et peint ses plus beaux tableaux, notamment son œuvre majeure, aujourd'hui au Musée des Beaux arts de Boston au titre explicite de D'où venons nous? Que sommes sommes, Où allons nous ? qu'il considère lui-même comme son testament pictural. En 1901, il va vivre a Atuona dans les îles Marquises. Il lui semble être au paradis. Il va vite déchanter en se rendant compte des abus des autorités et en essayant de se battre pour les indigènes. Malgré ce combat auprès des autorités, Gauguin reste peu apprécié des Polynésiens en général et des Marquisiens en particulier, qui ont l'impression d'avoir eu affaire à un homme qui s'est servi d'eux, de leur culture ancestrale et surtout des femmes, comme si cela lui était dû. Affaibli, fatigué de lutter, il meurt au printemps 1903. Il est enterré dans le cimetière d'Atuona.

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2019 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Jacobus Heindrik Pierneef (1886-1957) - Still Life of Gourds, a Pomegranate and an African Clay Pot

Jacobus Heindrik Pierneef  (1886-1957)

Still Life of Gourds, a Pomegranate and an African Clay Pot 

oil on board  (45,5 x60 cm), 1938

Private Collection South Africa

Principalement connu pour ses paysages et ses peintures de montagnes d'Afrique du Sud et de Namibie,  dont il reste le maître incontesté, Pierneef a peint cependant quelques plusieurs natures mortes qui offrent une témoignage tout à fait  unique de sa préoccupation picturale constante de faire fusionner le modernisme européen (Monet, Gaughin, Picasso, Braque) avec une vision nettement plus africaine de la peinture.

La  nature morte ci-dessus a été peinte en 1938 dans un  style similaire à celui référencé  dans l’ouvrage African Still Life - Art and Artists of South Africa d’Esmé Berman. Elle témoigne du souci de l’artiste de se forger une identité africaine dans le choix de ses objets, parmi lesquels une calebasse indigène et une poterie Venda tout en optant pour un style pictural très européen où l'on peut noter les influences conjuguées de Paul Gaughin et de Pablo Picasso notamment. 

En adoptant ce type de démarche, Pierneef fut le pionnier d’un nouveau mode d’expression qui ancra fermement sa place au premier plan de l’histoire de l’art en Afrique du Sud. Ce peintre aux styles picturaux aussi divers qu'étonnant rest encore aujourd'hui une énigme pour bon nombre de spécialistes, ses tableaux oscillant de l'impressionnisme d'un Claude  Monet à un style proche de celui de  la bande dessinée belge des années 1950. 

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2019 - A Still Life Collection 
Un blog de Francis Rousseau 

Emile Schuffenecker (1851-1934)

Emile Schuffenecker (1851-1934)

Nature morte avec une coupe de fruits (1886) 

Kröller-Müller Museum Otterlo.

Claude-Émile Schuffenecker, dit Émile Schuffenecker,  est un peintre postimpressionniste très peu connu du public en général.   Très grand ami de  Paul Gaughin tout au long de sa vie, Schuffenecker, le rencontre pour la première fois alors qu'il a 21ans. Les deux hommes étudient  et copient ensemble les tableaux des grands  maîtres au musée du Louvre et travaille à l'Académie Colarossi à Paris.

Vers 1880,  il décide comme Gaughin de se lancer dans la carrière  d'artiste peintre.et il commence à enseigner le dessin au Lycée Michelet à Vanves.  Schuffenecker donne une lettre de recommandation au peintre Émile Bernard pour l'introduire auprès de Gauguin et de cette rencontre qui a  a lieu en 1886  naitra l'École de Pont-Aven.  Émile Schuffenecker en est un disciple appliqué et certains de ses tableaux sont très typiques (voir même caricaturaux) du style de Pont Aven. 

Par la suite on a parfois soupçonné Schuffenecker d'utiliser ces taletns de copistes à des faux (Van Gogh notamment) 

Dans les années 1920, il fréquente à la Ruche le peintre fauve Victor Dupont, qui l'appelle de manière affectueuse Schuff le Rouge,  à cause de ses sympathies anarchistes.

En 1888, Paul Gauguin lui écrit  : « Un conseil, ne copiez pas trop d'après nature, l'art est une abstraction, tirez-la de la nature en rêvant devant, et pensez plus à la création qu'au résultat. C'est le seul moyen de monter vers Dieu en faisant comme notre divin Maître, créer. »

Camille Pissarro (1830-1903) - Nature morte au panier de poires

Camille Pissarro (1830-1903)

Nature morte au panier de poires (1872)

Musée Granet (Aix-en-Provence)

Que voit-on ? Sur une desserte recouverte d'une nappe blanche dont les pli sont très visibles, devant un mur tendu d'un papier peint  à motif fleuri, exactement au centre  de la composition : un panier de récolte en osier à  grande anse contenant six poires de différentes couleurs (verte, jaune, rouge) diversement disposées. Les ombres portées de l'anse du panier et des poires laisse entendre que la lumière pénètre par la droite et donc par l'ouest.  La signature est en haut à droite.

Rappel biographique : Jacob Abraham Camille Pissarro, dit Camille Pissarro, est un  peintre français d'origine danoise, qui appartient au mouvement de l'impressionnisme et du neo-impressionnisme. Théoricien du mouvement anarchiste, il fréquente assidûment les peintres de la Nouvelle-Athènes qui appartiennent au mouvement libertaire. Il partage cette position avec Paul Gaughin avec lequel il eut cependant des relations très tendues. Peintre de paysage et de scène de rues, Pissaro a peint moins d'une dizaine de natures mortes dans toute sa carrière.  

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2015 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Martiros Sergeyevich Saryan (1880-1972) - Nature morte avec mules persanes

Martiros Sergeyevich Saryan (1880-1972)

Nature morte avec mules persanes, 1913

Collection  particulière 

Que voit on ? Posées sur différents supports tissés très colorés : trois tasses en porcelaine ;  l'une blanc-bleu et lesdeux autres à motifs Compagnie des Indes. L'une est renversée, une autre contient un citron entier, et la troisième est vide. Quelques fruits au premier plan encadrent une paire de mules persanes qui donne te titre à cette nature morte à l'atmosphère très orientale. 

Rappel biographique : Martiros Sarian ou Saryan (Մարտիրոս Սարյան est un peintre arménien né en Russie. Il est considéré comme le père de la peinture moderne arménienne.
Lorsqu'il découvre l'Arménie en 1901, il ressent une « passion presque charnelle » pour elle, et n'a « de cesse de la représenter par des toiles inondées de lumière et vibrantes de couleurs ». Bien très influencé par Paul Gaughin, il fut le premier à réaliser la nécessité d'élaborer un style propre basé sur les anciennes traditions nationales.avec une palette « délibérément gaie, vive et colorée .
Il disait lui-même : « La couleur devrait chanter. Elle devrait exprimer la perception de l'essence de la vie qui réside en chaque être humain. En utilisant la couleur, j'augmente encore plus ce que je vois, afin que la lumière puisse être plus brillante dans mes oeuvres. »
En 1909, Sarian se tourne vers les changements réels qui affectent son temps. Il observe l'éloignement de l'homme et de la nature. Il choisit de peindre des motifs que la civilisation industrielle n'avait pas encore touchés et qui portent l'empreinte et l'enseignement d'une vie séculaire. Il devient ainsi passeur de mémoire des lieux et des jours. Il généralise à l'extrême la nature et il révèle l'expressivité des formes. Il construit l'art de sa composition sur un seul plan en répartissant régulièrement les grandes taches de couleur pure. Il s'inspire en cela du principe et de l'art de la miniature arménienne, ainsi que l'art de l'enluminure arménienne. Les couleurs de la palette de Sarian irradient la lumière. La combinaison harmonieuse et contrastée de trois ou quatre tons principaux permet au peintre d'obtenir expressivité, chaleur et surtout lumière. Cette lumière alliée à des couleurs suaves et chantantes qu'elle fait rayonner sont devenues des symboles de la patrie du peintre. Sa sagesse et son habileté ont pu le préserver des persécutions politiques dont son fils spirituel Minas Avétissian fut mortellement frappé. C'est pour cela que les historiens de la peinture arménienne ont toujours privilégié la peinture du jeune Sarian à celle plus académique du vieux peintre.
En 1960 Louis Aragon de lui : « Comme cette lumière de Rome qui nous parvient à travers les siècles français par le pinceau de Nicolas Poussin, puis de Jean-Baptiste Corot, la lumière d'Arménie nous atteint grâce à Martiros Sarian. Lumière enfin dégagée des larmes qui brouillaient la voix des poètes de Naпri, lumière enfin heureuse sur les fruits, les hommes, les montagnes, elle est un trésor retrouvé, comme si les eaux du déluge s'étant retirées, la plaine d'Erevan n'était que la pure couleur de l'avenir. Si bien que les siècles, à côté de notre Cézanne et de notre Matisse, placeront Sarian à la première place, car il est un peintre du bonheur. »
En 1980, huit ans après son décès une grande exposition lui a été consacrée au Centre Pompidou- Paris.

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2019 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Donald Beauregard (1884-1914)

Donald Beauregard (1884-1914)
 Still life
Museum of New Mexico, Santa Fé

Que voit on ?  Sur  un entablement qui semble être un plateau bleu (les bords relevés de sa surface l'atteste) : une assiette en porcelaine jaune et verte contenant un pomme ; une assiette creuse présentée debout contre le mur, en porcelaine bleu vernissée à dessins d'étoiles stylisées ou d'étoiles de mer ; une pomme et un citron utilisés comme pour caler l'assiette contre le mur sur le lequel elle repose ;  à la gauche du cadre, un pot en porcelaine bleu et jaune tronqué dans le sens de la longueur. ;  au milieu du tableau, une carafe en verre transparent bleu contenant de l'eau tout à fait dans le goût de ce modèles en verre bleu que Jacques-Emile Blanche a peint dans Nature morte avec couteau.
Cette nature morte, conservé au Musée de Santa Fé, est une des rares que Donald Beauregard ait peinte ; ce peintre impressionniste américain dont l'oeuvre est devenue rare, est plus connu pour ses portraits ses paysages.

Rappel Biographique : L'artiste américain Donal Beauregard disparu prématurément à l'âge de 30 ans est surtout connu pour être le peintre des Canyons, des paysages de l'Utah, du Grand Ouest américain, de l'exploration des mines et de l'épopée des premières familles de colons. Il n'a peint beaucoup de natures mortes, mais visiblement il n'ignorait pas le genre puisque les rares que l'on peut observer, sont toute d'une grande délicatesse, d'une grande beauté et d'une très grande richesse de coloris.
Beauregard commença ses études en 1901 à l'Université Brigham Young, puis les poursuivit à l'Université d'Utah avec Edwin Evans dont il devient l'assistant en 1905.  Il se rendit ensuite à Paris, où il étudia avec Paul Laurens à l'Académie Julian et se familiarisa avec les travaux de Gaughin et Cézanne.  En 1910, de retour aux Etats Unis, Frank Springer le chargea de peindre six grandes peintures murales illustrant la vie de saint François d'Assise pour l'exposition  Panama-Pacifique de 1915 à San Diego. Alors qu'il faisait des recherches et étudiait la vie de saint François, Beauregard tomba gravement malade et ne termina jamais cette commande. 

Nikolaï Astrup (1880-1928)

Nikolaï Astrup (1880-1928)
Sketch for a still  life

Le peintre norvégien  Nicholai Astrup ( est sans doute le plus réputé des peintres du 20e siècle dans son pays.  Faisant partie du mouvement néo romantique, les peintures d'Astrup se situent souvent très influencés entre  l'expressionnisme et la peinture naïve (il rencontra d'ailleurs a plusieurs reprises Henri Rousseau dont il connaissait l'oeuvre, de même que Maurice Denis et Paul Gaughin). Ses œuvres, caractérisées par des couleurs vives et claires, représentent les scènes et les paysages des environs de la ville où il vivait. De son vivant, l'artiste vendait ses œuvres comme moyen de subsistance. Il peignit très peu de natures mortes. Sans doute celle-ci a-t-elle été peint  pour honorer une commande précise  car Nikolai Astrup est un peintre qui vécut toute sa vie des ventes de ses tableaux.

Martiros Sergeyevich Saryan (1880-1972)- Egyptian masks

Martiros Sergeyevich Saryan (1880-1972)
Egyptian  masks, 1911

Que voit on ? Posés sur un entablement des fragments de fresque égyptienne (un poing, des dessins de motifs de poterie ou de tissus) et cinq masques dont trois évoquent clairement l'Egypte des pharaons et deux font une référence plus explicite à l'Afrique.  Le tout baignant dans cette lumière extraordinaire et cent fois célébrée qui baigne tous les tableaux de ce peintre.

Rappel biographique :  Martiros Sarian ou Saryan (en arménien Մարտիրոս Սարյան est un peintre arménien né en Russie. Il est considéré comme le père de la peinture moderne arménienne.
Lorsqu'il découvre l'Arménie en 1901,  il ressent une « passion presque charnelle » pour elle, et n'a « de cesse de la représenter par des toiles inondées de lumière et vibrantes de couleurs ».  Bien tres influencé par Gaughin, il fut le premier à réaliser la nécessité d'élaborer un style propre basé sur les anciennes traditions nationales.avec une palette « délibérément gaie, vive et colorée .
Il disait lui-même : « La couleur devrait chanter. Elle devrait exprimer la perception de l'essence de la vie qui réside en chaque être humain. En utilisant la couleur, j'augmente encore plus ce que je vois, afin que la lumière puisse être plus brillante dans mes oeuvres. »
En 1909, Sarian se tourne vers les changements réels qui affectent son temps. Il observe l'éloignement de l'homme et de la nature. Il choisit de peindre des motifs que la civilisation industrielle n'avait pas encore touchés et qui portent l'empreinte et l'enseignement d'une vie séculaire. Il devient ainsi passeur de mémoire des lieux et des jours. Il généralise à l'extrême la nature et il révèle l'expressivité des formes. Il construit l'art de sa composition sur un seul plan en répartissant régulièrement les grandes taches de couleur pure. Il s'inspire en cela du principe et de l'art de la miniature arménienne, ainsi que l'art de l'enluminure arménienne. Les couleurs de la palette de Sarian irradient la lumière. La combinaison harmonieuse et contrastée de trois ou quatre tons principaux permet au peintre d'obtenir expressivité, chaleur et surtout lumière. Cette lumière alliée à des couleurs suaves et chantantes qu'elle fait rayonner sont devenues des symboles de la patrie du peintre. Sa sagesse et son habileté ont pu le préserver des persécutions politiques dont son fils spirituel Minas Avétissian fut mortellement frappé. C'est pour cela que les historiens de la peinture arménienne ont toujours privilégié la peinture du jeune Sarian à celle plus académique du vieux peintre.
En 1960  Louis Aragon de lui  : « Comme cette lumière de Rome qui nous parvient à travers les siècles français par le pinceau de Nicolas Poussin, puis de Jean-Baptiste Corot, la lumière d'Arménie nous atteint grâce а Martiros Sarian. Lumière enfin dégagée des larmes qui brouillaient la voix des poètes de Naпri, lumière enfin heureuse sur les fruits, les hommes, les montagnes, elle est un trésor retrouvé, comme si les eaux du déluge s'étant retirées, la plaine d'Erevan n'était que la pure couleur de l'avenir. Si bien que les siècles, à côté de notre Cézanne et de notre Matisse, placeront Sarian à la première place, car il est un peintre du bonheur. »
En 1980, huit ans après son décès une grande exposition lui a été consacrée au Centre Pompidou à Paris.

 
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2018 - A Still Life Collection
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Martiros Sergeyevich Saryan (1880-1972) - Still life, Grapes

Martiros Sergeyevich Saryan (1880-1972)
Still life, Grapes. 1911
Tempera on cardboard
Tretyakov Gallery

Que voit on ? Deux grappes de raisins blanc et rouges, un régime de bananes, une poire, des oranges et un vase contenant un bouton de tulipe. Ces éléments semblent tous peints sur le meme plan, sans perspective, mais à y regarder de plus près ils ne le sont pas... ce qui constitue une des illusiosnsd'optique favorite de Saryan.

Rappel biographique : Martiros Sarian ou Saryan (Մարտիրոս Սարյան est un peintre arménien né en Russie. Il est considéré comme le père de la peinture moderne arménienne.
Lorsqu'il découvre l'Arménie en 1901, il ressent une « passion presque charnelle » pour elle, et n'a « de cesse de la représenter par des toiles inondées de lumière et vibrantes de couleurs ». Bien très influencé par Paul Gaughin, il fut le premier à réaliser la nécessité d'élaborer un style propre basé sur les anciennes traditions nationales.avec une palette « délibérément gaie, vive et colorée .
Il disait lui-même : « La couleur devrait chanter. Elle devrait exprimer la perception de l'essence de la vie qui réside en chaque être humain. En utilisant la couleur, j'augmente encore plus ce que je vois, afin que la lumière puisse être plus brillante dans mes oeuvres. »
En 1909, Sarian se tourne vers les changements réels qui affectent son temps. Il observe l'éloignement de l'homme et de la nature. Il choisit de peindre des motifs que la civilisation industrielle n'avait pas encore touchés et qui portent l'empreinte et l'enseignement d'une vie séculaire. Il devient ainsi passeur de mémoire des lieux et des jours. Il généralise à l'extrême la nature et il révèle l'expressivité des formes. Il construit l'art de sa composition sur un seul plan en répartissant régulièrement les grandes taches de couleur pure. Il s'inspire en cela du principe et de l'art de la miniature arménienne, ainsi que l'art de l'enluminure arménienne. Les couleurs de la palette de Sarian irradient la lumière. La combinaison harmonieuse et contrastée de trois ou quatre tons principaux permet au peintre d'obtenir expressivité, chaleur et surtout lumière. Cette lumière alliée à des couleurs suaves et chantantes qu'elle fait rayonner sont devenues des symboles de la patrie du peintre. Sa sagesse et son habileté ont pu le préserver des persécutions politiques dont son fils spirituel Minas Avétissian fut mortellement frappé. C'est pour cela que les historiens de la peinture arménienne ont toujours privilégié la peinture du jeune Sarian à celle plus académique du vieux peintre.
En 1960 Louis Aragon de lui : « Comme cette lumière de Rome qui nous parvient à travers les siècles français par le pinceau de Nicolas Poussin, puis de Jean-Baptiste Corot, la lumière d'Arménie nous atteint grâce à Martiros Sarian. Lumière enfin dégagée des larmes qui brouillaient la voix des poètes de Naпri, lumière enfin heureuse sur les fruits, les hommes, les montagnes, elle est un trésor retrouvé, comme si les eaux du déluge s'étant retirées, la plaine d'Erevan n'était que la pure couleur de l'avenir. Si bien que les siècles, à côté de notre Cézanne et de notre Matisse, placeront Sarian à la première place, car il est un peintre du bonheur. »
En 1980, huit ans après son décès une grande exposition lui a été consacrée au Centre Pompidou- Paris.

 

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2019 - A Still Life Collection 

Un blog de Francis Rousseau 

Camille Pissaro (1830-1903) - Nature morte à la cafetière

Camille Pissaro (1830-1903)

Nature morte à la cafetière  (1900)

Musée de l'Hermitage, Saint-Petersbourg, Russie

Que voit-on ?  La toile est séparée en deux horizontalement : une desserte à la nappe blanche occupe le bas du cadre alors que le haut est occupé  (occulté pourrait on même dire) par une double tenture bleue  à impression de mouettes volant au-dessus des flots.   L'imprimé de la tenture est même si réaliste  et détaillé que l'on peut de demander su une mouette n'a pas quitter le rideau pour venir se  poser  sur le bord de la desserte (en haut à droite). Une fois toutes ces digressions écartées, on peut se concentrer sur le sujet de la nature morte proprement dit : le plateau de laque noir posé sur la nappe blanche et qui contient de gauche à droite : un pot en porcelaine vernissée provençale verte, une cafetière qui donne son nom à la nature morte et qui est si l'on juge par sa forme et ses reflets, une cafetière en cuivre de style orientale, une tasse à café et sa sous tasse en porcelaine à motif floral, une coupelle en céramique à motifs provençaux contenant des morceaux de sucre blanc, un couteau et un citron.  Que viennent faire les mouettes et le citron dans cette histoire à base de café, on se le demande encore ? !

Rappel Biographique : Jacob Abraham Camille Pissarro, dit Camille Pissarro, est un  peintre français d'origine danoise, qui appartient au mouvement de l'impressionnisme et du neo -impressionnisme. Théoricien du mouvement anarchiste, il fréquente assidûment les peintres de la Nouvelle-Athènes qui appartiennent au mouvement libertaire. Il partage cette position avec Paul Gaughin avec lequel il eut cependant des relations très tendues. Peintre de paysage et de scène de rues, Pissaro a peint moins d'une dizaine de natures mortes dans toute sa carrière.  

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2014 - A Still Life Collection 
Un blog de Francis Rousseau 

Camille Pissarro (1830-1903) - Nature morte avec poivrons

Camille Pissarro (1830-1903)

Nature morte avec poivrons, 1899

Collection privée

Que voit-on ? Dans un intérieur aux murs tendu de tissus a impression abstraites bleues, posée sur un tapis d'orient au tonalités jaune oranger, une table en bois recouverte d'une nappe dont on aperçoit les plis. Sur la table : une théière et une cruche à vin espagnole mais surtout un poivron rouge posé sur la nappe blanche et  un saladier de céramique vernissée à motif floral dans lequel ont été déposés un poivron vert , deux rouges et un jaune. La scène se déroule dans un intérieur espagnol.

Rappel biographique : Jacob Abraham Camille Pissarro, dit Camille Pissarro, est un  peintre français d'origine danoise, qui appartient au mouvement de l'impressionnisme et du neo-impressioninsme. Théoricien du mouvement anarchiste, il fréquente assidûment les peintres de la Nouvelle-Athènes qui appartiennent au mouvement libertaire. Il partage cette position avec Paul Gaughin avec lequel il eut cependant des relations très tendues. Peintre de paysage et de scène de rues, Pissaro a peint moins d'une dizaine de natures mortes dans toute sa carrière.  

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2016 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Paul Gauguin (1848-1903) - Pommes, Cruche et Verre Iridescent

 

Paul Gauguin (1848-1903)
Pommes, Cruche et Verre  Iridescent, 1884
Collection privée

Que voit on ? Sur un entablement de bois sombre grossièrement taillé, une dizaine de pommes rouge et vertes, une cruche à eau en céramique vernissée bicolore, et un verre  Iridescent avec des boules en reliefs de couleurs différentes.  Cette nature morte faite pendant le séjour  très prolifique de Gaughin à Rouen; elle est posée devant un mur recouvert de papier peint représentant des feuillages éparses.



Rappel biographique : le peintre français Paul Gauguin est un peintre post impressionniste, chef de file bien connu de l'École de Pont-Aven et inspirateur des Nabis. Il est considéré comme l'un des peintres français majeurs du 19e siècle. En 1874, la connaissance qu'il fait de Camille Pissaro et la première exposition du courant impressionniste, l'inclinent à devenir amateur d'art et à s'essayer alors à la peinture. En 1882, il abandonne son emploi de courtier en bourse pour se consacrer uniquement à sa nouvelle passion, la peinture. De janvier à novembre 1884, il s'établit à Rouen où Pissaro vivait également. Pendant ces 10 mois passés à Rouen, il réalise près de quarante tableaux, principalement des vues de la ville et de ses alentours et quelques natures mortes très classiques. Cela ne suffit pas pour vivre et il part avec sa femme et ses enfants dans la famille de celle-ci à Copenhague. Ses affaires ne vont pas bien et il revient à Paris en 1885 pour peindre à plein temps, laissant femme et enfants au Danemark, n'ayant pas les moyens d'assurer leur subsistance. Il est déchiré par cette situation. Il expose avec les impressionnistes régulièrement de 1876 à 1886.
C'est en juillet 1886 que Paul Gauguin effectue un premier séjour en Bretagne. Il s'installe pour 3 mois à la pension Le Gloanec, à Pont-Aven où vit une colonie d'artistes. Il y rencontre le très jeune peintre (et écrivain) Emile Bernard adepte du " Cloisonnisme ", une technique picturale cernant chaque plan de couleur d'une fine cloison, un peu à la manière de la technique du vitrail ou des estampes japonaises. Influencé par Emile Bernard et par le courant symboliste, Paul Gauguin renonce à l'impressionnisme pour élaborer, une nouvelle théorie picturale, le " Synthétisme ". Sa recherche va alors dans le sens d'une simplification des formes, il élimine les détails pour ne garder que la forme essentielle, simplification obtenue par l'usage du cerne et de l'aplat de couleur. Nabis et Synthétistes, inspirés également par Stéphane Mallarmé et les symbolistes littéraires, partageront pendant quelques temps des convictions communes sur la nécessité de libérer la peinture de sa sujétion au réel et de laisser davantage de place à l'idée ou à la symbolique. Maurice Denis, Paul Sérusier, Édouard Vuillard, Pierre Bonnard, Odilon Redon font partie de ce mouvement.

=> Plus d'informations biographiques sur Paul Gauguin

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2020 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Pierre Bonnard (1867-1947) - Nature morte avec coupe de fruits

Pierre Bonnard (1867-1947)
Nature morte avec coupe de fruits (1914)
Collection privée

Que voit-on ?  Posée une nappe aux impressions mauves et blanches très présentes, une coupe en céramique vernissée jaune, contenant des fruits exotiques : oranges, citrons, mangues... une explosion de couleur rehaussée par le bleu turquoise d'une mur de fond ou de la mer. C'est une nature morte très influencée par la peinture de Paul Gaughin.

Rappel biographique : le peintre français Pierre Bonnard est connu pour ses peintures de personnages, ses nus, ses portraits, ses paysages animés, ses intérieurs et ses natures mortes de fleurs et fruits. Bonnard est un artiste postimpressionniste, membre du groupe des Nabis, par lesquels il fut surnommé le Nabi japonard.
En réaction à  l'impressionnisme, les Nabis veulent libérer leur peinture des exigences du réalisme : « Ensemble, nous avons méprisé l'école et les écoles, les rapins, leurs traditions, leurs farces et leurs bals inutilement nudistes. Ensemble nous nous sommes sérieusement amusés ». Les artistes nabis cherchent des voies plus spirituelles au contact de philosophies et de doctrines nouvelles teintées d'Orient, d'orphisme, d'ésotérisme, et de théosophie. Ils s'appliquent à retrouver le caractère « sacré » de la peinture et à provoquer un nouvel élan spirituel par le seul  moyen de l'art.
Une fois devenu célèbre, Pierre Bonnard fut connu pour ne pouvoir s’empêcher de retoucher ses toiles une fois celle-ci achetées et exposées dans un musée. Ses amis appelaient ça « bonnarder » ou « bonnardiser ». Un journaliste relate  cette attitude devenue visiblement coutumière. « Au  musée de Grenoble et au Musée du Luxembourg,  il lui arriva de guetter le passage d'un gardien d'une salle à l'autre, de sortir d'une poche une minuscule boîte garnie de deux ou trois tubes et, d'un bout de pinceau, d'améliorer furtivement de quelques touches un détail qui le préoccupait. Et, son coup fait, de disparaître, radieux, comme un collégien après une inscription vengeresse au tableau noir. »
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2016 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau  

Camille Pissarro (1830-1903) - Bouquet de pivoines roses

 

Camille Pissarro (1830-1903)
Bouquet de pivoines roses, 1873
Huile sur toile, 7 3 x 60 cm
Ashmolean Museum, Oxford 

 Que voit on ?  Ce que décrit le titre et...  ce qu'il ne décrit pas  à savoir un vase en céramique vernissé sans doute breton et une console en noyer, sur laquelle se reflète  le vase mais pas le bouquet. 

Rappel biographique : Jacob Abraham Camille Pissarro, dit Camille Pissarro, est un peintre français d'origine danoise, qui appartient au mouvement de l'impressionnisme et du neo-impressionisme. Théoricien du mouvement anarchiste, il fréquente assidûment les peintres de la Nouvelle-Athènes qui se réclamaient du mouvement libertaire. Il partage cette position avec Paul Gaughin avec lequel il eut cependant des relations très tendues. Peintre de paysage et de scène de rues, Pissaro a peint moins d'une dizaine de natures mortes dans toute sa carrière.

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2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

 

 

Camille Pissarro (1830-1903) - Nature Morte avec une carafe

Camille Pissarro (1830-1903)
Nature Morte avec une carafe (1869)
Toledo Museum of Art (USA)

Que voit- on ? Pissarro est influencé  par Cézanne qui le pousse à peindre des natures mortes. Mais chacune des toiles qu'ils réalisent dénotent leurs caractéristiques propres. Dans les premières années, natures mortes et paysages peuvent montrer une certaine « parenté dans l’approche de la vie silencieuse » ou dans des motifs rustiques, ainsi qu’un même emploi de la technique du couteau à palette et de tonalités sombres et sourdes. C'est le cas ici. Mais là Cézanne se montre plus synthétique et adopte une pâte plus épaisse  Pissarro accorde une plus grande attention aux détails et excelle à rendre l’intimité de l’atmosphère (ici les deux ustensiles  pendus sur le mur de la cuisine) par une touche aérienne qui anticipe les natures mortes tardives de Manet  comme Bouquet de pivoines roses.

Rappel biographique : Jacob Abraham Camille Pissarro, dit Camille Pissarro, est un  peintre français d'origine danoise, qui appartient au mouvement de l'impressionnisme et du neo-impressionisme. Théoricien du mouvement anarchiste, il fréquente assidûment les peintres de la Nouvelle-Athènes qui appartiennent au mouvement libertaire. Il partage cette position avec Paul Gaughin avec lequel il eut cependant des relations très tendues. Peintre de paysage et de scène de rues, Pissaro a peint moins d'une dizaine de natures mortes dans toute sa carrière.  

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Paul Gauguin (1848-1903) - Vase avec Fleurs à la Fenêtre

 

Paul Gauguin (1848-1903)
Vase avec Fleurs à la Fenêtre
Huile sur toile, 19 x 27cm, 1881
Musée d'Orsay, Paris

 Que voit on ?   Cette nature morte florale de petites diemnsions, signée  de Gaughin est rattachée à la période impressionniste (1874-1886) ou, encore courtier à la Bourse de Paris, il peint sous l'influence et les encouragements de son ami Camille Pissaro.  Le bouquet de fleurs  aux délicates couleurs est posé sur une nappe qui semble dessiner un tourbillon marin tout prêt à l'engloutir de même que le livre ! A travers la fenêtre, des feuillages s'agitent, trahissant un vent fort sur la lande. Au fond: une maison bretonne  typique. 

Rappel biographique : le peintre français Paul Gauguin fut le chef de file bien connu de l'École de Pont-Aven et inspirateur des Nabis. Il est considéré comme l'un des peintres français majeurs du 19e siècle. En 1874, la connaissance qu'il fait de Camille Pissaro et la première exposition du courant impressionniste, l'inclinent à devenir amateur d'art et à s'essayer alors à la peinture. En 1882, il abandonne son emploi de courtier en bourse pour se consacrer uniquement à sa nouvelle passion, la peinture. De janvier à novembre 1884, il s'établit à Rouen où Pissaro vivait également. Pendant ces 10 mois passés à Rouen, il réalise près de quarante tableaux, principalement des vues de la ville et de ses alentours et quelques natures mortes très classiques. Cela ne suffit pas pour vivre et il part avec sa femme et ses enfants dans la famille de celle-ci à Copenhague.
Ses affaires ne vont pas bien et il revient à Paris en 1885 pour peindre à plein temps, laissant femme et enfants au Danemark, n'ayant pas les moyens d'assurer leur subsistance. Il est déchiré par cette situation. Il expose avec les impressionnistes régulièrement de 1876 à 1886.
C'est en juillet 1886 que Paul Gauguin effectue un premier séjour en Bretagne. Il s'installe pour 3 mois à la pension Le Gloanec, à Pont-Aven où vit une colonie d'artistes. Il y rencontre le très jeune peintre (et écrivain) Emile Bernard adepte du " Cloisonnisme ", une technique picturale cernant chaque plan de couleur d'une fine cloison, un peu à la manière de la technique du vitrail ou des estampes japonaises.
Influencé par Emile Bernard et par le courant symboliste, Paul Gauguin renonce à l'impressionnisme pour élaborer, une nouvelle théorie picturale, le " Synthétisme ". Sa recherche va alors dans le sens d'une simplification des formes, il élimine les détails pour ne garder que la forme essentielle, simplification obtenue par l'usage du cerne et de l'aplat de couleur. Nabis et Synthétistes, inspirés également par Stéphane Mallarmé et les symbolistes littéraires, partageront pendant quelques temps des convictions communes sur la nécessité de libérer la peinture de sa sujétion au réel et de laisser davantage de place à l'idée ou à la symbolique. Maurice Denis, Paul Sérusier, Édouard Vuillard, Pierre Bonnard, Odilon Redon font partie de ce mouvement.
Gauguin retournera en Bretagne en 1889 et 1890, au Pouldu, tout proche de Pont-Aven, deux lieux où chaque été une importante colonie d'artistes tentera d'élaborer une nouvelle peinture. Il y loge à " la Buvette de la Plage " de Marie Henry, en compagnie des peintres Meyer de Haan, Sérusier et Filiger. En 1891, ruiné, il s'embarque pour la Polynésie, grâce à une vente de ses œuvres dont le succès a été assuré par deux articles enthousiastes d'Octave Mirbeau. Il s'installe à Tahiti où il espère pouvoir fuir la civilisation, tout ce qui est artificiel et conventionnel.
Influencé par l'environnement tropical et la culture polynésienne, son œuvre gagne en force, il réalise des sculptures sur bois et peint ses plus beaux tableaux, notamment son œuvre majeure, aujourd'hui au Musée des Beaux arts de Boston au titre explicite de D'où venons nous? Que sommes sommes, Où allons nous ? qu'il considère lui-même comme son testament pictural. En 1901, il va vivre a Atuona dans les îles Marquises. Il lui semble être au paradis. Il va vite déchanter en se rendant compte des abus des autorités et en essayant de se battre pour les indigènes. Malgré ce combat auprès des autorités, Gauguin reste peu apprécié des Polynésiens en général et des Marquisiens en particulier, qui ont l'impression d'avoir eu affaire à un homme qui s'est servi d'eux, de leur culture ancestrale et surtout des femmes, comme si cela lui était dû. Affaibli, fatigué de lutter, il meurt au printemps 1903. Il est enterré dans le cimetière d'Atuona. La tombe du chanteur Jacques Brel est juste à côté de la sienne.

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2021 - A Still Life Collection
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Camille Pissarro (1830-1903) - Roses dans un verre

Camille Pissarro (1830-1903)
Roses dans un verre, 1877
Huile sur toile
Collection privée 

Que voit on ? Exactement ce que décrit le titre; un joli bouquet de roses dans un verre à pied posé sur un entablement donr la couleur du bois se confond presque avec le fond de la composition. On notera que malgré la touche résolument impressionniste de l'ensemble de la composition, les reflets et la transparence sur le pied du verre sont rendus avec un réalisme  tout à fait frappant. 

Rappel biographique : Jacob Abraham Camille Pissarro, dit Camille Pissarro, est un peintre français d'origine danoise, qui appartient au mouvement de l'impressionnisme et du neo-impressionisme. Théoricien du mouvement anarchiste, il fréquente assidûment les peintres de la Nouvelle-Athènes qui se réclamaient du mouvement libertaire. Il partage cette position avec Paul Gaughin avec lequel il eut cependant des relations très tendues. Peintre de paysage et de scène de rues, Pissaro a peint moins d'une dizaine de natures mortes dans toute sa carrière.

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2021 - A Still Life Collection
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Paul Gauguin (1848-1903) - Nature morte à la mandoline

Paul Gauguin (1848-1903)

Nature morte à la mandoline

 Que voit on ?  Une composition de la période bretonne de Gaughin avec  très beau bouquet de fleurs au pied duquel apparait effectivement une mandoline, très poétique, posée sur la nappe comme une barque échouée sur la plage...


Rappel biographique : le peintre français Paul Gauguin est un peintre post impressionniste, chef de file  bien connu de l'École de Pont-Aven et inspirateur des Nabis. Il est considéré comme l'un des peintres français majeurs du 19e siècle. En 1874, la connaissance qu'il fait de Camille Pissaro et  la première exposition du courant impressionniste, l'inclinent à devenir amateur d'art et à s'essayer alors à la peinture.  En 1882, il abandonne son emploi de courtier en bourse  pour se consacrer uniquement à sa nouvelle passion, la peinture. De janvier à novembre 1884, il s'établit à Rouen où Pissaro vivait également. Pendant ces 10 mois passés à Rouen, il réalise près de quarante tableaux, principalement des vues de la ville et de ses alentours et quelques natures mortes très classiques. Cela ne suffit pas pour vivre et il part avec sa femme et ses enfants dans la famille de celle-ci à Copenhague.
Ses affaires ne vont pas bien et il revient à Paris en 1885 pour peindre à plein temps, laissant femme et enfants au Danemark, n'ayant pas les moyens d'assurer leur subsistance. Il est déchiré par cette situation. Il expose avec les impressionnistes régulièrement de 1876 à 1886.

C'est en juillet 1886 que Paul Gauguin effectue un premier séjour en Bretagne. Il s'installe pour 3 mois à la pension Le Gloanec, à Pont-Aven où vit une colonie d'artistes. Il y rencontre le très jeune peintre (et écrivain) Emile Bernard  adepte du " Cloisonnisme ", une technique picturale cernant chaque plan de couleur d'une fine cloison, un peu à la manière de la technique du vitrail ou des estampes japonaises. Influencé par Emile Bernard et par le courant symboliste, Paul Gauguin renonce à l'impressionnisme pour élaborer, une nouvelle théorie picturale, le " Synthétisme ". Sa recherche va alors dans le sens d'une simplification des formes, il élimine les détails pour ne garder que la forme essentielle, simplification obtenue par l'usage du cerne et de l'aplat de couleur. Nabis et Synthétistes, inspirés également par Stéphane Mallarmé et les symbolistes littéraires, partageront pendant quelques temps des convictions communes sur la nécessité de libérer la peinture de sa sujétion au réel et de laisser davantage de place à l'idée ou à la symbolique. Maurice Denis, Paul Sérusier, Édouard Vuillard, Pierre Bonnard, Odilon Redon font partie de ce mouvement. Gauguin retournera en Bretagne en 1889 et 1890, au Pouldu, tout proche de Pont-Aven, deux lieux où chaque été une importante colonie d'artistes tentera d'élaborer une nouvelle peinture. Il y loge à " la Buvette de la Plage " de Marie Henry, en compagnie des peintres Meyer de Haan, Sérusier et Filiger.

En 1891, ruiné, il s'embarque pour la Polynésie, grâce à une vente de ses œuvres dont le succès a été assuré par deux articles enthousiastes  d'Octave Mirbeau. Il s'installe à Tahiti où il espère pouvoir fuir la civilisation, tout ce qui est artificiel et conventionnel.  

Paul Gauguin (1848-1903) - Fleurs d'été dans une timbale

 

Paul Gauguin (1848-1903)
Fleurs d'été dans une timbale, 1885
Collection privé e(Vente Sotheby's)

Que voit on ? Un sujet très délicat peint par Gaughin avec une touche très impressionniste et sans aucun des éléments exotiques qui souvent accompagnent ses natures mortes. Ici, dans une timbale en argent (ou plus probablement en zinc), quelques fleurs d'été glanées dans des champs dont des coquelicots réputés pour ne pas tenir très longtemps en bouquet.

Rappel biographique : le peintre français Paul Gauguin est un peintre post impressionniste, chef de file bien connu de l'École de Pont-Aven et inspirateur des Nabis. Il est considéré comme l'un des peintres français majeurs du 19e siècle. En 1874, la connaissance qu'il fait de Camille Pissaro et la première exposition du courant impressionniste, l'inclinent à devenir amateur d'art et à s'essayer alors à la peinture. En 1882, il abandonne son emploi de courtier en bourse pour se consacrer uniquement à sa nouvelle passion, la peinture. De janvier à novembre 1884, il s'établit à Rouen où Pissaro vivait également. Pendant ces 10 mois passés à Rouen, il réalise près de quarante tableaux, principalement des vues de la ville et de ses alentours et quelques natures mortes très classiques. Cela ne suffit pas pour vivre et il part avec sa femme et ses enfants dans la famille de celle-ci à Copenhague.
Ses affaires ne vont pas bien et il revient à Paris en 1885 pour peindre à plein temps, laissant femme et enfants au Danemark, n'ayant pas les moyens d'assurer leur subsistance. Il est déchiré par cette situation. Il expose avec les impressionnistes régulièrement de 1876 à 1886.
C'est en juillet 1886 que Paul Gauguin effectue un premier séjour en Bretagne. Il s'installe pour 3 mois à la pension Le Gloanec, à Pont-Aven où vit une colonie d'artistes. Il y rencontre le très jeune peintre (et écrivain) Emile Bernard adepte du " Cloisonnisme ", une technique picturale cernant chaque plan de couleur d'une fine cloison, un peu à la manière de la technique du vitrail ou des estampes japonaises.
Influencé par Emile Bernard et par le courant symboliste, Paul Gauguin renonce à l'impressionnisme pour élaborer, une nouvelle théorie picturale, le " Synthétisme ". Sa recherche va alors dans le sens d'une simplification des formes, il élimine les détails pour ne garder que la forme essentielle, simplification obtenue par l'usage du cerne et de l'aplat de couleur.
Nabis et Synthétistes, inspirés également par Stéphane Mallarmé et les symbolistes littéraires, partageront pendant quelques temps des convictions communes sur la nécessité de libérer la peinture de sa sujétion au réel et de laisser davantage de place à l'idée ou à la symbolique. Maurice Denis, Paul Sérusier, Édouard Vuillard, Pierre Bonnard, Odilon Redon font partie de ce mouvement.
Gauguin retournera en Bretagne en 1889 et 1890, au Pouldu, tout proche de Pont-Aven, deux lieux où chaque été une importante colonie d'artistes tentera d'élaborer une nouvelle peinture. Il y loge à " la Buvette de la Plage " de Marie Henry, en compagnie des peintres Meyer de Haan, Sérusier et Filiger.
En 1891 ruiné, il s'embarque pour la Polynésie, grâce à une vente de ses œuvres dont le succès a été assuré par deux articles enthousiastes d'Octave Mirbeau. Il s'installe à Tahiti où il espère pouvoir fuir la civilisation, tout ce qui est artificiel et conventionnel.
Influencé par l'environnement tropical et la culture polynésienne, son œuvre gagne en force, il réalise des sculptures sur bois et peint ses plus beaux tableaux, notamment son œuvre majeure, aujourd'hui au Musée des Beaux arts de Boston au titre explicite de D'où venons nous? Que sommes sommes, Où allons nous ? qu'il considère lui-même comme son testament pictural. En 1901, il va vivre a Atuona dans les îles Marquises. Il lui semble être au paradis. Il va vite déchanter en se rendant compte des abus des autorités et en essayant de se battre pour les indigènes. Malgré ce combat auprès des autorités, Gauguin reste peu apprécié des Polynésiens en général et des Marquisiens en particulier, qui ont l'impression d'avoir eu affaire à un homme qui s'est servi d'eux, de leur culture ancestrale et surtout des femmes, comme si cela lui était dû. Affaibli, fatigué de lutter, il meurt au printemps 1903. Il est enterré dans le cimetière d'Atuona.
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