Andrew Wyeth (1917-2009) - Pumpkins

Andrew Wyeth (1917-2009)
Pumpkins
Watercolor on paper, 1969
Private Collection

Que voit on ? Le titre focalise l'attention sur la courges au détriment de la grange (presqu'en ruines) et des arbres (très décharnés pour un début d'automne) qui se trouvent à l'arrière plan.

Rappel biographique : Le peintre aquarelliste américain Andrew Newell Wyeth, classé parmi les peintres « régionalistes » et réalistes américains est issu d'une dynastie d'artistes dont son propre père Newell Convers Wyeth (1882-1945), illustrateur connu qui fréquenta des célébrités de son temps comme Francis Scott Fitzgerald et Mary Pickford. Décidant de ne pas confronter son fils aux systèmes de l'éducation nationale ou privée, c'est lui même qui se charge de son éducation à la maison, l’initie à l’art, et tout particulièrement à l'art du paysage rural américain. À cette époque, il admire et est sensible à l'œuvre du peintre Winslow Homer. Plus tard, il apprend à maîtriser les techniques associées à l’aquarelle à base d'œuf, la tempera.
Andrew Wyeth commence à peindre dans des nuances de bruns et de gris seulement. Il s’inspire de son entourage pour réaliser ses tableaux. Ses sujets préférés sont la terre et les habitants de sa ville natale, ainsi que ses proches. Sa grande maîtrise picturale lui permet de montrer sa réflexion mélancolique sur le temps qui passe et la faillibilité humaine.
Son fils Jamie, né en1946, est également un peintre et portraitiste reconnu.

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David Shterenberg (1881-1948) - Nature Morte au Gobelet et au Citron

David Shterenberg (1881-1948)
Nature Morte au Gobelet et au Citron
Huile sur toile, 50 x 60cm
Collection particulière

Rappel Biographique : David Petrovitch Chterenberg (Давид Петрович Штеренберг), est un peintre, graphiste et photographe russe d'origine ukrainienne. Né dans une famille juive à Jytomyr, dans l'actuelle Ukraine, alors dans l'Empire russe, David Chterenberg étudie l'art à Odessa puis, en 1906 il passe quelque temps à Vienne avant de s'installer à Paris où il vit à la cité d'artistes La Ruche jusqu'en 1917. Il étudie à l'Académie Vitti à Montparnasse, fondée en 1889 par Cesare Vitti et sa femme Maria Caira, où il a comme professeur, entre autres, Kees van Dongen. Il a été influencé par les travaux de Paul Cézanne et par le cubisme. Pendant cette période, il effectue plusieurs voyages en Russie mais ne s'y installe qu'après la Révolution de 1917, grâce à ses bonnes relations avec Anatoli Lounatcharski, le commissaire du peuple chargé de la culture. Il assiste à la Conférence des auteurs, artistes et réalisateurs sur la coopération avec le gouvernement soviétique au Palais Smolny à Petrograd (Saint-Pétersbourg) avec Nathan Altman et d'autres. En 1917-1918, il est commissaire aux affaires artistiques. En 1918, il présente une exposition avec le groupe « Société juive pour la promotion des arts » avec Baranoff-Rossine, Altman et Lazar Lissitzky, à Moscou. De 1918 à 1920, il est chef du département des beaux-arts (IZO) du Narkompros (Commissariat du peuple à l'Instruction publique). À ce titre, il organise le financement de l'Institut de culture artistique de Moscou (INKhUK). Il explique : « Nous avons organisé l'INKhUK comme une cellule pour la détermination des hypothèses scientifiques sur les questions d'art »
En 1918, il publie son essai programmatique Tâches d'art contemporain dans les documents du Conseil de Petrograd. De 1920 à 1930, Chterenberg enseigne au Vkhoutemas (littéralement « Ateliers supérieurs d’art et de technique »), une école d'art fondée en 1920 à Moscou par un décret de Vladimir Lénine avec l'intention, selon les termes du gouvernement soviétique, de « préparer les artistes principaux aux qualifications les plus élevées pour l'industrie, et les constructeurs et les directeurs pour l'éducation professionnelle technique. » Parmi ses étudiants on trouve quelques artistes russes devenus célèbres tels que Alexandre Deïneka, Youri Pimenov, Alexander Arkadievitch Labas, Piotr Vladimirovitch Williams, Andrei Dmitrievitch Gontcharov et d'autres. Il organise une exposition d'artistes juifs à Moscou en 1922 qui comprenait entre autres Marc Chagall. La même année, il participe à la Première exposition d'art russe de Berlin dans la galerie van Diemen, première grande exposition sur l'avant-garde russe en Europe depuis la révolution d'Octobre. À cet occasion, il écrit un essai pour le catalogue de l'exposition. Cependant, son style indépendant a cessé de trouver la faveur des autorités soviétiques et progressivement son travail est retiré de la vue du public. Après les années 1930, il est contraint de travailler dans un style plus « réaliste ». À sa mort en 1948, il a est pratiquement oublié. 
David Chterenberg était profondément conscient de ses racines juives. Il a écrit à sa femme Nadejda : « J'ai un sang oriental dans les veines, le sang de mes ancêtres qui ont écrit le « Cantique des cantiques », - et il n'y a pas de meilleure chanson ». D'ailleurs, en 1936, il publie avec son frère Abram Šterenberg un livre de photographies « V evrejskich kolchozach (В еврейских колхозах) » (littéralement, Dans les fermes collectives juives).
Aujourd'hui, ses œuvres sont exposées dans les grands musées publics à Moscou (Galerie Tretiakov et Musée Pouchkine), à Saint-Pétersbourg (Musée russe) et à Ekaterinbourg. Une grande partie de son œuvre est encore détenue dans des collections privées en Russie.
En 2019, les œuvres de David Chterenberg figurent, avec celles — entre autres — de Vassily Kandinsky, Kasimir Malevitch, Vladimir Tatline, Mikhaïl Larionov, et Lyubov Popova, dans la grande exposition collective L'Avant-garde : Liste no 1, présentée à la Galerie Tretiakov, réunissant plus de 250 œuvres issues de dix-huit collections russes et cinq collections étrangères de l'avant-garde russe du début du20e siècle en l'honneur du centième anniversaire de la création du Musée de la culture pittoresque, premier musée d'État d'art moderne au monde, qui exista de 1919 à 1929.

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Achille Laugé (1861-1944) - Nature morte de fleurs et de fruits

 

Achille Laugé (1861-1944) 

Nature morte de fleurs et de fruits

Musée des Beaux-Arts  de Carcassonne

Que voit on ? Dans la touche très caractéristique de ce maître du pointillisme  : ce que décrit le titre, c’est dire des fleurs dans un vase et des fleurs sur un entablement.

Rappel biographique : Achille Laugé,  est un peintre et lithographe post-impressionniste français né dans une famille de paysans de l'Aude qui le destinait au métier de pharmacien. De 1876 à 188, il  fréquente l'école des beaux-arts de Toulouse, en même temps qu'il fait un stage dans une pharmacie de cette ville. Il y fait la connaissance d'Antoine Bourdelle, Henri Martin et Henri Marre.

En 1882, il s'installe au no 13 rue Radziwill à Paris et il entre à l'École nationale supérieure des beaux-arts. Il y est successivement l'élève d'Alexandre Cabanel et de Jean-Paul Laurens jusqu'en 1886. Il y retrouve Bourdelle et rencontre Aristide Maillol qui a pu dire : « C'est Laugé qui m'a appris à mettre un homme debout ». Il entretient une relation amicale toute sa vie avec eux.
Laugé étant pauvre et Bourdelle aussi, ce dernier accepte avec reconnaissance de partager sa mansarde du no 24 rue Bonaparte à Paris. Il partage l'atelier de Maillol, au no 79 rue de Sèvres, et demeure dans la capitale jusqu'en 1888. Pendant cette période de formation, il subit l'influence de Georges Seurat, de Paul Signac et de Camille Pissarro.
Quand il revient dans sa famille, il ne pratique pas la technique apprise aux Beaux-Arts mais adopte la division du ton.
« Laugé aurait pu se contenter de faire partie de ces petits maîtres régionaux aux toiles pittoresques, attachantes parce que caractéristiques de leur terroir natal. Mais il n'est pas passé а côté du grand mouvement qui, dans la suite de l'impressionnisme, bouleverse la peinture à partir de la décennie 1880. L'emploi d'un nombre très restreint de couleurs pures et la touche divisée qui apparaissent dans l'essentiel de son oeuvre évoquent une communauté de recherche picturale avec le néo-impressionnisme. Son orientation vers une nouvelle manière de peindre, associée à une poésie qui lui est propre, fait de lui mieux que le félibre qui chante son Languedoc natal et lui donne la dimension d'un artiste national. »  (Nicole Tanburin)
Vers 1905, constatant l'insuccès de la technique qu'il pratique depuis près de vingt ans et pressé par le besoin, il adopte une manière moins stricte ; avec une pâte plus riche et une touche plus large, il peint avec plus de liberté.
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Albert Eckhout (c.1610 – c. 1666) -Bananes, Goayges et autres fruits du Brésil

Albert Eckhout (c.1610 – c. 1666)
Bananes, Goayges et autres fruits du Brésil, 1641
Huile sur ooile, 94 x9 4cm
National Museum of Danmark

Que voit on ? Ce que décrit le titre courgettes, c.a.d une accumulation de fruits tropicaux etranges et inconnus à l'époque où ils furent peints. 

 Rappel biographique : Le peintre hollandais Albert Eckhout, est connu pour ses toiles de la flore, de la faune et des habitants du Brésil. Eckhout et Frans Post étaient les artistes les plus célèbres de l'entourage de Johan Maurits de Nassau alors qu'il était gouverneur général du Brésil néerlandais de 1637 à 1644. On sait peu de choses sur la formation d'Eckhout, ses débuts de carrière et les raisons de sa nomination, et on ne sait pas exactement quand il est arrivé au Brésil. Parce que certaines peintures attribuées à Eckhout représentaient des peuples Araucano et africains ainsi que des lamas, des plantes et des arbres, certains ont suggéré qu'Eckhout aurait pu faire partie de l'expédition de Hendrick Brouwer au Chili en 1643 ou aurait pu visiter l'Afrique de l'Ouest avec les forces du colonel Hans Coen qui a capturé Elmina en 1637. D'autres pensent qu'il faisait partie de l'expédition de l'amiral Cornelis Jol et du colonel James Henderson quand ils ont occupé l'Angola en 1641. Enfin, on ne sait pas exactement quand Eckhout est revenu en Europe ou combien de temps il est resté au service de Maurits, mais l'on sait qu'en 1645, Eckhout était de retour à Groningen. Entre 1648 à 1652, il vécut à Amersfoort avant de s'installer à Dresde, où il passa dix ans (1653 à 1663) comme peintre à la cour de l'électeur de Saxe, Johann Georg II. On pense qu'Eckhout est mort à Groningen en 1665.

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Tomás Yepes (1595-1674) - Jarrón de terracota con un naranjo

Tomás Yepes (1595-1674)
Jarrón de terracota con un naranjo
Huile sur toile, 83 x 65,5 cm.
Collection privée

 Que voit on ? Ce que décrit le titre :  une nature morte qui a pour sujet un oranger dans une vase en terre cuite vernissé a motif de feuilles et de lion central.  La curiosité tient ici au fait que l'oranger est à la fois en fleurs et en fruits, ce qui arrive tout de même assez rarement pour ne pas dire jamais. Une façon pour le peintre de montrer,  tel un botaniste, tous les états de développement de ce végétal emblématique du sud de l'Europe.  Cette toile fait partie d'une paire dont la première a été publiée  ici.

Rappel biographique : Tomas Yepes est un peintre Valencien de la période baroque. C'est une personnalité mal connue, occupant une place à part dans l'histoire de la nature morte espagnole, car il peint dans la tradition des premières décennies du siècle avec des compositions d'une rigoureuse symétrie. Ses œuvres, datées à partir de 1642, comprennent des bouquets de fleurs, corbeilles de fruits, ustensiles de cuisine, dans une technique dite "ténébriste" avec une gamme de tons foncés et des fonds souvent noirs. Son style est proche de celui de Juan Bautista de Espinosa.

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Jean-Baptiste Oudry (1686-1755) - Un ananas dans un pot...

 

Jean-Baptiste Oudry (1686-1755
Un ananas dans un pot, posé sur une plinthe de pierre, 1733
Huile sur toile, 128 x 90 cm.
Château de Versailles

Que voit on ? Un ananas en pot. mais pas n'importe lequel. l'ananas fétiche de roi Louis XV. Après de nombreuses tentatives infructueuses, à l'hiver 1733, un ananas du Potager produit des fruits pour la première fois en France. Louis XV charge aussitôt l'un de ses peintres favoris, Jean-Baptiste Oudry, de peindre le "portrait" de ce nouveau venu extraordinaire sur le sol français. Nous  l'avons sous les yeux. 

Rappel biographique : Le peintre et graveur français Jean-Baptiste Oudry est surtout célèbre pour ses peintures de chiens de chasse, ses natures mortes animalières et ses animaux exotiques. Fils de Jacques Oudry, maître peintre et marchand de tableaux sur le Pont Notre-Dame, et de sa femme, Nicole Papillon, qui appartenait à la famille du graveur Jean-Baptiste-Michel Papillon, Jean-Baptiste Oudry étudia tout d'abord à l'Ecole de la Maîtrise de Saint-Luc, dont son père était directeur.
Il fut placé ensuite chez le grand peintre du roi Nicolas de Largillière, dont il devint bientôt l'ami. Après avoir peint quelques sujets religieux et un portait du Tsar Pierre 1er, il rencontre le marquis de Beringhen, premier écuyer du roi. Cette rencontre est décisive car le marquis commande à Oudry de nombreux ouvrages pour le roi. Dès lors on octroie à Oudry un atelier dans la cour des princes aux Tuileries et un logement au Palais du Louvre où il forma un cabinet renommé.
Oudry suivait les chasses royales et faisait de fréquentes études dans la forêt de Compiègne.
L'intendant des finances, Fagon, le prit à son service et le chargea de rétablir la manufacture de Beauvais, tombée en décadence. Oudry s'adjoignit Boucher et Natoire pour exécuter la copie des tableaux. On lui confia également l'inspection de la manufacture des Gobelins, où l'on exécutait les tapisseries des chasses du roi d'après ses tableaux.
Jean-Baptiste Oudry a peint le portrait, l'histoire, les chasses, le paysage, les animaux, les fruits, les fleurs ; il a imité les bas-reliefs ; il a fait du pastel, de la décoration ; il aussi gravé à l'eau-forte. On lui doit deux conférences qui furent lues à l'Académie, « Sur la manière d'étudier la couleur en comparant les objets les uns avec les autres » et « Sur les soins que l'on doit apporter en peignant ». Oudry a laissé un grand nombre de dessins dont les plus connus sont les 275 dessins qui servirent à l'édition dite des Fermiers généraux des Fables de La Fontaine, gravées par Charles-Nicolas Cochin. Il est également l'auteur d'un Almanach de rébus paru en 1716.
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Albert Eckhout (c.1610 – c. 1666) - Cabaças finas

Albert Eckhout (c.1610 – c. 1666)
Cabaças finas, 1641
Huile sur toile, 94 x 94 cm
National Museum of Danmark.

Que voit on ? Deux grosses courgettes tropicales dont l'une ouverte qui présente l'intérieur du légume, sa chair et ses graines à la façon d'une planche d'étude botanique.

 Rappel biographique : Le peintre hollandais Albert Eckhout, est connu pour ses toiles de la flore, de la faune et des habitants du Brésil. Eckhout et Frans Post étaient les artistes les plus célèbres de l'entourage de Johan Maurits de Nassau alors qu'il était gouverneur général du Brésil néerlandais de 1637 à 1644. On sait peu de choses sur la formation d'Eckhout, ses débuts de carrière et les raisons de sa nomination, et on ne sait pas exactement quand il est arrivé au Brésil. Parce que certaines peintures attribuées à Eckhout représentaient des peuples Araucano et africains ainsi que des lamas, des plantes et des arbres, certains ont suggéré qu'Eckhout aurait pu faire partie de l'expédition de Hendrick Brouwer au Chili en 1643 ou aurait pu visiter l'Afrique de l'Ouest avec les forces du colonel Hans Coen qui a capturé Elmina en 1637. D'autres pensent qu'il faisait partie de l'expédition de l'amiral Cornelis Jol et du colonel James Henderson quand ils ont occupé l'Angola en 1641. Enfin, on ne sait pas exactement quand Eckhout est revenu en Europe ou combien de temps il est resté au service de Maurits, mais l'on sait qu'en 1645, Eckhout était de retour à Groningen. Entre 1648 à 1652, il vécut à Amersfoort avant de s'installer à Dresde, où il passa dix ans (1653 à 1663) comme peintre à la cour de l'électeur de Saxe, Johann Georg II. On pense qu'Eckhout est mort à Groningen en 1665.

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Albrecht Dürer (1421-1528)( attribué à...) - Bouquet de violettes

Albrecht Dürer (1421-1528) (attribué à...)
Bouquet de violettes
Aquarelle et gouache sur parchemin 11.5 x 10.2 cm 

  Rappel biographique : Si l'on ne connait pas Dürer comme peintre de natures mortes c'est tout simplement parce qu'il n'en pas peint. Les quelques dessins d'animaux qu'il a laissés sont tous des dessins d'animaux vivants et les aquarelles de plantes, crustacés ou de poissons et autres objets qu'il a laissés peuvent être assimilés à des natures sans pour autant en être stricto sensu.
« L'art d'Albrecht Dürer marque l'apogée de la peinture à la sortie du Moyen Âge. Sa maîtrise absolue du dessin rigoureux et d'une coloration sensuelle fascinent aujourd'hui comme de son temps ». Dürer travaille sa peinture dans la continuité de Van Eyck en tentant de reproduire le plus fidèlement possible la nature et les paysages ; ses nombreuses esquisses indiquent bien tout l'intérêt que portait l'artiste à ce travail. Formé dans la tradition médiévale allemande en vigueur à son époque, il acquiert grâce à ses voyages en Italie une profonde indépendance, plus grande peut-être que les artistes italiens eux-mêmes, puisqu'il ne relevait lui-même d'aucune tradition moderne, l'allemande appartenant déjà au passé. Il a représenté à sa manière une avant-garde.

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Dora Maar (1907-1997) - Nature morte à la lampe

Dora Maar (1907-1997)
Nature morte à la lampe, 1941
Huile sur toile, 50 x 61 cm.
Collection particulière

Que voit - on ? Une nature morte à la lampe qui très graphique d'une  modernité saisissante, qui peut rappeler certaines compositions de Mondrian, bien que la façon et l'imaginaire soient uniques. Notamment cette ampoule électrique au travers de son abat jour rouge,  comme un trou de serrure à travers lequel on pourrait enfin voir ...

Rappel Biographique : Dora Maar, pseudonyme d’Henriette Theodora Markovitch, est une photographe et artiste peintre française. Elle fut l'une des amantes et muses du peintre Pablo Picasso, rôle qui a longtemps occulté l'ensemble de sa productiion. L'œuvre peinte de Dora Maar reste méconnue jusqu'à la vente posthume, organisée en 1998-1999, qui fait découvrir au public et aux professionnels une production très personnelle qui n'avait jamais quitté son atelier. Maar abandonne la photographie pour la peinture aux côtés de Picasso. Mais c'est à partir de la douloureuse séparation avec lui qu'elle devient vraiment peintre. Les œuvres tragiques figuratives, telles le Portrait d'Éluard, ou l'Autoportrait à l'enfant de 1946, traduisent, par des tons sombres, la douleur des années d'après-guerre.
Après des années de lutte, entre dépressions et mysticisme, l'enfermement volontaire de Dora Maar avec ses souvenirs connaît une brève embellie dans les années 1960 à 1970, avec des grands formats abstraits aux couleurs chatoyantes. Mais c'est à partir des années 1980 que l'artiste peintre s'exprime pleinement dans ses multiples tableaux du Luberon, où les paysages sauvages autour de sa maison de Ménerbes, balayés de nuages et de vent, révèlent avec force la lutte d'une artiste aux prises avec les fantômes de son passé. De 1946, année de sa séparation d'avec Picasso, jusqu’à son décès en 1997, elle partage son temps entre Ménerbes et Paris où elle vit pauvrement, recluse, 6 rue de Savoie, non loin des Grands-Augustins. Devenue antisémite et homophobe, elle s'est coupée volontairement de ses anciens amis dans les dix dernières années de sa vie. En 1990, Marcel Fleiss expose, dans sa galerie rue de Penthièvre. à Paris, une série de ses tableaux.
Morte dans l'anonymat en 1997 à l'Hôtel-Dieu, Dora Maar est inhumée au cimetière communal de Clamart, dit cimetière du Bois-Tardieu. Elle n'a pas eu d'enfants. Ses héritiers indirects sont retrouvés après une longue enquête. La succession donne lieu à une première vente aux enchères en 1998, à la maison de la Chimie (Paris), qui réalise 214 millions de francs de bénéfices. Une seconde vente aux enchères a lieu en juin 2022 à partir d'un reliquat de 750 photographies, organisée par Artcurial à l'hôtel Marcel-Dassault (Paris).

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Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939) - Nature morte matinale

 

Kuzma Petrov-Vodkin (1878-1939)
Nature morte matinale, 1918
Huile sur toile, 66 x 88cm
Musée d'Etat Russe, Saint Petersbourg

Que voit-on ? un véritable morceau de bravoure sur les reflets que l  chien de la maison (en haut à gauche ) observe d'un œil très attentif.

Rappel Biographique : Kouzma Sergueïevitch Petrov-Vodkine  Кузьма Сергеевич Петров-Водкин) est un peintre, graphiste et décorateur de théâtre russe puis soviétique.
Il a réalisé des scènes de genre, des portraits, des natures mortes, des paysages. Il étudia à l'école de peinture et de dessin F. E. Bourov à Samara de 1893 à 1895, à l'école de dessin technique du baron A.L. Stieglitz de Saint-Pétersbourg de 1895 à 1897, à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou de 1897 à 1905, puis encore à l'atelier d'Anton Ažbe à Munich en 1901 et dans des académies privées parisiennes parmi lesquelles l'Académie Colarossi de 1905 à 1908. Il voyagea en Italie, en Grèce, en France et en Afrique, et participa à son retour à des expositions à partir de 1906 : celles de Mir Iskousstva, Salon d'automne et de la Section d'Or. À partir de 1907, il participe au mouvement des symbolistes de «Rose bleue». Il expose (avec un autre nouveau-venu, Robert Falk) lors du deuxième salon organisé par la Toison d'or en 1909. L'architecte Robert-Friedrich Meltzer fut le protecteur de l'artiste débutant Kouzma Petrov-Vodkine lui étant lié d'une longue amitié. Au printemps 1910, c'est lui qui prend la direction de l'École Bakst et Doboujinski à Saint-Pétersbourg quand Léon Bakst part pour Paris.Il devient le premier président de l'association des peintres de Léningrad en 1932, puis député du Conseil des députés pour les ouvriers paysans et soldats de l'Armée rouge.

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Eugène Habert (1842-1916) (attribuée à) - Nature morte à la porcelaine de Chine

 


Eugène Habert (1842-1916) (attribuée à)
Nature morte à la porcelaine de Chine
Huile sur panneau de bois parqueté, 37.5 cm x 44 cm
Collection Privée

Que voit on ? Un pastcihe dans le goût du 17e siècle qui est une  allégorie de l' amour. Le coquillage évoque la fécondité, les abricots  renvoient à la texture de la peau et à la sexualité, et l’abondance de cerises gorgées de jus à l'impétuosité du tempérament.   La nature de cet amour ne serait  pas uniqement charnelle : les deux anneaux qui s’enchevêtrent devant le  coffre à bijoux ainsi que la chapelle peinte sur la porcelaine chinoise pourraient évoquent une véritable intention d’engagement....

 Rappel biographique : Eugène Habert, est un peintre de genre, portraitiste, peintre décorateur, critique d'art et écrivain français.IL est surtout resté célèbre pour avoir tué, lors d'un stupide duel au pistolet, le peintre Philippe Félix Dupuis. En 1863 il participe à l'Exposition des Beaux-Arts appliqués à l'industrie avec un panneau décoratif peint à l'huile4. En 1864 il débute au Salon. Il participe aux Salons de la Nationale des Beaux-Arts3. Eugène Habert participe à l'Exposition universelle de Liège de 1905. Eugène Habert fait de nombreuses décorations de monuments publics, notamment celle de l'Hôtel de Ville de Neuilly-sur-Seine.

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Alberto Morrocco (1917–1998) - Still life with Guitar

Alberto Morrocco (1917-1998)
Still life with Guitar
Collection privée 

 

Que voit on ? Une composition très enjouée, très colorée avec deux tournesols dans dans un vase, des fruits, des gâteaux, deux coupes, une lampe à pétrole, un dessin d'oiseau et une guitare.  C'est ici plutôt l'influence de Matisse qui est sensible que celle de Braque.

 

Rappel Biographique : Alberto Morrocco était un artiste et enseignant écossais, surtout connu pour ses scènes de plage et ses vues de Venise bien qu'il ait aussi peint de très beaux paysages d'Écosse, des natures mortes, des portraits et des intérieurs. Il a étudié à l'école d'art de Gray sous la direction de Robert Sivell entre 1932 et 1938.
Dans les années 1920 et 1930, Braque et Picasso ont eu une immense influence sur son oeuvre, une influence qui se prolongera tout au long de sa vie. Prisonnier pendant la Seconde Guerre mondiale,
Morrocco fut extraordinairement productif et surtout à la fin de sa vie, produisant certains de ses oeuvres les plus fortes entre1982 à sa mort. Même tard dans sa vie et gravement malade, il s'engagerait à exposer 30 à 40 nouvelles œuvres par an ! 

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Aimé-Victor Barraud (1902-1954) - Nature morte aux cerises

Aimé-Victor Barraud (1902-1954)
Nature morte aux cerises, 1934
Huile sur toile, 46 x 61 cm
Collection privée

Que voit on ? Au milieu d'un entablement recouvert d'une serviette blanche une assiette blanche a pois bleus contenant quelques cerises dont la plupart ont glissé sur la serviette. Une grande branche de cerisier barre le fond de la composition.  

Rappel biographique : Le peintre suisse Aimé-Victor Barraud a été affilié par les spécialistes de l'art au mouvement de la Nouvelle objectivité. Son père, sa mère et son grand-père maternel travaillaient comme graveurs et concevaient des décorations pour les boîtiers métalliques des montres de poche. La précision artisanale et le sens de la décoration étaient cultivés dans la famille et Aimé-Victor suivaient régulièrement des cours du soir dans la prestigieuse école d'art et d'artisanat local.
Dans sa carrière picturale, il s'est limité à un petit nombre de sujets, peignant principalement des portraits (y compris des autoportraits et des portraits doubles de lui-même et de sa femme), des nus, des natures mortes et quelques rares paysages. Grâce à un dessin précis et à des couleurs claires appliquées avec douceur, il a atteint un degré de réalisme extrême, voit même d'hyperréalisme avant la lettre. Il décrit souvent dans ses natures mortes un monde en putréfaction, l'un des symboles favori de ce genre pour décrire la vanité de la vie sur terre et sa fragile destinée.

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Alfredo Valenzuela Puelma (1856–1909) - Jarrón y manta sevillana

 

 

Alfredo Valenzuela Puelma (1856–1909)
Jarrón y manta sevillana
Huile sur toile , 34 x 54cm
Musée national des Beaux-Arts du Chili

 
Rappel biographique  : Alfredo Valenzuela Puelma, est l’un des peintres les plus connus du Chili, l’un des quatre artistes présenté comme l'un des « Grands maîtres de la peinture chilienne» (avec Pedro Lira Rencoret, Juan Francisco González et Alberto Valenzuela Llanos. Valenzuela Puelma a développé avec succès une technique réaliste basée sur les canons de l'art académique. Tout au long de sa carrière (très productive), il a travaillé à l'huile et peint des sujets très divers, tels que des paysages, des intérieurs, des portraits, des natures mortes et surtout des nus,  notamment de "La Perla del Mercader" (La Perle du Marchand), l'une des peintures les plus populaires dans le monde de l'art chilien. Il est également célèbre pour son goût des motifs arabes, reflétant l'influence de son professeur Constant. Entre 1881 et 1885, il obtient une bourse du gouvernement chilien pour poursuivre ses études d'art dans l'atelier de Benjamin Constant à Paris. Il suit également des cours d'anatomie à la Sorbonne, où il entre en contact avec des mouvements qui vont révolutionner l'histoire de l'art, à l'instar de Manet. Cependant, c'est le travail des maîtres espagnols qu'il copie au Louvre qui le marque le plus et qui a le plus d'influence sur son style.  En 1887, pour la deuxième fois, il gagne une bourse pour étudier à Paris cette fois-ci dans l'atelier de Jean Paul Laurens. 

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Wayne Thiebaud (1920-2021) - American-Memories

Wayne Thiebaud (1920-2021)
American-Memories
Laguna Art Museum

Que voit on ? Une nature morte très dépouillée de Wayne Thiebaud :  un simple verre d'eau ! Mais un verre d'eau qui semble contenir tout un univers d'abstractions colorées. Peut- être une part de l'univers  si riche et fructueux, de ce peintre est-elle dans ce verre d'eau, lui qui vient de siparaitre le 27 décembre dernier à l'âge de 101 ans. RIP... Mr Thiebaud !

Rappel biographique : Le peintre américain d'origine Wayne Thiebaud, dont une célèbre toile avait été publiée au début de ce blog en 2014, est un artiste discret, de plus en plus considéré comme un des artistes majeurs du 20e et 21e siècle aux Etats-Unis.
Le travail de Wayne Thiebaud se caractérise par des peintures d'objets alimentaires de grande consommation, comme des pâtisseries, vues dans des cafétérias. Les experts se sont souvent demandés en examinant l'œuvre de Thiebaud s'il n'avait pas passé beaucoup de temps dans l'industrie agro-alimentaire pour se familiariser avec son sujet ? Et en effet c'est exactement ce qu'il a fait en ayant comme premier emploi un job de serveur à Long Beach, dans le café « Mile High and Red Hot » (Glace et hot-dog). Cet intérêt pour les objets du quotidien, confondus ensuite avec ceux de la culture de masse, associa son nom au mouvement du Pop-Art. Cependant, une fois réduit le tapage médiatique autour du pape du pop art (Andy Warhol), on remarqua - non sans stupeur - que les œuvres de Wayne Thiebaud, effectuées dans les années 50 et 60 étaient légèrement antérieures à celles des autres artistes de cette tendance... de là à lui attribuer une influence définitive comme précurseur de ce mouvement, il n'y avait qu'un pas qui, aujourd'hui, est franchi avec justesse.
Outre les pâtisseries, Wayne Thiebaud a également peint des paysages, des rues, ainsi que des personnages populaires, comme Mickey. Certaines de ses toiles récentes, comme Sunset street (1985) ou Flatland river (1997) sont remarquables pour le traité hyper réaliste, et se rapproche du travail d'un Edward Hopper, qui était tout aussi fasciné par ces scènes du quotidien américain.
Dans sa peinture, Wayne Thiebaud se concentre sur la banalité de façon à suggère l'ironie et la distance vis-à-vis de son sujet.
Wayne Thiebaud se considère comme un peintre, mais paradoxalement pas comme un artiste. C'est un lecteur vorace, qui a l'habitude de lire de la poésie, celle de son poète préféré William Carlos Williams par exemple, à ses élèves.
En septembre 2010, alors qu'il fêtait son 90e anniversaire, Wayne Thiebaud réalisa un dessin pour le 12e anniversaire de Google qui l'afficha sur sa page d'accueil. Le dessin était exécuté dans le style bien reconnaissable de Wayne Thiebaud, et montrait un gâteau sur lequel est écrit Google et où le "l" était remplacé par une bougie.

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Vincent van Gogh (1853-1890) - Nature morte aux godillots

Vincent van Gogh (1853-1890)
Les soulierd - Nature morte aux godillots, 1886
Huile sur toile, 37,5x 45 cm
Musée Van Gogh, Amlsterdam

 

Que voit-on ? Van Gogh a peint à de très nombreuses reprises ce sujet des chaussures, sabots, bottines...(toujours très usées), sujet qui semblait le fascinait et qu'il traitait comme une nature morte. Dans cette composition, c'est une paire de godillots, chaussures commandée par l 'armée française à mr Godillot.    Ceux ci ont beaucoup marché et la semelle retournée et trouée de l'un atteste de l'état avancé d'usure. D'aucun ont voulu y voir une représentation symbolique de sa propre existence.  Pourquoi pas  ?  Si ça peut leur faire plasir !

 Rappel biographique : Au début du mois de mars 1886, Vincent van Gogh rejoint son frère Theo à Montmartre, avec l'envie de s'informer sur les nouveautés de la peinture impressionniste. À l'époque, Theo est gérant de la galerie montmartroise Boussod, Valadon & Cie. Seule la connaissance du milieu artistique parisien peut véritablement permettre à Van Gogh de renouveler et d'enrichir sa vision. Cette année-là est celle de la dernière exposition impressionniste que Vincent découvre, et en 1887 doit avoir lieu la première rétrospective de l’œuvre de Millet. Paris se prépare alors à accueillir plusieurs expositions : en plus du Salon, où sont exposées les œuvres de Puvis de Chavannes, Van Gogh visite les salles de la cinquième exposition internationale à la galerie Georges Petit, qui présente des toiles d'Auguste Renoir et de Claude Monet. Ces derniers n'avaient pas souhaité participer à la huitième et dernière exposition des impressionnistes, qui offrait le spectacle d'un groupe déchiré, entre les défections et les nouvelles arrivées, et ouvrait ses portes à la nouveauté du moment, le néo-impressionnisme, avec la toile de Georges Seurat, Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte. À Paris dans les années 1886-1887, Van Gogh fréquente un moment l’Académie du peintre Cormon, où il fait la connaissance de Henri de Toulouse-Lautrec, de Louis Anquetin, d’Émile Bernard ainsi que de John Peter Russell. Ce dernier réalise son portrait. Il rencontre également, par l’intermédiaire de son frère, presque tous les impressionnistes, en particulier Georges Seurat et Camille Pissarro, ainsi que Paul Gauguin. Dans la boutique du père Tanguy, il devient l'ami de Paul Signac. Sous l’influence des estampes japonaises, ses compositions acquièrent peu à peu davantage de liberté et d’aisance, tandis qu’il s’essaie à la technique de l’aplat coloré. Pissarro l’initie également aux théories nouvelles sur la lumière et au traitement divisionniste des tons. La palette de l'artiste s’enrichit alors de couleurs vives et sa touche s’anime et se fragmente, ceci grâce également à Signac avec qui il travaille en 1887. Exalté par la ferveur du climat artistique parisien, Van Gogh brûle les étapes de son renouvellement artistique grâce à la fréquentation des peintres les plus anticonformistes du moment : il s'essaye au néo-impressionnisme auprès de Signac et Pissarro, enquête sur les profondeurs psychologiques du portrait avec son ami Toulouse-Lautrec, est précocement informé de la synthèse du cloisonnisme par ses compagnons Louis Anquetin et Émile Bernard, et peut apprécier les toiles exotiques réalisées par Gauguin en Martinique. Régénéré par cette modernité, il est prêt à réaliser son rêve méditerranéen, à la recherche de la lumière aveuglante de la Provence, qui fait resplendir les couleurs pures de la nature, étudiées jusque-là dans sa collection d'estampes japonaises. C'est une période très fertile où son art s'oriente vers l'impressionnisme, mais l'absinthe et la fatigue aggravent son état mental. Le 19 février 1888, il quitte Paris....
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Rufino Tamayo (1899-1991) - Still Life

Rufino Tamayo (1899-1991)
Still Life, 1928
Museo Tamayo de Arte Contemporáneo

 Que voit on ? Posé sur une console de cuisine à tiroir, plusieurs fruits et légumes dont une pastèque tranchée fruit favori de Tamayo, une poire et des cosses noircies.  Un style plus porche de celui des peintres européens de la même époques( Braque, Picasso) que des peintres mexicains.

Rappel Biographique : Rufino Tamayo est un peintre mexicain est considéré comme un des peintres mexicains d'importance majeure du 20e siècle, étant de plus un des premiers artistes latino-américains qui a obtenu une reconnaissance et une diffusion de ses œuvres internationales, au même titre que le groupe des trois (Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros et José Clemente Orozco). De ce fait, il a travaillé avec eux sur certains projets, comme le mouvement muraliste qui s'est étendu sur la période qui comprend les deux guerres mondiales, même si sa peinture a des caractéristiques propres et le distingue des autres artistes du groupe. Le musée Rufino Tamayo (Museo Tamayo de Arte Contemporáneo), inauguré en 1981 est dédié exclusivement à l'art contemporain et n'expose pas ses œuvres de manière régulière. Après sa mort en 1991, a été créé à Oaxaca un musée portant son nom, regroupant certaines de ses œuvres ainsi que des objets précolombiens notables. Le travail de Rufino Tamayo se caractérise par une volonté d'intégrer sur le plan plastique de l’héritage précolombien autochtone, l'expérimentation et les nouvelles tendances picturales qui ont révolutionné les courants artistiques européens au début du siècle. Son intérêt pour ce qui est arrivé en Europe sur le plan artistique marque une différence dans son travail et un style personnel par rapport au noyau fondamental des muralistes. Ces derniers ont préféré maintenir une indépendance esthétique absolue par rapport aux tendances européennes et ont puisé leurs sources d'inspiration dans l’héritage pictural précolombien ou indigène. Il s'est séparé aussi du mouvement muraliste pour son manque de motivation idéologique et révolutionnaire et pour avoir un accent marqué formel et abstrait du thème indien.

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Pablo Picasso (1881-1973) - Le Cédrat

Pablo Picasso (1881-1973)
Le cédrat, 1925
Huile sur bois collage,5 1/4 x 7 1/8 x 3/8 p.
Musée Solomon R. Guggenheim

Que voit on ? Posé sur un guéridon, u vase blanc et bleu dans le gout grec et un citron (cédrat) reconnaissable uniquement  par sa couleur et le grain de sa peau. 

 Rappel biographique : le peintre espagnol Pablo Ruiz Picasso a commencé à peindre très tôt, au tournant du19e et du 20e siècle et n'a jamais cessé sa production, évaluée aujourd'hui a quelques 50.000 œuvres. Utilisant tous les supports pour son travail, il est considéré comme le fondateur du cubisme avec Georges Braque auquel son nom est lié surtout dans le domaine des natures mortes. Il est considéré comme l'un des plus importants artistes du 20e siècle tant par ses apports techniques et formels que par ses prises de positions politiques et que par l'immensité de sa production tous genres confondus.
A partir des années 1920 ses natures mortes seront très proches, sur la même ligne de conception " cubiste analytique " que celles de Georges Braque, dont il devient un temps l'intime avant de s'en séparer définitivement. Il y eut une connivence d'inspiration très rare entre ces deux peintres pendant une certaine période de leur vie et en particulier dans le domaine particulier du traitement de la nature morte.
Picasso peint beaucoup d'autres natures mortes après la Seconde guerre mondiale et hors de la période cubiste, mais ce n'est pas un genre qui tient une place aussi essentielle dans son œuvre que dans l'œuvre de Georges Braque.
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Gino Severini (1863-1966) - Natura morta con frutteria

Gino Severini (1863-1966)
Natura morta con frutteria, 1947
Collection privée

Que voit on ? Sur un entablement en bois, un pichet et deux compotier  : l 'un avec deux pommes et l'autre avec trois poires. Un bougeoir vide clos la composition dans le fond à gauche. 

Rappel biographique : Le peintre italien Gino Severini fit partie du mouvement futuriste. Il commença par s'installer à Rome en 1899 où il travailla comme employé, puis fréquenta l'école libre du nu à l'Académie et suivit des cours du soir de dessin à l'école de la Villa Medicis.
Il s'installa à Paris en 1906 et y fréquenta l'avant-garde artistique. En 1910, il signa le Manifeste pour la peinture futuriste avec Marinetti, Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Luigi Russolo et Carlo Carrà. En 1912, il participe à l'exposition des peintres futuristes à la galerie Bernheim-Jeune à Paris et il est présent dans les expositions successives des futuristes en Europe et aux États-Unis.
Très bon dessinateur, il combine dans son œuvre la science et l'art, la rigueur et l'imagination, pour atteindre le plus complet bonheur d'expression lorsqu'il lance, entre 1910 et 1915, les valeurs dynamiques du futurisme.
Après 1920, il se consacre notamment à l'art sacré et à la mosaïque.
Il publie en 1921 un ouvrage intitulé Du cubisme au classicisme. En 1922, il décore de fresques une pièce du Castello di Montegufoni à la demande d'Osbert Sitwell, propriétaire des lieux. Il est l'ami de l'architecte français Auguste Perret. Dans les années 1920, il partage son temps entre Paris et Rome.
En 1956, il ouvre à Paris l’École d'Art italien avec Gio Colucci.

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Giorgio Morandi (1890-1964) - Still Life

Giorgio Morandi (1890-1964)
Still Life, 1955
Collection Privée

Que voit on ?  L'habituelle thématique de contenants traitée par Morandi tout à long de sa vie dans les médias  les plus diverses et jusqu'à l'obsession.

Rappel biographique : Le peintre italien Giorgio Morandi bien que qualifié de futuriste ne peut être identifié à aucun mouvement pictural du 20e siècle en particulier. Ayant peint de très nombreuses natures mortes, l’œuvre de Cézanne représente évidemment une influence majeure pour lui ; il lui emprunte la monumentalité des formes et les zones denses de couleurs. Mais simultanément, il développe une approche beaucoup plus intime de l’art. Les natures mortes de Giorgio Morandi représentent des objets toujours ordonnés avec soin sur une table dans l'atelier, pour être observés et peints. Ces objets qu'il a lui même achetés chez des brocanteurs, qui lui ont été donnés par des amis ou qu'il a ramassés dans la rue, sont facilement identifiables de toile en toile ; ce sont des bouteilles, cubes, entonnoirs auxquels viennent se mêler, à l'occasion mais rarement, un coquillage ou un fruit ou d'autres éléments plus incongrus (savons, blocs de bois... ). Le positionnement des objets dans le cadre est réalisé avec une attention particulière portée à la " géométrisation" de l'espace qui peut alors se lire en carrés et diagonales. Un lent travail de maturation est mis en œuvre par le dessin et la peinture par reprises successives, superpositions de couleurs faites d'une pâte ample avec des dégradés de gris d'une extrême sensibilité, qu'amplifie une sorte de délectation morose.

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Georgia O' Keeffe (1887-1986) - Red Poppy

Georgia O' Keeffe (1887-1986)
Red Poppy (1927)
Georgia O' Keeffe Museum

Que voit on ?  Une nature morte très célèbre de la peintre américaine. Sans doute sa plus célèbre et qui fit couler tant d'encre que  je n'en rajouterai pas. Que chacun y voit désormais ce qu'il voudra... 

Rappel biographique : L'artiste américaine Georgia O' Keeffe est considérée comme une des peintres modernistes majeures du 20e siècle. L'art de Georgia O'Keeffe est basé sur une observation minutieuse de la nature et sur sa volonté de peindre ce qu'elle ressent plus que ce qu'elle voit. Elle demeurera à l'écart des courants, suivant sa propre voie. Ses gros plans de fleurs, qui caractérisent une bonne partie de sa production, révèlent son sens aigu de l'observation. Le format de ses toiles, les couleurs et les nuances rendent la majeure partie de ses tableaux pratiquement abstraits. À sa mort, Georgia O'Keeffe a laissé environ 900 tableaux dont finalement très peu de natures mortes, qui est pourtant un genre auquel elle est régulièrement revenue tout au long de sa carrière et qu'elle a abondamment illustré. Une retrospective est consacrée aàson œuvre au Centre Pompidou à Paris en Septembre 2021
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Georges-Daniel de Monfreid (1856-1929) - Nature morte aux deux verres

Georges-Daniel de Monfreid (1856-1929)
Nature morte aux deux verres
Collection privée

Que voit on ?  Une composition et une touche très académique, très symétrique,  qui ne véhicule pas de message particulier mais qui ne manque pas de charme à regarder, ce qui à l'époque où elle fut peinte était une de ses principaux buts.

Rappel biographique : Georges-Daniel de Monfreid était un peintre et collectionneur d'art français. Né à New York, il a passé son enfance dans le sud de la France. Très tôt, il décide de faire carrière dans l'art et s'inscrit à l'Académie Julian. Il se lie d'amitié avec Paul Gauguin, Paul Verlaine et Aristide Maillol. Au début, son travail était impressionniste et néo-impressionniste, mais son groupe proche des Nabis a poussé son style en direction de Gauguin.
Il était également collectionneur d’art et mécène. Avec Gustave Fayet, il fut l'un des premiers collectionneurs des œuvres de Gauguin au moment de son exil dans le Pacifique. Il était également l'un des premiers biographes de Gauguin. Il a également été influencé par le cubisme de Pablo Picasso en fin de carrière. Il était le père de l'écrivain français Henry de Monfreid (1879-1974).

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Fairfield Porter (1907-1975) - Field Flowers Fruit and Dishes,

Fairfield Porter (1907-1975)
Field Flowers, Fruit and Dishes, 1974
(Fleurs de champs fruits et vaisselle)
Private collection 

 Que voit on ? Ce que décrit le titre sauf le repose plat et le sucrier que le peintre a omis de citer... et qui sont donc peut être les éléments plus importants !    Ceux du non dit. 

Rappel biographique : Fairfield Porter était un peintre et critique d'art américain, frère du photographe Eliot Porter. C’est en étudiant à Harvard, que Porter décida de se spécialiser dans les beaux-arts et de poursuivre, après son déménagement à New York en 1928, ses études à l'Art Students League. Son passage à l’Art Students League le formate plus ou moins pour produire un travail réaliste. Il sera d’ailleurs beaucoup critiqué et à la fois vénéré pour s'être obstiné dans ce style réaliste à une époque où l'expressionniste abstrait battait son plein dans le monde. Les sujets des tableaux de Porter sont principalement des paysages, des intérieurs, quelques natures mortes et beaucoup de portraits. Portraits de famille, portraits d'amis et de collègues artistes, dont beaucoup étaient affiliés à l’école littéraire de New York, comme John Ashbery, Frank O'Hara ou James Schuyler. Un grand nombre de ses peintures ont été réalisées dans ou autour de sa maison estivale de famille à Great Spruce Head Island, dans le Maine et dans sa maison de famille citadine à New York. Sa vision picturale englobe à la fois une réelle fascination pour la nature et la capacité de révéler tout ce qu’il peut y avoir d’exceptionnel dans la vie ordinaire. Très influencé par les peintres français Pierre Bonnard et Edouard Vuillard, il a même écrit " Quand je peins, je pense que ce qui peut me satisfaire est d'exprimer au mieux ce que Renoir conseillait à Bonnard : « Rendre tout plus beau » ".

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Estêvão Silva (1844-1891) - Grumixamas e Jaboticabas

Estêvão Silva (1844-1891)
Grumixamas e Jaboticabas
Museo Afru Brazil, São Paulo

Rappel Biographique : Estêvão Roberto da Silva était un important peintre, dessinateur et professeur brésilien de la seconde moitié du 19e siècle. Premier peintre noir de premier plan à être diplômé de l' Académie impériale des beaux-arts, il est devenu célèbre pour ses natures mortes  étant considéré comme l'un des plus grands représentants brésilien de ce genre. 
D'origine modeste, il était le fils de Vítor Roberto da Silva et d'Ana Rita da Silva, esclaves ou anciennement esclaves. Son lieu de naissance est inconnu. On sait  seulement qu'il a été baptisé à Niterói. Malgré la situation économique difficile, dans laquelle il se trouvait,   il commença ses études à l'Académie impériale des beaux-arts, à Rio de Janeiro, vers 1863. Il a été fortement influencé par Agostinho José da Mota, grand peintre de natures mortes, avec qui il suit les cours de l'Académie.  Il se spécialise dans la peinture de fleurs et de fruits tropicaux, qui constituent une part substantielle de son œuvre.  En tant que professeur, Silva a enseigné au Lycée des Arts et Métiers de Rio de Janeiro. Dans les années 1880,  il rejoint le Groupe Grimm et les  propositions novatrices de ses membres  : l'étude de la nature par l'observation directe et la peinture en plein air. Il ne rompt cependant pas avec les normes esthétiques de l'Académie.  Outre des natures mortes, il exécute quelques portraits (comme celui du peintre Castagneto ) et des peintures à caractère historique ( A Lei de 28 de Setembro ), religieux ( São Pedro ) et allégoriques (Charité ), entre autres....

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Fede Galizia (1578-1630) - Fruttiera di-prugne e due-gelsomini su un tavolo

Fede Galizia (1578-1630),
Fruttiera di-prugne e due-gelsomini su un tavolo
Huile sur toile 45,5 x 37cm
Galleria Cesare Lampronti, Roma

Que voit on ? Le titre écrit tout mais ne décrit pas le somptueux contraste entre la couleur foncée de purnes et des figues, la blancheur éclatante des fleurs de jasmin posés sur l'entablement. Une merveille ! 

Rappel biographique : Fede Galizia appelée aussi Fede Gallizi est une peintre italienne de l'époque baroque. Elle apprit à peindre dans l'atelier de son père le peintre miniaturiste Nunzio Galizia, qui travaillait à Milan. A 12 ans, elle maîtrise parfaitement l 'art de la gravure. A 20 ans, elle a déjà une réputation de portraitiste qui dépasse les frontières du duché de Milan. En 1596, elle réalise une Judith et sa servante qui lui assure une notoriété de peintre majeure. Elle exécute plusieurs commandes pour des églises de Milan dont un retable pour l'église Santa Maria Maddelena.
En 1630, elle meurt à Milan de la grande peste qui ravageait alors l'Italie.
C'est en 1965 seulement que Stefano Bottari constitue le catalogue de ses œuvres. A la surprise générale il lui attribue une majorité de natures mortes alors que sa réputation de son vivant était plutôt basée sur les portraits et les sujets sacrés (les plus nobles des genre picturaux de l'époque).
Ses natures mortes d'une très grande simplicité, empreintes du dépouillement prôné par la Contre-Réforme, font souvent penser à celles de Zurbaran. Fede Galizia est avec Clara Peeters à Anvers et Louyse Moillon à Paris l'une femmes premières peintres de natures mortes.

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Auguste Herbin 1882-1960) - Nature Morte aux fruits (1925)

Auguste Herbin 1882-1960),
Nature Morte aux fruits (1925).
Coll. privée, Londres

Que voit on ?   Presentées sur deux étages a la façon des natures mortes antiques romaines des fruits : pommes dans une casserole et oranges dans une coupe transparente posée sur un entablement en verre.

Rappel biographique : Le peintre français Auguste Herbin est une grande figure de l'art abstrait. Dans le premier quart du 20e siècle, alors que naissaient les mouvements De Stijl aux Pays-Bas, du Constructivisme en Russie et du Bauhaus en Allemagne, Herbin a été l’un des fondateurs de l’abstraction en France. Après la Première Guerre mondiale, il devient l’un des principaux protagonistes des deux grands mouvements Abstraction-Création et Réalités Nouvelles.
" Toute l'action de la peinture réside dans le rapport des couleurs entre elles, dans le rapport des formes entre elles et dans le rapport entre les formes et les couleurs ". écrira-t-il  Ses natures mortes presque datant  toutes de sa période cubiste sont très influencées par Juan Gris et  Pablo Picasso. Herbin produit ses premières toiles abstraites en 1917. Il est remarqué par Léonce Rosenberg qui lui achète plusieurs toiles et le prend sous contrat à la Galerie de L'Effort Moderne où il expose à plusieurs reprises. En 1919  Herbin décide d'abandonner le cubisme, pour lui dépassé ; il écrit à Gleizes : « L'art ne peut être que monumental. » Il réalise alors sa série d'« objets monumentaux ». Ses peintures sur bois géométriques en relief remettent en question le statut de la peinture de chevalet. Cependant elles sont très mal accueillies, y compris par les critiques favorables au cubisme. Herbin se retire.  Entre 1922 et 1925, Herbin revient  à un style figuratif, sur les conseils de Rosenberg.  Il désavouera plus tard les paysages, les natures mortes et les scènes de genre de cette époque, telles que Les joueurs de boules (1923, Musée National d'Art Moderne, Paris), dans lesquelles il représente les objets sous forme de volumes simplifiés.
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Ben-Zion Weinman (1897-1987) - Chrysanthemums

Ben-Zion Weinman (1897-1987)
Chrysanthemums, ca. 1935-1939
Huile sur toile, 92, 1 x 61,3 cm
Smithsonian American Art Museum

Que voit-on  ?  Ce que décrit le titre soit 5 cinq fleurs de chrytsanthèmes dans un vase de style tulipier hollandais. Un bocal de poissons rouges sur la droite du cadre attire l'attention, non pas tant parce qu'il est carré que parce qu'il ressemble beaucoup aux poissons rouges que peignit Matisse.  

 Rappel biographique : Le peintre Ben-Zion (Benzion Weinman) faisait partie du groupe "The Ten", un groupe de jeunes artistes actif a partir des années 1940 aux Etats Unis.  Né en Ukraine, Weinman est arrivé aux États-Unis en 1920. Autodidacte, il s'est fait connaitre pour des gravures et aquarelles d'inspiration bibliques exécutées dans  un style figuratif où entrait une part d'abstraction.
Ben-Zion  reçu  d'ailleurs un prix du Congrès juif américain pour ces œuvres qui font aujourd'hui partie   des collections du Metropolitan Museum of Art et du MOMA de New York.
 Poète et écrivain, Ben-Zion a cessé d'utiliser la langue hébraïque au moment où la réalité de l'Holocauste devenait évidente : " Ecrire dans "le langage des martyrs" m' était devenu "impensable" dira-t-il.Il ne peignit pourtant  jamais directement les horreurs des années  40, mais se contenta de défendre une vision humaniste  de la société avec toujours un forte présence sacrée.
Ben-Sion  résumait  souvent son oeuvre en paraphrasant dans ses propres mots,  le roi David : "  C'est un son léger comme le plus fin des fils  qui m’accompagne dans les ténèbres de l’abîme. Que Dieu nous garde si ce fil devait se rompre ".

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Bartolomeo Bimbi (1648-1730) - Pesche e albicocche

  

 

 

Bartolomeo Bimbi (1648-1730)
Pesche e albicocche, 1700
Collection privée


Que voit on ? Ce que le titre décrit : des pêches et ds abricots à profusion. Sur la feuille de papier à droite du cadre les différentes variétés sont répertoriées.... car il fut un temps où il y avait une multiplicité de fruits différents dans un même espèce. Ce n'est plus le cas ... à cause de la folie destructrice du genre humaine t de son incommensurable bêtise ! 

Rappel biographique : Bartolomeo Bimbi fut un peintre italien de natures mortes qui a été actif à la fin du 17e et au début du 18e siècle. Il fut l'élève de Lorenzo Lippi et d'Onorio Marinari, et à Rome de Mario de'Fiori. Bimbi a, en partie, perpétué la tradition de Jacopo Ligozzi, mais fut initié à la peinture des fleurs par Agnolo Gori qui le présenta à Cosme III et au prince Ferdinand de Médicis. À partir de 1685, il exécuta pour ce dernier de nombreuses œuvres de tableaux d'animaux, de fleurs, de fruits,  et de jégumes, représentations d'après nature, d'une extrême précision scientifique. Pour cela il utilisait le savoir de spécialistes comme Redi, qui analysait les nouvelles espèces apportées à l'artiste pour être peintes et accrochées dans les villas médicéennes.
Les nombreuses commandes de ses clients encouragèrent la réalisation de grands tableaux de la faune pour la Villa Medicea dell'Ambrogiana, de la flore pour la Villa Medicea di Castello et des fruits pour le pavillon de chasse de la Topaia, sur les hauteurs de la résidence du Castello.
Aujourd'hui, la plupart de ses œuvres se trouvent dans le musée de la nature morte qui occupe le second et dernier étage de la Villa médicéenne de Poggio a Caiano. Elles témoignent d'une exceptionnelle « biodiversité » de la Toscane de jadis, et reproduisent avec précision, même les défauts dus aux maladies et aux parasites. Elles font l'objet de recherches historico-botaniques par le Conseil national de la recherche et de diverses universités qui souhaitent sauvegarder des espèces menacées d'extinction ou de récupérer des variétés horticoles disparues.

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Baltazar Gomes Figuera (1604-1674) - Nature morte avec poisson, crevettes, crabe, oignons, ail, citrons et oranges

Baltazar Gomes Figuera (1604-1674)
Nature morte avec poisson, crevettes, crabe, oignons ail, citrons et orange
Huile sur toile, 54,9x75,3cm
Musée du Louvre, Paris

Que voit-on ? un assemblage de nourriture assez hétéroclite présentée de façon espacée exactement comme dans les natures de Juan Sanchez Cotan , avec le poisson présenté isolé dans un plat d'argent.  Certains éléments sont même suspendus comme les oignons, les oranges et le citrons accusant encore la similitude avec les compositions de Cotan

Rappel biographique  : Baltazar Gomes Figueira  est un peintre protugias,  fils de Paulo Gomes Figueira et de Luísa Lopes, tous deux artisans et père de  Josefa Ayala, qui fut elle aussi une  célèbre peintre. Baltazar fit son éducation à Séville  où il poursuivit une carrière militaire et où il se maria.  C'est là qu'il entra en contact avec d'autres artistes comme  Herrera el Viejo, Francisco de Zurbarán et Juan del Castillo. Il fut employé par la Maison de Bragança, à la cour de Dom João IV et Dom  Afonso VI où il était peintre et évaluateur d'œuvres d'art.. Au Musée d'Évora , une section  est consacrée à ses  natures mortes et aux peinutre de sa fille.  A l' Igreja da Misericórdia de Peniche, la collection d'art contient aussi des œuvres de Baltazar et Josefa.

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