Roses dans un vase antique noir, 1814
Collection privée
malgré les oeuvres de Chardin.
2020 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau
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Jan Davidszoon de Heem (1606-1684)
Nature morte avec Jambon, Homard et Fruits
Museum Boiljmans Van Beuningen, Rotterdam
Que voit on ? Un entablement de bois partiellement recouvert d'un nappe verte, qui est une mise en place de fond déjà utilisée dans une précédente Nature morte au Homard de Heem. La différence ici, réside dans le fait qu'il s'agit d'une "nature morte en pyramide" où s 'accumulent toutes sortes d'objets précieux et de nourritures rangées par ordre hiérarchique de rareté (si on peut dire) pour me mener tout en haut de la pile au homard qui, considéré comme le plus précieux des mets, trône en majesté. Rappel biographique :
Le peintre hollandais Jan Davidszoon de Heem est un des membres d'une véritable dynastie de peintres, dont quelques uns spécialisés exclusivement dans les nature mortes. Ses premières œuvres sont dans le style de Balthasar van der Ast (1593/94-1657), son maître. Il travaille ensuite à Leyde et montre un style proche des toiles de Pieter Claesz (1595/97-1661) et de Willem Claeszoon Heda (1594-1680). En 1636 , il s'installe à Anvers dont il devient citoyen de la ville, ce qui signifie qu'il y a acquiert respectabilité pour son métier et fortune relative. Il est le fils du peintre David de Heem le vieux (1570 ?-1632 ?) et le père des peintres Cornelis de Heem (1631-1695) et Jan Jansz de Heem (1650-après 1695). On ne lui connait pas d'autres œuvres que des natures mortes, le plus souvent florales et dans la grande tradition de la Nature morte hollandaise. Celle-ci qui est composée uniquement de vieux livres aux reliures défectueuses ou inexistantes est une exception dans sa thématique habituelle, même si le message délivré est toujours le même : celui de la fragilité de l'existence humaine, de ses activités... et du savoir.
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Lucian Freud (1922-2011)
Still-life with Green Lemon, 1947
Private collection
Que voit on ? Un citron vert et sa feuille avec en fond un fragment d'autoportrait du peintre de trois quart, regardant le spectateur a la façon des peintres de la Renaissance italienne.
Rappel biographique : Petit fils de Sigmund Freud, le peintre britannique Lucian Freud est
considéré comme un des peintres figuratifs les plus importants du 20e
siècle et l'un des plus exemplaires grâce à un style à la fois réaliste,
acéré et presque caricatural. Surtout connu pour ses portraits, dont
celui de la reine Elizabeth II, il a peint aussi quelques natures mortes
en réussissant le défi d'être à la fois d'un absolu modernisme et d'un
grand classicisme.
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Claude Monet (1840-1926)
Parterre de Chrysanthèmes, 1897
Collection privée
Que voit on ? Claude Monet a beaucoup peint les chrysanthèmes qui, japonisme oblige, étaient ses fleurs favorites. Il les a peint en pot , en vase ou en parterre, ce qui est le cas dans cette composition, sans doute la plus connue de la vingtaine de toiles qu'il réalisa avec ces fleurs. On note que plusieurs variétés sont mêlées ici, des plus classiques au plus chevelues (les jaunes) ...
Rappel biographique : le peintre français Claude Monet, l'un des fondateurs de l'impressionnisme, est surtout connu pour ses paysages et ses portraits. " La couleur, disait-il " est mon obsession quotidienne, ma joie et mon tourment ". Claude Monet est l’un des fondateurs de l'impressionnisme. En 1859, il part à Paris tenter sa chance sur le conseil d'Eugène Boudin. Après des cours à l'académie Suisse puis chez Charles Gleyre et la rencontre de Johan Barthold Jongkind, le tout entrecoupé par le service militaire en Algérie, Monet se fait remarquer pour ses peintures de la baie d'Honfleur. En 1866, il connait le succès au Salon de la peinture. Toute cette période est cependant marquée par une grande précarité. Il fuit ensuite la guerre de 1870 à Londres puis aux Pays-Bas. Dans la capitale anglaise, il fait la rencontre du marchand d'art Paul Durand-Ruel qui lui assurera sa principale source de revenu pendant le reste de sa carrière. Revenu en France, la première exposition des futurs impressionnistes a lieu en 1874. À partir de 1890, Monet se consacre à des séries de peintures, c'est-à-dire qu'il peint le même motif à différentes heures de la journée, à diverses saisons. Il peint alors parfois des dizaines de toiles en parallèle, changeant en fonction de l'effet présent. La fin de sa vie est marquée par une maladie, la cataracte, qui affecte son travail.
Monet peint devant le modèle sur l'intégralité de sa toile dès les premières ébauches, il retouche ensuite de nombreuses fois jusqu'à ce que le résultat le satisfasse. Contrairement à ce qu'il affirme, il termine la plupart de ses toiles en atelier, prenant modèle sur les premières peintures d'une série pour peindre les autres. D'un caractère parfois difficile, prompt à la colère comme au découragement, Claude Monet était un grand travailleur qui n'hésitait pas à défier la météo pour pratiquer sa passion. Monet résume sa vie ainsi de la meilleure manière : « Qu'y a-t-il à dire de moi ? Que peut-il y avoir à dire, je vous le demande, d'un homme que rien au monde n'intéresse que sa peinture - et aussi son jardin et ses fleurs ».
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Aimé-Victor Barraud (1902-1954)
Nature morte avec Fruits, 1936
Collection privée
Que voit on ? Sur un entablement en bois clair recouvert d'un linge bleu déchiré aux angles,un bol en céramique émaillée blanche ébréché à de multiples plusieurs endroits de son pourtour et contenant quelques pommes pommes piquées voir même en voie de pourrissement pour certaines. L'entablement semble être recouvert d'une feuille de papier sulfurisée maintenant par des petits cailloux...
Rappel biographique : Le peintre suisse Aimé-Victor Barraud a été affilié par les spécialistes de l'art au mouvement de la Nouvelle objectivité. Son père, sa mère et son grand-père maternel travaillaient comme graveurs et concevaient des décorations pour les boîtiers métalliques des montres de poche. La précision artisanale et le sens de la décoration étaient cultivés dans la famille et Aimé-Victor suivaient régulièrement des cours du soir dans la prestigieuse école d'art et d'artisanat local.
Dans sa carrière picturale, il s'est limité à un petit nombre de sujets, peignant principalement des portraits (y compris des autoportraits et des portraits doubles de lui-même et de sa femme), des nus, des natures mortes et quelques rares paysages. Grâce à un dessin précis et à des couleurs claires appliquées avec douceur, il a atteint un degré de réalisme extrême, voit même d'hyperréalisme avant la lettre. Il décrit souvent dans ses natures mortes un monde en putréfaction, l'un des symboles favori de ce genre pour décrire la vanité de la vie sur terre et sa fragile destinée.
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Que voit on ? Sur un entablement de bois recouvert au trois quart d'une nappe blanche froissée, des fleurs (roses) dans un verre et des fruits (fraises) dans un bol. Quelquesc apucines oranges et jaunes parsèment la nappe.
Rappel biographique : Félix Vallotton, peintre d'origine suisse naturalisé français en 1900, est un artiste à cheval sur deux siècles, deux pays et plusieurs tendances esthétiques, des Nabis à la Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité). S'il est aujourd'hui moins connu en France qu'en Suisse, c'est pourtant à Paris, dans les années 1890, que ses gravures sur bois novatrices lui ont valu une renommée qui s'est rapidement étendue à l'Europe entière. Tout au long de sa vie le " Nabi étranger ", comme il était surnommé, s'est intéressé à une gamme étendue de sujets récurrents - intérieurs, toilettes, nus féminins, paysages, natures morte, rendus étranges par son style lisse et froid, aux couleurs raffinées, aux découpages et aux cadrages audacieux. Et bien qu'il ne fût pas toujours compris par la critique de son temps, Vallotton a su s'imposer comme une figure en vue de la scène artistique parisienne et trouver sa place dans le courant moderne, notamment en participant à de nombreuses manifestations internationales d'avant-garde devenues mythiques. C'est surtout à partir de 1910, que Félix Vallotton s’intéresse au genre de la nature morte et le transforme dans chacune de ces toiles.Que voit on ? Ce très beau Nicolas de Staël laisse entrevoir un coin de l'atelier du peintre où l'on aperçoit nettement au premier plan, une table blanche sur laquelle sont posées deux pots foncés dont l'un contient des pinceaux, et un pot blanc. A l'arrière plan, d'autres pots, une toile présentée de trois quart, deux piles de dessins sur papier.
Rappel biographique : Le peintre français d'origine russe Nicolas de Staël, né baron Nicolaï Vladimirovitch Staël von Holstein, est issu d'une branche cadette de la famille de Staël-Holstein. Plus d'un demi siècle après sa mort, il reste l'un des peintres les plus marquants du 20e siècle posant un problème aux historiens de l'art qui ne savent pas dans quelle catégorie le classer, ce qui doit le réjouir post mortem, lui qui détestait les catégories et les courants.
La réinvention de la figuration opérée par Staël a été mal comprise alors qu'elle anticipait d'une vingtaine d'année l'évolution générale de l'art. Il a « retrouvé le visible sans renoncer aux possibilités expressives et à la liberté d'action qui définissent la peinture contemporaine » alors que Paris perd sa place de capitale des arts, dès les années 1960, sous l'effet du marché de l'art et de la surenchère :
" On y est devenu incapable de discerner le pastiche de l'original " selon Umberto Eco.
Selon Marcelin Pleynet et Michel Seuphor : « ...il faut tenir compte de Nicolas de Staël, vu et revu souvent avec et travers l'avant-garde américaine de années cinquante. Ces nouveaux mouvements d'abstraction suivent le cheminement de Staël, délaissant la peinture gestuelle pour une peinture brossée, voir maçonnée ». Peu exposé de son vivant, son œuvre a donné lieu à de nombreuses manifestations posthumes qui ont confirmé sa stature sur le plan international. " Staël fut le plus puissant créateur de sa génération dans l'École de Paris de l'après-guerre, sur laquelle il a exercé une forte influence Il a été le premier à dépasser l'antinomie abstraction-figuration ".
Nicolas de Staël meurt à 41 ans en se jetant de la terrasse de l'immeuble où il avait son logement et un de ses ateliers à Antibes. L'ensemble de son œuvre s'étend sur 15 années. Il a peint, à partir de 1952, plusieurs natures mortes dont quelques unes sont aujourd'hui conservées et exposées au Musée Picasso d'Antibes à quelques pas de son ancien atelier. Plusieurs sont présentées sur ce blog.
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James Ensor (1860–1949)
Dahlias, 1932
Private collection
Que voit on ? Un bouquet de dalhias roses et oranges dans un très beau vase de Chine posé sur un entablement et devant un fond assez abstrait qui s'accordent parfaitement aux tonalités au reste de la composition.
Rappel biographique : Le peintre belge James Ensor se revendiquait du mouvement anarchiste et a laissé une œuvre expressionniste très importante. Il est un des membres fondateurs du groupe bruxellois d'avant garde Les Vingt. En 1898, il est l'un des instigateurs du bal du Rat mort qui a lieu à la fin du carnaval d'Ostende. Ensor doit attendre le début du 20e siècle pour assister à la reconnaissance de son œuvre : expositions internationales, visite royale, anoblissement avec titre de baron, Légion d'honneur ... on le surnomme alors le prince des peintres. Et c'est précisément ce moment qu'il choisit pour abandonner la peinture et consacrer les dernières années de sa vie exclusivement à la musique !
Dans beaucoup de ses tableaux Ensor est fasciné par la lumière d'Ostende, sa ville natale, qui lui inspire des pâleurs secrètes : « La lumière déforme le contour. Je vis là-dedans un monde énorme que je pouvais explorer, une nouvelle manière de voir que je pouvais représenter. »
C'est entre 1887 et 1893 qu'il peint ses plus beaux tableaux : la gamme chromatique prend feu au milieu des nacres translucides des ciels et des marines. Contemporaine de Vincent Van Gogh et d'Edvard Munch, son œuvre contient beaucoup des futures révolutions du Fauvisme au Mouvement Cobra.
Il va s'appliquer à mettre en évidence les aspects grotesques des choses, et s'orienter vers une vision radicale, sarcastique et insolente du monde. Comme chez Pieter Brueghel l'Ancien ou Jérôme Bosch, l'inanimé respire et crie. Ses obsessions et ses peurs jouent un rôle manifeste dans les traits menaçants qu'il attribue aux objets utilitaires, aux revenants et aux masques. Ces derniers, à partir des années 1880 dominent son inspiration et renvoient au carnaval, ce « monde à l'envers », anarchique où les rapports sociaux sont démontrés par l'absurde.
Artiste pluraliste, il l'est également dans son style et ses techniques: toile, bois, papier, carton, couteau à palette, pinceau fin ou spatule… : « Chaque œuvre devrait présenter un procédé nouveau », écrit-il.
Dans un but purement alimentaire, il édite des eaux-fortes, les fameux « biftecks d'Ensor », œuvres purement commerciales mais qui ont fait alors la fierté des marchands de souvenirs. Il réalise aussi des caricatures à la manière de Bruegel et de Bosch.
Par sa prédilection pour les personnages masqués, les squelettes, qui, dans ses tableaux, grouillent dans une atmosphère de carnaval, Ensor est le père d'un monde imaginaire et fantastique qui annonce le surréalisme.
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Filippo de Pisis (1896-1956)
Nature morte à la Truite, 1951
Collection privée
Que voit on ? Sur une table posé dans une pièce qui évoque, avec sa lumière bleutée et glaciale, l'atmosphère d'un bloc opératoire : une truite morte mâchoires ouvertes, trois moules fermées et un papier journal froissé.
Rappel biographique : Luigi Filippo Tibertelli dit Filippo de Pisis est un poète et un peintre italien.
Né dans une famille fortunée de l'aristocratie italienne - la famille des marquis Tibertelli descendante d'un condottiere de Pise (d'où le nom qu'il choisit) établie à Ferrare au 16e siècle - il reçoit une éducation à domicile avec des précepteurs et des prêtres, en compagnie de sa sœur, à laquelle il demeure toute sa vie fort attaché. Il s'initie à la peinture avec un maître de Ferrare, Odoardo Domenichini. Il s'intéresse aussi très tôt à la poésie métaphysique et se fait connaître avec la publication d'une première plaquette de poésie. Cela lui permet d'entrer en relation avec Giorgio de Chirico en 1915 qui exerce une forte influence sur ses premiers tableaux. Il fait également la connaissance du frère de Chirico, Alberto Savinio, et en 1917 de Carlo Carrа. Ce sont les premiers représentants de la peinture métaphysique. Mobilisés, ils sont alors en garnison à Ferrare. Le jeune Pisis les guide dans sa ville natale et le groupe se réunit dans sa demeure familiale. C'est ici que sont exposées les premières œuvres de Chirico. Il entre en correspondance avec Guillaume Apollinaire et Tristan Tzara....
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Pierre Bonnard (1867-1947)
Corbeille de Fruits, 1924
Collection privée
Que voit on ? Le thème de la corbeille de fruits (avec ou sans anse) et de la nappe à carreaux rouges sont deux thème sassez fréquents dans les nature morte de Bonnard. L'élément nouveau dans la représentation ci- dessus est la porte ouvert du buffet de cuisine devant lequel la corbeille est peinte.
Rappel biographique : le peintre français Pierre Bonnard est connu pour ses peintures de personnages, ses nus, ses portraits, ses paysages animés, ses intérieurs et ses natures mortes de fleurs et fruits. Bonnard est un artiste post-impressionniste, membre du groupe des Nabis, par lesquels il fut surnommé le Nabi japonard. En réaction à l'impressionnisme, les Nabis veulent libérer leur peinture des exigences du réalisme : « Ensemble, nous avons méprisé l'école et les écoles, les rapins, leurs traditions, leurs farces et leurs bals inutilement nudistes. Ensemble nous nous sommes sérieusement amusés ». Les artistes nabis cherchent des voies plus spirituelles au contact de philosophies et de doctrines nouvelles teintées d'Orient, d'orphisme, d'ésotérisme, et de théosophie. Ils s'appliquent à retrouver le caractère « sacré » de la peinture et à provoquer un nouvel élan spirituel par le seul moyen de l'art.
Une fois devenu célèbre, Pierre Bonnard fut connu pour ne pouvoir s’empêcher de retoucher ses toiles une fois celles-ci achetées et exposées dans un musée. Ses amis appelaient ça « bonnarder » ou « bonnardiser ». Un journaliste relate cette attitude devenue visiblement coutumière. « Au musée de Grenoble et au Musée du Luxembourg, il arriva à Bonnard de guetter le passage d'un gardien d'une salle à l'autre, de sortir d'une poche une minuscule boîte garnie de deux ou trois tubes et, d'un bout de pinceau, d'améliorer furtivement de quelques touches un détail qui le préoccupait. Et, son coup fait, de disparaître, radieux, comme un collégien après une inscription vengeresse au tableau noir. »
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Henri Rousseau (1844 - 1910)
Bouquet de Fleurs avec Asters chinois et Tokyos, 1910
Barnes Foundation Philadelphia
Que voit on ? Ce que décrit le titre avec un précision de professionnels des fleurs ! C'est surtout le choix des couleurs qui frappe ici et notamment le rouge tres vif de l'entablement sur lequel est posé le vase d'une éclatante blancheur qui contienty le bouquet automnale.
Rappel biographique : Le peintre français Henri Rousseau (Henri-Julien-Félix Rousseau) dit "Le Douanier Rousseau " est considéré comme un représentant majeur de l'art naïf. Issu d'une famille modeste, il étudie le droit avant de partir à Paris, où il travaille dans un octroi d'où son surnom de " douanier ". Il apprend lui-même la peinture sans le recours à un quelconque enseignement et produit un grand nombre de toiles qui représentent souvent des paysages de jungle, bien qu'il n'ait jamais quitté la France. Il s'inspire en réalité de livres illustrés, des jardins botaniques et de rencontres avec des soldats qui ont participé à des expéditions exotiques et qui lui racontent les paysages lointains. Ses toiles montrent une technique élaborée, mais leur aspect enfantin a valu beaucoup de moqueries et de mépris professionnel à Henri Rousseau pensant de nombreuses décennies. Ses premières critiques positives arrivent à partir de 1891. A la fin de sa vie il rencontre même quelques autres artistes de son temps (et pas des moindres) qui lui reconnaissent publiquement un talent certain, comme, entre autres, Robert Delaunay, Paul Gauguin, Toulouse-Lautrec ou Pablo Picasso....
Edouard Vuillard (1868-1940)
Vase de fleurs
Collection privée Vase de fleurs
Collection privée
Que voit-on ? Dans un intérieur laissé volontairement dans l'imprécision, posé sur le bord d'une table recouverte d'un nappe jaune : un petit vase en porcelaine blanche contenant une demi douzaine de fleurs roses qui pourraient être des pivoines coupées très courtes. Ces couleurs acidulées posées en touches aériennes de même que le carnet négligemment esquissé à l'autre extrémité de la table confèrent a cette composition une atmosphère d'une grande douceur.
Rappel biographique : Jean-Édouard Vuillard,
connu pour être le fondateur du mouvement Nabis, a peint aussi bien des
portraits que des intérieurs, des natures mortes, des compositions
murales et des décors de théâtre. Vuillard exposa pour la première fois
au Salon des Indépendants en 1901 et au Salon dAutomne en 1903. C'est
dans le années 1890 qu'il fit la connaissance des frères Alexandre et
Thadée Natanson, les fondateurs de la Revue Blanche, et en 1892, sous
leur conseil, il fit ses premières décorations (fresques d'appartements)
pour la maison de Madame Desmarais. Plus tard il reçut de nombreuses
commandes semblables. En 1895 pour Alexandre Natanson, en 1898 pour
Claude Anet, en 1908 pour Bernstein et en 1913 pour Bernheim et pour le
Théâtre des Champs Elysées. Les dernières commandes qu'il reçut datent
de 1937 (Palais de Chaillot à Paris, avec Bonnard) et de 1939 (Palais des Nations à Genève, avec Maurice Denis, Roussel et Roger Chastel).
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Lucian Freud (1922 - 2011)
Buttercups, 1968
Private collection
Que voit-on ? Posé sans un évier en porcelaine blanche, un broc à eau en métal émaillé lui aussi blanc contenant un bouquet de Boutons d'or et quelques herbes des prés montées en graines. L'or des Boutons d'or, illumine l'intérieur de l'évier et adoucit sa froideur. Le broc est-il en attente vers une autre destination ? La question est posée...
Rappel biographique : Petit fils de Sigmund Freud, le peintre britannique Lucian Freud est considéré comme un des peintres figuratifs les plus importants du 20e siècle et l'un des plus exemplaires grâce à un style à la fois réaliste, acéré et presque caricatural. Surtout connu pour ses portraits, dont celui de la reine Elizabeth II, il a peint aussi quelques natures mortes en réussissant le défi d'être à la fois d'un absolu modernisme et d'un grand classicisme.
Luigi Lucioni ( 1900-1988)
Still life with Spider Conch and Whelk
Private collection
Que voit on ? Une nature morte de coquillage dont l'aspect symbolique sexuelle est fortement souligné.
Rappel biogaphique : le peintre et graveur Luigi Lucioni est né à Malnate dans le nord de l'Italie. Au moment où sa famille a émigré aux États-Unis en 1911, il était déjà un excellent dessinateur. Quatre ans plus tard, il remporte un concours de design qui lui permet d’assister à Cooper Union. Il a ensuite fréquenté la National Academy of Design et a remporté une bourse de la Fondation Tiffany qui lui a permis de retourner en Italie pour étudier. À la suite de son séjour en Italie, son travail porte l'empreinte du style réaliste classique. Il est surtout connu pour ses portraits, ses paysages et ses natures mortes toutes d'une forte portée symbolique. Lucioni a maintenu des studios à New York et dans le Vermont (dot il a beaucoup peint les paysages). Il a remporté de nombreux prix, dont le premier prix à l'exposition internationale Carnegie (1939) et à la biennale Corcoran. Il était membre de la Society of American Etchers et de la Allied Art Association et enseignait le portrait à la Art Students League de New York.
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Charles Rennie Mackintosh (1868-1928)
Peonies, Watercolor, circa 1920.
The MET
Que voit-on ? Mackintosh avait bait sa carrière au tournant du XXe siècle comme architecte et designer d'une grande originalité. En 1914, cependant, il quitta brusquement son écosse natale pour s'installer à Londres, ville dnas laquelle il peignit ces pivoines dans un gobelet d'argent sur fond de papier peint typique du design de ses aménagements intérieurs. Bine que vivant à Londres, son travail n'était guère apprécié des Anglais, et il eut beaucoup de mal à y établir la réputation qu'il avait en Ecosse. Cette nature morte fait partie de ses efforts pour séduire le public anglais avec un groupe de huit natures mortes florales envoyées à diverses expositions. IL y vouait aussi un moyen de compléter ses maigres revenus, ce qui ne se produisit pas puisque cette nature morte et les sept autres ne trouvèrent preneur que quelques temps après sa mort. Cette série a le mérite de le révéler comme un aquarelliste de grand talent...
Rappel biographique : Charles Rennie Makintosh est le principal représentant de l'école de Glasgow, courant issu du mouvement Arts & Crafts, qui influencera le mouvement Modern Style, pendant anglo-saxon du style Art nouveau.Au sein de l'École d'art de Glasgow, il constitute un groupe d'artistes connu sous le nom de The Four, qui s'élève contre les dérives de l'industrialisation. À travers ses créations, Mackintosh prône un retour aux lignes médiévales via le style néo-gothique et l'étude du motif naturel.
En tant qu'architecte, il réalise plusieurs bâtisses remarquables, parmi lesquelles le salon de thé The Willow Rooms et la Scotland Street School à Glasgow, ou encore la résidence Hill House à Helensburgh. Il conçoit aussi le nouveau bâtiment de l'École d'art de Glasgow, construit entre 1897 et 1909, avec lequel il gagne une reconnaissance internationale et qui reste comme son œuvre majeure. Il travaille par ailleurs en duo avec son épouse Margaret MacDonald Mackintosh (1864-1933) pour agencer des intérieurs avec des meubles originaux et des panneaux décoratifs.
Au milieu des années 1920, le couple s'expatrie dans le sud de la France, dans les Pyrénées-Orientales, où Charles Rennie Mackintosh se consacre à la peinture. En 1927, atteint d'un cancer de la langue, il rentre à Londres où il meurt l'année suivante, ruiné et dans l'indifférence générale.
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