Mikhaïl Larionov (1881-1964) - Nature morte à la théière

Mikhaïl Larionov (1881-1964) 
Nature morte à la théière
Collection privée  

Mikhaïl Fiodorovitch Larionov ( Михаил Фёдорович Ларионов) dit Michel Larionov, est un peintre et décorateur russe naturalisé français. Michel Larionov a étudié а l’Ecole de peinture de Moscou. Passant rapidement de l'impressionnisme au fauvisme, il est l'un des tous premiers animateurs de l'Avant-garde en Russie. Il se lie avec Kasimir Malevitch, a pour élève Vladimir Tatline et fonde, en 1910, le groupement du Valet de Carreau puis, en 1912 après une dispute avec David Bourliouk, la Queue d'Ane. Il épouse Nathalie Gontcharova, avec qui il élabore, dès 1909-1910, les fondements du Rayonnisme (une variante de l'art abstrait dont Guillaume Apollinaire rédigera le catalogue d'exposition à Paris en 1914 ). Très enclin à créer des mouvements et des groupes, Larionov crée l'année suivante le mouvement du Toutisme avec Mikhail Le Dentu et le poète Ilia Zdanevitch. Il expose au Salon des indépendants à Paris, en même temps que Nathalie Gontcharova et l'artiste peintre Alexandra Exter, grâce à l'appui des époux Sonia et Robert Delaunay. En 1914, il s'installe à Paris, se consacrant aux décors pour les Ballets russes de Serge de Diaghilev, qu'il réalise entre 1915 et 1922. Il ne retourne plus dans son pays natal après la révolution bolchévique de 1917 et est naturalisé français dans les années 20. Il meurt en France en 1964 dans l'oubli le plus total. Son œuvre est aujourd'hui dans beaucoup de grands musées russes et au Musée du Petit Palais à Genève. 

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2026 -  15e année -  Une collection de Natures Mortes 
Un blog de Francis Rousseau  

Ivan Puni (1894-1956) - Nature morte au couteau

Ivan Puni (1894-1956),
Nature morte au couteau, 1910.

 

Rappel biographique : Ivan Puni (Иван Пуни) connu aussi sous le nom francisé de Jean Pougny est un artiste avant-gardiste russe classé, un temps, parmi les suprématistes et les cubistes futuristes.
Petit-fils d'un compositeur italien de musique de ballet, Cesare Pugni, Ivan est inscrit dès 190 -11 à l' Académie Julian à Paris où il reçoit une éducation artistique dans le domaine des beaux arts et où il commence à peindre dans une un style dérivé du fauvisme.
À son retour en Russie en 1912, il montre ses œuvres à des membres de l''avant-garde de Saint-Pétersbourg, dont Kazimir Malevitch et Vladimir Tatlin qui sont immédiatement intéressés par son originalité. Au retour d'une deuxième voyage à Paris en 1915, il se met à peindre dans un style cubiste qui rappelle celui de Juan Gris. En 1915, Puni forment Supremus, un groupe d'artistes chargé de faire promotion du "suprématisme", le mouvement d'art abstrait fondé par Kasimir Malevitch.
En 1916, Malevitch et Puni co-écrivent le Manifeste suprématiste, qui appel la naissance d "un nouvel art abstrait pour une nouvelle ère historique ".
En 1919, il enseigne à l'école d'art de Vitebsk sous la direction de Marc Chagall. La même année, au lendemain de la révolution bolchevique, Puni et son épouse quitte la Russie. Ils transitent par la Finlande, avant de s'installer en 1920 à Berlin, où la Galerie der Sturm organise la première exposition entièrement consacrée à son travail. Pendant son séjour à Berlin, Puni conçoit des costumes et des décors pour divers productions théâtrales.
En 1924 enfin, Puni et son épouse Boguslavskaya s' installent définitivement à Paris, où son style change de nouveau en une variante de l’impressionnisme. En France, il signe son travail Jean Pougny dans le but de distancer sa nouvelle pratique artistique de son précédent travail en Russie. En 1946, Puni / Pougny devient citoyen français.
Il est mort à Paris en 1956.
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2025- A Still Life Collection
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David Petrovich Shterenberg (1881-1948) - La Table Rouge

David Petrovich Shterenberg (1881-1948)
La Table Rouge
Collection privée

Biographie: David Petrovitch Chterenberg ( Давид Петрович Штеренберг) est un peintre, graphiste et photographe russe d'origine ukrainienne. Né dans une famille juive à Jytomyr, dans l'actuelle Ukraine, alors dans l'Empire russe, David Chterenberg étudie l'art à Odessa puis, en 1906 il passe quelque temps à Vienne avant de s'installer à Paris où il vit à la cité d'artistes La Ruche jusqu'en 1917. Il étudie à l'Académie Vitti à Montparnasse, fondée en 1889 par Cesare Vitti et sa femme Maria Caira, où il a comme professeur, entre autres, Kees van Dongen. Il a été influencé par les travaux de Paul Cézanne et par le cubisme.  Pendant cette période, il effectue plusieurs voyages en Russie mais ne s'y installe qu'après la Révolution de 1917, grâce à ses bonnes relations avec Anatoli Lounatcharski, le commissaire du peuple chargé de la culture. Il assiste à la Conférence des auteurs, artistes et réalisateurs sur la coopération avec le gouvernement soviétique au Palais Smolny à Petrograd (Saint-Pétersbourg) avec Nathan Altman et d'autres. En 1917-1918, il est commissaire aux affaires artistiques. En 1918, il présente une exposition avec le groupe « Société juive pour la promotion des arts » avec Baranoff-Rossine, Altman et Lazar Lissitzky, à Moscou. De 1918 à 1920, il est chef du département des beaux-arts (IZO) du Narkompros (Commissariat du peuple à l'Instruction publique). À ce titre, il organise le financement de l'Institut de culture artistique de Moscou (INKhUK).
En 1918, il publie son essai programmatique Tâches d'art contemporain dans les documents du Conseil de Petrograd.
De 1920 à 1930, Chterenberg enseigne au Vkhoutemas (littéralement « Ateliers supérieurs d’art et de technique »), une école d'art fondée en 1920 à Moscou par un décret de Vladimir Lénine avec l'intention, selon les termes du gouvernement soviétique, de « préparer les artistes principaux aux qualifications les plus élevées pour l'industrie, et les constructeurs et les directeurs pour l'éducation professionnelle technique. » Parmi ses étudiants on trouve quelques artistes russes devenus célèbres tels que Alexandre Deïneka, Youri Pimenov, Alexander Arkadievitch Labas, Piotr Vladimirovitch Williams, Andrei Dmitrievitch Gontcharov et d'autres. Il organise une exposition d'artistes juifs à Moscou en 1922 qui comprenait entre autres Marc Chagall. La même année, il participe à la Première exposition d'art russe de Berlin dans la galerie van Diemen, première grande exposition sur l'avant-garde russe en Europe depuis la révolution d'Octobre. À cette occasion, il écrit un essai pour le catalogue de l'exposition. Cependant, son style indépendant a cessé de trouver la faveur des autorités soviétiques et progressivement son travail est retiré de la vue du public. Après les années 1930, il est contraint de travailler dans un style plus « réaliste ». À sa mort en 1948, il a est pratiquement oublié. Il est enterré au cimetière Vagankovo de Moscou.
David Chterenberg était profondément conscient de ses racines juives. Il a écrit à sa femme Nadejda : « J'ai un sang oriental dans les veines, le sang de mes ancêtres qui ont écrit le « Cantique des cantiques », - et il n'y a pas de meilleure chanson3 ». D'ailleurs, en 1936, il publie avec son frère Abram Šterenberg un livre de photographies « Vevrejskich kolchozach (В еврейских колхозах) » (littéralement, Dans les fermes collectives juives).
Aujourd'hui, ses œuvres sont exposées dans les grands musées publics à Moscou (Galerie Tretiakov et Musée Pouchkine), à Saint-Pétersbourg (Musée russe) et à Ekaterinbourg. Une grande partie de son œuvre est encore détenue dans des collections privées en Russie. En  2019, les œuvres de David Chterenberg figurent, avec celles — entre autres — de Vassily Kandinsky, Kasimir Malevitch, Vladimir Tatline, Mikhaïl Larionov, et Lyubov Popova, dans la grande exposition collective L'Avant-garde : Liste no 1, présentée à la Galerie Tretiakov, réunissant plus de 250 œuvres issues de dix-huit collections russes et cinq collections étrangères de l'avant-garde russe du début du xxe siècle en l'honneur du centième anniversaire de la création du Musée de la culture pittoresque, premier musée d'État d'art moderne au monde, qui exista de 1919 à 1929.

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2011-2024 - Une collection de Natures Mortes
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Ivan Albertovich Puni (1894-1956) - Nature morte avec une cruche blanche

Ivan Albertovich Puni (1894-1956)
Nature morte avec une cruche blanche, 1910
Collection privée

Rappel biographique : Ivan Puni (Иван Пуни) connu aussi sous le nom francisé de Jean Pougny est un artiste avant-gardiste russe classé, un temps, parmi les suprématistes et les cubistes futuristes.
Petit-fils d'un compositeur italien de musique de ballet, Cesare Pugni, Ivan est inscrit dès 190 -11 à l' Académie Julian à Paris où il reçoit une éducation artistique dans le domaine des beaux arts et où il commence à peindre dans une un style dérivé du fauvisme.
À son retour en Russie en 1912, il montre ses œuvres à des membres de l''avant-garde de Saint-Pétersbourg, dont Kazimir Malevitch et Vladimir Tatlin qui sont immédiatement intéressés par son originalité. Au retour d'une deuxième voyage à Paris en 1915, il se met à peindre dans un style cubiste qui rappelle celui de Juan Gris. En 1915, Puni forment Supremus, un groupe d'artistes chargé de faire promotion du "suprématisme", le mouvement d'art abstrait fondé par Kasimir Malevitch.
En 1916, Malevitch et Puni co-écrivent le Manifeste suprématiste, qui appel la naissance d "un nouvel art abstrait pour une nouvelle ère historique ".
En 1919, il enseigne à l'école d'art de Vitebsk sous la direction de Marc Chagall. La même année, au lendemain de la révolution bolchevique, Puni et son épouse quitte la Russie. Ils transitent par la Finlande, avant de s'installer en 1920 à Berlin, où la Galerie der Sturm organise la première exposition entièrement consacrée à son travail. Pendant son séjour à Berlin, Puni conçoit des costumes et des décors pour divers productions théâtrales.
En 1924 enfin, Puni et son épouse Boguslavskaya s' installent définitivement à Paris, où son style change de nouveau en une variante de l’impressionnisme. En France, il signe son travail Jean Pougny dans le but de distancer sa nouvelle pratique artistique de son précédent travail en Russie. En 1946, Puni / Pougny devient citoyen français.
Il est mort à Paris en 1956.
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2023- A Still Life Collection
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David Petrovich Chterenberg (1881–1948) - Still Life with a Lamp and Herring

David Petrovich Chterenberg (1881–1948)
Nature morte à la lampe et aux harengs,1920
Huile sur contreplaqué, 89,5 x 62,5 cm
Collection particulière.

Rappel biographique : David Petrovitch Chterenberg (Давид Петрович Штеренберг) est un peintre, graphiste et photographe russe d'origine ukrainienne.
Profondément conscient de ses racines juives, il a écrit à sa femme Nadejda : « J'ai du sang oriental dans les veines, le sang de mes ancêtres qui ont écrit le « Cantique des cantiques », - et il n'y a pas de meilleure chanson». D'ailleurs, en 1936, il publie avec son frère Abram Šterenberg un livre de photographies « V evrejskich kolchozach (В еврейских колхозах) » (littéralement, Dans les Kholkozes juifs). Aujourd'hui, ses œuvres sont exposées dans les grands musées publics à Moscou (Galerie Tretiakov et Musée Pouchkine), à Saint-Pétersbourg (Musée russe) et à Ekaterinbourg. Une grande partie de son œuvre est encore détenue dans des collections privées en Russie. En 2019, les œuvres de David Chterenberg figurent, avec celles — entre autres — de Vassily Kandinsky, Kasimir Malevitch, Vladimir Tatline, Mikhaïl Larionov, et Lyubov Popova, dans la grande exposition collective L'Avant-garde : Liste no 1, présentée à la Galerie Tretiakov, réunissant plus de 250 œuvres issues de dix-huit collections russes et cinq collections étrangères de l'avant-garde russe du début du xxe siècle en l'honneur du centième anniversaire de la création du Musée de la culture pittoresque, premier musée d'État d'art moderne au monde, qui exista de 1919 à 1929.

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2023 - A Still Life Collection
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David Shterenberg (1881-1948) - Nature Morte au Gobelet et au Citron

David Shterenberg (1881-1948)
Nature Morte au Gobelet et au Citron
Huile sur toile, 50 x 60cm
Collection particulière

Rappel Biographique : David Petrovitch Chterenberg (Давид Петрович Штеренберг), est un peintre, graphiste et photographe russe d'origine ukrainienne. Né dans une famille juive à Jytomyr, dans l'actuelle Ukraine, alors dans l'Empire russe, David Chterenberg étudie l'art à Odessa puis, en 1906 il passe quelque temps à Vienne avant de s'installer à Paris où il vit à la cité d'artistes La Ruche jusqu'en 1917. Il étudie à l'Académie Vitti à Montparnasse, fondée en 1889 par Cesare Vitti et sa femme Maria Caira, où il a comme professeur, entre autres, Kees van Dongen. Il a été influencé par les travaux de Paul Cézanne et par le cubisme. Pendant cette période, il effectue plusieurs voyages en Russie mais ne s'y installe qu'après la Révolution de 1917, grâce à ses bonnes relations avec Anatoli Lounatcharski, le commissaire du peuple chargé de la culture. Il assiste à la Conférence des auteurs, artistes et réalisateurs sur la coopération avec le gouvernement soviétique au Palais Smolny à Petrograd (Saint-Pétersbourg) avec Nathan Altman et d'autres. En 1917-1918, il est commissaire aux affaires artistiques. En 1918, il présente une exposition avec le groupe « Société juive pour la promotion des arts » avec Baranoff-Rossine, Altman et Lazar Lissitzky, à Moscou. De 1918 à 1920, il est chef du département des beaux-arts (IZO) du Narkompros (Commissariat du peuple à l'Instruction publique). À ce titre, il organise le financement de l'Institut de culture artistique de Moscou (INKhUK). Il explique : « Nous avons organisé l'INKhUK comme une cellule pour la détermination des hypothèses scientifiques sur les questions d'art »
En 1918, il publie son essai programmatique Tâches d'art contemporain dans les documents du Conseil de Petrograd. De 1920 à 1930, Chterenberg enseigne au Vkhoutemas (littéralement « Ateliers supérieurs d’art et de technique »), une école d'art fondée en 1920 à Moscou par un décret de Vladimir Lénine avec l'intention, selon les termes du gouvernement soviétique, de « préparer les artistes principaux aux qualifications les plus élevées pour l'industrie, et les constructeurs et les directeurs pour l'éducation professionnelle technique. » Parmi ses étudiants on trouve quelques artistes russes devenus célèbres tels que Alexandre Deïneka, Youri Pimenov, Alexander Arkadievitch Labas, Piotr Vladimirovitch Williams, Andrei Dmitrievitch Gontcharov et d'autres. Il organise une exposition d'artistes juifs à Moscou en 1922 qui comprenait entre autres Marc Chagall. La même année, il participe à la Première exposition d'art russe de Berlin dans la galerie van Diemen, première grande exposition sur l'avant-garde russe en Europe depuis la révolution d'Octobre. À cet occasion, il écrit un essai pour le catalogue de l'exposition. Cependant, son style indépendant a cessé de trouver la faveur des autorités soviétiques et progressivement son travail est retiré de la vue du public. Après les années 1930, il est contraint de travailler dans un style plus « réaliste ». À sa mort en 1948, il a est pratiquement oublié. 
David Chterenberg était profondément conscient de ses racines juives. Il a écrit à sa femme Nadejda : « J'ai un sang oriental dans les veines, le sang de mes ancêtres qui ont écrit le « Cantique des cantiques », - et il n'y a pas de meilleure chanson ». D'ailleurs, en 1936, il publie avec son frère Abram Šterenberg un livre de photographies « V evrejskich kolchozach (В еврейских колхозах) » (littéralement, Dans les fermes collectives juives).
Aujourd'hui, ses œuvres sont exposées dans les grands musées publics à Moscou (Galerie Tretiakov et Musée Pouchkine), à Saint-Pétersbourg (Musée russe) et à Ekaterinbourg. Une grande partie de son œuvre est encore détenue dans des collections privées en Russie.
En 2019, les œuvres de David Chterenberg figurent, avec celles — entre autres — de Vassily Kandinsky, Kasimir Malevitch, Vladimir Tatline, Mikhaïl Larionov, et Lyubov Popova, dans la grande exposition collective L'Avant-garde : Liste no 1, présentée à la Galerie Tretiakov, réunissant plus de 250 œuvres issues de dix-huit collections russes et cinq collections étrangères de l'avant-garde russe du début du20e siècle en l'honneur du centième anniversaire de la création du Musée de la culture pittoresque, premier musée d'État d'art moderne au monde, qui exista de 1919 à 1929.

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2023 - Une collection de Natures Mortes
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Marc Chagall (1887-1985) - Nature morte à la nappe quadrillée

Marc Chagall (1887-1985)
Nature morte à la nappe quadrillée, 1952-54
Gouache, aquarelle, pastel, encre et crayon sur papier, 62,5x 47, 8 cm
Collection privée

Que voit-on ? Sur la nappe quadrillée citée dans le titre : un compotier  contenant deux bananes vertes et deux grappes de raisins blancs ; un saladier qui semble contenir du chou rouge ou des betteraves rouges ; un pot à eau bleu, et un verre vide au premier plan. A l'arrieèe plan  : une fenêtre à guillotine entrouverte, comme en témoigne le mouvement de la brise vent dans les rideaux, laisse apercevoir un ciel bleu sans nuage. Une nature morte du bonheur et de la sérénité. 

Rappel biographique : Après la Révolution bolchevique Marc Chagall devient « commissaire aux beaux-arts » et responsable de la vie artistique de Vitebsk. Il organise de nombreuses expositions d'artistes de Moscou et de Vitebsk avec Abram Brazer. Il prend la direction de l'école d'art en 1919, dont son maître Iouri Pen avait déjà créé une ébauche : l'École artistique de Vitebsk. Kasimir Malevitch, qui devient rapidement le leader radical de la jeunesse artistique, vient y participer puis prend le relais de Chagall. De retour d'un voyage à Moscou, Chagall apprend que l'école a été rebaptisée « Académie suprématiste » et qu'il est démissionné de force et remplacé par Kasimir Malevitch. Il repart alors pour Moscou où il crée les décors pour le théâtre d'Art juif puis s' installe en France à la fin des années 1920 avant d'être naturalisé Français en 1937. Son œuvre, sans se rattacher à aucune école, présente des caractéristiques du surréalisme et du néo-primitivisme. Inspirée par la tradition juive, la vie des villages juif en Europe de l'Est et le folklore russe, elle élabore sa propre symbolique, autour de la vie intime de l'artiste. L'emploi de la couleur chez Chagall est très personnel. Dans ses illustrations de La Bible et Le Message biblique, notamment, on voit qu'une barbe peut être tour à tour violette, bleue ou verte. Il renverse les impressions chromatiques habituelles, et emploie la palette pour structurer l'espace de la toile davantage que pour traduire la réalité. " Mon cirque se joue dans le ciel, disait il, il se joue dans les nuages parmi les chaises, il se joue dans la fenêtre où se reflète la lumière " .

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2022 - A Still Life Collection
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Nathan Isaevitch Altman (1889-1970) - Nature morte à la bouteille de Champagne

Nathan Isaevitch Altman (1889-1970)
Nature morte à la bouteille de Champagne, 1914
Huile sur toile, 62,5 x 47 cm
Collection privée

 Que voit on ? Ce que décrit le titre, posée sur un guéridon, partiellement recouvert d'une nappe  sur laquelle on peut voir un coupe de fruits jaune.

Rappel Biographique : Natan Isaevitch Altman (Натан Исаевич Альтман) est un peintre soviétique de l'avant-garde ukrainien, (cubiste), également sculpteur, illustrateur, décorateur de théâtre, maître du portrait. Représentant de l'art national juif, il fut déclaré artiste émérite de l'URSS en 1968.
Altman passa une grande partie de sa vie à Paris où il vint pour la première fois en 1911. A La Ruche, la cité d'artistes où il habitait alors, il rencontre notamment Marc Chagall. A cette époque là, Chagall considère Altman comme son concurrent en tant que tête de file du mouvement artistique juif. Altman ne dispose pas de l'ironie et de l'humour de Chagall, mais son attitude face au judaïsme est moins ambigüe et se présente d'emblée comme un peintre issue de l'Ecole artistique juive d'Europe orientale. Comme Chagall, il allie art populaire et cubisme et fut un acteur engagé de la fondation de la «Société d'Encouragement de l'art juif».
Les artistes juifs du début du 20e siècle étaient écartelés entre leur désir croissant de fonder une école artistique juive et celui de rejoindre l'avant-garde qui leur donnerait une renommée mondiale. Altman et Lissitzky vont symboliser la synthèse entre l'avant-garde et la tradition.
En 1915 Altman expose dans la celèbre l'Exposition 0,10 à Saint- Pétersbourg avec les futuristes, et suprématistes Kasimir Malevitch et Ian Puny (Jean Pougny.)
À Paris, où il revient périodiquement, sses talents multiples de peintre, illustrateur, sculpteur et décorateur trouvèrent un lieu idéal pour s'exprimer. En 1934 par exemple, il illustra Les contes du chat perché de Marcel Aymé de 62 lithographies. Le livre eut un grand succès.
Dès son retour, les autorités soviétiques lui proposèrent d'organiser une grande rétrospective de son œuvre, et en échange, d'un soutien de sa part pour le pouvoir stalinien en place, ils lui proposèrent de lui passer commandes d'œuvres de propagande. Altman s'enfuit à cette idée de servir le pouvoir Staliien, se fixa chez des amis à la campagne, abandonnant la peinture sur toile pour s'intéresser au «design») et à l'art graphique pour des livres. C'est ainsi qu'il créa avec d'autres artistes les illustrations du roman «Récits de Saint-Péterbourg» de Nicolas Gogol (édition 1937). Il ne réapparut sur la scène moscovite quel orsque la situation se modifia en 1942 pendant la Seconde Guerre mondiale. Mes aléas de la vie en URSS avec son alternance d' ouverture (relative) et de répression (féroce). Altman était d'autant plus suspect qu'il était juif et gardait en mémoire la culture du passé, ce qui était un crime aux yeux du pouvoir en place. Mais il pouvait représentait aussi, face à l'Occident, une preuve vivante de la tolérance du pouvoir soviétique, pris entre son désir d'écarter les gêneurs et, en même temps, de montrer un visage rassurant à l'Occident. Altman ne dut son salut qu'à ces atermoiements stratégiques des apparatchiks.


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Marc Chagall (1887-1985) - Le bouquet rouge

Marc Chagall (1887-1985)
Le bouquet rouge 1935.

Que voit on ? En réalité tout est rouge sauf le bouquet  seul élément de cette composition dont la dominante ne soit pas le rouge

Rappel biographique : Après la Révolution bolchevique Marc Chagall devient « commissaire aux beaux-arts » et responsable de la vie artistique de Vitebsk. Il organise de nombreuses expositions d'artistes de Moscou et de Vitebsk avec Abram Brazer. Il prend la direction de l'école d'art en 1919, dont son maître Iouri Pen avait déjà créé une ébauche : l'École artistique de Vitebsk. Kasimir Malevitch, qui devient rapidement le leader radical de la jeunesse artistique, vient y participer puis prend le relais de Chagall. De retour d'un voyage à Moscou, Chagall apprend que l'école a été rebaptisée « Académie suprématiste » et qu'il est démissionné de force et remplacé par Kasimir Malevitch. Il repart alors pour Moscou où il crée les décors pour le théâtre d'Art juif puis s' installe en France à la fin des années 1920 avant d'etre naturalisé Français en 1937. Son œuvre, sans se rattacher à aucune école, présente des caractéristiques du surréalisme et du néo-primitivisme. Inspirée par la tradition juive, la vie des villages juif en Europe de l'Est et le folklore russe, elle élabore sa propre symbolique, autour de la vie intime de l'artiste. L'emploi de la couleur chez Chagall est très personnel. Dans ses illustrations de La Bible et Le Message biblique, notamment, on voit qu'une barbe peut être tour à tour violette, bleue ou verte. Il renverse les impressions chromatiques habituelles, et emploie la palette pour structurer l'espace de la toile davantage que pour traduire la réalité. " Mon cirque se joue dans le ciel, disait il, il se joue dans les nuages parmi les chaises, il se joue dans la fenêtre où se reflète la lumière " .

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Ivan Puni (1894-1956) - Le Violon Rouge

Ivan Albertovich Puni (1894 -1956)
Nature morte Le Violon Rouge, 1919
Huile sur toile, 115 x 145cm
State Museum of Russia, Saint Petersburg

Que voit on ?  L'un des chefs d'œuvres les plus époustouflants de l'avant garde russe, Le violon rouge peint en 1919 et que Chagall admirait comme une  des grandes œuvres annonçant ce que le 20 siècle pictural allait être . Le modernisme de cette toile  laisse encore aujourd'hui sans voix....

Rappel biographique : Ivan Puni (Иван Пуни) connu aussi sous le nom francisé de Jean Pougny est un artiste avant-gardiste russe classé, un temps, parmi les suprématistes et les cubistes futuristes.
Petit-fils d'un compositeur italien de musique de ballet, Cesare Pugni, Ivan est inscrit dès 190 -11 à l' Académie Julian à Paris où il reçoit une éducation artistique dans le domaine des beaux arts et où il commence à peindre dans une un style dérivé du fauvisme.
À son retour en Russie en 1912, il montre ses œuvres à des membres de l''avant-garde de Saint-Pétersbourg, dont Kazimir Malevitch et Vladimir Tatlin qui sont immédiatement intéressés par son originalité. Au retour d'une deuxième voyage à Paris en 1915, il se met à peindre dans un style cubiste qui rappelle celui de Juan Gris. En 1915, Puni forment Supremus, un groupe d'artistes chargé de faire promotion du "suprématisme", le mouvement d'art abstrait fondé par Kasimir Malevitch.
En 1916, Malevitch et Puni co-écrivent le Manifeste suprématiste, qui appel la naissance d "un nouvel art abstrait pour une nouvelle ère historique ".
En 1919, il enseigne à l'école d'art de Vitebsk sous la direction de Marc Chagall. La même année, au lendemain de la révolution bolchevique, Puni et son épouse quitte la Russie. Ils transitent par la Finlande, avant de s'installer en 1920 à Berlin, où la Galerie der Sturm organise la première exposition entièrement consacrée à son travail. Pendant son séjour à Berlin, Puni conçoit des costumes et des décors pour divers productions théâtrales.
En 1924 enfin, Puni et son épouse Boguslavskaya s' installent définitivement à Paris, où son style change de nouveau en une variante de l’impressionnisme. En France, il signe son travail Jean Pougny dans le but de distancer sa nouvelle pratique artistique de son précédent travail en Russie. En 1946, Puni / Pougny devient citoyen français.
Il est mort à Paris en 1956.
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Mark Chagall (1887-1985) - Muguet

Mark Chagall (1887-1985)
Muguet, 1916
Huile sur carton, 42 × 32.8
Galerie Tretyakov, Moscou

Que voit on ? Une composition très moderne pour son époque (1916)  de Chagall considéré en Russie comme un des représentants du mouvement de l'Avant Garde Russe  On y voit une corbeille de muguet,  les brins étant soigneusement regroupés dans une corbeille en tissu ouvragé et  frangé, ornée d'un ruban de soie terminée aux extrémités par de grosses capucines roses.   

Rappel biographique :  Après la Révolution bolchevique  Marc Chagall devient « commissaire aux beaux-arts » et responsable de la vie artistique de Vitebsk. Il organise de nombreuses expositions d'artistes de Moscou et de Vitebsk avec Abram Brazer. Il prend la direction de l'école d'art en 1919, dont son maître Iouri Pen avait déjà créé une ébauche : l'École artistique de Vitebsk. Kasimir Malevitch, qui devient rapidement le leader radical de la jeunesse artistique, vient y participer puis prend le relais de Chagall. De retour d'un voyage à Moscou, Chagall apprend que l'école a été rebaptisée « Académie suprématiste » et qu'il est démissionné de force et remplacé par Kasimir Malevitch. Il repart alors pour Moscou où il crée les décors pour le théâtre d'Art juif puis s' installe  en France à la fin des  années 1920 avant d'etre naturalisé Français en 1937.  Son œuvre, sans se rattacher à aucune école, présente des caractéristiques du surréalisme et du néo-primitivisme. Inspirée par la tradition juive, la vie des villages juif en Europe de l'Est et le folklore russe, elle élabore sa propre symbolique, autour de la vie intime de l'artiste. L'emploi de la couleur chez Chagall est très personnel. Dans ses illustrations de La Bible et Le Message biblique, notamment, on voit qu'une barbe peut être tour à tour violette, bleue ou verte. Il renverse les impressions chromatiques habituelles, et emploie la palette pour structurer l'espace de la toile davantage que pour traduire la réalité. " Mon cirque se joue dans le ciel, disait il, il se joue dans les nuages parmi les chaises, il se joue dans la fenêtre où se reflète la lumière " .

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Mikhail Fedorovich Larionov (1881-1964) - Nature morte au citron et à l'oeuf

 

Mikhail Fedorovich Larionov  (1881-1964)
Nature Morte au Citron et aux Oeufs, 1920
Russian State Museum, Saint-Pétersbourg

Que voit on ? Une magnifique composition d'une grande simplicité du grand Larionov,  qui semble avoir inventé le minimalisme avant la lettre. On y voit  posés sur une table en bois qui occupe tout le cadre visuel : une assiette en porcelaine blanche et bleue qui contient deux œufs durs sans coquilles et déjà entamés. Un couteau et une cuillère attestent qu'il s'agit là d'un repas... frugal, comme c'était très souvent le cas dans la Russie bolchévique. Un autre œuf avec sa coquille (cette fois ci) et un un demi citron occupent l'entablement de même que l'amorce d'un coquetier blanc en haut à croit du cadre.

Rappel biographique : Mikhaïl Fiodorovitch Larionov ( Михаил Фёдорович Ларионов) dit Michel Larionov, est un peintre et décorateur russe naturalisé français. Michel Larionov a étudié а l’Ecole de peinture de Moscou. Passant rapidement de l'impressionnisme au fauvisme, il est l'un des tous premiers animateurs de l'Avant-garde en Russie. Il se lie avec Kasimir Malevitch, a pour élève Vladimir Tatline et fonde, en 1910, le groupement du Valet de Carreau puis, en 1912 après une dispute avec David Bourliouk, la Queue d'Ane. Il épouse Nathalie Gontcharova, avec qui il élabore, dès 1909-1910, les fondements du Rayonnisme (une variante de l'art abstrait dont Guillaume Apollinaire rédigera le catalogue d'exposition à Paris en 1914 ). Très enclin à créer des mouvements et des groupes, Larionov crée l'année suivante le mouvement du Toutisme avec Mikhail Le Dentu et le poète Ilia Zdanevitch. Il expose au Salon des indépendants à Paris, en même temps que Nathalie Gontcharova et l'artiste peintre Alexandra Exter, grâce à l'appui des époux Sonia et Robert Delaunay. En 1914, il s'installe à Paris, se consacrant aux décors pour les Ballets russes de Serge de Diaghilev, qu'il réalise entre 1915 et 1922. Il ne retourne plus dans son pays natal après la révolution bolchévique de 1917 et est naturalisé français dans les années 20. Il meurt en France en 1964 dans l'oubli le plus total. Son œuvre est aujourd'hui dans beaucoup de grands musées russes et au Musée du Petit Palais à Genève.

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2020 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Mikhaïl Larionov (1881-1964) - Poissons sur un plateau

 

Mikhaïl Larionov (1881-1964)
Poissons sur un plateau 

huile sur toile, 48,3 x 61 cm 
Collection privée

Que voit on ?  Six rougets disposés en  couronne sur ce qui peut être soit une assiette blanche à bordure ornée  soit un plat d'argents à festons, posé sur un entablement de bois.  La complexité des reflets où se mêle du vert, du jaune du bleu turquoise et du marron beige laisserait plutôt penser qu'il s'agit d'un plat d'argent.

Rappel biographique : Mikhaïl Fiodorovitch Larionov ( Михаил Фёдорович Ларионов) dit Michel Larionov, est un peintre et décorateur russe naturalisé français. Michel Larionov a étudié а l’Ecole de peinture de Moscou. Passant rapidement de l'impressionnisme au fauvisme, il est l'un des tous premiers animateurs de l'Avant-garde en Russie. Il se lie avec Kasimir Malevitch, a pour élève Vladimir Tatline et fonde, en 1910, le groupement du Valet de Carreau puis, en 1912 après une dispute avec David Bourliouk, la Queue d'Ane. Il épouse Nathalie Gontcharova, avec qui il élabore, dès 1909-1910, les fondements du Rayonnisme (une variante de l'art abstrait dont Guillaume Apollinaire rédigera le catalogue d'exposition à Paris en 1914 ). Très enclin à créer des mouvements et des groupes, Larionov crée l'année suivante le mouvement du Toutisme avec Mikhail Le Dentu et le poète Ilia Zdanevitch. Il expose au Salon des indépendants à Paris, en même temps que Nathalie Gontcharova et l'artiste peintre Alexandra Exter, grâce à l'appui des époux Sonia et Robert Delaunay. En 1914, il s'installe à Paris, se consacrant aux décors pour les Ballets russes de Serge de Diaghilev, qu'il réalise entre 1915 et 1922. Il ne retourne plus dans son pays natal après la révolution bolchévique de 1917 et est naturalisé français dans les années 20. Il meurt en France en 1964 dans l'oubli le plus total. Son œuvre est aujourd'hui dans beaucoup de grands musées russes et au Musée du Petit Palais à Genève.
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Mikhaïl Larionov (1881-1964) - Nature morte aux bleuets dans une cafetière,

Mikhaïl Larionov (1881-1964)
Nature morte aux bleuets dans une cafetière, 1930-40
Huile sur toile 67 x 52 cm.
Private collection UK (Mac Dougall's Fine arts Auction)

Que voit-on ? Au cours des années 30-40 Larionov a souvent peint des fleurs sauvages ,sans prétention, disposées dans de simples pots, des théières ou des cafetières de cuisine en métal émaillé comme dans celle ci où les bleuets cueillis à la diable avec deux intrus (un coquelicot et un pissenlit), se dressent dans une cafetière blanche, certains retombant contre la cafetière et semblant alors être un motif peint à même l 'émail blanc. La fraîcheur éphémère des fleurs et de la conscience du temps qui passe sont ici partout lisible dans cette oeuvres d'une intense poésie. Sitôt achevée, Larionov fit cadeau de cette toile à Irina Grzhebina, danseuse et directrice de la compagnie Russian Ballet of Irina Grzhebina, qui se produisait à Paris, dans les années 1930- 1940.

Rappel biographique :  Michel Larionov étudia à l'école de peinture de Moscou. Son style passa de l'Impressionnisme au Fauvisme  avant qu'il ne devienne  l'un des pionniers du Rayonnisme et  k'un des tout premiers animateurs de l'avant-garde Russe. Il se lia avec Kasimir Malevitch et fonde, en 1910, le groupe  Valet de Carreau puis, en 1912 après une dispute avec David Bourliouk, la Queue d'Âne. Il épousa Natalia Gontcharova, autre artiste peintre russe célèbre, avec qui il élabora dès 1909-1910, les fondements du Rayonnisme, dont il écrivit le manifeste en 1912 (publié en 1913 à Moscou). Il créa l'année suivante le mouvement du Toutisme.
Il exposa au Salon des indépendants à Paris, en même temps que Nathalie Gontcharova et l'artiste peintre Alexandra Exter, grâce à l'appui de Sonia et Robert Delaunay, sollicités par Exter.
En 1914, il s'installa à Paris, se consacrant à des décors pour les Ballets russes de Serge de Diaghilev, qu'il réalisa entre 1915 et 1922. Il ne retourna plus dans son pays natal après la révolution bolchévique de 1917. En 1915, sur le front, il fut est victime d'une grave blessure qui l'handicapa jusqu'à la fin de sa vie.

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Olga Vladimirovna Rozanova (1886-1918) - Nature morte au nécessaire de couturière, 1915

Olga Vladimirovna Rozanova (1886-1918)
Nature morte au nécessaire de couturière 1915.
Tetriakov Gallery, Moscow

Que voit on ? Un nécessaire de couturière  traité à la façon cubiste mais empli de tous les attributs   habituels de cet objet  : bobines de fils, aiguilles, dés à coudre, ciseaux de tailleur, centimètre et échantillon de dentelles...   On notera tout de même  que cette nature morte cubiste peinte en 1915 était très à l'avant garde de ce mouvement.

Rappel biographique :  Olga Vladimirovna Rozanova (Ольга Владимировна Розанова),  est une artiste représentative de l'avant-garde russe, à la fois peintre et sculptrice, proche du mouvement suprématiste.

En 1904, elle entre à l'école d'art appliqué Stroganov. En 1910 elle devient l'un des membres les plus actifs du groupe Soyouz Molodyozhi (Union de la jeunesse), dont elle écrit le manifeste. La place des femmes dans l'art russe devenait éminente à son époque. Au sein de ce groupe, avec Elena Gouro, elle avance des idées esthétiques fort avancées. Son article « Bases de la nouvelle création et raison de son incompréhension » est publié dans le troisième almanach de l'Union de la jeunesse.
Elle a conscience de vivre une époque de transition durant laquelle l'art s'est affranchi de la nature pour créer librement. Mais avec le temps, l'énergie créatrice qui était apparue grâce à cette libération s'affaiblit ; la technique devient alambiquée et les formes se figent dans la répétition. Il en résulte peu à peu une déliquescence que Rozanova dit retrouver dans les expositions de « Mir Iskousstva » et de l'« Union des peintres russes ». L'avant-garde doit apporter de nouveaux principes : dynamisme, volume, rythme, rapports de couleurs. L'art nouveau doit se libérer de tout côté narratif, littéraire ou social1 La répétition est à proscrire par les artistes et, selon Olga, « l'identité est l'apothéose de la vulgarité ».
Elle a d'ailleurs crée autant dans les domaines de la peinture, de la construction tridimensionnel, du textile et de la conception de vêtements que ceux de la poésie et de la rédaction d'articles pour des journaux contemporains.
En 1912, elle se rapproche du courant futuriste russe, et se lie d'amitié avec Velimir Khlebnikov et d'Alexeï Kroutchenykh qu'elle épouse dans la même année.
De 1913 à 1917, elle illustra 19 livres, principalement écrits par son mari; elle sera l'unique artiste de l'Avant-Garde russe à se dédier à l'illustration de livres4.
Elle rejoint le suprématisme en 1916 et sous l'impulsion de Kasimir Malevitch, développe un style de peinture qui confine à l'abstraction. La même année, elle participe à l'expérience communautaire artistique du village ukrainien de Verbovka, initiée par Natalia Davidova et Nina Genke-Meller.
En 1917-1918, elle se lance dans une série de compositions qu'elle appelle « tsv’etopis’ » (« représentations non objective »), dont est issue entre autres la célèbre composition La Raie verte (1917), travaux qui anticipent l’expressionnisme abstrait et les toiles d'un  Rothko...
Elle meurt des suites d'une diphtérie en 1918.

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Olga Vladimirovna Rozanova (1886-1918) - Buffet avec plats

Olga Vladimirovna Rozanova (1886-1918)

Buffet avec plats, 1915

Russian State Museum 

Que voit on ? Une composition  typique de l'avant garde russe d'avant la révolution bolchévique :  une tasse, un pot et une cuillère en vermeil posés sur un buffet mais perçus sous différents angles, un regard précurseur du cubisme et annonciateur du Suprématisme de Malevitch dont Rozanova fut une proche... Coloris d'une prodigieuse intensité. 

Rappel biographique :  Olga Vladimirovna Rozanova (Ольга Владимировна Розанова),  est une artiste représentative de l'avant-garde russe, à la fois peintre et sculptrice, proche du mouvement suprématiste.

En 1904, elle entre à l'école d'art appliqué Stroganov. En 1910 elle devient l'un des membres les plus actifs du groupe Soyouz Molodyozhi (Union de la jeunesse), dont elle écrit le manifeste. La place des femmes dans l'art russe devenait éminente à son époque. Au sein de ce groupe, avec Elena Gouro, elle avance des idées esthétiques fort avancées. Son article « Bases de la nouvelle création et raison de son incompréhension » est publié dans le troisième almanach de l'Union de la jeunesse.
Elle a conscience de vivre une époque de transition durant laquelle l'art s'est affranchi de la nature pour créer librement. Mais avec le temps, l'énergie créatrice qui était apparue grâce à cette libération s'affaiblit ; la technique devient alambiquée et les formes se figent dans la répétition. Il en résulte peu à peu une déliquescence que Rozanova dit retrouver dans les expositions de « Mir Iskousstva » et de l'« Union des peintres russes ». L'avant-garde doit apporter de nouveaux principes : dynamisme, volume, rythme, rapports de couleurs. L'art nouveau doit se libérer de tout côté narratif, littéraire ou social1 La répétition est à proscrire par les artistes et, selon Olga, « l'identité est l'apothéose de la vulgarité ».
Elle a d'ailleurs crée autant dans les domaines de la peinture, de la construction tridimensionnel, du textile et de la conception de vêtements que ceux de la poésie et de la rédaction d'articles pour des journaux contemporains.
En 1912, elle se rapproche du courant futuriste russe, et se lie d'amitié avec Velimir Khlebnikov et d'Alexeï Kroutchenykh qu'elle épouse dans la même année.
De 1913 à 1917, elle illustra 19 livres, principalement écrits par son mari; elle sera l'unique artiste de l'Avant-Garde russe à se dédier à l'illustration de livres4.
Elle rejoint le suprématisme en 1916 et sous l'impulsion de Kasimir Malevitch, développe un style de peinture qui confine à l'abstraction. La même année, elle participe à l'expérience communautaire artistique du village ukrainien de Verbovka, initiée par Natalia Davidova et Nina Genke-Meller.
En 1917-1918, elle se lance dans une série de compositions qu'elle appelle « tsv’etopis’ » (« représentations non objective »), dont est issue entre autres la célèbre composition La Raie verte (1917), travaux qui anticipent l’expressionnisme abstrait et les toiles d'un  Rothko...
Elle meurt des suites d'une diphtérie en 1918.

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Nathan Isaevitch Altman (1889-1970) - Nature morte avec une cruche blanche

Nathan Altman (1889-1970) 

Nature morte avec une cruche blanche 1920

Tretiakov Gallery, Moscou 

 Que voit-on ?  ce que décrit le titre pour cette toile très avant gardiste voir abstraite   de Nathan Altman qui, contrairement à Marc Chagall,  ne peignit pas beaucoup. de natures mortes. Celle-ci  date de 1920,  la fin  de sa période constructiviste et suprématiste et permet de mesurer la grande audace imaginative des peintres de l'avant-garde russe. Une nature mort en bleu blanc rouge, hommage de l'artiste à son pays de transit et de résidence. 

Rappel Biographique : Natan  Isaevitch Altman (Натан Исаевич Альтман) est un peintre soviétique de l'avant-garde ukrainien, (cubiste), également sculpteur, illustrateur, décorateur de théâtre, maître du portrait. Représentant de l'art national juif, il fut déclaré artiste émérite de l'URSS en 1968.

Altman  passa une grande partie de sa vie à Paris où il vint pour la première fois en 1911. A   La Ruche, la cité d'artistes où il habitait alors, il rencontre notamment Marc Chagall. A cette époque là, Chagall considère Altman comme son concurrent en tant que tête de file du mouvement artistique juif. Altman ne dispose pas de l'ironie et de l'humour de Chagall, mais son attitude face au judaïsme est moins ambigüe et  se présente d'emblée comme  un peintre  issue de l'Ecole artistique juive d'Europe orientale. Comme Chagall, il allie art populaire et cubisme et fut  un acteur engagé  de la fondation de la «Société d'Encouragement de l'art juif».

Les artistes juifs du début du 20e siècle étaient écartelés entre leur désir croissant de fonder une école artistique juive et celui de rejoindre l'avant-garde qui leur donnerait une renommée mondiale. Altman et Lissitzky vont symboliser la synthèse entre l'avant-garde et la tradition.

 En 1915 Altman  expose dans la celèbre  l'Exposition 0,10 à Saint- Pétersbourg avec les futuristes, et suprématistes Kasimir Malevitch et  Ian Puny (Jean Pougny.) 

À Paris, où il revient périodiquement, sses talents multiples de peintre, illustrateur, sculpteur et décorateur trouvèrent un lieu idéal pour s'exprimer. En 1934 par exemple, il illustra Les contes du chat perché de Marcel Aymé de 62 lithographies. Le livre eut un grand succès. 

 Dès son retour, les autorités soviétiques lui proposèrent d'organiser une grande rétrospective de son œuvre, et en échange, d'un soutien de sa part pour  le pouvoir stalinien en place,  ils lui proposèrent de lui passer commandes d'œuvres de propagande. Altman s'enfuit à cette idée de servir le pouvoir Staliien, se fixa chez des amis à la campagne, abandonnant la peinture sur toile pour s'intéresser au «design»)  et à l'art graphique pour des livres. C'est ainsi qu'il créa avec d'autres artistes les illustrations du roman «Récits de Saint-Péterbourg» de Nicolas Gogol (édition 1937). Il ne réapparut sur la scène moscovite quel orsque la situation se modifia en 1942 pendant la Seconde Guerre mondiale. Mes aléas de la vie en URSS  avec son alternance d' ouverture (relative) et de  répression (féroce). Altman était d'autant plus suspect qu'il était juif et gardait en mémoire la culture du passé, ce qui était un crime aux yeux du pouvoir en place.  Mais il pouvait représentait aussi, face à l'Occident, une preuve vivante de la tolérance du pouvoir soviétique, pris entre son désir d'écarter les gêneurs et, en même temps, de montrer un visage rassurant à l'Occident. Altman ne  dut son salut qu'à ces atermoiements stratégiques des apparatchiks. 

2018 - A Still Life Collection 

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François Kupka (1871-1957)

François Kupka (1871-1957) 

Le Chou, 1906 

Que voit-on ? Une des rares natures mortes et surtout une des rares toiles figuratives de ce maître de l'abstraction avec ce chou rouge peint en gros plan dont les magnifiques coloris verts et bordeaux  sont relevés par l'éclat de quelques raves posés à l'arrière du cadre devant un fond non figuratif. Le virage radical vers l'abstraction s'amorcera quatre années apres cette toile, en 1910.

 Rappel biographique :  Frantisek Kupka, dit François Kupka est un peintre tchèque comptant parmi les pères de l'abstraction avec Vassili Kandinsky, Gino Severini, Piet Mondrian, Kasimir Malevitch, Auguste Herbin et Robert Delaunay.
Durant ses quatre-vingt-cinq années de vie, il aura vu de nombreux bouleversements de l'art, du symbolisme au pop art, en passant par l'impressionnisme, le cubisme, et bien sûr l'art abstrait, mais il aura toujours  garder son indépendance, sa liberté par rapport à tous les grands mouvements  de l'Art. Bien qu'il soit un pionnier de l'abstraction, il refusera toujours l'appellation d'artiste abstrait, et s'en expliquera ainsi : « Ma peinture, abstraite ? Pourquoi ? La peinture est concrète : couleur, formes, dynamiques. Ce qui compte, c'est l'invention. On doit inventer et puis construire. »
La Grand Palais à Paris consacre à partir de la  fin du  mois de Mars 20178 une grande exposition à ce peintre majeur du 20e siècle.

Mikhaïl Larionov (1881-1964) - Nature morte aux poires

Mikhaïl Larionov (1881-1964) 

 Nature morte aux poires

Collection privée

Que voit-on ?  Sur un drapé blanc qui se confond avec un fond également blanc pouvant évoquer un paysage de neige aperçu à travers la vitre d'un fenêtre : un verre transparent et vide et deux poires dont le jaune-vert constitue la seule tache de couleur (bien qu'un peu éteinte) de la composition. Une sorte de chaleur de la vie en plein coeur de l'hiver.

Rappel Biographique : Mikhaïl Fiodorovitch Larionov (en russe : Михаил Фёдорович Ларионов) dit Michel Larionov, est un peintre et décorateur russe naturalisé français. Michel Larionov a étudié а l’Ecole de peinture de Moscou. Passant rapidement de l'impressionnisme au fauvisme, il est l'un des tous premiers animateurs de l'Avant-garde en Russie. Il se lie avec Kasimir Malevitch, a pour élève Vladimir Tatline et fonde, en 1910, le groupement du Valet de Carreau puis, en 1912 après une dispute avec David Bourliouk, la Queue d'Ane. Il épouse Nathalie Gontcharova, avec qui il élabore, dès 1909-1910, les fondements du Rayonnisme (une variante de l'art abstrait dont Guillaume Apollinaire rédigera le catalogue d'exposition à Paris en 1914 ). Très enclin à créer des mouvements et des groupes, Larionov crée l'année suivante le mouvement du Toutisme avec Mikhail Le Dentu et le poète Ilia Zdanevitch. Il expose au Salon des indépendants à Paris, en même temps que Nathalie Gontcharova et l'artiste peintre Alexandra Exter, grâce à l'appui des époux Sonia et Robert Delaunay,.

En 1914, il s'installe à Paris, se consacrant aux décors pour les Ballets russes de Serge de Diaghilev, qu'il réalise entre 1915 et 1922. Il ne retourne plus dans son pays natal après la révolution bolchévique de 1917 et est naturalisé français dans les années 20.  Il meurt en France en 1964 dans l'oubli le plus total.  Son œuvre est aujourd'hui dans beaucoup de grands musées russes et au Musée du Petit Palais à Genève. 

Mikhaïl Larionov (1881-1964) - Nature morte aux poires vertes

Mikhaïl Larionov (1881-1964)  

Nature morte aux poires vertes

Collection privée

Que voit on ? C'est un mouvement. Celui d'un foulard rouge et blanc de paysanne russe, dans lequel un dizaine de poires ont été transportées apres la cueillette avant d'être répandues au sol. Cette nature morte représente le moment précis où le foulard vient de  s'ouvrir en laissant s'échapper les poires sur le sol. Une interprétation extrêmement sensible (et très russe) du genre de la nature morte dans la grande tradition de tous les peintres qui tentèrent de  "figer un mouvement" depuis la Rome antique.  

Rappel Biographique : Mikhaïl Fiodorovitch Larionov (en russe : Михаил Фёдорович Ларионов) dit Michel Larionov, est un peintre et décorateur russe naturalisé français. Michel Larionov a étudié а l’Ecole de peinture de Moscou. Passant rapidement de l'impressionnisme au fauvisme,  il est l'un des  premiers animateurs de l'avant-garde en Russie. Il se lie avec Kasimir Malevitch, a pour élève Vladimir Tatline et fonde, en 1910, le groupement du Valet de Carreau puis, en 1912 après une dispute avec David Bourliouk, la Queue d'Ane. Il épouse Nathalie Gontcharova,  avec qui il élabore, dиs 1909-1910, les fondements du Rayonnisme (une variante de l'art abstrait dont Guillaume Apollinaire rédifera le catalogue d'exposition a Paris en 1914 ). Très enclin a crée des mouvements et des groupes, Larionov crée l'année suivante le mouvement du Toutisme avec Mikhail Le Dentu et le poète Ilia Zdanevitch. Il expose au Salon des indépendants а Paris, en même temps que Nathalie Gontcharova et l'artiste peintre Alexandra Exter, grâce à l'appui des époux Sonia et Robert Delaunay,.

En 1914, il s'installe à Paris, se consacrant aux décors pour les Ballets russes de Serge de Diaghilev, qu'il réalise entre 1915 et 1922. Il ne retourne plus dans son pays natal après la révolution bolchévique de 1917 et est naturalisé français dans les années 20.  Il meurt en France en 1964 dans l'oubli le plus total.  Son oeuvre est aujourd'hui dans beaucoup de grands  musées russes et au Musée du petit Palais à Genève.