Jean-Picart-Le-Doux (1902 - 1982) Nature morte au faisan

Jean-Picart-Le-Doux (1902 -1982)
Nature morte au faisan Tapisserie, 350x 200 cm
Atelier Berthaud, Aubusson 1951
Collection privée

Que voit on ? Une des plus belles tapisserie de ce maître français de la lisserie qui en produit beaucoup.  Sur un fond rouge bordeaux unis, comme à son habitude, un lit de feuillages dorés, de papillons et une pièce de  tissu japonais traditionnel st dressé. Picard-Ledoux va y poser au premier plan, et en plein centre de la composition, un faisan au plumage éclatant,  tête en bas. Autour de lui , une grande variété d'éléments que l'on retrouve souvent dans ses natures mortes : un verre de vin, un compotier blanc rempli de fruits multicolores, une généreuse grappe de raisin, un melon dont on a coupé une tranche sans la consommer, un pichet blanc  sans doute rempli de vin...  Comme en embuscade entre le faisan et le compotier, trois châtaignes.  Cette tapisserie  lissée pour un paquebot transatlantique,  fut si célèbre que de nombreuses lithographies en furent tirées, de qualité malheureusement très médiocre et qui ne rendent aucunement justice à la somptuosité des couleurs de la tapisserie que l'on voit ici.

Rappel biographique : Jean Picart Le Doux est un grand maître de la tapisserie d'Aubusson, qui a produit plus de 400 tapisseries originales. Plusieurs de ses œuvres furent sélectionnées pour la décoration du paquebot France, dont la célèbre tapisserie monumentale Les Phases du Temps placée dans le fumoir des "première classe". Sans formation professionnelle spécialisée, Jean Picart-Le-Doux fait ses débuts dans la reliure et l'édition, puis il s'oriente vers la publicité et les arts graphiques et publie ses premières œuvres en 1935. Ses premiers cartons de tapisserie datent de 1943 après avoir remporté le Grand prix de l’affiche de théâtre au Salon de l'imagerie.
En 1947, il rencontra Jean Lurçat et, avec Marc Saint-Saëns, ils fondent l’Association des peintres-cartonniers de tapisserie. En 1950, Picart-Le-Doux rencontre deux graphistes français, Jean Colin et Jacques Nathan, et deux graphistes suisses, Fritz Bühler et Donald Brun, à l'occasion d'une exposition de leurs travaux à Bâle. Il projette alors l'idée d'une Alliance graphique internationale (AGI). Celle-ci est fondée officiellement le 22 novembre 1952 et Picart-Le-Doux en sera le premier président. Il est membre du conseil d'administration de la Société Nationale des Beaux-Arts dans la section Art Décoratif de 1975 à 1980.

____________________________________________

2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Raoul Hynckes (1893-1973) - Canards

Raoul Hynckes (1893-1973)
Canards.
Huile sur toile, 1956
Museum Boymans Van Beuningen, Rotterdam

 Que voit on ? Peint avec une précision et un maitrise aigüe du coloris où la  monochromie prend des allures d'explosions de couleurs,  un hommage stupéfiant à l'âge d'or des natures mortes hollandaises.

Rappel biographique : Après ses études en Belgique de 1907 à 1912, à l'Académie des beaux-arts de Bruxelles et à celle de Malines, Raoul Hynckes se fixe en 1914 aux Pays-Bas. Jusqu'en 1924, il reste impressionniste, puis de 1924 à 1933, ses natures mortes le montrent influencé par le cubisme et, plus particulièrement, l'œuvre de Juan Gris (Nature morte aux verres, 1929, Amsterdam, Stedelijk Museum).
À partir de 1933, il va devenir l'un des principaux représentants, avec Carel Willink et Pyke Koch, du réalisme magique néerlandais, et va privilégier le genre de la nature morte à laquelle se trouve toujours associée une tête de mort. Ses compositions, exécutées avec un rendu scrupuleux, sont marquées à la fois par l'influence de la peinture métaphysique et la représentation du thème traditionnel de la vanité. Son art culmine avec le tableau Chaînes, et Ex Est (Nature morte à la tête de mort, 1940, Amsterdam, Stedelijk Museum), qui représente dans une trappe d'égout une tête de mort au milieu de détritus : cette composition exprime bien à la fois sa vision tragique du monde et la déchéance de l'humanité.
Raoul Hynckes est représenté dans de nombreux musées néerlandais.

____________________________________________
2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Robert Humblot (1907-1962) - Les Toucans

Robert Humblot (1907-1962)
Les Toucans,1950
Huile sur toile, 81 x 100 cm
Collection privée (Artcurial)

Que voit on ?  Sept toucans empaillés dont un sur perchoir, cinq pendus à un fil soit par une patte soit par le bec et un, le bleu, sauvagement empalé sur une pique planté sur un support de bois. D'autres piques sont là dans un vase qui attendent les autres toucans .. de même que des fragments de becs gisent dans une  boite. Du travail de naturalisation un peu bâclé !!! A gauche de la composition  : un petit oiseau empaillé figé sur perchoir semble observer cette scène désastreuse. Déjà affublé d'une étiquette au bout des pattes, il est à vendre !

Rappel biographique : Robert Humblot, est un artiste peintre et illustrateur de romans français. Il commença des études de sciences naturelles qu'il quitte à l'âge de 23 ans pour rentrer à l’Académie de Peinture la Grande-Chaumière, puis il est ensuite accepté à l’école des Beaux-Arts de Paris. Un an plus tard, il sera admis comme élève à l’atelier de Lucien Simon aux Beaux-Arts de Paris. En 1932, son envie d’indépendance le pousse à quitter les Beaux-Arts et à louer un atelier avec Georges Rohner. Sous l'impulsion du critique d'art Henri Héraut, en 1935 il s'associe à Rohner, Henri Jannot, Jean Lasne, Raymond Moisset, le Canadien Alfred Pellan et Pierre Tal-Coat pour fonder le mouvement Forces nouvelles qui prône le retour au dessin, le retour au métier consciencieux de la tradition dans un contact fervent avec la nature. Sa peinture a la particularité d'être teintée d’humour; à travers des nus, paysages, natures mortes et personnages, Humblot souhaite exprimer le destin du monde. Il participe à des expositions collectives dès 1932 à Paris comme le Salon des Indépendants, le Salon d’Automne ainsi que dans plusieurs capitales dans le monde (Afrique, Antilles, Brésil, Mexique, Espagne, Italie, Norvège, Suède, Pays-Bas). Cependant, il reviendra toujours au charme de la Bretagne dans ses peintures. Lieu où il s'installa à la fin de sa vie.  Mobilisé en 1939, il est affecté sur la ligne Maginot au petit ouvrage de Coume Village à l'intérieur duquel il réalise à même les parois de béton des fresques d'une qualité exceptionnelle. Fait prisonnier le 4 juillet 1940, il est interné au stalag 7A puis au 7B, dont il s'évade le 28 octobre 1941. Il parvient à rejoindre la zone libre pour être démobilisé à Annecy six jours plus tard. Ses œuvres passent en ventes publiques dès les années 1950 et toujours à nos jours. En 1960 il illustra "Sous le signe des Antilles françaises" le catalogue de luxe annuel ou liste des grands vins de la maison Nicolas (coll. pers.).Une rétrospective lui a été consacrée en 1964 au Musée Galliera.

Wout' Schram (1895-1987) - Stilleven met fruit

Wouter Jorinus Bernardus Antonius dit 'Wout' Schram (1895-1987)
Stilleven met fruit
Private collection

Que voit on ?  Presque une dizaine de poire sur une table en bosi à côté d'un couteau, d'une pain brioché et d'un verre de lait. L'angle de vue est dit "en plongée "

Rappel biographique : Wouter Jorinus Bernardus Antonius Schram était un artiste visuel hollandais, actif comme aquarelliste, graphiste, lithographe, peintre et dessinateur. 

____________________________________________

2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau 

Franz Xaver Fuhr (1898 -1973) - Stillleben (Gummibaum)

Franz Xaver Fuhr (1898 -1973)
Stillleben (Gummibaum), 1925
Kunstmuseum, Manheim

 Que voit on ?  Une plante exotique en pot  dans un  décor où elle  semble être le seul élément  réellement vivant .

Rappel Biographique :  Le peintre allemand Franz Xaver  Fuhr a commencé à peindre de façon  autodidacte en s'inspirant de l'art de Paul Cézanne et de Vincent van Gogh. Très vite, cependant, il trouve son propre style, inspiré par le cubisme et la nouvelle objectivité. Fuhr commence à exposer e en 1920, lorsque le directeur de la galerie d'art de Mannheim, Gustav Friedrich Hartlaub, achète certaines de ses œuvres et, en contreparite  d'un soutien financier, lui fournit  un logement  au palais de Mannheim pour y vivre et  y travailler. Des expositions suivent,. à Berlin, Gdansk, Koenigsberg, Düsseldorf et Lübeck. Finalement, Xaver Fuhr est  admis à l'Association allemande des artistes. En 1930, il reçoit le prix de l'Académie prussienne des arts et en 1931 le prix Villa Romana de l'Association allemande des artistes. Motifs urbains, plantes industrielles, paysages et représentations de personnages constituent  ses principales  thématiques. Ses images sont souvent structurées par une linéarité strictement graphique en forme de réseau qui, avec des couleurs fortes et des contrastes noirs et blancs durs, caractérise son style personnel. Souvent ses œuvres transmettent une vision du monde qui révèle  des aspects cachés au-delà de ce qui est objectivement décrit.
Comme de nombreux artistes, Fuhr souffrit des politiques culturelles du national-socialisme : à partir de 1934, 23 de ses œuvresfurent confisquées dans les musées allemands et en 1937 certaines furent présentées dans l'exposition munichoise « L'art dégénéré ». Fuhr lui-même fut  interdit de travailler. Dans les années 1936 à 1946, il dut donc se limiter presque exclusivement à  des aquarelles. Son œuvre la plus célèbre, la "Vision de Mannheimer" de 1931, semblait annoncer le désastre qui allait s'abattre sur l'Allemagne et surtout sur sa ville natale.
Surveillé par la Gestapo à partir de 1936, l'artiste est dénoncé en 1942 par un informateur comme « politiquement peu fiable ». En octobre 1943, son appartement et une partie de ses œuvres  stockées à Mannheim furent  détruites lors d'un attentat à la bombe. Pour éviter de nouvelles perssécutions politiques, Xaver Fuhr et sa femme Josefine déménagent à Nabburg (Haut-Palatinat) en 1943. Après la fin de la guerre,  en 1950, ils s'installent  à Ratisbonne avec le soutien du directeur du musée Walter Boll, où Fuhr a pu créer son propre petit studio dans un appartement mansardé de la maison de l'Albertstraße n ° 7a et y vécut jusqu'à son décès.  En 1952, il participe à la 26e Biennale de Venise et en 1955 à la Documenta 1 de Kassel. En 1958, il reçoit la médaille Albertus Magnus de la ville de Ratisbonne et en 1963 le prix Hans Thoma. L'artiste a passé les dernières années de sa vie retiré à Ratisbonne.

____________________________________________

2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau 

Virginia Admiral ( 1915-2000) - Still life

Virginia Admiral ( 1915-2000)
Still life
Peggy Guggenheim Museum, Venetia

Que voit on ?  Une accumulation de  assemblement de fruit et légumes réparties dans un espace plutôt abstrait et avec toujours une barre verticale que lo'n retoruve dans après chaque oeuvre de cette peintre. 

Rappel biographique : Virginia Holton Admiral connue aussi sous le nom de Virginia De Niro, fut une peintre et poétesse américaine.  Elle a étudié à l'Art Institute de Chicago sous la direction de Hans Hofmann et fait partie, durant son long séjour à Greenwich Village, du cercle du poète Robert Duncan dont elle fut l'amie intime ainsi que d'Anaïs Nin et de Kenneth Patchen. Avec Duncan, elle  produisit un numéro du magazine Epitaph  resté célèbre...
Virginia Admiral rencontra le peintre Robert De Niro Senior alors qu'ils étaient tous deux étudiants pendant un cours de peinture de Hans Hofmann à Provincetown. Ils ont d'abord emménagé dans un loft à New York dans East 14th Street, avant de s'installer dans un appartement dans Bleecker Street  à Greenwich Village. Ils se marièrent en décembre 1942. En août 1943, Virginia donna naissance à leur fils, qui deviendra par la suite le célèbre acteur et réalisateur, Robert De Niro Jr.
Virginia  et Robert De Niro Sr. ont divorcé en 1945, mais sont restés très proches tout au long de leur vie et ils purent compter sur leur soutien mutuel jusqu'à la fin de leur existence.
En 1942, Admiral exposa au Springs Salon for Young Artist de  la galerie Art of This Century de Peggy Guggenheim à Manhattan. La même année, elle vendit une peinture au Museum of Modern Art de New York pour 100 $, étant la première de son groupe d'artistes à vendre ainsi une peinture au MOMA. C'est encore Peggy Guggengheim qui fut un de ses grands soutiens, qui organisa sa première  exposition solo dans sa galerie en 1946 avant d'inclure définitivement ses oeuvres dans la collection qu'elle présenta à la Biennale de Venise en 1947.
Les oeuvres de Virgina Admiral se trouvent aujourd'hui  dans les collections permanentes du Metropolitan Museum of Art, du MOMA et la Collection Peggy Guggenheim à Venise.

____________________________________________

2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Renato Guttuso (1911-1987) - Angurie 2

Renato Guttuso (1911-1987)
Angurie 2
Collection privée

Que voit on ? Une variation sur le thème des pastèques traitées à de multiples reprises dans lœuvre de Guttoso et notamment dans Angurie 1. Ici un paysage a été ajouté.

 
Rappel biographique : Renato Guttuso est une figure extrêmement importante de la peinture italienne contemporaine, représentant du réalisme pendant les périodes fasciste et communiste de l'histoire italienne. Résistant, antifasciste, très tôt engagé aux côtés des communistes, l'art de Guttuso transcende toute considération politique et bien que faisant constamment référence à une identité sicilienne, se situe aux antipodes du régionalisme. 

____________________________________________
 

2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Paul LaCroix (1827-1869) - Nature Morte avec Trois Tomates

Paul LaCroix (1827-1869)
Nature Morte avec Trois Tomate
Collection privée

Que voit on ? Une botte d'asperges soigneusement liées et des tomates dont le titre ne retient que les tomates posées sur un entablement de pierre. Une nature morte extrêmement académique, voire même un peu scolaire mais qui cependant un charme fou.

 Rappel biographique : Plusieurs artistes portent le nom de Paul LaCroix à des époques différentes et jusqu'au 20e siècle avec le grand artiste artiste québécois Paul Lacroix.  Mais Le Paul Lacroix dont il s'agit ici est un peintre américain d'origine française très influencé par le style du peintre allemand Severin Roesen et qui a peint de nombreuses natures mortes. Peintre de l'abondance américaine, certaines de ses natures mortes croulent sous les fruits, les légumes et les fleur au point d'envahir la toile sur chaque cm2. D'autres sont mises en scène dans leur milieu naturel et mêlent volontiers fleurs et fruits et personnages. D'autres enfin, comme celle-ci, sont beaucoup plus intimistes et s'attachent au rendu de quelques fruits  ramassés dans le jardin, avec une poésie et une talent de coloriste rare. 

____________________________

2022 - A Still Life collection
Un blog de Francis Rousseau

 

Joseph Biays Ordn (1805-1865) - Still Life with Shells

Joseph Biays Ordn (1805-1865)
Still Life with Shells, 1840
High Museum of Art, Atlanta

Que voit on?  Une série de coquillages peint en pleine nature et non dans un cabinet de curiosité. Le rendu des ancres est d'un réaliste absolu et sous tend une belle maitrise de la peinture de reflets.  Georgia O'Keeffe aurait adoré !

Rappel biographique : Peintre  peu connu de natures mortes  originaire de Philadelphie, Joseph Biays Ord est considéré comme faisant le lien i entre les premières œuvres de Raphaelle et James Peale,  les grands spéciailstes du genre aux Etats Unis  au milieu du siècle.dernier. Ayant travaillé surtout entre 1831 et 1845, Ord a  acquis une reconnaissance rapide en exposant fréquemment à Philadelphie et à New York. Le succès se confirma avec ses peintures de  nature morte au point même d'éclipser ses portraits .


____________________________

2022 - A Still Life collection
Un blog de Francis Rousseau

Paul Gauguin (1848-1903) - Vase de fleurs (Lilas)

Paul Gauguin (1848-1903)
Vase de fleurs (Lilas), 1885
Huile sur toile,  35 x27 cm
Carmen Thyssen Collection

Que voit-on ? Un lumineux bouquets de lilas, semble-t-il, dans un vase comme seul Gauguin sut les peindre... toujours assorti d'une livre comme si les fleurs ne pouvaient se présenter sans leurs compagnons romanesques. S'y ajoute ici une pièce d'étoffe  ensoleillée représentant elle-même des fleurs.

Rappel biographique : le peintre français Paul Gauguin fut le chef de file bien connu de l'École de Pont-Aven et inspirateur des Nabis. Il est considéré comme l'un des peintres français majeurs du 19e siècle. En 1874, la connaissance qu'il fait de Camille Pissaro et la première exposition du courant impressionniste, l'inclinent à devenir amateur d'art et à s'essayer alors à la peinture. En 1882, il abandonne son emploi de courtier en bourse pour se consacrer uniquement à sa nouvelle passion, la peinture. De janvier à novembre 1884, il s'établit à Rouen où Pissaro vivait également. Pendant ces 10 mois passés à Rouen, il réalise près de quarante tableaux, principalement des vues de la ville et de ses alentours et quelques natures mortes très classiques. Cela ne suffit pas pour vivre et il part avec sa femme et ses enfants dans la famille de celle-ci à Copenhague.
Ses affaires ne vont pas bien et il revient à Paris en 1885 pour peindre à plein temps, laissant femme et enfants au Danemark, n'ayant pas les moyens d'assurer leur subsistance. Il est déchiré par cette situation. Il expose avec les impressionnistes régulièrement de 1876 à 1886.
C'est en juillet 1886 que Paul Gauguin effectue un premier séjour en Bretagne. Il s'installe pour 3 mois à la pension Le Gloanec, à Pont-Aven où vit une colonie d'artistes. Il y rencontre le très jeune peintre (et écrivain) Emile Bernard adepte du " Cloisonnisme ", une technique picturale cernant chaque plan de couleur d'une fine cloison, un peu à la manière de la technique du vitrail ou des estampes japonaises.
Influencé par Emile Bernard et par le courant symboliste, Paul Gauguin renonce à l'impressionnisme pour élaborer, une nouvelle théorie picturale, le " Synthétisme ". Sa recherche va alors dans le sens d'une simplification des formes, il élimine les détails pour ne garder que la forme essentielle, simplification obtenue par l'usage du cerne et de l'aplat de couleur. Nabis et Synthétistes, inspirés également par Stéphane Mallarmé et les symbolistes littéraires, partageront pendant quelques temps des convictions communes sur la nécessité de libérer la peinture de sa sujétion au réel et de laisser davantage de place à l'idée ou à la symbolique. Maurice Denis, Paul Sérusier, Édouard Vuillard, Pierre Bonnard, Odilon Redon font partie de ce mouvement.
Gauguin retournera en Bretagne en 1889 et 1890, au Pouldu, tout proche de Pont-Aven, deux lieux où chaque été une importante colonie d'artistes tentera d'élaborer une nouvelle peinture. Il y loge à " la Buvette de la Plage " de Marie Henry, en compagnie des peintres Meyer de Haan, Sérusier et Filiger. En 1891, ruiné, il s'embarque pour la Polynésie, grâce à une vente de ses œuvres dont le succès a été assuré par deux articles enthousiastes d'Octave Mirbeau. Il s'installe à Tahiti où il espère pouvoir fuir la civilisation, tout ce qui est artificiel et conventionnel.
Influencé par l'environnement tropical et la culture polynésienne, son œuvre gagne en force, il réalise des sculptures sur bois et peint ses plus beaux tableaux, notamment son œuvre majeure, aujourd'hui au Musée des Beaux arts de Boston au titre explicite de D'où venons nous? Que sommes sommes, Où allons nous ? qu'il considère lui-même comme son testament pictural. En 1901, il va vivre a Atuona dans les îles Marquises. Il lui semble être au paradis. Il va vite déchanter en se rendant compte des abus des autorités et en essayant de se battre pour les indigènes. Malgré ce combat auprès des autorités, Gauguin reste peu apprécié des Polynésiens en général et des Marquisiens en particulier, qui ont l'impression d'avoir eu affaire à un homme qui s'est servi d'eux, de leur culture ancestrale et surtout des femmes, comme si cela lui était dû. Affaibli, fatigué de lutter, il meurt au printemps 1903. Il est enterré dans le cimetière d'Atuona. La tombe du chanteur Jacques Brel est juste à côté de la sienne.

____________________________

2022 - A Still Life collection
Un blog de Francis Rousseau

Jacques Mauny (1893-1962) - Nature morte avec Homard sur une Table

 

Jacques Mauny (1893-1962)
Nature morte avec Homard sur une table
Huile sur toile 33 x 41 cm
Collection privée

Que voit on ?   Ce que le titre décrit c'est à dire un homard cuit, à quoi s'ajoute un citron et un brin de persil, posé dans une assiette sur une nappe devant ce qui semble être un aquarium de restaurant... si l'on en juge par la profusion de poissons qui s'y ébattent, bien qu'à peine esquissés grâce à  quelques touches de pinceaux dansantes.

Rappel biographique : Peintre français, autodidacte, sculpteur sur bois, illustrateur et écrivain,  il n'y a aucune biographie rédigée sur le web dle concernant i et pourtant ses oeuvres sont présentes dans les plus grands musées du monde du Centre Pompidou au MoMa  ! De même aucun de ces musées n'a publié de biographies de Mauny !  Tout ce que l'on peut savoir de lui est qu'il  exposa en 1920 au Salon d'Automne et qu'après un voyage à New York, il exposa en 1926 au Salon des Indépendants à Paris. Mauny expposa aussi à la Galerie Cheron  et Cie ouverte en 1913 au 56, rue de la Boétie, sous le nom de Galerie des Indépendants, qui fut un lieu clé pour l’avant-garde artistique du premier tiers du 20e siècle. Georges Chéron y expose en effet des œuvres d’artistes de l’Ecole de Paris, tels que Foujita, Modigliani et Soutine mais aussi des peintres aujourd’hui moins connus comme Dorignac, Bando ou Mauny.  La galerie ferma à la mort de Chéron en 1931. Jacques Mauny a aussi eu des expositions personnelles dans des galeries à New York en 1930 et 1931. Il a conseillé son ami Albert E Gallatin dans la création de la Living Art Gallery à l'Université de New York.

____________________________

2022 - A Still Life collection
Un blog de Francis Rousseau

Bernard Buffet (1928-1999) - Le pupitre, 1956

 

Bernard Buffet (1928-1999)
Le pupitre, 1956.
Huile sur toile, 66x 46 cm
Collection Privée

Que voit on ?  Posé sur un pupitre d 'écolier comme il en existait au milieu du 20e siècle, un porte plume, un cahier d 'écolier taché d'encre (on appelait cela " faire un pâté ")   un encrier renversé et un livre qui semble esquisser le titre  "Alcol " sans pour autant l 'écrire franchement.  Trônant au dessus de tout cela, un serviette majestueuse et droite portant les initiales du Peintre mais aussi celle de la vedette de cinéma la plus célèbre du moment, Brigitte Bardot. que la presse d'alors appelait BB.

Rappel biographique : Bernard Buffet est un peintre français expressionniste, qui a peint aussi bien des personnages que des figures, animaux, nus, paysages, intérieurs, natures mortes, fleurs. Aquarelliste, c'est également un peintre de décors de théâtre et un illustrateur. Il remporte le concours d’entrée de l'École nationale supérieure des beaux-arts en décembre 1943 à quinze ans, passant deux ans dans l'atelier du peintre Eugène Narbonne où il est déjà considéré comme très doué. Il s'y lie notamment d'amitié avec les peintres Maurice Boitel et Louis Vuillermoz.
En 1947, il expose L'Homme accoudé au Salon des indépendants et en décembre a lieu sa première exposition particulière présentée par Pierre Descargues, à la Librairie des impressions d'art. On y reconnait déjà un graphisme très caractéristique qui sera tout au long de sa vie, la marque du peintre. L'État, par l'intermédiaire de Raymond Cogniat, lui fait son premier achat pour le Musée national d'art moderne de Paris avec la peinture Nature morte au poulet. En 1955, il obtient la première place au référendum organisé par la revue Connaissance des arts désignant les dix meilleurs peintres de l'après-guerre. Il peint les maquettes des décors et des costumes pour La Chambre argument de Georges Simenon qui devient son ami. Élu à l’Académie des beaux-arts au fauteuil de Paul Jouve, Bernard Buffet est alors le plus jeune académicien jamais élu sous la coupole.
En 1978, à la demande de l’administration des postes, Bernard Buffet réalise une maquette pour un timbre de trois francs L’Institut et le Pont des arts. À cette occasion le musée postal à Paris présente une exposition rétrospective de ses œuvres. Dans les années 1970-80, Bernard Buffet est un artiste au sommet de sa gloire que les critiques n'épargnent pas, comme tout artiste qui connait un grand succès de son vivant. Ils lui reprochent principalement le " statisme " de sa touche dans laquelle ils décèlent peu d'évolutions au cours des années, le traitant volontiers de " peintre académique ".
Au début des années 1980 son œuvre immense, est plus appréciée à l'étranger qu'en France, et principalement en Extrême Orient, aux Etats-Unis, en Amérique du sud et au surtout Japon où elle connait un succès considérable et où un musée est spécifiquement construit pour lui à Surugadaira, ce qui, à cette époque, est inédit pour un peintre vivant.
En 1986, sa femme et modèle favori, Annabel, publie D’amour et d’eau fraîche ; la même année sortent les deux premiers volumes de la monographie de Yann Le Pichon, Bernard Buffet, couvrant la période 1947-1982, qui obtiennent immédiatement le Prix Élie Faure.
Bernard Buffet, diminué par la maladie de Parkinson, se suicide par asphyxie, le 4 octobre 1999, dans son atelier du Domaine de la Baume près de Tourtour (Var), étouffé dans un sac en plastique noir sur la surface duquel son nom était dessiné avec sa calligraphie si caractéristique ; dernière mise en scène un rien macabre d'un très grand artiste du 20e siècle, qui toute sa vie avait adoré mettre en scène sa propre existence. En novembre 2007, paraît le troisième et dernier volume de la monographie de Yann Le Pichon, couvrant la période de 1982 à 1999.
En 2016- 2017, le MAM (Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris), rend hommage au peintre à travers une exposition où sont présentées toutes les acquisitions du musée faites dans les années 47- 55 et quelques chef d'œuvres prêtées par le Musée Bernard Buffet de Surugadaira (Japon).

_________________________________________


2022- A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

William Merritt Chase (1849-1916) - Still Life in Copper, 1890-93

William Merritt Chase (1849-1916)
Still Life in Copper, 1890-93
Huile sur toile, 35.6 × 42.7 cm
Allen Memorial Art Museum.

 Que voit on ?  Un bel ensemble de casserole ma foi !  En réalité une poêle en cuivre rouge  avec son manche en bois et un pichet en cuivre jaune. En dehors de la passion de ce Meritt-Chase pour ce thème auquel le grand Chardin lui même réservait toujours le meilleur traitement dans nombre de ses toiles, le peintre américain était passé maitre dans l'art du rendu des reflets des matières métalliques , un art que l'on peut difficilement ignorer dan la toile ci-dessus.

Rappel biographique : Le peintre américain William Merritt-Chase était très connu outre Atlantique, pour ses talents de pédagogue et pour le rôle qu'il a joué dans l'introduction de l'impressionnisme aux Etats Unis. Il installa sa propre école à New York, la « Chase school » (aujourd'hui Parsons), après avoir enseigné quelques années à l'Art Students League. Il a travaillé sur toutes sortes de supports : huile, pastel, encre et aborder de nombreux genre, paysages, natures mortes, portraits. Ce sont d'ailleurs surtout ses portraits de grandes personnalités de son temps qui le rendirent célèbre, au point que toute la bonne société de la Nouvelle Angleterre et de New York se pressait à la porte de son atelier pour se faire peindre. Les quelques natures mortes qu'il a peintes mettent généralement en scène des poissons ou des casseroles !  Chase a  peint des natures mortes tout au long de sa carrière comme il l'avait fait pendant ses années d'étudiant. Des objets mis en situation de nature mortes remplissaient ses divers studios et ses maisons, et ses peintures d'intérieur incluaient presque toujours une nature morte dans un endroit de la pièce ou même représentée en toile sur les murs ! Il était particulièrement doué pour capturer l'effet de la lumière sur des surfaces métalliques telles que des bols et des pichets en cuivre. Le sujet de nature morte le plus célèbre de Chase était sans doute le poisson mort, qu'il aimait peindre sur des fonds sombres ou sur une assiette comme s'il venait tout juste de sortir de l'étal d'un poissonnier. Il était connu pour acheter les poissons morts au marché, les peindre rapidement, puis les rendre avant qu'ils ne se gâtent. Une manie qu'il partageait avec Chaïm Soutine  qui lui par contre ne rendait ni viande ni poissons quand ils commençaient à se gaâer, ce qui lui valut de nombreuses plaintes de ses voisins. 

 

________________________________ 

2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

 

Henri Matisse (1869-1954) - Le Pichet en Etain, 1917

Henri Matisse (1869-1954)
Le Pichet en Etain, 1917
Huile sur toile 33 x 41 cm
Collection privée 

Que voit on ? Un thème que Matisse avait déjà abordé dès 1896 alors qu'il était  encore fortement sous l'influence Gustave Moreau  avec sa  première Nature Morte au Pichet. L' approche est d 'autant plus similaire qu'il s'agissait alors pour MAtisse de copier les anciens et notamment Le Pichet de Chardin avec toujours cette une recherche éperdue du rendue du reflet des fruits dans le pichet, mais  avec un résultat tout a fait différent,  qui met en pratique la simplification des données picturales si chère à Matisse et qui lui fut beaucoup reprocher dans sa jeunesse avant de devenir son trait principal de génie   

Rappel Biographique : Henri Matisse, peint son premier tableau, Nature morte avec livres et chandelle en juin 1890. Peu après, il se rend à Paris. En 1892, il rencontre Albert Marquet à l'École des Arts déco puis s'inscrit en 1895, à l'École des beaux-arts, dans l'atelier de Gustave Moreau. L'enseignement du maître encourage ses élèves à penser leur peinture, à la rêver, au-delà de la virtuosité technique. Matisse, comme ses condisciples, Georges Rouault, Léon Lehmann, Simon Bussy, Eugène Martel, Albert Huyot ou Henri Evenepoel, est stimulé par cette conception de la peinture et entend développer la sienne selon son individualité. Gustave Moreau, lors d'une correction, lui dit : « Vous allez simplifier la peinture. »
Cette prophétie peut être considérée comme le programme esthétique de l'œuvre d'Henri Matisse.
En 1896, Matisse expose pour la première fois au Salon des Cent et au Salon de la Société nationale des beaux-arts, dont il devient membre associé sur proposition de Pierre Puvis de Chavannes. Cette fonction lui permet notamment d'exposer sans passer par un jury. Il passe l'été à Belle-Île-en-Mer et rencontre l'Australien John Peter Russell, qui l'introduit auprès d'Auguste Rodin et Camille Pissarro. Il commence à s'intéresser à la peinture impressionniste qu'il découvre en 1897 au musée du Luxembourg. Il est alors un peintre classique de natures mortes réalistes aux textures amples. Pour gagner sa vie, Matisse et Marquet travaillent comme peintre décorateurs à la journée, pour les décorateurs de théâtre.
En voyage à Londres, sur les conseils de Pissarro, Matisse découvre la peinture de Joseph Mallord William Turner, puis il part s'installer en Corse où il habite dans la Villa Rocca. A Ajaccio, il peint une cinquantaine de toiles dont Le Mur rose qui représente l'arrière de l'hospice Eugénie vu depuis la Villa de la Rocca. Matisse s'inspire alors de Turner.
En 1899, il découvre le traité de Paul Signac, d’Eugène Delacroix au néo-impressionnisme.
À partir de 1900, Matisse travaille la sculpture et le modelage, à l'Académie de la Grande Chaumière, sous la direction d'Antoine Bourdelle et fréquente également l'atelier d'Eugène Carrière. Il y fait la connaissance d'André Derain et de Jean Puy. Derain lui présente Maurice de Vlaminck. Il expose au Salon des indépendants (1901) et participe à la première édition du Salon d'automne (1903)
_________________________________________

2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Paul Cézanne (1839-1906) - Le Vase Bleu

Paul Cézanne (1839-1906)
Le Vase Bleu (c. 1885-87)
Huile sur toile , 61 x 50 cm.
Musée d'Orsay, Paris.

Que voit on ?   Selon la fiche du Musée d'Orsay  :  "Plutôt qu'à la représentation de fleurs épanouies, Cézanne s'intéresse davantage ici à la modulation de la couleur. Une fois encore, le sujet est utilisé pour servir l'une des préoccupations majeures de l'artiste : l'étude de l'incidence de la lumière sur les objets et des variations colorées qui en résultent.  L'espace est construit par un habile jeu de lignes verticales et horizontales et par une juste répartition des volumes, tandis que l'harmonie d'ensemble est obtenue grâce à un emploi subtil de différents bleus. La composition est centrée précisément sur le vase posé sur la table.
Une dizaine d'années auparavant, à Auvers-sur-Oise, Cézanne avait déjà peint plusieurs bouquets de fleurs, mais il ajoute un élément nouveau : des pommes, qui se détachent par leur couleur et qui évoquent les natures mortes aux fruits beaucoup plus nombreuses dans son oeuvre que les tableaux floraux. L'artiste aurait déclaré à Gasquet : "Les fleurs, j'y ai renoncé. Elles se fanent tout de suite. Les fruits sont plus fidèles". Cette toile se trouve ainsi enrichie de l'association de deux thèmes qui lui a valu autrefois le titre de Fleurs et fruits."

Rappel biographique : Les natures mortes furent un des thèmes favoris de Paul Cézanne, elles lui permirent de construire ses tableaux, d'approfondir les rapports entre les vides et les pleins, les figures et les fonds. Pour Cézanne, la nature morte est un motif comme un autre, équivalent à un corps humain ou à une montagne, mais qui se prête particulièrement bien à des recherches sur l'espace, la géométrie des volumes, le rapport entre couleurs et formes. Dans ces natures mortes, Cézanne place des objets de peu, faits à la main par l'artisanat local et paysan, et il les peints plus grands que nature en en accentuant les défauts, avec des torchons, nappes, fruits ou fleurs, le tout placé sur un coin de table. Incomprises en leur temps, ses natures mortes sont ensuite devenues l'un des traits caractéristiques de son génie. Les pommes sont un des éléments, avec les vases, qui forment ses « obsessions picturales ». Pour les philosophes, elles participent à l'établissement de sa personnalité et à sa quête de l'être. Les natures mortes, et notamment les pommes, sont le signe de sa nouvelle conquête picturale.
________________________________________________________
2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Paula-Modersohn-Becker (1876-1907) - Nature morte avec Oranges

Paula-Modersohn-Becker (1876-1907)
Nature morte aux oranges, bananes, citrons et tomates, 1906.
Huile sur carton, 28,2 x 52,2 cm
Staatliche Kunsthalle Karlsruhe

Que voit on ? Ce que décrit le titre. Une nature morte très estivale toute en explosion de couleurs et jeux de graphisme.

Rappel biographique : Paula Modersohn-Becker est une artiste peintre allemande qui est l’une des représentantes les plus précoces du mouvement expressionniste dans son pays. Originaire de Dresde, Paula Becker s'engage dans des études de peinture et rejoint les artistes indépendants réunis dans le village de Worpswede, qui prônent un retour à la nature et aux valeurs simples de la paysannerie. Elle y épouse le peintre Otto Modersohn. Le manque d'audace des peintres dits Worpswediens, toutefois, la pousse à s'ouvrir aux inspirations extérieures et à effectuer des séjours répétés à Paris, auprès de l'avant-garde artistique. Au cours des quatorze courtes années durant lesquelles elle exerce son art, elle réalise pas moins de 750 toiles, 13 estampes et environ un millier de dessins. Son style est le fruit d'influences multiples, aux confins de la tradition et de la modernité. Sa peinture présente des aspects mêlant l'impressionnisme de Cézanne, van Gogh ou Gauguin, le cubisme de Picasso, le fauvisme, l'art japonais ou encore l'art de la Renaissance allemande. La force expressive de son œuvre résume à elle seule les principaux aspects de l’art au début du 20e siècle.
Elle meurt prématurément а trente-et-un ans, des suites d'un accouchement.

________________________________________
2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Pierre Bonnard (1867-1947) - Le Panier de Bananes

Pierre Bonnard (1867-1947)
Le Panier de Bananes, 1926
Huile sur toile, 60 x 64 cm.
The Metropolitan Museum of Art, New York (Jacques & Natasha Gelman Collection)

Que voit on ? Dans une atmosphère particulièrement lumineuse, l'un des très grand chefs-d'œuvres de Bonnard, bâti sur le long  d'une diagonale qui relie le coin droit  du bas au coin gauche du haut tout en ménageant un arrière plan lointain où l'on aperçoit une chaise et un vêtement prêt à choir au sol !  La diagonale  est virtuellement tracée sur un entablement recouvert d'une nappe à rayures jaunes et d'une nappe à carreaux rouge et blancs. Dans le coin droit au premier plan : une assiette  vide ; au milieu : le panier de bananes qui donne son titre à la toile avec a coté de lui, une boite ;  en haut : une théière en cuivre, rutilante... La question pourrait être : peut on se lasser des fantaisies de Bonnard ? Et la réponse en ce qui me concerne : non ! jamais !

Rappel biographique : le peintre français Pierre Bonnard est connu pour ses peintures de personnages, ses nus, ses portraits, ses paysages animés, ses intérieurs et ses natures mortes de fleurs et fruits. Bonnard est un artiste post-impressionniste, membre du groupe des Nabis qui regroupait autour de Paul Serusier, Paul René Piot, Henri-Gabriel Ibels, Maurice Denis, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Paul Ranson, Jan Verkade, Félix Vallotton, Georges Lacombe, Mogens Ballin, József Rippl-Rónai, Charles Filiger, Adolf Robbi, ainsi que Georges Joseph Rasetti et le sculpteur Aristide Maillol. En réaction à l'impressionnisme, les Nabis veulent libérer leur peinture des exigences du réalisme : « Ensemble, nous avons méprisé l'école et les écoles, les rapins, leurs traditions, leurs farces et leurs bals inutilement nudistes. Ensemble nous nous sommes sérieusement amusés ». Les artistes nabis cherchent des voies plus spirituelles au contact de philosophies et de doctrines nouvelles teintées d'Orient, d'orphisme, d'ésotérisme, et de théosophie. Ils s'appliquent à retrouver le caractère « sacré » de la peinture et à provoquer un nouvel élan spirituel par le seul moyen de l'art.
Une fois devenu célèbre, Pierre Bonnard fut connu pour ne pouvoir s’empêcher de retoucher ses toiles une fois celles-ci achetées et exposées dans un musée. Ses amis appelaient ça « bonnarder » ou « bonnardiser ». Un journaliste relate cette attitude devenue visiblement coutumière. « Au musée de Grenoble et au Musée du Luxembourg, il arriva à Bonnard de guetter le passage d'un gardien d'une salle à l'autre, de sortir d'une poche une minuscule boîte garnie de deux ou trois tubes et, d'un bout de pinceau, d'améliorer furtivement de quelques touches un détail qui le préoccupait. Et, son coup fait, de disparaître, radieux, comme un collégien après une inscription vengeresse au tableau noir. »

__________________________________________ 

2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Willem Kalf (1619-1693) - Nature morte avec Argenterie, Réservoir en Étain et Aiguière en Or

Willem Kalf (1619-1693)
Nature morte avec Argenterie, Réservoir en Etain et Aiguière en Or, 1644
Huile sur toile , 103.1 x 81 cm
Collection privée (Belgique)

Que voit on?  Un grand classique de la Nature morte hollandaise  de l'Age d'Or, aujourd'hui passée dans une collection privée après avoir longtemps été dans les réserves d' un musée.

Rappel biographique : Le peintre néerlandais Willem Kalf est le l'un plus grands peintres de nature morte de son époque. Il travaille à Paris entre 1642 et 1646. Il retourne aux Pays-Bas et vit d'abord à Hoorn, puis s'installe en 1653 à Amsterdam. Ses tableaux où l'on relève les influences flamandes, se composent presque toujours d'objets luxueux tels qu'argenterie, porcelaine chinoise, tapis d'orient, verres précieux et aliments exotiques. Ils ne semblent pas avoir de portée symbolique, mais devaient à l'époque évoquer la richesse de la république hollandaise, la puissance de sa flotte et l'efficacité de son réseau marchand. Ces objets, sont disposés avec sobriété, contrastant avec l'exubérance des natures mortes flamandes. Sa peinture, une pâte nourrie, appliquée généreusement, modèle ces formes larges et parvient à rendre la sensation provoquée par les différentes textures. La qualité de ses œuvres le fait comparer à Johannes Vermeer (1632-1675) pour le velouté des rendus de matières.


____________________________________________
2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Vincent van Gogh (1853-1890) - Nature morte avec Carafe et Citrons

Vincent van Gogh (1853-1890)
Nature morte avec Carafe et citrons, 1887
Huile sur toile, 46.5 X 38.5 cm.
Van Gogh Museum, Amsterdam.

Que voit on  ? Ce que décrit le titre un carafe d'eau à travers laquelle on peu voir en transparence,  déformé par l'effet loupe des godrons, le papier peint qui recouvre le mur qui sert de fond à la toile. Sept citrons dont deux hors du plat occupent le premier plan.  

 
Rappel biographique : Au début du mois de mars 1886, Vincent rejoint son frère Theo à Montmartre, avec l'envie de s'informer sur les nouveautés de la peinture impressionniste. À l'époque, Theo est gérant de la galerie montmartroise Boussod, Valadon & Cie. Seule la connaissance du milieu artistique parisien peut véritablement permettre à Van Gogh de renouveler et d'enrichir sa vision. Cette année-là est celle de la dernière exposition impressionniste que Vincent découvre, et en 1887 doit avoir lieu la première rétrospective de l’œuvre de Millet. Paris se prépare alors à accueillir plusieurs expositions : en plus du Salon, où sont exposées les œuvres de Puvis de Chavannes, Van Gogh visite les salles de la cinquième exposition internationale à la galerie Georges Petit, qui présente des toiles d'Auguste Renoir et de Claude Monet. Ces derniers n'avaient pas souhaité participer à la huitième et dernière exposition des impressionnistes, qui offrait le spectacle d'un groupe déchiré, entre les défections et les nouvelles arrivées, et ouvrait ses portes à la nouveauté du moment, le néo-impressionnisme, avec la toile de Georges Pierre Seurat, Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte. À Paris dans les années 1886-1887, Van Gogh fréquente un moment l’Académie du peintre Cormon, où il fait la connaissance de Henri de Toulouse-Lautrec, de Louis Anquetin, d’Émile Bernard ainsi que de John Peter Russell. Ce dernier réalise son portrait. Il rencontre également, par l’intermédiaire de son frère, presque tous les impressionnistes, en particulier Georges Seurat et Camille Pissarro, ainsi que Paul Gauguin. Dans la boutique du père Tanguy, il devient l'ami de Paul Signac. Sous l’influence des estampes japonaises, ses compositions acquièrent peu à peu davantage de liberté et d’aisance, tandis qu’il s’essaie à la technique de l’aplat coloré. Pissarro l’initie également aux théories nouvelles sur la lumière et au traitement divisionniste des tons. La palette de l'artiste s’enrichit alors de couleurs vives et sa touche s’anime et se fragmente, ceci grâce également à Signac avec qui il travaille en 1887. Exalté par la ferveur du climat artistique parisien, Van Gogh brûle les étapes de son renouvellement artistique grâce à la fréquentation des peintres les plus anticonformistes du moment : il s'essaye au néo-impressionnisme auprès de Signac et Pissarro, enquête sur les profondeurs psychologiques du portrait avec son ami Toulouse-Lautrec, est précocement informé de la synthèse du cloisonnisme par ses compagnons Louis Anquetin et Émile Bernard, et peut apprécier les toiles exotiques réalisées par Gauguin en Martinique. Régénéré par cette modernité, il est prêt à réaliser son rêve méditerranéen, à la recherche de la lumière aveuglante de la Provence, qui fait resplendir les couleurs pures de la nature, étudiées jusque-là dans sa collection d'estampes japonaises. C'est une période très fertile où son art s'oriente vers l'impressionnisme, mais l'absinthe et la fatigue aggravent son état mental. Le 19 février 1888, il quitte Paris....

____________________________________________

2022- A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Frans Snijders (1579-1657) - Nature morte au gibier et aux fruits

Frans Snijders (1579-1657)
Stilleven met klein dood wild en vruchten
(Nature morte au gibier et aux fruits)
Huile sur toile, 57 x 88cm
Rijksmuseum

Que voit-on ? Encore une somptueuse nature morte au gibier à plumes et à fourrure que notre époque contemporaine condamnera sûrement au nom de la  protection des animaux... et des régimes végétariens, mais qu'il convient de ne pas isoler de l'époque où elle a été peinte pour en apprécier toute la beauté. Pour les âmes sensibles, on attirera l'attention sur la coupe de fruits à droite de la composition avec ses magnifiques raisins, pêches et poires ... On s'attardera aussi sur les figues, les framboises et le asperges à la gauche du cadre,  juste sous le rafraîchissoir à vin en cuivre sculpté, une petite merveille d 'étude des textures (cristal, porcelaine, métaux, verre teinté...). 

Rappel Biographique : Le peintre flamand Frans Snyders ou Snijders fut un élève de Pieter Bruegel le Jeune et de Hendrick van Balen. Spécialisé dans la nature morte Frans Snyders réalisa l'essentiel de son œuvre dans sa ville natale, Anvers. Appartenant à l'important atelier de Rubens, même s'il ne fut pas son élève, il collabora avec lui dans plusieurs tableaux, comme Philopœmène reconnu par ses hôtes (Musée du Prado, Madrid). Il forma aussi lui-même plusieurs élèves, notamment Jan Fyt.
Son œuvre se compose essentiellement de natures mortes et de scènes de chasses, auxquelles il conféra une monumentalité nouvelle. Ses étals de commerçants, notamment de poissonniers  constituent peut-être la partie la plus originale de son répertoire. Ses compositions s'organisent en général autour d'un élément horizontal stable, comme une table, sur laquelle sont exposés des éléments désordonnées. Le foisonnement des objets peut rappeler l'abondance et la prospérité des Flandres au 17e siècle. Sa touche est très proche de celle de Rubens, en jouant sur des empâtements et des glacis dilués.
Snyders exerça une grande influence sur la nature morte française, chez des peintres comme Jean-Baptiste Oudry ou Alexandre-François Desportes.

____________________________________________

2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Willem Claeszoon Heda (1594-1680) - Breakfast Table with Blackberry Pie and a berkemeyer lying ont the side

Willem Claeszoon Heda (1594-1680)
Breakfast Table with Blackberry Pie and a berkemeyer lying ont the side, 1631
Huile sur panneau de bois, 54 x 82 cm
Gemäldegalerie Alte Meister, Dresden

Que voit on ?  incontestablement un des plus grands chefs-d'œuvres de l'âge d'or de la nature morte hollandaise. Les natures mortes dites «ontbijtjes» c'est a dire du petit-déjeuner définisse les tableaux  représentant un repas léger qui pouvait être pris à n'importe quel moment de la journée. Elles représentent une table avec un chemin de table et une nappe en damas blanc soigneusement repassée dont les plis, quelles que soient les lois de la perspective, se dirigent  en lignes parallèles vers le fond du tableau. L'angle de vue choisi pour la peinture est relativement élevé par rapport au niveau de l'œil,  apparemment pour permettre une meilleure vue d'ensemble des objets, qui sont disposés côte à côte, ou en cercle, ne se touchant ou ne se chevauchant presque jamais. Les  récipients à boire  tous extrêmement précieux et les textiles raffinés montrent très clairement qu'il s 'agit ici de l'intérieur d'un ménage très  privilégié. Au début des années 1630, Heda place la nappe blanche sur le bord gauche ou droit de la table, de sorte que le milieu de la table n'est pas recouvert et n'est plus symétrique. Dans les «banketjes» (pièces de banquet) suivantes, la nappe est de plus en plus écartée, jusqu'à ce qu'elle soit carrément froissée. Alors que pendant un certain temps la nourriture était présentée comme presque intouchable, précieuse et juste là pour être regardée, des traces de consommation apparaissent désormais. Les objets ne sont plus simplement destinés à incarner des valeurs statutaires, mais deviennent des témoignages d'actes spontanés, de vie. Et jsutement ici,  un verre brisé à gauche du cadre, souligne l'élément Memento mori (Souviens toi que tu vas mourir) inhérent à toute nature morte digne de ce nom, depuis l'Antiquité romaine. 

Rappel biographique : Le peintre néerlandais Willem Claeszoon Heda qui signait de son prénom "Claez" ce qui engendre souvent des confusions avec un autre peintre de nature morte Pieter Claesz, fut un peintre spécialisé dans la peinture exclusive de natures mortes. Il travailla toute sa vie à Haarlem où il fut le président de la célèbre Guilde de Saint Luc. Sa peinture montre son excellence dans le rendu des reflets et dans la qualité de la reproduction de la surface des objets. Les natures mortes de Heda ont souvent une composition en forme de triangle, dans laquelle les objets les plus hauts sont placés sur un côté. Il utilise assez peu de couleur dans ses peintures qui semblent presque être des monochromies. Il réutilise souvent les mêmes objets d'un tableau sur l'autre. Récipients en argent, coûteux verres de Venise, Nautiles, verres Rummer, verres Berkemeyer intensifient les contrastes entre les aliments sur fond clair obscur. Les tableaux de l'artiste furent le plus souvent des huiles exécutées sur panneau de bois, plus rarement sur toile. On peut déceler dans ses œuvres d’avant 1635, l’influence de Pieter Claesz (ainsi que de Floris Van Dyck (1575-1651). Après 1640 les compositions de Heda s'agrandissent, deviennent plus riches, plus décoratives, telle la nature morte exposée au Musée de l'Ermitage, à Saint-Pétersbourg. Dès cette époque, Heda abandonne le format horizontal qu'il utilisait traditionnellement pour le vertical.

____________________________________________

2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Wayne Thiebaud (1920-2021) - Hat Rack, 1999

 

 

 

Wayne Thiebaud (1920-2021)
Hat Rack, 1999
Crocker Art Museum, Sacramento 

Que voit on ?  Une nature morte aux chapeaux soigneusement rangés sur un présentoir en métal chromé  digne de la vitrine plus  grands magasins de mode de  New-York. Quatre chapeaux de femmes sur ce présentoir couronnés par un cinquième d'allure masculine mais qui n'est autre qu'un panama à très larges bords pour dame. 

Rappel biographique : Le peintre américain d'origine Wayne Thiebaud, dont une célèbre toile avait été publiée au début de ce blog en 2014, est un artiste discret, de plus en plus considéré comme un des artistes majeurs du 20e et 21e siècle aux Etats-Unis.
Le travail de Wayne Thiebaud se caractérise par des peintures d'objets alimentaires de grande consommation, comme des pâtisseries, vues dans des cafétérias. Les experts se sont souvent demandés en examinant l'œuvre de Thiebaud s'il n'avait pas passé beaucoup de temps dans l'industrie agro-alimentaire pour se familiariser avec son sujet ? Et en effet c'est exactement ce qu'il a fait en ayant comme premier emploi un job de serveur à Long Beach, dans le café « Mile High and Red Hot » (Glace et hot-dog). Cet intérêt pour les objets du quotidien, confondus ensuite avec ceux de la culture de masse, associa son nom au mouvement du Pop-Art. Cependant, une fois réduit le tapage médiatique autour du pape du pop art (Andy Warhol), on remarqua - non sans stupeur - que les œuvres de Wayne Thiebaud, effectuées dans les années 50 et 60 étaient légèrement antérieures à celles des autres artistes de cette tendance... de là à lui attribuer une influence définitive comme précurseur de ce mouvement, il n'y avait qu'un pas qui, aujourd'hui, est franchi avec justesse.
Outre les pâtisseries, Wayne Thiebaud a également peint des paysages, des rues, ainsi que des personnages populaires, comme Mickey. Certaines de ses toiles récentes, comme Sunset street (1985) ou Flatland river (1997) sont remarquables pour le traité hyper réaliste, et se rapproche du travail d'un Edward Hopper, qui était tout aussi fasciné par ces scènes du quotidien américain.
Dans sa peinture, Wayne Thiebaud se concentre sur la banalité de façon à suggèrer l'ironie et la distance vis-à-vis de son sujet. Wayne Thiebaud se considère comme un peintre, mais paradoxalement pas comme un artiste. C'est un lecteur vorace, qui a l'habitude de lire de la poésie, celle de son poète préféré William Carlos Williams par exemple, à ses élèves.
En septembre 2010, alors qu'il fêtait son 90e anniversaire, Wayne Thiebaud réalisa un dessin pour le 12e anniversaire de Google qui l'afficha sur sa page d'accueil. Le dessin était exécuté dans le style bien reconnaissable de Wayne Thiebaud, et montrait un gâteau sur lequel est écrit Google et où le "l" était remplacé par une bougie. Il est décédé à l'âge de 101 ans, en décembre 2021

____________________________________________

2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

 

Richard Diebenkorn (1922-1993) - Table and Folding Chair

Richard Diebenkorn (1922-1993),
Table and Folding Chair, 1962
Oil on canvas, 72 x 99 cm
Private collection (Christie's)

Que voit on ? Une table servant de bureau et  dans l'intérieur de laquelle on aperçoit des livres ; une chaise pliante sur laquelle repose une planche à repasser. A l'extrême droite du cadre : unv isage peint sur une toile posée au sol ou surgissant peut être d'un magazine, attire le regard...  

Rappel biographique : Richard Diebenkorn est un peintre américain du 20e siècle dont le style oscille entre l’abstrait et le figuratif en fonction des périodes qu’il a traversées. Après une première exposition au California Palace of the Legion of Honor à San Francisco en 1948, ses débuts sont associés à l'expressionnisme abstrait et à l'Ecole de San Francisco, mouvement figuratif des années 1950-1960. De 1955 à 1966, il vit à Berkeley (Californie), change de style et devient un peintre figuratif important, dans un genre qui réunit à la fois la manière de Henri Matisse qu’il admire et l'expressionnisme abstrait. Diebenkorn, Elmer Bischoff, Henry Villierme, David Park, James Weeks participent ensemble à une renaissance de la peinture figurative, qu'on appelle l'École de San Francisco (Bay Area Figurative Movement). En 1967, Diebenkorn s'installe à Santa Monica et devient professeur à UCLA. Il installe son atelier dans le même immeuble que son vieil ami Sam Francis. Pendant l'hiver 1966-1967, il revient une nouvelle fois à l'abstraction, cette fois avec une vision très personnelle, un style géométrique qui se démarque clairement de ses débuts de la période expressionniste abstraite. La série Ocean Park, qu’il commence en 1967 se poursuit pendant les dix-huit années suivantes. Elle est devenue la partie de son œuvre la plus célèbre aujourd’hui. Elle se compose d'environ 135 peintures. Basées sur le paysage vu depuis la fenêtre de son atelier, ses compositions abstraites à grande échelle sont nommées d'après une communauté de Santa Monica où il a eu un temps son atelier. A la même époque, il peint aussi ce qu’il appelle des found still life, c’est à dire des toiles d’après ce qu’il trouve sur sa table sans rien retoucher à l’arrangement qu’il voit.
La première rétrospective importante de son oeuvre a eu lieu à la Albright–Knox Art Gallery а Buffalo en 1976 et 1977. En 1989, John Elderfield, conservateur au MOMA (New York) organise une exposition d’oeuvres de Diebenkorn sur papier, qui constitue d’ailleurs la partie la plus prolifique de sa production.
En 2012, l'exposition Richard Diebenkorn : The Ocean Park Series, organisée par Sarah C. Bancroft, a lieu simultanément à la Corcoran Gallery of Art, à l'Orange County Museum of Art et au Forth Worth Museum of Modern Arts de Washington.


____________________________________________
2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) - Nature morte au faisan dans la neige

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)
Nature morte au faisan dans la neige
Huile sur toile, 49 × 64 cm
Collection privée

Que voit on ? Un faisan, oiseau au plumage  somptueusement coloré  mais qui ne lui sert pas à voler très haut. Le faisan  important de Chine  en Europe il y a plusieurs  siècles  est devenu un animal  d 'élevage. Dans une nature morte, il ne peut donc être que mort, ce qui ne choquait guère au début du 20e siècle mais qui semble choquer énormément au début du 21e. L'opportunité en tout cas pour Renoir d'une étude de coloris où l'on notera ,entre autres, que le blanc de la neige n'est jamais blanc... comme chez Monet ! 

Rappel biographique : L'un des plus célèbres peintres français, Pierre-Auguste Renoir, membre éminent s'il en est du mouvement impressionniste a peint beaucoup de natures mortes, comme l'ensemble des impressionnistes d'ailleurs qui ont participé au renouveau de ce genre vieux de plus de 3000 ans. La dernière toile qu'il aurait voulut peindre serait une nature morte florale. Sur son lit de mort, Renoir aurait demandé une toile et des pinceaux pour peindre le bouquet de fleurs qui se trouvait sur le rebord de la fenêtre. En rendant pour la dernière fois ses pinceaux à l'infirmière, il aurait déclaré : « Je crois que je commence à y comprendre quelque chose ». Les mauvaises langues ajoutant généralement : " Il était temps ".
 
____________________________________________

2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

René Magritte (1898-1967) - The Survivor ( Le Survivant)

René Magritte (1898-1967)
The Survivor ( Le Survivant),1950
Oil on canvas 80 × 60.3 cm
Menil Collection, Houston, Texas. 

Que voit on ?  Un fusil ensanglanté et laissant dégouliner le sang adossé contre des lambris parfaitement peints en beige, et reposant sur la parquet  d'un appartement bourgeois ou d'un château. Le papier peint au-dessus du lambris, quant à lui, compte fleurette.   Mai,  me direz vous,  depuis quand la représentation d'un fusil adossé contre un mur peut elle eêre  considérée comme une nature morte ? Et bien depuis Magritte justement !

Rappel Biographique : René-François-Ghislain Magritte, est un peintre surréaliste belge et sans doute l'un des plus grands peintres du 20e siècle. La peinture de Magritte s’interroge sur sa propre nature, et sur l’action du peintre sur l’image. La peinture n’est jamais une représentation d’un objet réel, mais l’action de la pensée du peintre sur cet objet. Magritte réduisait la réalité à une pensée abstraite rendue en des formules que lui dictait son penchant pour le mystère : « Je veille, dans la mesure du possible, à ne faire que des peintures qui suscitent le mystère avec la précision et l’enchantement nécessaire à la vie des idées », déclara-t-il. Son mode de représentation, qui apparaît volontairement neutre, académique, voire scolaire, met en évidence un puissant travail de déconstruction des rapports que les choses entretiennent dans la réalité. Magritte excelle dans la représentation des images mentales. L’élément essentiel chez Magritte, c’est son dégoût inné de la peinture plastique, lyrique, picturale. Magritte souhaitait liquider tout ce qui était conventionnel. « L’art de la peinture ne peut vraiment se borner qu’à décrire une idée qui montre une certaine ressemblance avec le visible que nous offre le monde » déclara-t-il. La réalité ne doit certainement pas être approchée sous l’angle du symbole.

____________________________________________

2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau

Fernand Léger (1881-1955) - Nature morte aux instruments de musique, 1926

Fernand Léger (1881-1955),
Nature morte aux instruments de musique, 1926
Collection privée 

 Que voit on ? J 'imagine le casses tête pour les visiteurs d'une exposition de l'entre-deux guerres exposant cette œuvre, essayent de déceler de quels instruments de musique sotn contenus dans cette représentation cubiste  ?   Guitare ? Violoncelle ? Flûte ? Trombone ? Eh bien oui : Bingo !

Rappel Biographique : le peintre français Fernand Léger fut aussi créateur de cartons de tapisseries et de vitraux, décorateur, céramiste, sculpteur, dessinateur, illustrateur. Il a été l’un des premiers à exposer publiquement des travaux d’orientation cubiste. Cet amoureux du modernisme, du machinisme et de l'industrie, va peindre énormément de natures mortes tout au long de sa carrière. Déjà remis au goût du jour par les cubistes, "le genre traditionnel de la nature morte est réinterprété par Léger par le biais de sa théorie de l’objet. Tandis que les surréalistes l’intègrent à leurs œuvres pour sa charge symbolique, lui l’utilise comme point de départ d’une formulation plastique. La nature morte sert de prétexte à l’affirmation radicale de la valeur plastique de l’objet" 

(voir texte de référence :« Un nouveau réalisme, la couleur pure et l’objet », extrait d’une conférence au MoMA, New York, 1935).
_________________________________________

2022 - A Still Life Collection
Un blog de Francis Rousseau